Con las elegantes canciones de Emma-Lee Moss, SON Estrella Galicia, de un fogonazo, abrió las puertas (a lo grande) para iniciar su etapa de exquisitos directos en el remodelado Teatro Lara en el presente año, ahora también ampliando su programación al madrileño Café Berlín. La sensatez en lo ecléctico de su programación reúne a un público muy diverso, siempre atento al grupo presentado y el encanto del recinto. Todos sus interrogantes acerca de lo arriesgado de estos directos se desdoblan en exclamaciones que concierto a concierto siguen sorprendiendo. Y atentos a lo que queda por llegar este año, que no es poquita cosa los artistas que se nos vienen encima. Han pasado por el Teatro Lara, desde Javiera Mena hasta Scott Mathew, ahora quedan Damien Jurado, Tinariwen, Cass McCombs, Robyn Hitchcock y Tindersticks. Ahí es nada. Nacho Vegas lo hará en Galicia. Maika Makovski en Valladolid, Bigott en Ourense y Manos de topo en Valladolid y también en Galicia.

Por eso, el público que se acercó a una desconocida en nuestro país, Emmy the Great, pudo disfrutar de lo que pudo ser y fue: un delicioso concierto, donde esta artista, con sólo dos acompañantes en el escenario, no presentó linealmente las canciones de su último “Virtue” sino que dio un recital de cómo con sólo tres álbumes de estudio (no olvidar su navideño “This is Christmas” publicado en noviembre pasado junto a Tim Wheeler) se puede uno quitar el sombrero, darse la vuelta y reverenciar lo que se le está presentando.

Y a pesar de que los interrogantes surgen de forma inexorable: ¿cuántas cantantes de folk-pop existen en el panorama actual?, ¿en qué se diferencian unas de otras?, ¿cuántas copian un pasado de country-folk, se arriman al antifolk más o menos despojado de adornos instrumentales (cuerda, viento, guitarras,etc), o al folk-pop más arrinconado en versos traviesos, pegadizos o aniñados?, en la distinguida diferencia está la causa de la lógica de un trabajo bien hecho. Y en eso consistió la noche madrileña de Emmy the Great. Todas las preguntas abiertas, las cierra Emma-Lee Moss de un portazo. Entrábamos en el terreno de lo irrefutable; lo acuoso del bajo, la voz aterciopelada y los arreglos estaban en su sitio. Y las canciones estaban medidas con tanta mesura como precisión, sobre todo enfundadas en la voz de esta cantante, con unos tonos agudos que casi cortaban la respiración.

Nada más lejos de la realidad. Huye de los estereotipos que puedan hacer de su folk confesional una filosofía más remarcable que el poder de sus canciones y el magnetismo de su voz. De ahí que si bien, el arranque de su concierto, con la religiosa “Eastern María” pueda esperar un concierto místico, el mapa y el territorio (como diría Michel Houellebecq, no comparto la pasión de la cantante por Jonathan Franzen…) de sus canciones dista mucho de ser trivial y poco destacable. Porque eleva el poder de sugestión de sus canciones mucho más allá de lo que se escucha en sus discos de estudio.

No es de extrañar que ahora mismo se encuentre escuchando las letras del genial Jarvis Cocker y Fever Ray: de lo brillante del pop del primero hacia la oscuridad electrónica de los segundos. O que haya colaborado con Noah and the Whale, Fatboy Slim o el gran Darren Hayman (¡qué espléndido su último álbum, por cierto!), y Simon Raymonde, de Cocteau Twins. Por eso dice escuchar a los artistas pop que llevan las cosas a nuevos lugares en sus momentos más extravagantes, y su música va de lo más sencillo hacia letras pintorescas, que huyen de lo estereotipado.

La compositora hongkonesa de tan sólo 27 años de edad, afincada en Londres y anterior miembro del grupo de Indie-folk Lightspeed Champion, tiene mucho que dar a la escena folk-pop ( o como queráis llamarla) actual y puede darse la mano e ir acompañada a la altura de Kate Nash, Laura Marling, Laura Veirs y tantas otras compañeras de reparto. Y sin que nadie se asuste por las comparaciones.

Reconozco que no soy un fanático ni de sus dos discos de estudio ni mucho menos de sus directos, que me parecen bastante tramposos. Su segundo álbum, “Belong” se me desinfla en cada escucha (sobre todo en su parte final) y lo mismo me ocurre cuando presentan en vivo sus canciones, que me resultan a medio hacer, como si no terminasen de cuajar sus melodías, a pesar de los arañazos de las guitarras y los golpes de efecto en la inmediatez de muchas de sus canciones. Tiran a la manzana pero dan en el tronco. Y sólo saltan astillas en momentos contados de su directo, que no alcanza la altura que se podría exigir a un grupo con un puñado de composiciones que dan para mucho más que esa sensación de dar guerra y quedarse agazapado en la trinchera.

El dream-pop de la voz aniñada de Kip Berman no me lo creo, ni tampoco el noise-pop de lo cristalino y pegadizo que puede llegar a ser un golpe de efecto como “Heart in your heartbreak”. Sueñan a ser grandes en su mundo twee-pop y entregar una fiesta, pero la fiesta es pequeña. Y deseando vestir de largo sus temas se quedan en pantalones cortos.

Pero claro, a las primeras de cambio, cuando suena la canción que abre su último álbum,“Belong”, (de lo mejor que han compuesto hasta la fecha), la gente empieza a menear la cabeza. Y el resto del repertorio, donde no consideran que cambiar las canciones sino pegar el álbum a sus seguidores es su clave de identidad, suena muy evidente; el no querer hacer trampas les delata y el no arriesgarse aún más. No les veo garbo ni gracia y, por esa razón, no me acaban de convencer, lo cual (insisto) no quiere decir que no tengan canciones para hacerlo mucho mejor. Ahí tienen “Come Saturday” para poder demostrarlo. Pero el conjunto suena muy obvio, casi trillado, y sin ganas de sortear ningún escollo. Contaban, además, con la ventaja de jugar con el escenario de la Joy Eslava, donde las voces se escuchan realmente bien. Pero, para su desgracia, aún les queda la mitad de camino, por lo menos, para llegar a ser The pastels.

Para algunos, con sólo dos álbumes de estudio tienen su tierra ganada. Para muchos otros, se han quedado en la Tierra Media, con muchas batallas por ganar y controlar su mundo, y eso que pasean sus canciones por nuestro país cada dos por tres. Pero en directo, a pesar de sus entrenamientos, se quedan muy, muy justos.

Rihanna nos tiene comprados. Aunque de primeras dudásemos de la valía de un tema tan ramplón como “We found love”, al final nos conquistó como siempre que ponemos en tela de juicio su capacidad para engancharnos de mala manera. El próximo paso era defender tal retahíla de hits en vivo y en directo, tratándose de la primera vez que la chiquilla actuaba en España de manera independiente, ya que aunque formó parte del cartel de Rock in Río 2010, los (escasos) conciertos de divas del pop en festivales suelen más comedidos y menos espectaculares.

Después de una machacona sesión de la mano de Calvin Harris, Rihanna salió a la palestra abriendo fuego con su llena pistas “Only girl (in the world)”, aunque la voz estaba un poco baja quizás ahogada por la contundencia de las bases. “Disturbia” sonó a medio gas y los matices newordeanos de “Shut up and drive” (contiene un sampler de “Blue Monday“) se vieron eclipsados por un guitarreo excesivo y de pose (el guitarrista era todo un personaje, tópicos rockeros incluidos). Por suerte “Man down” subió la media con el toque mordaz de su reggae, donde Rihanna se siente como en casa.

“S&M” incluyó cadenas, cueros y sudor, aunque carecía de la fuerza de la original, y “Skin” y “Raining men” tampoco subieron el listón. Por suerte la parte de ambientación militar, bien de uniformes, coreografías acordes y un par de cañones, trajo las geniales “Breakin’ dishes” y “Hard”, para enlazar con una apañada versión de “The glamorous life” de Sheila E. donde Rihanna se arrancó con la batería (para que viésemos que no sólo canta). La sección terminó con un popurrí de “Run this town” y “Live your life”, dos éxitos internacionales junto a Kanye West y Jay Z y T.I. respectivamente que nunca llegaron a sonar en nuestro país.

La sección de baladas, que en un principio podría llevar al bostezo, se mostró bastante apañada, aunque en “California King Bed” Rihanna prefiriese quedarse en éxtasis y no cantar el estribillo. Dejar en boca de las coristas muchas de estrofas fue uno de los asuntos más cuestionables del show, pero en el mentado tema fue excesivo. La puesta en escena de este paréntesis sosegado fue uno de los más indefinidos del concierto, con detalles de poco gusto como la jaula de fluorescentes donde Rihanna interpretó “Unfaithful”. Y es que aunque es espectáculo en general estaba bien ejecutado y gozaba de bastante espectacularidad, había momentos como éste o detalles que no convencían, como algunos de los vídeos proyectados, que de tan sencillos rozaban el cutrerío. Vamos, que no es Madonna.

Volviendo al setlist, el Palacio de los Deportes se convirtió en una discoteca caribeña a ritmo de “Pon the replay”, “Rude boy” y una sensual “What’s my name”, para acabar antes del bis con “Don’t stop the music”, algo distinta respecto a la versión de estudio (una de las pocas canciones con las que se permitió el lujo). A la vuelta Rihanna interpretó decentemente pero sin emocionar su versión de “Love the way you lie” para continuar con una de las mejores canciones del pop comercial, la enorme “Umbrella”, que por mucho que perdiese su lado synth siguió manteniendo la grandeza del single. Para terminar que mejor que recurrir a su hit actual “We found love”, que no sabemos por qué se convirtió en el temazo de la velada, con una puesta en escena muy buena y una espléndida Rihanna. Broche de oro para una noche que empezó tímidamente y acabó como el rosario de la Aurora (en el mejor de los sentidos). Y es que así es como transcurren las mejores fiestas.

El nuevo disco de Roxette ha sido simplemente una excusa para poder reunirse de nuevo, realizar una gira y volver a llenar recintos interpretando sus grandes éxitos. No sabemos si en otros países tendrán el mismo éxito que en España (siempre fuimos uno de sus mercados prioritarios), pero por lo menos en su cita madrileña se vieron arropados por miles de personas berreando esas canciones que todo el mundo conoce gracias a M80 o Kiss FM. Lo que en un principio puede ser un punto a favor para la gente que no sea fan del grupo (novios y novias por doquier), tantos años de escucha en bucle pueden pasar factura y acabar maldiciendo “The look” o “It must have been love”, como en el caso de un servidor. Aún así, a la hora de la verdad disfrutas como si volvieses a la infancia y/o adolescencia cantando en masa todos sus grandes hits.

Sorprende cómo gran parte de los asistentes se conocía los temas de pe a pa, cuando ya sabemos del nivel de inglés de este país y recordando un concierto como el de Madonna donde la gente no pasaba del estribillo incluso de las canciones míticas. Rodearse de un público tan entregado siempre ayuda a integrarse en un concierto que aunque divertido, tuvo sus altibajos. El sonido a veces resultaba algo farragoso; la voz de Marie no estaba en su mejor momento, como su actitud (suponemos que debido al cáncer de hace algunos años); los momentos horteras como juntarse todos los miembros con cuerda en un rincón y hacer el mismo gesto se sucedieron bastante y, para que negarlo, provocaban un poco de vergüenza ajena.

Sin embargo ya sabes a lo que vas, y al final lo das todo. Comenzaron con “Dressed for success” y se fueron sucediendo “Sleeping in my car“, “The big L.” o “Crash! Boom! Bang!”, éxitos, pero no tan queridos como los que guardaban para el final: “Fading like a flower”, “Joyride”, “The look”, “Spending my time” o “Listen to your heart”, que todo el mundo supuso como última, pero que nos sorprendieron con una preciosa versión acústica “Church of your heart“, un single menor del Joyride. Y es que uno de los puntos positivos de la velada fue la recuperación de un buen surtido de temas del que se trata sin duda su mejor álbum. Aparte de los consabidos singles, incluyeron dos baladas interpretadas de manera casi desnuda: “Things will never be the same” y “Perfect day”. Se agradece el gesto para los puristas de la banda, y que no sólo se dejasen llevar por los singles populares. ¿Y Charm School? Un par de temas y a correr. Como anécdota hay que decir que “It must have been love”, supuestamente su gran balada, la interpretaron a la mitad, dejando para el final “Spending my time” y ”Lister to your heart”. Por fin se hace justicia: estas dos son sus grandes baladas, y ellos parece que piensan lo mismo.

La actitud de Per en el escenario es magnífica y desde cierta distancia parecía tratarse de un jovenzuelo; Marie, como se ha dicho, no está en su mejor momento, pero a pesar de cierto resentimiento de la voz en determinados momentos (“Whish I could fly“ fue un poco desastrosa), aprobó con holgura. La complementación entre los dos sigue teniendo la magia del pasado y se nota a la legua que siguen llevándose tan bien como hace veinticinco años, así que la reunión no ha sido para nada forzada, y eso se refleja sobre el escenario. Casi dos hora de máquina del tiempo que aunque no nos cambie la vida, sí que agradecimos en un show tan entretenido como, hay que reconocerlo, intrascendente; pero es que hay veces que hay que vomitar sobre los prejuicios y dejarse llevar.

Como niños en su cumpleaños. Tal y como si todos los que llenábamos el Teatro Lara escondiéramos piedras en los bolsillos, para lanzarlas hacia aquellos que nos impidieran entrar. Con las sombras arrimadas a nuestros pies y de ahí, pegadas a los asientos. SON Estrella Galicia cerraba, por el momento, su calendario de conciertos con un portazo espectacular a su exquisita selección de artistas. Aterrizó la segunda visita de John Grant este año, tras el impacto emocional que supuso la presentación de su obra maestra en Madrid, “Queen of Denmark”, en el Día de la Música hace unos meses. Y confiando en repetir el calco de esas canciones que siguen pegadas a nuestros oídos, más unas cuantas nuevas que comenzará a grabar el próximo enero, en el que será su segundo trabajo en solitario; el rey del soft-pop soltó sus lanzagranadas desde el primer centímetro al último de lo largo y ancho de las figuras que tenía delante. E hizo explotar con su fulgor conmovedor de la primera fila a la última los tímpanos afectados con ese lirismo que le han hecho tan característico y carismático, con un piano, sonidos pregrabados y un teclado para dar forma a unas canciones donde alguien le ha encargado un hueco propio y distinguido en la otra parte de lo que puede ser el “crooner” de la nueva era. Aquella donde no se ve atisbo de fingimiento con la sencillez. Y el silencio fue unánime y respetuoso. Tenía delante a su pandilla de incondicionales. La ocasión pintaba clara; el disco estaba rodado y sólo cabía dejarse llevar. Él y su pareja en el escenario se encargarían del resto.

Con su castellano entrañable, saludó a su público con un “¿qué tal?, ¿cómo habéis estado últimamente?”, y de ahí comenzó a caer el granizo de sus estrofas, marcadas por esas melodías pegadizas que producen esa combustión instantánea en cuanto abre la boca. Hay que ver el magnetismo que tiene el hombre.
La primera de su excelso álbum fue “Sigourney Weaver”. Desde ahí en adelante quedábamos entregados a, por una parte, las pocas sorpresas de la noche y, por otra, aquellas que no nos hacía falta escuchar.

Es cierto que hasta ahora, el sonido del Teatro Lara ha sido perfecto. Esta vez, un pitido fastidioso impidió la sobresaliente candidez de algunas canciones. De la malicia se encargaron los comentarios del artista, con su humor revoltoso y cercano. Otras veces, para dedicar una emotiva canción a su abuela fallecida un par de años antes.
Será que en un país tan tibio, el que se acerque a nosotros un señor con tanta presencia, sea una noticia la mar de agradable. A más de uno le hubiese servido de hazaña personal el conocer a este señor. Y si no, así nos luce el pelo.
Sigamos. Tras ellas, impactaron “Marz”, las suaves notas de vocoder con las que iniciaba la crepuscular “Where dreams go to die” y los dos ases del tamaño de un castillo que, en el mismo orden del disco, tocó en esa noche: la que para el que esto suscribe es la mejor canción de su álbum, “It’s easier” y, tras este descomunal canto de cisne, “Outer Space”, otra de sus muestras de lo que puede ser un estribillo que anega toda una canción.
También hubo un espacio para el gancho del pop casi saltarín de la canción más “simpática” de su trabajo; “Chicken bones”, así como para la ensoñación casi espacial de otro acierto, “Caramel”. Antes, también había marcado la pausa firme de la que, quizá, es la pieza más inmutable de su repertorio y la que más caracteriza su estilo: “TC and Honeybear”, que puede afinar el conjunto de sus temas.

Pero esta vez, si tengo que quedarme con una, habría que escoger, por su crescendo que cantó de forma tan dramática como espectacular, ”Queen of Denmark”, que cierra su disco y casi una noche al borde de un abismo donde lanzarse a una incondicional escolta de aquí en adelante.
Tras los encendidos aplausos volvió a salir para entregar, con su declaración de intenciones, “Jesus hates faggots”.

Esperando ansiosos su segundo trabajo nos vuelve a dejar con los brazos en alto.

Como dicen que afirmaba Truman Capote: “Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio”. Aquí se podía cambiar por: “Soy un señor. Soy entrañable. Soy homosexual. Soy otro genio”. El que no lo comparta, allá él. Que siga igual de tibio y sin piedras en los bolsillos.

Nada mejor que un concierto íntimo, de los de verdad, de los que el músico se siente más persona que artista y prefiere tocar el piando dando media espalda al público mientras interpreta sus canciones; las nuevas y las pasadas. El caso es que toca lo que siente y como le sale. Así hizo el vigués Iván Ferreiro durante tres noches en el ContraClub, coqueta sala de Madrid, muy cercana al Palacio Real.

Lleno absoluto, y es que era algo fácil de conseguir tratándose de un aforo limitado a ochenta personas. El bueno de Ferreiro se sentó al piano con una colección de canciones muy variada, desde viejos temas de Los Piratas hasta las versiones más raras, pasando por su cancionero habitual. Más o menos como hace en el nuevo trabajo que ya presenta por todo el país, “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 2011). Algo sencillo, pues no hacen falta grandes alardes técnicos ni instrumentales para hacer sentir la música en aquellos que te escuchan.

Nada más comenzar el recital, el propio músico decidió que sería mejor si la audiencia se sentaba en el suelo. Cuando sonaban las últimas notas de ‘Paraísos perdidos‘, los huecos que pudieran quedar en el local eran nulos. A decir verdad, los temas eran muy apropiados para este tipo de shows: ‘Jet lag‘, ‘Santadrenalina‘, la clásica y preciosa ‘M‘ o ‘Mrs. P‘ encajaron divinamente en el ambiente que el propio Iván pretendía conseguir. Lo complejo de esta concepción es la dificultad de hacer nuevas las canciones que, en el subconsciente, son distintas a como suenan en el momento. Era el caso de ‘Tio vivo‘, perteneciente a la úlltima entrega de estudio de Los Piratas “Relax” (Warner, 2003), la cual contiene unas armonías más próximas al minimalismo pop que a la serenata nocturna de piano. Igual suerte (y también para bien) corrió ‘Inerte‘, la pieza primera del mismo artefacto.

El momento emotivo de la velada surgió con ‘Años 80‘ y la versión de ‘Una décima de segundo‘, obra del grandísimo Antonio Vega que se vio contrastada con otra versión algo más inusual: ‘One more kiss, dear‘ de Vangelis, extraída de la banda sonora original de “Blade runner“.

Como era de esperar las visitas a la tarima fueron también un aliciente más. Haciendo juego de palabras (aunque de apellidos, en este caso), Álex Ferreira acompañó al gallego durante ‘Ciudadano A‘ y ‘Promesas que no valen nada‘. Como ustedes saben, la letra de esta composición termina con unas pequeñas líneas de ‘Insurreción, de El Último de la Fila, pero esta vez se dejaron llevar hasta completarla desde la primera hasta la última estrofa. Con ‘1999‘, de Love of Lesbian, sucedió parecido pero sin llegar al extremo cuando Iván Ferreiro coló algunas líneas de la archiconocida de Jeanette ‘¿Por qué te vas?‘. También destacable la fugaz aparición de Salva Codinach, voz de Ruidoblanco, en ‘El equilibrio es imosible‘.

Para aproximar el final, el concierto terminaría cerrándose con ‘Turnedo‘, dejando la atmósfera de la sala algo más ligera y con algún que otro entrañable novio esperando la canción favorita de su romance entre gintonics derramados por el suelo.

¡¡¡Acojonante, Caco Senante!!!

Cumplir años es un acto digno de celebración, pero que un grupo cumpla una década juntos es algo todavía más meritorio y más a día de hoy. Los madrileños Garaje Jack cosecharon en todo este tiempo tres únicos álbumes de estudio que han bastado para afianzar y confirmar que estos chicos, con Laura Rubio a la cabeza, no tienen porqué editar una gran cantidad de discos, sino buenas canciones y llevarlas al directo.

La Joy Eslava presentaba un lleno considerable cuando, a eso de las ocho y media de la tarde-noche, salía Vikxie a calentar el ambiente presentando su segundo largo, titulado “Por arte de magia“. Pasada la media hora se silenciaba la música para que el murmullo de la gente llenara la ya abarrotada sala. Anunciaba -con las luces apagadas y un collage fotógrafico de fondo- ‘With a little help from my friends‘ (la versión de Joe Cocker) el comienzo del aniversario. Poco a poco salían los protagonistas, dejando un márgen de tiempo a la entrada triunfal de la rubia vocalista que vestida con una pequeña camiseta de lentejuelas y un ceñido pantalón aparecía para entonar la primera del set-list; ‘Sin red’, perteneciente a “Todo eran canciones” (BMG, 2010), situando así la punta de un extenso show emotivo que no podía empezar mejor.

Pero aunque las letras son la munición, el sonido es el arma más precisa de los Garaje Jack. Óscar Rama (guitarra) ofrecía un ágil espectáculo para avivar todavía más a las primeras filas que coreaban los estribillos de canciones como ‘Lo que quieras‘ y ‘Valiente‘, dando por finalizada la primera tanda, no sin antes saludar y agradecer al respetable su presencia: «muchas gracias por haber venido a darnos calor hoy, porque el calor nos lo dáis a nosotros», agradecía Laura antes de presentar al próximo invitado; Nico Álvarez, primer guitarra de la banda que para la ocasión rememoró ‘El callejón‘ y ‘Cinco flores‘, ambas del primer LP, “Alma en celo” (Factoría Autor 2001).

El momento álgido de la noche (y no el único) llegó con ‘Seguimos en pie’ y ‘Tú y yo‘. Mucho significado contenían aquellas piezas para la vida de una banda que pese haber vivido momentos complicados, continuaban en la brecha. Le seguiría la primera versión de la velada, ‘Only a fool‘ de The Black Crowes. Aderezado todo ello de manera magistral con arreglos de vientos. Y es que aunque el conjunto oficial de cuatro componentes con Laura, Óscar, Carlos Toja “Trujo” y Jorge sea de lo mejorcito, también tuvieron el respaldo de Dani “Soho” Gónzález (guitarra) y la de Moi Gómez con los teclados.

Como parecía aventurar el ambiente, el evento aglutinó todos los factores para que la noche dejara caer alguna que otra lágrima de emoción entre la gente y hasta de la propia cantante cuando dentro del set acústico llovía la melodía de ‘Vida‘. Por cierto, precioso bloque íntimo con Jorge Galaso dejando el bajo para interpretar algunos de los temas a piano. Además con Joe Eceiza (Le Punk) como siguiente invitado. Hasta que el resto de músicos volvieran a compartir protagonismo con sus compañeros, el momento íntimo resultó ser demoledor, pues Garaje Jack no sólo son una excelente banda de rock and roll injustamente tratada, sino que se defienden sobradamente acelerando el blues o bajando marchas en acústico.

Si a mitad del show explotaron los momentos más enternecedores y aclamados por la audiencia, llegando al final volvieron las luces y las sombras del grieterío con la voz de Aurora Beltrán en ‘Sabor a sal‘, cuarto corte de la segunda entrega, “Traje nuevo” (Factoría autor, 2008). Y así fue, una recta final que se comió cualquier otro evento sucedido esa noche en la capital. ‘Whole lotta love‘ de Led Zeppelin fue un colofón y soberbio final para una celebración que será recordada en un próximo DVD.

¿Significará esto un punto y aparte o un punto y seguido para Garaje Jack?
La historia de Garaje Jack ha convencido y quedará en la memoria de los que tienen esperanzas en el rock madroño.

La chilena Javiera Mena vive asentada en una suerte de tecno-pop que le ha garantizado la adhesión incondicional de cierto segmento de seguidores. Aquellos a los que les puede gustar tanto la música de Hidrogenesse, de Amaral cuando no son tan derrengados o incluso los Fangoria menos cáusticos y dramáticos. Por eso, Hidrogenesse han tenido la audacia de elaborar una tremenda remezcla para una de las mejores canciones de su segundo álbum de estudio, “Mena”, publicado el año pasado. Nadie mejor que ellos para encauzar el pop bailable y etéreo de su elevada “Luz de piedra de luna”.

La canciones de esta briosa cantautora circulan por unas sendas que fluyen entre los sueños del pop más bailable hasta esos atajos de letras llevadas por el amor más cándido, inutilizando lo sencillo hacia el clamor de lo positivo, alegre en todos los sentidos, y deshaciendo lo que de infantil pueden ser sus letras hasta una pericia registrada que, desde aquel 2001 tocando en circuitos de rock independientes de Santiago de Chile, han cubierto un hueco para el “hazlo tú mismo”, que ahueca hasta ensancharlo de alborozo electrónico.

Javiera Mena ya se había paseado con su música por Madrid, una de las veces acompañando a “Kings of Convenience” hace casi dos años. Allí algunos conocimos el entusiasmo de su pop acústico en un concierto desconectado de esquemas electrónicos, a esperas de un siguiente disco que centralizó las vistas en las tareas que le han hecho popular.

SON Estrella Galicia la ha traído a ella solita a España ( A Coruña, Ourense, Madrid, Vigo y Valladolid) para presentar sus canciones y se agranda el círculo, desde los circuitos independientes de México, donde es conocida, hasta los de España, donde en esas mismas órbitas de ocurrente tecno-pop (entre varias cosas), es tan querida.

El directo de Javiera Mena, ahora, tiene tres caras muy diferentes. La primera, su pop más accesible y comercial, en el que paseó sus canciones la primera (y más aburrida) media hora de concierto. Utilizando tácticas donde los esquemas más sencillos del pop que ahonda en lugares comunes de estribillos y letras no consiguen levantar el aliento de un público que pedía más. Comenzó con “Perlas”, “Un audífono tú, un audífono yo” y “Está en tus manos”. Quedábamos a la espera de más. Los primeros minutos no descubrían nada nuevo de la verdadera cantante.

De ahí en adelante y sobre todo a partir de “Como siempre soñé”, se vio la otra cara de la chilena; la más petarda, divertida, bailable, contagiosa y cachonda. Y el concierto levantó el vuelo. Con “Sufrir”, “El amanecer”, “La comida” (y su segundas intenciones: “La comida es lo primero, la moral viene después) y “Yo no te pido la luna” (y su público ya en pie) fundiendo el italo-disco en una fortuna de identificación ochentera hizo que saltaran los botones, las melenas y la brillantina, desde el indie menos pretencioso hacia el vértice mismo de la fiesta sin prejuicio alguno. En este sentido, cerró el concierto como mejor sabía, con “Luz de piedra de luna”. Su valor seguro para dejar un buen sabor de boca.

Entre medias, la otra jugada de Javiera Mena, donde su estupenda voz cobra fuerza en acústico, que juega al contraplano de sus dos otras imágenes. De ahí que la variedad de su directo puedan hacerse vanagloriarse de un repertorio variado, donde tengan cabida varias cuadrillas de entusiastas, sobre todo aquellos (mayoría de público joven, como ella decía, había pocos casados entre el público) a los que no les cuesta soltar las palmas a ritmo de sus mejores canciones. Me refiero a las más rítmicas de sus dos trabajos de estudio.

Con un magnífico sonido, los arreglos electrónicos no tapaban la diáfana voz de la artista. La calidad de su voz quedó patente en todos los sentidos.

Ni que decir tiene, en España existe una pandilla que se complace en verla pasear su música. Y se lo tiene bien merecido.

El australiano Scott Matthew tan sólo lleva cuatro años grabando discos con su nombre, anteriormente en Elva Snow –publicando trabajo en el 2005-, más la colaboración para la banda sonora de la película “Shortbus” (John Cameron Mitchell, 2006): sin escuchar la banda sonora sospecho que es mucho mejor que el largometraje. Y siendo cinco sus trabajos publicados ya le hemos pasado la patata ardiendo aquellos que seguimos la estela de este gran año de neo-folk.

Delineamos unos sentimientos comunes a la música de Bill Callahan, Doug Paisley, Cass McCombs (por el lado más pop), Kurt Vile y su folk-rock, James Vincent McMorrow (¿cuándo vas a visitar nuestro país, bandido?), Richard Buckner (un gran olvidado), Bon Iver y ese falsete de country-pop crepuscular y tantos otros, con los que nos hemos emocionado y, por qué no decirlo, sorprendido al escuchar estos últimos aciertos musicales. Con un equipo así, muchos no nos esperábamos un año tan sólido como el presente.

Esta vez, organizado por Vertical Pop y su diligencia en elegir a sus artistas en vivo, Scott Matthew venía a presentar su flamante “Gallantry’s Favorite Son” en el Teatro Lara madrileño, con la sombra alargada de un Elvis Costello a sus pies, desnudando su repertorio (y he aquí las característica general de los artistas citados) de artificios y haciendo que su preciosa voz sea la melodía más clara y contundente de todas y cada una de la canciones de su último esfuerzo creativo. Fácil es vincularlo a artistas próximos a su esquema musical pero ya se sabe: se atrapan más moscas con miel que con vinagre y emparentando su música con generaciones anteriores no hacemos otra cosa que quitarle un mérito que de por sí ya se lo tiene ganado desde que comenzó enviando álbumes hacia la estela del folk acústico, que tanto brilla a través de sus canciones. Scott Mathew, al que no le pesan los bolsillos por tenerlos llenos de piedras donde pese más que otra cosa el que muchos han denominado un folk eminentemente neoyorquino, anda ligero de sofisticación musical. Arreglos fáciles (guitarras, piano, ukelele, violonchelo, arpa y clarinete en disco) para mejorar, en un contrapicado arrebatador, el que es su mejor trabajo hasta la fecha.
De su último álbum, no trajo consigo la voz de Clara Kennedy, aunque sí le acompañó felizmente Sam Taylor, cuyos duetos fueron de dejar los pelos de punta. De esta forma, “The wonder of falling in love”, “Black Bird” (aquí sí que el violonchelo se hace notar, así como los coros celestiales), “True sting” y el resto de la soberbia colección de su trabajo, sirvió de excusa para armonizar un concierto rozando lo memorable. Entrañable y cercano en sus comentarios y profundamente agradecido a su público, se hace querer con una adhesión que se pega, desde los oídos hasta lo más profundo de nuestras sonrisas, cómplices sin dudarlo hacia su música, en un camino que adorna sus temas con los dulces tonos del ukelele y el violonchelo, además de un piano que acompaña con esos arreglos que parecen acariciar las canciones, de no más de cuatro minutos. La concisión hecha arte. Tres músicos en vivo, ¿para qué más?. Y entre sorbitos de vino, Matthew dejaba el surco de la belleza de sus temas en ambas mejillas de todos sus seguidores.
Por eso, “Felicity” sonó así de bien y en “Duet” se percibe el aroma de un clásico. De letras que hablan de aprender a volar, de cómo decirse adiós, de los cumpleaños, del paso del tiempo y de cómo no estar sólo. Si le escucha Terrence Malick antes, le hubiese dedicado una canción para su religiosa “El árbol de la vida” o aún está a tiempo para incluir algún tema para su próxima “The burial”…quién sabe.

Y a todo esto, le quedó tiempo, en su hora y media de concierto, para (con divertida ironía) dejar hueco a dos versiones: uno para llevar a su terreno el “Only girl in the World” de Rihanna,-entre risas del público-, y otro para la abisal “No surprises” de Radiohead. Ambas las ha ido tocando en el pasado cercano de sus directos.
De cómo se puede hacer tanto con tan poco. Una lección de folk para un año destacadísimo, no cabe duda alguna. Señor Matthew, seguiremos a pie juntillas lo que siga haciendo. El teatro Lara ha recibido el primer gran impacto emocional de la temporada, dejándolo tambaleando; atentos a los siguientes de Javiera Mena, Alela Diane con Wild Divine y John Grant. No se los pierdan.

Animal Collective tenían que ganarse la reválida después del criticado directo en el último Primavera Sound, que de ser una de las bandas más esperadas se convirtió en una de las mayores decepciones. La verdad es que después de aquello muchos nos acercamos con miedo a lo que nos encontraríamos. ¿Primaría el show difuso y poco cohesionado o nos volverían a convencer de su condición de grupo para la historia no sólo en estudio? Por suerte, la balanza en esta ocasión se acercaba más a lo que queríamos ver, aunque con reservas.

Los cuatro integrantes originales (después de que Josh Dibb no grabase con ellos el Merriweather Post Pavillion) tampoco se mostraron muy habladores, y únicamente Avey Tare se dirigió al público con escuetas y manidas palabras. En realidad no hay que sorprenderse, Animal Collective es un grupo de acción que sin miramientos saca a relucir la artillería y nos sumerge en un tour de force de excesos pop bien aderezado por aires weird y psych. El sonido era magnífico, mucho mejor que en el mentado concierto anterior (uno de sus mayores lastres), con bajos contundentes pero sin capar al resto del conjunto y bastante cuidado con los diferentes matices sonoros (uno de los fuertes de la banda). Ya sólo por eso merecía la pena darse un garbeo por La Riviera para constatar el potente directo.

El mayor problema recaía en el setlist, donde se agradece la inclusión de nuevo material, pero por momentos parece que se trata de un concierto para ellos mismos que para el público. Los temas populares o incluso los que nunca lo fueron quedan en un segundo plano frente a que presumiblemente aparecerá en su próximo álbum. Es de agradecer que una banda apueste por ello, pero sin olvidar que también ha pagado por reconocer más de tres canciones. También no es menos cierto que mucha gente espera el Merriweather, por descubrirles a partir de ese disco, lo que tampoco es saludable. Eso se notó en temas como “Brothersport” y “Summer clothes”, que el público coreaba y bailaba a lo loco. Canciones antiguas como ‘Did you see words’ no tuvieron el mismo recibimiento.

Obviando la falta de hits (por llamarlos de alguna manera), los nuevos temas sonaban en general muy compactos, siguiendo la estela del último álbum y destacando los de la primera mitad del concierto. Al final nos topamos con una gran fiesta para nada intrascendente (cuando en el 99% esto resulta una paradoja) que como un kaleidoscopio nos transporta a un mundo de colores y formas imposibles.