Con las elegantes canciones de Emma-Lee Moss, SON Estrella Galicia, de un fogonazo, abrió las puertas (a lo grande) para iniciar su etapa de exquisitos directos en el remodelado Teatro Lara en el presente año, ahora también ampliando su programación al madrileño Café Berlín. La sensatez en lo ecléctico de su programación reúne a un público muy diverso, siempre atento al grupo presentado y el encanto del recinto. Todos sus interrogantes acerca de lo arriesgado de estos directos se desdoblan en exclamaciones que concierto a concierto siguen sorprendiendo. Y atentos a lo que queda por llegar este año, que no es poquita cosa los artistas que se nos vienen encima. Han pasado por el Teatro Lara, desde Javiera Mena hasta Scott Mathew, ahora quedan Damien Jurado, Tinariwen, Cass McCombs, Robyn Hitchcock y Tindersticks. Ahí es nada. Nacho Vegas lo hará en Galicia. Maika Makovski en Valladolid, Bigott en Ourense y Manos de topo en Valladolid y también en Galicia.

Por eso, el público que se acercó a una desconocida en nuestro país, Emmy the Great, pudo disfrutar de lo que pudo ser y fue: un delicioso concierto, donde esta artista, con sólo dos acompañantes en el escenario, no presentó linealmente las canciones de su último “Virtue” sino que dio un recital de cómo con sólo tres álbumes de estudio (no olvidar su navideño “This is Christmas” publicado en noviembre pasado junto a Tim Wheeler) se puede uno quitar el sombrero, darse la vuelta y reverenciar lo que se le está presentando.

Y a pesar de que los interrogantes surgen de forma inexorable: ¿cuántas cantantes de folk-pop existen en el panorama actual?, ¿en qué se diferencian unas de otras?, ¿cuántas copian un pasado de country-folk, se arriman al antifolk más o menos despojado de adornos instrumentales (cuerda, viento, guitarras,etc), o al folk-pop más arrinconado en versos traviesos, pegadizos o aniñados?, en la distinguida diferencia está la causa de la lógica de un trabajo bien hecho. Y en eso consistió la noche madrileña de Emmy the Great. Todas las preguntas abiertas, las cierra Emma-Lee Moss de un portazo. Entrábamos en el terreno de lo irrefutable; lo acuoso del bajo, la voz aterciopelada y los arreglos estaban en su sitio. Y las canciones estaban medidas con tanta mesura como precisión, sobre todo enfundadas en la voz de esta cantante, con unos tonos agudos que casi cortaban la respiración.

Nada más lejos de la realidad. Huye de los estereotipos que puedan hacer de su folk confesional una filosofía más remarcable que el poder de sus canciones y el magnetismo de su voz. De ahí que si bien, el arranque de su concierto, con la religiosa “Eastern María” pueda esperar un concierto místico, el mapa y el territorio (como diría Michel Houellebecq, no comparto la pasión de la cantante por Jonathan Franzen…) de sus canciones dista mucho de ser trivial y poco destacable. Porque eleva el poder de sugestión de sus canciones mucho más allá de lo que se escucha en sus discos de estudio.

No es de extrañar que ahora mismo se encuentre escuchando las letras del genial Jarvis Cocker y Fever Ray: de lo brillante del pop del primero hacia la oscuridad electrónica de los segundos. O que haya colaborado con Noah and the Whale, Fatboy Slim o el gran Darren Hayman (¡qué espléndido su último álbum, por cierto!), y Simon Raymonde, de Cocteau Twins. Por eso dice escuchar a los artistas pop que llevan las cosas a nuevos lugares en sus momentos más extravagantes, y su música va de lo más sencillo hacia letras pintorescas, que huyen de lo estereotipado.

La compositora hongkonesa de tan sólo 27 años de edad, afincada en Londres y anterior miembro del grupo de Indie-folk Lightspeed Champion, tiene mucho que dar a la escena folk-pop ( o como queráis llamarla) actual y puede darse la mano e ir acompañada a la altura de Kate Nash, Laura Marling, Laura Veirs y tantas otras compañeras de reparto. Y sin que nadie se asuste por las comparaciones.

Reconozco que no soy un fanático ni de sus dos discos de estudio ni mucho menos de sus directos, que me parecen bastante tramposos. Su segundo álbum, “Belong” se me desinfla en cada escucha (sobre todo en su parte final) y lo mismo me ocurre cuando presentan en vivo sus canciones, que me resultan a medio hacer, como si no terminasen de cuajar sus melodías, a pesar de los arañazos de las guitarras y los golpes de efecto en la inmediatez de muchas de sus canciones. Tiran a la manzana pero dan en el tronco. Y sólo saltan astillas en momentos contados de su directo, que no alcanza la altura que se podría exigir a un grupo con un puñado de composiciones que dan para mucho más que esa sensación de dar guerra y quedarse agazapado en la trinchera.

El dream-pop de la voz aniñada de Kip Berman no me lo creo, ni tampoco el noise-pop de lo cristalino y pegadizo que puede llegar a ser un golpe de efecto como “Heart in your heartbreak”. Sueñan a ser grandes en su mundo twee-pop y entregar una fiesta, pero la fiesta es pequeña. Y deseando vestir de largo sus temas se quedan en pantalones cortos.

Pero claro, a las primeras de cambio, cuando suena la canción que abre su último álbum,“Belong”, (de lo mejor que han compuesto hasta la fecha), la gente empieza a menear la cabeza. Y el resto del repertorio, donde no consideran que cambiar las canciones sino pegar el álbum a sus seguidores es su clave de identidad, suena muy evidente; el no querer hacer trampas les delata y el no arriesgarse aún más. No les veo garbo ni gracia y, por esa razón, no me acaban de convencer, lo cual (insisto) no quiere decir que no tengan canciones para hacerlo mucho mejor. Ahí tienen “Come Saturday” para poder demostrarlo. Pero el conjunto suena muy obvio, casi trillado, y sin ganas de sortear ningún escollo. Contaban, además, con la ventaja de jugar con el escenario de la Joy Eslava, donde las voces se escuchan realmente bien. Pero, para su desgracia, aún les queda la mitad de camino, por lo menos, para llegar a ser The pastels.

Para algunos, con sólo dos álbumes de estudio tienen su tierra ganada. Para muchos otros, se han quedado en la Tierra Media, con muchas batallas por ganar y controlar su mundo, y eso que pasean sus canciones por nuestro país cada dos por tres. Pero en directo, a pesar de sus entrenamientos, se quedan muy, muy justos.

Tan sólo doblando tres esquinas hacia la derecha y desdoblando otras cuatro a la izquierda llegué al destino y allí habíamos quedado unos cuantos para disfrutar de la despedida del grupo Cataluña y Baleares, equipos destacados que despuntan en nuestro país, organizados con ardid y ocurrencia por Vertical Pop. Todo un regalo. No importó que entre ellos faltara Antonia Font, a pesar de que muchos lo echaran de menos estos días en Madrid. Y los cuentos, no castigados en baúles de música abandonados por un mercado que parece huir de ellos, que volaron y hechizaron a los allí presentes nos los obsequió Nacho Umbert y la Compañía de sus cuatro músicos, engatusando a los que tenían enfrente.

Entre esas calles, hasta allí llegar, cruzando la Gran Vía y pasando por Fuencarral, uno se puede cruzar con prostitutas que salen de sus “casas de sombreros”, chavales, algún moderno que trata algún asunto capital, cajeras de supermercados, luces de boutiques de moda, chicas espectaculares que provocan colapsos y ardores de mal pronosticar, gimnasios donde los muchachos compran lociones de “fiera sexual”, alcaldes, curas e, incluso, algún pariente lejano de Benidorm.

Dejando atrás a la gente, como si fuera un flautista alemán, asomando la cabeza en esos paisajes de personas y parejas que uno se cruza cada día en su vida, Nacho Umbert convierte lo humano en canciones donde fantasear sobre rimas perfectas o versos en catalán; mágicos y contagiosos otras veces, alegres y casi delirantes, como lo hace en “El mort i el degollat”, sobre un proverbio valenciano que habla de no caer en la hipocresía.

En hora y media, como si se tratara de la primera cita que tienes con tu pareja, quiso dar lo mejor de sí mismo. El público se lo agradeció con creces. Todos salimos con una sonrisa en los labios. Ni siquiera cualquier novato de ala ancha hubiese sospechado dónde habría llegado a parar. No hace falta hablar de aquellos que hacen enarbolar la bandera de la modernidad. Sólo de estos que tienen en sus manos la elegancia del saber deleitar. Cualquier princesita, al salir, se hubiese convertido en un pivón y el resto silbando sus temas, rimando con fascinar.

Nacho Umbert es un corredor de fondo, atrevido en sus letras (“tengamos la puta fiesta en paz, acomete en “Nuestra especialidad”, donde sentencia después diciendo eso de “es la guerra, es Navidad”, con el acompañamiento de unas matasuegras deliciosas).

Claro, si este superhéroe de un país tropical, aunque haya perdido su manual varias décadas atrás, ha vuelto bien acompañado todos podemos estar de enhorabuena, ¿no es verdad?. Y sus canciones, esmeriladas por esa eminencia que es “Refree” (uno de los mejores músicos del panorama musical español de las últimas décadas), a su derecha en el escenario, no dejaba distracción posible ni ganas de huir de sus temas. No se puede hacer como si nada. No se puede querer cambiar.

No estaban con él sus compañeras de Pauline en la playa, (ay, ¡qué bueno y olvidado es también su último álbum!), pero las ausencias quedaban mitigadas por las excelencias del atractivo del ukelele, los teclados, el acompañamiento de las voces y todo lo demás; el conjunto fue delicioso. De cómo un cantante coquetea con sus canciones, se lo pasa bien con sus músicos y lo contagia a su público. Detrás de él seguimos, como si fuera un flautista alemán. Nada de reproches ni dentelladas, golpeando con gran celebridad un buen disco. Y es su más preciada especialidad.

Smashing Pumpkins se presentaban en Madrid con la duda de si Billy Corgan convertiría aquello en un auténtico aburrimiento o si por el contrario contentaría a todos aquellos que anoche agotaron todas las localidades en La Riviera.

Realmente hubo división de opiniones. Tal vez la balanza se inclinaba más hacia el punto negativo, pero no lo era tanto como parecía. El hecho de no tocar las archiconocidas ‘1979‘, ‘Stand inside your love‘ o ‘Today‘ y de cerrar el show con ‘Tonight, tonight‘ “olvidándose” de dos temás más que, guiándose por antecedentes, deberían de haber sido ‘Bullet with butterfly wings‘ y ‘Zero‘, la asistencia y en especial los seguidores veteranos, se quedaron con un palmo de narices. Una apuesta arriesgada, la verdad, que no ha sido del gusto de los fans, pero que sí parece serlo de esta especie de review de Smashing Pumpkins. Francamente, no son ya el grupo de James Iha, Melissa Auf der Maur, D’Arcy y Jimmy Chamberlain, sino que realmente es Corgan el único que ahora se mantiene junto a Mike Byrne, Jeff Schroeder y Nicole Fiorentino. ¿Son tan dignos de llamarse Smashing Pumpkins? Hombre, pues sí y no.

Defendieron con muy buenas maneras el comienzo con ‘Quasar‘ y ‘Panopticon‘. Y es que no rebajaron ni un ápice de calidad hasta casi más allá de la mitad del concierto, salvando los enredos sonoros. ¿Pero cual es el problema si empezaron tan bien pero aun así dejaban un mal regusto? Pertenecientes al experimental proyecto “Teargarden by kaleidyscope“, ‘Quasar‘ y ‘Panopticon‘ indicaban la diferencia entre un concierto de grandes éxitos y uno de canciones nuevas y/o menos populares. Starla dejó las fraguas listas para que ‘Geek U.S.A.‘ y Muzzle ardieran entre distorsión y enrevesados solos de guitarra que, por otra parte, eran exactamente iguales a las versiones de estudio. Claro, “Mellon collie and the infinite sadness” y “Siamese dream” eran marcas complicadas de superar y es evidente que el contenido de esos dos grandes discos pudieron haber sonado anoche en la capital, pero no fue así. ¿Arriesgarse y ser criticado? Bueno… lo mismo si repiten puden ser igualmente acribillados. ‘Soma‘ y ‘Siva‘ fueron los últimos lances antes del hundimiento. Un concierto notable que ha encontrado en su mitad la balsa de aceite que ha sosegado el torrente eléctrico, salvado por ‘Pale horse‘ y ‘Thru the eyes of Ruby‘. Preciosas, por cierto.

Un repertorio plagado de b-sides, nuevas e inéditas composiciones, descartes (como ‘Frail and bedazzled‘) y experimentación dejaron algo vació el espíritu principal en la nebulosa noche. ‘Cherub rock‘ era el último latigazo antes de que ‘Tonight, tonight‘ fuese la antesala del final de luces encendidas y colas en el ropero. Bastante decepcionados (o no) quedaron los fans que se encontraron justamente con eso, con un concierto “anti-fans”.

Es posible que dentro de lo malo, algún avispado se quedara con algo de Ringo Deathstarr, la banda telonera, que a modo de masturbación, sirviera como consolación de este coitus interruptus perpetrado por Smashing Pumpkins.

El Festival Internacional de Cine de Gijón, que siempre incluye en su programación alguna entrega musical (además de sus conciertos gratuitos), y este año también lo hace con el rockumentary titulado “First we take Milán” sobre la escena musical asturiana desde los setenta hasta nuestros días, en su edición cincuenta menos uno estrena en España una película muy interesante sobre el rescate de un tesoro en los sótanos de la televisión sueca. Se trata de un conjunto de bobinas inéditas que reporteros de ese país filmaron en Estados Unidos entre 1967 y 1975, cuando la explosión del pensamiento de la raza de color tenía en Martin Luther King y Malcolm X a sus exponentes más representativos. Fue el llamado Black Power, cuyo pensamiento salió a las calles, desencadenando revueltas policiales en contra del pensamiento afroamericano de la época, en busca de una identidad perdida por la segregación racial, los pacíficos conceptos humanitarios y de tolerancia de Luther King, el extremismo radical que comunicaba Stokely Carmichael o la necesidad de comunicación tan solícita, arriesgada y en esos momentos tan quimérica de Angela Davis.
Y detrás de todo esto existía una necesidad de identidad social y de convivencia necesaria, en pos de una historia que les debía un lugar en un espacio que les pertenecía como propio y al que habían dado su vida. Y la música, como parte exponencial de esta evolución, es prueba de ello. Por eso, al principio del documental suena “Rockin’ Robin” de los Jackson 5. Y por eso también, una de las voces que transmite todos estos deseos es la gran Erykah Badu. En el apartado musical, también destacan los testimonios de Questlove, autor de la música original del largometraje. En el documental, asimismo, se dejan entrever las formas de vida de una comunidad que, como se cuenta al inicio, no conoce en su parte de población que puebla los Estados Unidos el origen africano de sus ancestros, sino la historia reciente del lugar donde han recibido la cultura y al que le han dado su pensamiento, gestos e ideas.

Y la música, como tantas otras formas de expresarse, se palpa en muchos de los instantes de la vida de la gente de color, en una legendaria exposición de talento que ha llegado transparente hasta nuestros días. Después de que el gospel, el soul y el blues se pegaran en la conciencia de los jóvenes que vivieron como propio el sentimiento de ruptura a favor del entendimiento, el rap, en las últimas décadas, ha dejado más clara la solicitud callejera de la obligación de cumplir un espacio en un país, con arrojo mucho más tajante. Y en Harlem se vivió todo esto. Recordemos que los primeros afroamericanos en llegar a Harlem lo hicieron a inicios del siglo XX, cuadruplicando su cifra en 1919.

Y ahora, esos dirigentes del movimiento que exigían un lugar en la historia, se daban de bruces con un sistema (capitalista) que hacía complicado romper las barreras que hacen que una raza pueda ser comprendida y explicada en todo su proceso a lo largo de su pasado, buscando un espacio equitativo en la sociedad que les pertenece y les es propia.
Y todo esto lo cuenta este interesante documental; pieza más que atrayente para acercarse, una vez más, a una sociedad que ha dado mucho más que una imprescindible época para la historia de la música contemporánea.
Sitio web oficial del documental: www.blackpowermixtape.com

Han sido inteligentes y muy hábiles los muchachos que ahora caminan sobre la cuerda floja. Glazz, desde El Puerto de Santa María (Cádiz), sacan el látigo y chasquean con “Cirquelectric“, un segundo trabajo que supera a “Let’s Glazz” (LoSuyo, 2008), la ópera prima de este trio instrumental formado por Javi Ruibal (batería), Daniel Escortel (bajo) y Jose Recacha (guitarra) que emulsiona el jazz con la electrónica (en pequeñas dosis) y el rock, vestido, este, al igual que Imán Califato Independiente, Weather Report o King Krimson.

Esta entrega vendría a ser el más difícil todavía y ciertamente así lo es. Ellos lo merecen ya por el simple hecho de haber compuesto ‘Triple mortal‘, una acuánime miscelánea de guitarras estiradas y un bajo formidable que dan un poso de calor al final del álbum. Sí, el final… de veintiún ensoñaciones (veintidós si se cuenta el bonus track titulado ‘El hombre bala‘) que han recorrido una noche circense, muy de madrugada y al lado del mar. Una imagen que bien podría haber dibujado Maurits Cornelis Escher o El Bosco.

Tienen esas guitarras y teclados que sólo el rock andaluz supo dar al mundo cuando Gong, Smash, Triana o Guadalquivir eran los monarcas indiscutibles del rock progresivo en España (con el permiso de Máquina). ‘El lanzador de cuchillos‘ ya se hace fuerte en ese tipo de características anteriormente descritas (como también ‘Montando la carpa‘, su predecesora). Es un disco largo y extenso, con melodías muy tranquilas en su mayoría (‘Cuando sea mayor‘ con emocionante violín) pero con una fuerte pegada cuando desarrolla su lado eléctrico (‘Los forzudos‘). Se debe tener en cuenta que anda entre la obra conceptual y la ópera rock, pues su espectro argumental -y también sonoro- crece en una historia circense, muy bien traída, por cierto. Sin olvidar el agradable eco arábico-andaluz que corretea en ‘Saltimbanquis‘.

Pero en esta pista hay leones de peso. ‘Alehop‘ funciona muy bien como trapecio seguro en el que Miguel Ríos (cantando) y Javier Ruibal (en la letra) mantienen el equilibrio ante el respetable. Por otro lado, ‘El trapecista‘ es el aro de fuego con Pedro Perles al frente y sujetando la red, Leda Tres.

Glazz saben lo que se hacen e incluso pretenden editar “Cirquelectric” en Dolby 5.1. Ahí es nada.

Unas canciones bien elaboradas, sin cabos sueltos ni trasquilones. Ideal para amenizar el sueño o dejarse llevar por el alicatamiento. Siempre, por supuesto, en buena compañía.

Como niños en su cumpleaños. Tal y como si todos los que llenábamos el Teatro Lara escondiéramos piedras en los bolsillos, para lanzarlas hacia aquellos que nos impidieran entrar. Con las sombras arrimadas a nuestros pies y de ahí, pegadas a los asientos. SON Estrella Galicia cerraba, por el momento, su calendario de conciertos con un portazo espectacular a su exquisita selección de artistas. Aterrizó la segunda visita de John Grant este año, tras el impacto emocional que supuso la presentación de su obra maestra en Madrid, “Queen of Denmark”, en el Día de la Música hace unos meses. Y confiando en repetir el calco de esas canciones que siguen pegadas a nuestros oídos, más unas cuantas nuevas que comenzará a grabar el próximo enero, en el que será su segundo trabajo en solitario; el rey del soft-pop soltó sus lanzagranadas desde el primer centímetro al último de lo largo y ancho de las figuras que tenía delante. E hizo explotar con su fulgor conmovedor de la primera fila a la última los tímpanos afectados con ese lirismo que le han hecho tan característico y carismático, con un piano, sonidos pregrabados y un teclado para dar forma a unas canciones donde alguien le ha encargado un hueco propio y distinguido en la otra parte de lo que puede ser el “crooner” de la nueva era. Aquella donde no se ve atisbo de fingimiento con la sencillez. Y el silencio fue unánime y respetuoso. Tenía delante a su pandilla de incondicionales. La ocasión pintaba clara; el disco estaba rodado y sólo cabía dejarse llevar. Él y su pareja en el escenario se encargarían del resto.

Con su castellano entrañable, saludó a su público con un “¿qué tal?, ¿cómo habéis estado últimamente?”, y de ahí comenzó a caer el granizo de sus estrofas, marcadas por esas melodías pegadizas que producen esa combustión instantánea en cuanto abre la boca. Hay que ver el magnetismo que tiene el hombre.
La primera de su excelso álbum fue “Sigourney Weaver”. Desde ahí en adelante quedábamos entregados a, por una parte, las pocas sorpresas de la noche y, por otra, aquellas que no nos hacía falta escuchar.

Es cierto que hasta ahora, el sonido del Teatro Lara ha sido perfecto. Esta vez, un pitido fastidioso impidió la sobresaliente candidez de algunas canciones. De la malicia se encargaron los comentarios del artista, con su humor revoltoso y cercano. Otras veces, para dedicar una emotiva canción a su abuela fallecida un par de años antes.
Será que en un país tan tibio, el que se acerque a nosotros un señor con tanta presencia, sea una noticia la mar de agradable. A más de uno le hubiese servido de hazaña personal el conocer a este señor. Y si no, así nos luce el pelo.
Sigamos. Tras ellas, impactaron “Marz”, las suaves notas de vocoder con las que iniciaba la crepuscular “Where dreams go to die” y los dos ases del tamaño de un castillo que, en el mismo orden del disco, tocó en esa noche: la que para el que esto suscribe es la mejor canción de su álbum, “It’s easier” y, tras este descomunal canto de cisne, “Outer Space”, otra de sus muestras de lo que puede ser un estribillo que anega toda una canción.
También hubo un espacio para el gancho del pop casi saltarín de la canción más “simpática” de su trabajo; “Chicken bones”, así como para la ensoñación casi espacial de otro acierto, “Caramel”. Antes, también había marcado la pausa firme de la que, quizá, es la pieza más inmutable de su repertorio y la que más caracteriza su estilo: “TC and Honeybear”, que puede afinar el conjunto de sus temas.

Pero esta vez, si tengo que quedarme con una, habría que escoger, por su crescendo que cantó de forma tan dramática como espectacular, ”Queen of Denmark”, que cierra su disco y casi una noche al borde de un abismo donde lanzarse a una incondicional escolta de aquí en adelante.
Tras los encendidos aplausos volvió a salir para entregar, con su declaración de intenciones, “Jesus hates faggots”.

Esperando ansiosos su segundo trabajo nos vuelve a dejar con los brazos en alto.

Como dicen que afirmaba Truman Capote: “Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio”. Aquí se podía cambiar por: “Soy un señor. Soy entrañable. Soy homosexual. Soy otro genio”. El que no lo comparta, allá él. Que siga igual de tibio y sin piedras en los bolsillos.

Se dice eso de que segundas partes nunca fueron buenas. También lanzan pedradas contra aquellos que siguen una norma establecida… pero pocos son los que logran hacer una continuación tan buena y merecedora de elogios. Los vigueses Maryland se sienten dichosos con “Get cold feet“, una dignísima hermana de “Surprise” (Ernie Records, 2009) que ha permitido a sus seguidores tener un motivo de orgullo y a ellos mismos para sentirse realizados con tal de seguir hilando más y mejor.

Las canciones de esta segunda parte atrapan y emocionan. Exudan pop (del bueno y del bonito) por cada segundo y encima, para colmo, Jaime Gª Soriano ha sido quien manejaba los mandos de la producción. Podrían sonar un poco a Sexy Sadie, pero esta afirmación sería tirar por el camino sencillo. Lo correcto sería confirmar que Maryland toman el relevo del power-pop sencillo pero potente a la vez, que tantas glorias dio en su tiempo a los mallorquines. Si buscan referentes que no tengan nada que ver con lo nacional, pueden ir al continente americano y dar con Weezer si así lo prefieren. Temas como ‘Red boots‘ y ‘Atom bomb‘ despuntan por encima de los demás, teniendo a ‘25 Springs‘, ‘For me today‘ y ‘Every moment‘ peleando (a base de distorsiones y riffs claros) por llegar al clímax.

Con ‘It works‘ la formación gallega hace saber que controlan lo que hacen y puestos a pedir, buscan la bandera que les conduzca a un tercer eslabón más, dejando las puertas abiertas a la llegada de ‘Little Miss Sunshine‘.

Ojalá (y así sea) que Rubén, Pablo, Iván, Arturo y Jaime sigan proporcionando música -pues al fin y al cabo es lo que hacen- e impolutas guitarras hasta arriba de chorus durante lo que queda y para los restos.

Amén.

Desde la apertura de su herida deja ver Javier Corcobado las entrañas de terciopelo rojo que todo crooner lleva en su interior. Y es que el nuevo trabajo de Corcobado es de etiquea y de whisky on the rocks. En él rinde homenaje a la figura de músicos que marcaron y moldearon su carrera. Y es que tratóse de un compilado de versiones, muy bien traídas y francamente bien entintadas de esa tonalidad que brinda, como acostumbra, Javier Corcobado.

Frank Sinatra, Serge Gainsbourg, Agustín Lara, José Alfredo Jiménez, Fred Astaire, Manuel Alejandro o Spacemen 3 avivaron la llama que hoy prende en elegantes momentos transformistas con ‘The shadow of your smile’, ‘Coraçao vagabundo’, ‘The world we knew’, ‘Te estoy queriendo tanto’, ‘Noche de ronda’, ‘Le poinçonneur des lilas’, ‘El rey’ ‘Carioca’ y ‘Losing touch with my mind’. Llevadas al lado poético (sí, más todavía) y al oscuro del humo en la luz, las interpretaciones de “Luna que se quiebra sobre la tiniebla de mi soledad” alardean de ser clavos ardiendo sobre mantequilla.

A trompicones y con algunos problemas por el cinismo de la Industria, este álbum ha sido grabado a caballo entre Barcelona o Bilbao gracias a Carlos Ann y Raúl Lomas.

Por supuesto es de menester mentar a los músicos que se han servido de los licores que el buen señor ofrecía en forma de canción. Susana Cáncer (piano y órgano), Jesús Alonso (batería y percusión), Fino Oyonarte (bajo) y Juan Pérez Marina (guitarras) (junto a Mariona Aupí y Gonzalo Lasheras) han fraguado las cenizas de un nuevo trabajo que será elogio para lo más sibaritas y totalmente atemporal.

Nada mejor que un concierto íntimo, de los de verdad, de los que el músico se siente más persona que artista y prefiere tocar el piando dando media espalda al público mientras interpreta sus canciones; las nuevas y las pasadas. El caso es que toca lo que siente y como le sale. Así hizo el vigués Iván Ferreiro durante tres noches en el ContraClub, coqueta sala de Madrid, muy cercana al Palacio Real.

Lleno absoluto, y es que era algo fácil de conseguir tratándose de un aforo limitado a ochenta personas. El bueno de Ferreiro se sentó al piano con una colección de canciones muy variada, desde viejos temas de Los Piratas hasta las versiones más raras, pasando por su cancionero habitual. Más o menos como hace en el nuevo trabajo que ya presenta por todo el país, “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 2011). Algo sencillo, pues no hacen falta grandes alardes técnicos ni instrumentales para hacer sentir la música en aquellos que te escuchan.

Nada más comenzar el recital, el propio músico decidió que sería mejor si la audiencia se sentaba en el suelo. Cuando sonaban las últimas notas de ‘Paraísos perdidos‘, los huecos que pudieran quedar en el local eran nulos. A decir verdad, los temas eran muy apropiados para este tipo de shows: ‘Jet lag‘, ‘Santadrenalina‘, la clásica y preciosa ‘M‘ o ‘Mrs. P‘ encajaron divinamente en el ambiente que el propio Iván pretendía conseguir. Lo complejo de esta concepción es la dificultad de hacer nuevas las canciones que, en el subconsciente, son distintas a como suenan en el momento. Era el caso de ‘Tio vivo‘, perteneciente a la úlltima entrega de estudio de Los Piratas “Relax” (Warner, 2003), la cual contiene unas armonías más próximas al minimalismo pop que a la serenata nocturna de piano. Igual suerte (y también para bien) corrió ‘Inerte‘, la pieza primera del mismo artefacto.

El momento emotivo de la velada surgió con ‘Años 80‘ y la versión de ‘Una décima de segundo‘, obra del grandísimo Antonio Vega que se vio contrastada con otra versión algo más inusual: ‘One more kiss, dear‘ de Vangelis, extraída de la banda sonora original de “Blade runner“.

Como era de esperar las visitas a la tarima fueron también un aliciente más. Haciendo juego de palabras (aunque de apellidos, en este caso), Álex Ferreira acompañó al gallego durante ‘Ciudadano A‘ y ‘Promesas que no valen nada‘. Como ustedes saben, la letra de esta composición termina con unas pequeñas líneas de ‘Insurreción, de El Último de la Fila, pero esta vez se dejaron llevar hasta completarla desde la primera hasta la última estrofa. Con ‘1999‘, de Love of Lesbian, sucedió parecido pero sin llegar al extremo cuando Iván Ferreiro coló algunas líneas de la archiconocida de Jeanette ‘¿Por qué te vas?‘. También destacable la fugaz aparición de Salva Codinach, voz de Ruidoblanco, en ‘El equilibrio es imosible‘.

Para aproximar el final, el concierto terminaría cerrándose con ‘Turnedo‘, dejando la atmósfera de la sala algo más ligera y con algún que otro entrañable novio esperando la canción favorita de su romance entre gintonics derramados por el suelo.

¡Qué cosa tan maja han hecho Pablo Maronda y Marc Greenwood (La Habitación Roja) con este primer trabajo firmado por Maronda y llevando el título de “El fin del mundo en mapas“!

Son catorce canciones que rezuman pop, de bueno, del sesentero, tanto cañí como americano e incluso british. ‘Cambiada‘ son Los Brincos, como también pertenecen a ese club ‘Impresionable‘ y Sin Misterio‘. ¿Y quien puede despreciar a unos Brincos? Nadie, y menos si los chicos de Maronda actualizan ese legado sonoro. Como si fuese masa de pan fermentada, el álbum crece hasta alcanzar su plena madurez con ‘Control‘, sucia, eléctrica y dolorosamente potente. Tienen pasajes que recuerden a Los Pixies, a la Velvet Underground, Byrds, a -los antes mencinados- Los Brincos, incluso algún retazo de Los Planetas (como en ‘Hay algo eléctrico entre tú‘) o Family en ‘Un soplo en el corazón’.

No podían faltar los homenajes: ‘Buenaventura‘ es uno de ellos, recordando al anarquista asesinado durante la Guerra Civil Buenaventura Durruti. Otro supuesto homenaje tendría cabida en ‘Aléjate‘ con guiño al tristemente fallecido Sergio Algora. ¿Y qué les parece el prometedor clásico ‘Los novios de Bélmez‘?

Un LP que lo tiene absolutamente todo. Pop alternativo con ecos oldies llevados a la modernidad. No se pierdan a Maronda y este “El fin del mundo en mapas“, pues no les va a defraudar.

¡¡¡Acojonante, Caco Senante!!!

Cumplir años es un acto digno de celebración, pero que un grupo cumpla una década juntos es algo todavía más meritorio y más a día de hoy. Los madrileños Garaje Jack cosecharon en todo este tiempo tres únicos álbumes de estudio que han bastado para afianzar y confirmar que estos chicos, con Laura Rubio a la cabeza, no tienen porqué editar una gran cantidad de discos, sino buenas canciones y llevarlas al directo.

La Joy Eslava presentaba un lleno considerable cuando, a eso de las ocho y media de la tarde-noche, salía Vikxie a calentar el ambiente presentando su segundo largo, titulado “Por arte de magia“. Pasada la media hora se silenciaba la música para que el murmullo de la gente llenara la ya abarrotada sala. Anunciaba -con las luces apagadas y un collage fotógrafico de fondo- ‘With a little help from my friends‘ (la versión de Joe Cocker) el comienzo del aniversario. Poco a poco salían los protagonistas, dejando un márgen de tiempo a la entrada triunfal de la rubia vocalista que vestida con una pequeña camiseta de lentejuelas y un ceñido pantalón aparecía para entonar la primera del set-list; ‘Sin red’, perteneciente a “Todo eran canciones” (BMG, 2010), situando así la punta de un extenso show emotivo que no podía empezar mejor.

Pero aunque las letras son la munición, el sonido es el arma más precisa de los Garaje Jack. Óscar Rama (guitarra) ofrecía un ágil espectáculo para avivar todavía más a las primeras filas que coreaban los estribillos de canciones como ‘Lo que quieras‘ y ‘Valiente‘, dando por finalizada la primera tanda, no sin antes saludar y agradecer al respetable su presencia: «muchas gracias por haber venido a darnos calor hoy, porque el calor nos lo dáis a nosotros», agradecía Laura antes de presentar al próximo invitado; Nico Álvarez, primer guitarra de la banda que para la ocasión rememoró ‘El callejón‘ y ‘Cinco flores‘, ambas del primer LP, “Alma en celo” (Factoría Autor 2001).

El momento álgido de la noche (y no el único) llegó con ‘Seguimos en pie’ y ‘Tú y yo‘. Mucho significado contenían aquellas piezas para la vida de una banda que pese haber vivido momentos complicados, continuaban en la brecha. Le seguiría la primera versión de la velada, ‘Only a fool‘ de The Black Crowes. Aderezado todo ello de manera magistral con arreglos de vientos. Y es que aunque el conjunto oficial de cuatro componentes con Laura, Óscar, Carlos Toja “Trujo” y Jorge sea de lo mejorcito, también tuvieron el respaldo de Dani “Soho” Gónzález (guitarra) y la de Moi Gómez con los teclados.

Como parecía aventurar el ambiente, el evento aglutinó todos los factores para que la noche dejara caer alguna que otra lágrima de emoción entre la gente y hasta de la propia cantante cuando dentro del set acústico llovía la melodía de ‘Vida‘. Por cierto, precioso bloque íntimo con Jorge Galaso dejando el bajo para interpretar algunos de los temas a piano. Además con Joe Eceiza (Le Punk) como siguiente invitado. Hasta que el resto de músicos volvieran a compartir protagonismo con sus compañeros, el momento íntimo resultó ser demoledor, pues Garaje Jack no sólo son una excelente banda de rock and roll injustamente tratada, sino que se defienden sobradamente acelerando el blues o bajando marchas en acústico.

Si a mitad del show explotaron los momentos más enternecedores y aclamados por la audiencia, llegando al final volvieron las luces y las sombras del grieterío con la voz de Aurora Beltrán en ‘Sabor a sal‘, cuarto corte de la segunda entrega, “Traje nuevo” (Factoría autor, 2008). Y así fue, una recta final que se comió cualquier otro evento sucedido esa noche en la capital. ‘Whole lotta love‘ de Led Zeppelin fue un colofón y soberbio final para una celebración que será recordada en un próximo DVD.

¿Significará esto un punto y aparte o un punto y seguido para Garaje Jack?
La historia de Garaje Jack ha convencido y quedará en la memoria de los que tienen esperanzas en el rock madroño.

¡Albricias! Comenzaba (para alegría de muchos y desgracia de otros) la gira de Amaral, presentando el último trabajo de estudio y recientemente galardonado con un disco de oro, “Hacia lo salvaje” (Antártida, 2011) en el Palacio de Congresos de Zaragoza. El dúo compuesto por Eva Amaral y Juan Aguirre parecían sentirse completamente preparados cuando -como introducción al evento- sonaba ‘All tomorrow’s parties‘ de la Velvet Underground.

Una llamarada de luz perturbaba la tenue oscuridad que servía como primer asalto al repertorio de veinticuatro canciones con proyecciones sobre naturaleza y animales en el telón de fondo. ‘Hacia lo salvaje‘, single y principal representante de este nuevo plástico, sonaba potente y claro, disipando las pocas cuestiones que pudieran quedar. Sin duda la llamada de la naturaleza había logrado una conversión de los músicos con el entorno. Un detalle que es de agradecer a cualquier grupo que se precie es que si uno presenta una nueva colección de canciones lo suyo es revisarlas en su presentación. Así lo hicieron los chicos, acompañados de Jaime Gª Soriano (Sexy Sadie) con la guitarra rítmica, Toni Toledo con la batería y el riguroso bajista Chris Taylor. Un formación básica para un conglomerado de complejas melodías donde sonaron todas y cada una de las nuevas composiciones; desde ‘Esperando un resplandor‘ hasta ‘Como un martillo en la pared‘ pasando por ‘Riazor‘ o ‘Van como locos‘.

“Sabemos que para vosotros es especial, pero para nosotros lo es más“. Expresaba agradecida la vocalista ante su público. Y es que sin duda alguna, se encontraban en plena forma. Pese a algunos pequeños estragos del directo, como viene siendo lógico, el show continuó sin más problemas hasta completar una duración de dos horas.

Si las nuevas canciones sonaban correctamente, los éxitos anteriores pasaban por un filtro que los hacía más novedosos. Así se pudo escuchar ‘No sé que hacer con mi vida‘ enfocada desde la guitarra de Aguirre que despedía un riff que recordaba a ‘La Grange‘ de ZZ Top. En cambio predominaban las tradicionales tonalidades sonoras en ‘Como hablar‘ y la electricidad añadida a ‘Estrella de mar‘. Pero para gustos los colores. Incluso se llegaron a mostrar experimentales arriesgando un labrado coqueteo con theremin al finalizar ‘En solo un segundo’, además del juego vocal de Amaral, poderoso hasta quebrarse levemente colándose entre las butacas del recinto, pues la propia cantante se paseó por la platea a la vez que interpretaba dicho tema, avivando de ese modo al público. La anécdota de la noche fue protagonizada por la propia Eva, que en respuesta al grito de ¡artista! proveniente del gentío ella espetaba: “No sé si tomarme eso como un insulto con los tiempos que corren“.

Agradecidos y muy emocionados resolvieron con total rabia ‘Revolución‘, dando por acabado el primero de cinco conciertos en Zaragoza, con las localidades agotadas.

‘Moonriver‘ sonaba en la lejanía de la despedida. Amaral continuarán girando hasta entrado 2012. La bienvenida a un grupo que no defrauda una vez más

La chilena Javiera Mena vive asentada en una suerte de tecno-pop que le ha garantizado la adhesión incondicional de cierto segmento de seguidores. Aquellos a los que les puede gustar tanto la música de Hidrogenesse, de Amaral cuando no son tan derrengados o incluso los Fangoria menos cáusticos y dramáticos. Por eso, Hidrogenesse han tenido la audacia de elaborar una tremenda remezcla para una de las mejores canciones de su segundo álbum de estudio, “Mena”, publicado el año pasado. Nadie mejor que ellos para encauzar el pop bailable y etéreo de su elevada “Luz de piedra de luna”.

La canciones de esta briosa cantautora circulan por unas sendas que fluyen entre los sueños del pop más bailable hasta esos atajos de letras llevadas por el amor más cándido, inutilizando lo sencillo hacia el clamor de lo positivo, alegre en todos los sentidos, y deshaciendo lo que de infantil pueden ser sus letras hasta una pericia registrada que, desde aquel 2001 tocando en circuitos de rock independientes de Santiago de Chile, han cubierto un hueco para el “hazlo tú mismo”, que ahueca hasta ensancharlo de alborozo electrónico.

Javiera Mena ya se había paseado con su música por Madrid, una de las veces acompañando a “Kings of Convenience” hace casi dos años. Allí algunos conocimos el entusiasmo de su pop acústico en un concierto desconectado de esquemas electrónicos, a esperas de un siguiente disco que centralizó las vistas en las tareas que le han hecho popular.

SON Estrella Galicia la ha traído a ella solita a España ( A Coruña, Ourense, Madrid, Vigo y Valladolid) para presentar sus canciones y se agranda el círculo, desde los circuitos independientes de México, donde es conocida, hasta los de España, donde en esas mismas órbitas de ocurrente tecno-pop (entre varias cosas), es tan querida.

El directo de Javiera Mena, ahora, tiene tres caras muy diferentes. La primera, su pop más accesible y comercial, en el que paseó sus canciones la primera (y más aburrida) media hora de concierto. Utilizando tácticas donde los esquemas más sencillos del pop que ahonda en lugares comunes de estribillos y letras no consiguen levantar el aliento de un público que pedía más. Comenzó con “Perlas”, “Un audífono tú, un audífono yo” y “Está en tus manos”. Quedábamos a la espera de más. Los primeros minutos no descubrían nada nuevo de la verdadera cantante.

De ahí en adelante y sobre todo a partir de “Como siempre soñé”, se vio la otra cara de la chilena; la más petarda, divertida, bailable, contagiosa y cachonda. Y el concierto levantó el vuelo. Con “Sufrir”, “El amanecer”, “La comida” (y su segundas intenciones: “La comida es lo primero, la moral viene después) y “Yo no te pido la luna” (y su público ya en pie) fundiendo el italo-disco en una fortuna de identificación ochentera hizo que saltaran los botones, las melenas y la brillantina, desde el indie menos pretencioso hacia el vértice mismo de la fiesta sin prejuicio alguno. En este sentido, cerró el concierto como mejor sabía, con “Luz de piedra de luna”. Su valor seguro para dejar un buen sabor de boca.

Entre medias, la otra jugada de Javiera Mena, donde su estupenda voz cobra fuerza en acústico, que juega al contraplano de sus dos otras imágenes. De ahí que la variedad de su directo puedan hacerse vanagloriarse de un repertorio variado, donde tengan cabida varias cuadrillas de entusiastas, sobre todo aquellos (mayoría de público joven, como ella decía, había pocos casados entre el público) a los que no les cuesta soltar las palmas a ritmo de sus mejores canciones. Me refiero a las más rítmicas de sus dos trabajos de estudio.

Con un magnífico sonido, los arreglos electrónicos no tapaban la diáfana voz de la artista. La calidad de su voz quedó patente en todos los sentidos.

Ni que decir tiene, en España existe una pandilla que se complace en verla pasear su música. Y se lo tiene bien merecido.

Tan necesario como el respirar y tan imprescindible como ver a Bob Dylan una vez en la vida, es el primer single del conjunto valenciano The-Go! Freaks, conjunto formado en 2008 que ahora muestra al mundo “Monqui!“.

Oh, wait! ¿otro grupo que saca un LP o un nuevo EP? Nada de eso, amigos. Estos músicos venidos desde el Averno del funk, rhythm and blues, afrobeat, soul y la psicodelía más ácida regresan a lo que parece un viaje muy próximo para la (desastrosa) industria discográfica; el glorioso single en vinilo de 7″.

Pero antes de hablar de los dos cortes que componen este milagro (y de algunos más), habría que presentar debidamente a estos gerifaltes del -como ellos mismos se definen- proletarian funk. Amadeo III (vocalista) es acompañado por una soberbia base rítmica al mando de David Robles (baterista) y de Titín Felpudo (bajo). Por el lado del virtuosismo de las seis cuerdas se encuentran Ricardo Gener y Ernesto García. Pero los cinco magníficos no están solos, pues alguna que otra vez y por algún motivo, por la horror house de The-Go! Freaks han pasado otros bandoleros como Borja Go! Gorostiza (bajo), Marcello J. (hammond), Rafeta (percusión) y Flora & Fauna (voces). ¡Sin olvidarse del senegalés Sidy Gaye, un endemoniado percusionista que actualmente emulsiona el directo del grupo!

Grabado en los Tigruss Studios de Gandía con Richard Edwards en la producción y con Octravio Hidalgo en la masterización, “Monqui!” contiene dos piezas de muy alto nivel. ‘Cannibal‘ por la cara A y ‘Mamma, tell me‘ en la cara B. La primera canción es un incendio de funk con rescoldos de James Brown y el surf-rock garagero de The Chantays o John Barry Seven. Ritmo vertiginoso y sesentero que con enfermizos coros hacen que hasta los más muertos se levanten para partirse los tobillos en el ritual del baile del rhythm and blues. Su contrario, en la otra cara del acetato, se aferra al soul y al rasgueo de las guitarras con el ínclito efecto wah-wah tan característico del funk, cerrando así (y con un espirituoso solo de guitarra) esta presentación que además de ser el inicio de estos groove seniors valencianos, también lo es de Cabanyal Soul Records, sello que edita este single y -seguramente- futuros trabajos, pues el embrujo del polvo zombie de The-Go! Freaks aturdirá con ‘A ton of my love‘ o ‘Asteroid‘, además de otras muchas composiciones.

El vinilo (con el artwork de Luis Demano) tiene una tirada limitada a 500 ejemplares y se puede conseguir por 5€. ¿Cómo? ¿dónde?, ¡¡aquí!!

Tú verás, individuo, si quieres seguir sin este artefacto en tu paupérrima colección de discos.

Not in person but in sound!

¿Cuánto tiempo ha pasado desde que Los Secretos editaran un long-play con material inédito de estudio? Pues exactamente cinco años, sin contar “Gracias por elegirme” (DRO, 2008), aquel fantástico directo grabado en Las Ventas donde contaron con el abrazo bajo las luces de amigos como: Amaral, Miguel Ríos, Joaquín Sabina o Manolo García…, entre otros. El último trabajo discográfico que contenía material inédito se llamaba “Una y mil veces” (DRO, 2006) y suponía el segundo paso en la etapa de Los Secretos, esta vez tras el fallecimiento de Enrique Urquijo y con su hermano Álvaro al frente.

Fuertes como una palmera soportando los desmanes del temporal y melancólicos como la ginebra mezclada con tónica, el grupo prosiguió haciendo felices cada tanto a sus seguidores, expectantes ellos, ante las nuevas noticias que aparecían con cuentagotas entre los foros y las noticias de la prensa especializada.

Actualmente presentan la siguiente pieza del engranaje; “En este mundo raro” (DRO, 2011). Esta nueva entrega supone ser no solo un disco más, sino un giro dentro de la composición de las canciones, pues esta vez cada miembro compone algunas de las trece canciones que vertebran este artefacto. Incluso dentro de ese campo cuentan con las colaboraciones de José María Granados (Mamá) en ‘Quererte por querer’ y las de Chema Vargas en temas como ‘Por segunda vez’, ‘Enséñame a dormir’, ‘Trenes perdidos’, ‘Bailando con la luna’ y ‘Soñadores’. Por supuesto existen las versiones, en este caso es ‘Lágrimas sin nombre’ (‘Nameless faces’ de The Cages), canción que Álvaro Urquijo guardaba en la despensa desde los primeros ochenta. Pero si uno repara en el todo el grueso de este nuevo álbum podrá encontrarse bonitos detalles. De hecho el título (“En este mundo raro”) alude –que no versiona- a la canción de José Alfredo Jiménez titulada ‘Un mundo raro’, ranchera que a su vez también cantó Enrique Urquijo ya que el abuelo de la familia les ponía esa canción cuando los hermanos eran todavía pequeños. Raros (en el buen sentido de la palabra) por salirse de la pauta, y –como el buen whisky- algo único y con experiencia.

«Es un anacronismo. En el diccionario de la Real Academia Española “raro” es algo único, algo especial. De hecho la palabra en inglés, italiano o francés significa que es único, que no puedes encontrar otro igual. Los ingleses utilizan el término rare para indicar que no hay nada similar o que se sale de la pauta establecida, pero para lo bueno. Sin embargo se ha utilizado esa palabra de manera despectiva.» [Álvaro Urquijo]

Amén de ser una forma sencilla de explicarle a un niño el significado de este mundo, como el propio Álvaro hizo con su hija. Si uno repara en el vídeo de la canción que da título al disco, podrá comprobar muchos de estos matices. El porque de las cosas que no tienen explicación, enfrentamientos y otras cosas del odio e incomprensión.

«Somos un planeta con vida inteligente, y encima que hay vida inteligente nos estamos cargando el planeta. Esas incongruencias están en el videoclip también representadas. Luego ya está el que una niña pequeña te pregunte ciertas cosas. Todo es un encadenamiento. Mira, yo no creo en Dios ni en las religiones. Creo en “algo”, no sé en que muy bien, pero no en algo que me digan las religiones. A mi hija, en el colegio y sus amigas, le han metido cosas muy bonitas en la cabeza en las cuales yo no creo, pero se empeñó en hacer la primera comunión. Y claro, ella me pregunta por qué no creo en Dios.

También me pregunta por qué nos han robado, pues nos entraron a robar en casa, y tenía que decirle que hay gente que está peor que nosotros y porque no les queda más remedio que robar. Con todo eso a la niña se le fue desmoronando aquel universo precioso que tenía. Para colmo vio un documental en el que a un negrito lo aplastaba un elefante y se estaba muriendo. La niña, claro, se quedó apelotada. Y es que el mundo es una mierda si lo ves desde ese punto de vista. Pero es una maravilla si lo ves desde otro. Lo que ocurre es que ahora está más cerca de la mierda. Prefiero que se vaya acostumbrando a la mierda que le va a tocar vivir que a la maravilla que es en realidad. Es esa dualidad la que canto en la canción.» [Álvaro Urquijo]

Pero tampoco es un disco pesimista. Bien es cierto que Los Secretos atesoran una manera gratamente melancólica en sus piezas, pero nunca arrastrando el dolor como si ello fuera una realidad. ¿Utilizar las canciones y la voz como arma para arrojar esperanza? Hay muchas maneras de entender la sensación de una canción, pero la música es de quien la siente y eso, amigos, es inquebrantable.

«La música siempre ha sido un bálsamo para las personas. Hay gente que lo ha pasado mal, pero aunque nuestras canciones no sean muy alegres, se identifican con ellas como lo pueden hacer con el blues, el flamenco o el tango. Cuando la gente canta sus penas y alguien lo oye siente que no está solo y puede ayudar a superarlo. El hecho de que eso pueda funcionar como bálsamo, como disfrute o alegría… para que la gente olvide sus penas, ese hecho ayuda a que el mundo mejore. Aunque mejorar directamente el mundo con la música es complicado.» [Ramón Arroyo]

Grabado en El Cortijo (San Pedro de Alcántara, Málaga) cuenta en la producción con la mano de Carlos Narea. Reputado productor que se encargó de conducir el sonido de Los Secretos desde hace bien poco, aunque pueda parecer extraño. El que fuera productor de gente como Nacha Pop, Miguel Ríos o el primer disco de Antonio Vega, comenzó a trabajar con Los Secretos en “Gracias por elegirme”. Un intercambio de experiencias donde –como dice el vocalista- «nosotros somos perros viejos, él un poco más». Pero fueron muchas más las cosas que han influido tanto en la producción como en el entorno.

«Es verdad lo del maestrillo pero es imprescindible, si no quieres sufrir, adaptarte a la realidad de la vida del artista. En su caso, pensé que era necesario que nos ‘encerráramos’ para poder centrarnos exclusivamente en el disco. Nos fuimos al mejor encierro posible, El Cortijo, en San Pedro de Alcántara (Málaga), y grabamos todo en doce días. Hicimos jornadas de diez o doce horas diarias… pero disfrutando y sin ninguna presión externa. Creo que si lo hubiéramos grabado en Madrid, que era la alternativa, habríamos tardado meses porque en Madrid siempre tienen muchísimos compromisos profesionales y también familiares, así es que nos ‘enclaustramos’. Luego sí grabamos algunas cosas extras en Madrid, donde también lo mezclamos, en Red Led. En El Cortijo se duerme bien y se come de maravilla… y el estudio es tan acogedor que lo único que te apetece hacer es tocar y grabar. No hubiera sido posible en otro lugar.» [Carlos Narea]

Y es que, a decir verdad, Los Secretos siempre aseguran un sonido y una personalidad totalmente reconocible. Para “En este mundo raro” se han utilizado guitarras (tanto acústicas como eléctricas) de seis y doce cuerdas. Ustedes saben, esa inconfundible sonoridad que le aporta una guitarra Rickenbacker 360 de doce cuerdas ha sido el símbolo instrumental del grupo durante prácticamente toda su existencia del mismo modo que lo es (y ha sido) para músicos como The Byrds, The Beatles, Tom Petty o The Who. Un brillo amplificado que no envejece con el paso del tiempo y que, poniendo atención, llegan a descubrirse los matices dentro de “En este mundo raro” con ‘Desapareces’, ‘Has llegado un poco tarde’ o ‘Sólo quiero que me digas la verdad’, preciosa canción que también va hilando la línea que lleva ‘En este mundo raro’, pero pese a lo que pueda parecer, Álvaro explica la verdadera historia de la misma.

«Esa canción habla de una pareja que conocí. El marido tomaba drogas y no se lo decía a la mujer. Yo lo sabía y como tengo algo de experiencia en esto sabía que iba a terminar muy mal la relación, porque las drogas tienen eso de que tú crees que las controlas… hasta que son ellas las que te controlan a ti. La mujer, sabedora en parte del problema, empezó a preocuparse y la cosa terminó muy mal. La verdad es lo principal que necesitas para cualquier cosa en tu vida. Es también una queja porque la verdad es que no nos conocemos nada de nada. Yo opino que deberíamos saber el cien por cien de todo.» [Álvaro Urquijo]

Haciendo ahora protagonistas a la parte técnica del largo y al sonido, habría que reparar en los pequeños matices que han aportado un aire que diferencia a este de otros trabajos discográficos anteriores. Un primer dato sería como han utilizado las maquetas y la influencia de los cambios en el resultado final. Partes más acústicas que eléctricas, algún arreglo de cuerda… o incluso el pedal steel en otras partes del recorrido del disco. Cambios y añadidos que agradan a los propios protagonistas pero que, por ende, pueden ser un motivo para que entre mejor o peor a los seguidores y amantes de la música.

«Creo que hay más silencios en las canciones. Menos instrumentación que en otros discos en los que a lo mejor se ha abusado un poco de grabar pistas sobre la misma canción. También, de alguna forma, estamos viendo por las redes sociales y por la web como la gente, que es escéptica en un principio, ahora dice que le gusta tal canción u otra. En general, todos los comentarios que estamos recibiendo son bastante positivos. Como esponjillas que somos recogemos ese sentir y nos hace pensar que de alguna forma nos ha salido bien el disco.» [Jesús Redondo]

Y es que para “En este mundo raro” se han adquirido otras disciplinas en lo que a la grabación, preparación y composición se refiere. Por primera vez cada miembro ha compuesto para el disco. ‘Buena vida y mejor vino’ o ‘Enséñame a dormir’ por parte de Ramón Arroyo, ‘Por segunda vez’ y ‘Trenes perdidos’ de Jesús Redondo, ‘Sin aire’ del lado de Santi Fernández, Juanjo Ramos aportando su parte en ‘Soñadores’… además de las compuestas por Álvaro, como ‘Desapareces’ y otras tantas. Pero esta tarea tuvo que llevar muchas complicaciones en el aspecto de que cada uno no quiere ver su trabajo rechazado por los demás.

«Los grupos son una pequeña familia en otro tipo de orden. La familia se mueve por sentimientos y nosotros también. Realmente la música no son ejecuciones mecánicas de instrumentaciones, no son como algo mecánico en el que tienes que leer una partitura que después tienes que ejecutar. Otras veces cuando yo hago una canción con la maqueta en mi casa intentaba hasta dibujar el solo que podía tener. En este caso he dejado los huecos para que Ramón hiciera las guitarras enteras de las canciones. Básicamente las canciones estaban muy peladas y creo que en ese sentido hemos ganado contando con el de al lado para que ponga su parte. Está clarísimo que no queríamos hacer una maqueta. Si te das cuenta también es por culpa de la tecnología porque al tener todos un estudio con el ordenador podíamos grabar en casa. Ese tipo de cosas te alejan del grupo y de los compañeros. Además recargas las canciones, por lo que al juntarlas cada uno quiere poner lo que ha traído de casa.» [Álvaro Urquijo]

Tarea complicada que había que lidiar sin menospreciar el trabajo de cada uno. De nuevo entraba la mano del productor para hacer de Rey Salomón.

«En esto ha sido importante la figura de Carlos Narea. Nosotros le mandábamos todos los temas que teníamos de casa, las maquetas… para que el tuviese la referencia. A la hora de grabarlos no nos sentábamos a escuchar la maqueta para ver como estaba hecha, sino que nos juntábamos y veíamos como podíamos tocarla. A partir de ahí empezábamos a buscar todos los matices que a veces hay en una canción, como subirle la velocidad unos cuantos puntos o bajarla haciendo que de repente una canción cobre una vida que en la maqueta tú ya te habías acostumbrado y ahora ves que suena con el grupo. En el anterior partíamos mucho de las maquetas y en este hemos empezado viendo que era lo que le hacía falta.» [Jesús Redondo]

Llegados a este punto habría que hacerse una pregunta: ¿sería esto además una puerta abierta a un sonido difuso y nada homogéneo? Para nada. Siempre el “sonido Secretos“estaba como bandera y punto de referencia. Algo claro que tenían todos.

«Desde el principio Álvaro me dijo que quería que, si era posible, hubiera temas de todos. Así es cada uno presentó las maquetas de lo que habían compuesto. Elegimos las que creímos mejores y que, juntas, armaban un disco balanceado en todos los aspectos. Aunque me respetaron el derecho a ‘la última palabra’, hubo consenso.

El ‘sonido Secretos’ lo tienen incorporado. Suenan de forma natural a ellos mismos y en cuanto canta Álvaro ya no te queda ninguna duda, si la tenías, de que son Los Secretos. Por lo que las canciones, aunque distintas, se ‘secretizaban’ a medida que íbamos armándolas y construyendo los arreglos. Lo que trabajamos fue que cada una tuviera su tempo correcto, su atmósfera, sus propios colores, respetando la canción e intentando no repetirnos en las ideas y los sonidos, con la intención de que luego, todas juntas, fueran un disco entretenido de escuchar entero.» [Carlos Narea]

Y en realidad el tener un productor ha ayudado enormemente a que el grupo transpirara. En anteriores ocasiones no contaron con alguien ajeno al grupo que se encargara de esta labor, pero ahora la ayuda de Narea ha aportado una fluidez muy necesaria.

«La ayuda de Carlos Narea en la coordinación ha sido esencial porque ha sabido cortar y sacrificar partes dando los motivos oportunos. Ayuda mucho y quita tensión porque hacer un disco es como un parto, aunque al igual que con los niños, da mucha satisfacción cuando nace o, en este caso, cuando tienes el disco en la mano. Un proceso creativo en colectividad siempre es complicado. Individualmente también lo es porque me imagino que Miquel Barceló cuando pinta se exige mucho y tirará cosas para volver a hacerlo otra vez. Cuando hay más personas ese proceso es más complicado.» [Ramón Arroyo]

No hay que olvidarse de ‘Lágrimas sin nombre’, la versión adaptada de ‘Nameless faces’, original del dúo compuesto por los hermanos Clayton y Aven Cages, dando así nombre al grupo The Cages. Dicha canción ya se encontraba en la recámara de los primeroa años ochenta. Históricamente en los discos de Los Secretos siempre hay alguna versión, ya sea de un grupo español como Mamá o de Quique González. Una bonita canción que traía muchos recuerdos a Álvaro, por cierto. Adaptar al castellano requiere su tiempo, pero si se hace bien el resultado puede ser muy bello. De hecho la canción original pertenece al único long-play que The Cages sacaron en su vida, titulado “Hometown”, allá por 1992.

«Seguro que se llevarían una bonita sorpresa si vieran que alguien en España ha versionado su canción. Pero sólo sacaron un disco y ni se encuentra en Internet.» [Álvaro Urquijo]

Tal vez pueda parecer -a priori- un disco algo más acústico que los anteriores. Quizá esto sea debido a que las canciones han respirado de otro modo y por esa razón han derivado hacia un sonido claro, pero a la vez más desnudo. Aunque es omnipresente la instrumentación eléctrica, por supuesto, pero ciertos arreglos y la aportación de cada miembro a la composición ha dejado abierta la ventana de las ideas. ¿Ejemplos? ‘Trenes perdidos’ o ‘Buena vida, mejor vino’ adquieren este matiz con las guitarras acústicas en un primer plano y las escobillas en la percusión. Añadir también la steel guitar en ‘Sin aire’, la mandolina de ‘Lágrimas sin nombre’ o el dobro inconfundible formando parte de ‘Buena vida, mejor vino’, de nuevo mentada.

«Sí es cierto que es un trabajo más acústico porque es un disco que no tiene apenas teclados digitales. En esta ocasión probábamos teclados que con un piano funcionaba mucho mejor en el resultado final de las canciones. Creo que hemos aprendido a hacer más silencios, que es algo que con el tiempo cuesta más trabajo.» [Jesús Redondo]

Algo que ha funcionado en “En este mundo raro” y que también se ha visto a lo largo de este artículo explicado por sus protagonistas, es que han hecho lo que les pedía el cuerpo y para ello han trabajado como una familia que se siente respaldada por la experiencia que otorga el tiempo. Cada pieza y cada canción se nutrían del momento idóneo, como una obra de orfebrería se nutre de la paciencia. De esta manera se puede percibir, escuchar y hasta palpar un nuevo disco que enamora de manera brutal.

«No sé si ‘más’ acústico, pero sí es un sonido electro-acústico el que manda. Es lo que nos pedía el cuerpo. Fuimos trabajando canción por canción, no hicimos, como se hace algunas veces, lo de ir grabando instrumento por instrumento (primero las baterías de todos los temas, después los bajos de todos, etc, etc) si no que fuimos canción por canción. Empezábamos a tocarla, todos juntos, a proponer ideas… y cuando sentíamos que ya teníamos el ‘espíritu’, la grabábamos todos juntos, como en vivo, luego corregíamos algunas cosas, agregábamos algunos detalles, grabábamos los solos… la dejábamos prácticamente terminada, a falta de cantarla, y sólo entonces empezábamos a trabajar en la siguiente.» [Carlos Narea]

Por último cabe destacar la maravillosa amalgama que embelesa el corte que cierra este trabajo; ‘Bailando con la luna’. Esta canción ha contado con unos delicados arreglos orquestales muy precisos. Parece que Los Secretos se muestran cómodos cuando se rodean de músicos de cámara. Ya vivieron la experiencia con el directo registrado bajo el artefacto “Con cierto sentido” (DRO, 2003), donde acompañados de ocho violinistas, dos cellos, dos violas y un guitarrista de apoyo dieron rienda suelta a sus mejores éxitos. En el caso de ‘Bailando con la luna’ han contado con un cuarteto de cuerda compuesto por dos violines, un cello y una viola. Además de los arreglos (tanto de cuerda como de trombón) que Jesús ha terminado por perfilar. Todo orquestado bajo la dirección del maestro Jorge Villaescusa, quien ha trabajado con artistas de la talla de Raphael.

«En ‘Bailando con la luna’ quedó un arreglito como de cámara, pequeño pero bonito. Tampoco fue algo buscado, pero cuando ya compuse la música veía que se podía quedar ‘arregladilla’.» [Jesús Redondo]

Para añadirle más sentido, dentro de la gira próxima contarán con La Joven Orquesta de la Universidad de Valladolid. Pero será únicamente en Valladolid (18 de Noviembre en La Cúpula del Milenio) y en Madrid (10 de Diciembre en el Teatro Real). Apuntar también que el 22 de Noviembre en el Teatro Arriaga de Bilbao actuarán con un cuarteto de cuerda. El resto de fechas se puede consultar en la web oficial del grupo.

«Es un contacto que hicimos porque nos apeteció hace años hacer un disco, que fue “Con cierto sentido”, y ya no nos hemos separado de ellos. Es como si conoces algo que te gusta a lo que tenías respeto y no conocías. Yo creo que fue a raíz de contactos de Jesús por otros trabajos que ha hecho con otra gente, porque yo lo reconozco; no soy arreglista, pero Jesús, Ramón y Juanjo sí. Poco a poco hemos ido incluyendo esa faceta que antes era desconocida. Es parte del aprendizaje.» [Álvaro Urquijo]

El envoltorio de todo lo hablado es una portada con un arte diseñado por Rafa Sañudo, donde, entre otras cosas, el grupo es representado en forma de pez.

«Nos encantó. Era una idea nuestra pero pensada por Rafa Sañudo. No queríamos salir en la portada, queríamos que fuera una ilustración bonita con la que la gente no quedara indiferente. Desde luego se ha conseguido sobradamente. Somos peces porque todos venimos del agua.» [Álvaro Urquijo]

En resumen: Los Secretos no fallan con “En este mundo raro”, disco completo y artesanal que ha saciado el anhelo por poder ser envuelto entre arrumacos y abrazos de bellas melodías y letras luminosas… según el estado de cada uno.

El australiano Scott Matthew tan sólo lleva cuatro años grabando discos con su nombre, anteriormente en Elva Snow –publicando trabajo en el 2005-, más la colaboración para la banda sonora de la película “Shortbus” (John Cameron Mitchell, 2006): sin escuchar la banda sonora sospecho que es mucho mejor que el largometraje. Y siendo cinco sus trabajos publicados ya le hemos pasado la patata ardiendo aquellos que seguimos la estela de este gran año de neo-folk.

Delineamos unos sentimientos comunes a la música de Bill Callahan, Doug Paisley, Cass McCombs (por el lado más pop), Kurt Vile y su folk-rock, James Vincent McMorrow (¿cuándo vas a visitar nuestro país, bandido?), Richard Buckner (un gran olvidado), Bon Iver y ese falsete de country-pop crepuscular y tantos otros, con los que nos hemos emocionado y, por qué no decirlo, sorprendido al escuchar estos últimos aciertos musicales. Con un equipo así, muchos no nos esperábamos un año tan sólido como el presente.

Esta vez, organizado por Vertical Pop y su diligencia en elegir a sus artistas en vivo, Scott Matthew venía a presentar su flamante “Gallantry’s Favorite Son” en el Teatro Lara madrileño, con la sombra alargada de un Elvis Costello a sus pies, desnudando su repertorio (y he aquí las característica general de los artistas citados) de artificios y haciendo que su preciosa voz sea la melodía más clara y contundente de todas y cada una de la canciones de su último esfuerzo creativo. Fácil es vincularlo a artistas próximos a su esquema musical pero ya se sabe: se atrapan más moscas con miel que con vinagre y emparentando su música con generaciones anteriores no hacemos otra cosa que quitarle un mérito que de por sí ya se lo tiene ganado desde que comenzó enviando álbumes hacia la estela del folk acústico, que tanto brilla a través de sus canciones. Scott Mathew, al que no le pesan los bolsillos por tenerlos llenos de piedras donde pese más que otra cosa el que muchos han denominado un folk eminentemente neoyorquino, anda ligero de sofisticación musical. Arreglos fáciles (guitarras, piano, ukelele, violonchelo, arpa y clarinete en disco) para mejorar, en un contrapicado arrebatador, el que es su mejor trabajo hasta la fecha.
De su último álbum, no trajo consigo la voz de Clara Kennedy, aunque sí le acompañó felizmente Sam Taylor, cuyos duetos fueron de dejar los pelos de punta. De esta forma, “The wonder of falling in love”, “Black Bird” (aquí sí que el violonchelo se hace notar, así como los coros celestiales), “True sting” y el resto de la soberbia colección de su trabajo, sirvió de excusa para armonizar un concierto rozando lo memorable. Entrañable y cercano en sus comentarios y profundamente agradecido a su público, se hace querer con una adhesión que se pega, desde los oídos hasta lo más profundo de nuestras sonrisas, cómplices sin dudarlo hacia su música, en un camino que adorna sus temas con los dulces tonos del ukelele y el violonchelo, además de un piano que acompaña con esos arreglos que parecen acariciar las canciones, de no más de cuatro minutos. La concisión hecha arte. Tres músicos en vivo, ¿para qué más?. Y entre sorbitos de vino, Matthew dejaba el surco de la belleza de sus temas en ambas mejillas de todos sus seguidores.
Por eso, “Felicity” sonó así de bien y en “Duet” se percibe el aroma de un clásico. De letras que hablan de aprender a volar, de cómo decirse adiós, de los cumpleaños, del paso del tiempo y de cómo no estar sólo. Si le escucha Terrence Malick antes, le hubiese dedicado una canción para su religiosa “El árbol de la vida” o aún está a tiempo para incluir algún tema para su próxima “The burial”…quién sabe.

Y a todo esto, le quedó tiempo, en su hora y media de concierto, para (con divertida ironía) dejar hueco a dos versiones: uno para llevar a su terreno el “Only girl in the World” de Rihanna,-entre risas del público-, y otro para la abisal “No surprises” de Radiohead. Ambas las ha ido tocando en el pasado cercano de sus directos.
De cómo se puede hacer tanto con tan poco. Una lección de folk para un año destacadísimo, no cabe duda alguna. Señor Matthew, seguiremos a pie juntillas lo que siga haciendo. El teatro Lara ha recibido el primer gran impacto emocional de la temporada, dejándolo tambaleando; atentos a los siguientes de Javiera Mena, Alela Diane con Wild Divine y John Grant. No se los pierdan.

Calocando se formó hace ya unos años por mera cuestión de necesidad. Gente trabajadora que monta un grupo curioso y -por entonces- experimental. No tenían a papi detrás para que les sufragara los gastos de las novísimas Stratocaster para así formar un grupo al más puro estilo Pereza, no. Lejos de ayudas monetarias, Calocando se cocina a fuego bajo, tranquilo, sin prisas, que las prisas no son buenas y puede terminar uno como el Rosario de la Aurora.

Siendo “La Taha” un segundo paso para estos muchachuelos, la banda se ha formado como el conglomerado de piedras de un río, pues los integrantes aparecieron poco a poco desde el primer trabajo. Ya asentados en la -numerosa- formación se encuentran: Samuel Castela (voz), Marchu Lorente (coros), Sergio Peñaz (saxo), Gorka Laherrán (guitarra eléctrica), Natxo Higes (bajo), Gerardo Casado (batería), Jorge Giralda (percusión) y Carlos Piñeiro (guitarra española). Pero habría que añadir dos notas aclaratorias; la primera es que Carlos Piñeiro tuvo que abandonar el conjunto, en su lugar entró Alfonso Acosta militante de los enormes Jenny & The Mexicats. El otro punto es que uno de los miembros es también parte de otro grupo, muy en alza en este caso y que además no figura con su apellido real en la lista antes mostrada. ¿Pistas? Escuchen el disco y disfruten, quizá pueden descubrirlo.

Un disco bonito que ha contado con los apoyos de amigos y allegados, toma su nombre del Barrio de La Taha, donde están las fuentes de Pitres(Granada), lugar donde el vocalista tiene una casa y lugar perfecto para que el disco fuera tomando forma. También es una referencia al poema de Lorca. Todas las piezas encajaban. Y es que además de los ocho miembros, “La Taha” ha contado además con la Barrunto Bellota Band para añadirle vientos y cuerdas a un puchero ya enriquecido.

Dentro de este disco tan nocturno, de patios y grillos a la luz del candil, hay rock, ritmos aflamencados, incluso pop. Cada miembro bebió de las más dispares vertientes musicales, por lo que gracias a ello han salido temas tan redondos como ‘¡Ay Dolores!‘, ‘Sur‘, ‘Plata‘ o la propia canción que bautiza el long-play. Mucha atención el videoclip en stop-motion de esta última composición.

Nexos entre “La leyenda del tiempo” y el canallesco sonido Caño Roto han aglutinado de manera sencilla, pero con filtros, el track-list de este segundo trabajo. Seguramente y con más miembros, Calocando entregaran próximas colecciones de canciones que harán soplar una necesaria brisa fresca.

Parece ser que Tulsa termina por disolverse. Noticia que ya se dejaba entrever desde hacía unos largos meses y que ha terminado por convertirse en realidad. ¿Motivos? Varios; desde roces en la banda hasta etapas de hastío o falta de capital. Pero el motivo principal que se ha terminado por hacer público ha sido el hecho de que Miren Iza tomó la decisión de marcharse a Nueva York para ejercer su profesión de psiquiatra. No obstante, continuará con Tulsa junto a su fiel guitarrista Alfredo Niharra, con quien fundó la banda en 2002.

El último show del conjunto iba a ofrecer las bocanadas finales, al menos en lo que a directos se refiere. El lugar, como no podía ser de otra manera, era la siempre cálida sala El Sol de Madrid en un perfecto martes día trece.

Agotaron entradas y es que nadie se quería perder tan magno evento; desde fans o seguidores, hasta amantes de la música y curiosos, pasando por compañeros de profesión (musical, se entiende) como Coque Malla o Lourdes Hernández (Russian Red). También invitados, por supuesto, como los chicos de Amigos Imaginarios interpretando, entre otras, ‘Algo ha cambiado para siempre’. Quien también se subía para compartir tablas bajo los focos con Miren y compañía fue Javi Vicente de Big City.

Un repertorio común, pero algo amargo por el trasfondo. Centrado principalmente en el segundo y último largo de Tulsa [“Espera la pálida”], el concierto tuvo momentos muy emotivos. Una vez le dejaron de temblar las piernas a la protagonista, ‘Te ofrecí’ encabezaba la lista que sería seguida por ‘Alguien viene a por lo suyo’ y ‘Matxitxako’ regalando un cúmulo de sentimientos que los allí presentes supieron recibir con gusto. El momento cumbre y más quebradizo por la emoción fue cuando la joven vocalista se quedó sola tocando ‘A mis brazos’, la versión de Nick Cave que si ya cautiva en la versión de estudio, en directo es todavía más sobrecogedora. Mientras se desarrollaba dicho tema, Charlie Bautista, Alfredo Niharra y el resto del elenco acompañante iban apareciendo de manera paulatina, donde el colofón fue un fantástico solo de guitarra hermanado con ‘My sweet Lord’ de George Harrison.

¿Qué le podía quedar a Tulsa para cerrar una etapa y un concierto así? Básicamente nada. No hacía falta. Seguramente regresen, aunque sea en otras formas y maneras. Antes de acabar, se sucedieron los bises, que engrandecieron más todavía la despedida. ‘Barro’, ‘Contigo tocaré el cielo’ y ‘La hierba en mí’ (escrita por Ricardo Lezón de McEnroe), eran el último vagón que a Nueva York se va.

El antiguo componente de Piratas muestra su segundo trabajo tras “Silencio cómodo en un jardin descuidadoz” (Subterfuge Records, 2006). Apuesta sobre la seguridad de una prolífica carrera como músico y además, como independiente, pues se edita con Pequeñas Iluminaciones, el sello propio de Fon Román que ha tomado “Entretelas” como proyecto principal.

Bien, cinco años han pasado desde que debutara en solitario. Muchísimo tiempo que se ha visto alargado por vicisitudes varias retrasando la vista de luz de “Entretelas“. Pero ya ha llegado, por lo tanto es el momento de tomar un tiempo de asueto para relajarse y escucharlo. Apenas hay electrónica, salvo en algún caso como ‘El morboso‘. Centrado en la instrumentación humana, canciones tales como ‘Lo que me inundó alargan la vida del trabajo de los arreglos y la lírica. La exquisita ‘Mis movimientos‘ junto con el single y majestuosa ‘Dos elevado a uno‘.

Por cierto, impresionante montaje el del vídeo que sirve de presentación al tema en cuestión. Obra de The Öwn, encargándose también del arte de la portada.

Un disco algo complicado, pero enérgico pese a lo que se acostumbra. De nuevo aparece la mano de Fon Román tanto en arreglos como en la producción, además de contar con la masterización del mítico Andy Jackson. Por otro lado, Cameron Jenkins se encarga de toda la mezcla, salvo en ‘Vidas sin relievez‘ donde el bueno de Alis es el encargado de amasar todas y cada una de las piezas.

‘Vidas sin relieve‘ o ‘Mix de ti y de mí‘ se llevarían la palma para redondear este sencillo trabajo que -ojalá- sirva de afianzamiento en la carrera en solitario de Fon Román.