La noche estaba servida: The Pains of Being Pure at Heart, uno de los principales grupos de 2009, en una sesión en solitario para disfrute de los fans del joven grupo estadounidense y los aficionados al buen indie rock.

El Playa Club de A Coruña, lleno hasta la bandera, parecía a priori un buen lugar para los Pains, pero desde que comenzó el concierto quedó patente que el sonido no era el adecuado. El guitarreo fuerte y continuo de los Pains ensordeció cada uno de los temas hasta el punto en que no se distinguían las voces entre el ruido. En ocasiones hasta costaba distinguir los estribillos. Los yanquis acostumbran a hacer canciones un poco sucias, en las que las melodías de las guitarras tienen más protagonismo que las letras, pero debe haber un límite y en este caso se sobrepasó. Una lástima.

El inicio de la velada puso a prueba a los fieles con “Belong”, un nuevo single, que seguramente descolocó a gran parte de los asistentes. Tanto como la segunda canción de la noche: “Heaven’s gonna happen now”, que tampoco se encuentra ni en su flamante debut ni en su posterior EP Higher than the stars. Los puros de corazón eligieron caldear el ambiente poco a poco arrancando con temas inéditos y canciones secundarias como “103″ -el segundo corte de su EP-. Este hecho no es del todo malo, su nueva música es tan buena como la que encontramos en su primer disco, pero descartar canciones de su aclamado LP -ni rastro de “Contender”- por otras que la gente no sabe corear impide meterse de lleno en el directo. Viendo la otra cara, los neoyorquinos dejan patente que no quieren vivir de rentas y trabajan en nuevos éxitos, y estoy seguro de que parte del público prefiere escuchar de primera mano lo nuevo de su grupo favorito.

La segunda mitad de la noche, una vez acostumbrados al sonido de la sala, fue un paseo. Sonaron los hits: “Young Adult Friction”, su ultimísimo single “Say no to love”, “A teenager in love”, “Come saturday”, la genial “Higher than the stars”, intercalados con chapurreos en español de los integrantes del grupo. Este fue el setlist oficial:

Belong
Heaven’s Gonna Happen Now
This Love is Fucking Right
103
Young Adult Friction
Say No to Love
A Teenager in Love
Come Saturday
Higher Than the Stars
The Heart in Your Heartbreak
Stay Alive
Pains of Being Pure at Heart

El concierto se cerraría con dos temas extra: el prometedor “My terrible friend” y, para dejar un buen sabor de boca y una afonía en las gargantas de los presentes, “Everything with you” -presentada por Kip Berman como “todo contigo”-. Hit en toda regla.

 

 

 

Toda la distancia que puede separar a una diva de su público, entre el cielo que es donde imaginan sus seguidores que aterriza y la tierra, donde quedan abiertos los brazos hacia su estrella, se convirtieron en milímetros cuando Erykah Badu entró en el escenario para saludar a su público madrileño. Eso sí, sin ninguna prisa, que para eso llevábamos tres cuartos de hora esperando a que sonaran sus canciones, cuyo aperitivo había abierto uno de los componentes del grupo media hora antes (DJ Burton Smith), mezclando bossa, funk, rap y lo que se le iba ocurriendo y haciendo olvidar la espera con temas que pisaban sobre seguro; el Michael Jackson de “Don’t stop ´til you get enough”, “Kiss” de Prince y hasta el ochenteno “Sweet dreams (are made of this)” de Eurythmics. Muy bien sus remezclas y verdaderamente entretenido.

Se echaban en falta sendas pantallas a los lados del escenario pero en año de recortes, hasta era terriblemente complicada la combinación de medios de transporte para llegar al recinto, cuando el año pasado las facilidades eran mejores. Ya se sabe, vivimos en un país donde más que correr, cojeamos y sin sacar las manos de los bolsillos, que un buen dinero les costó el concierto de la señora de Dallas (sin llenar el aforo) a los que se acercaron a verla.

Erykah Badu es una acumuladora de registros, ritmos del pasado y sonidos del futuro que la han hecho afianzarse en varios países (aquí no es tan conocida) como una reina absoluta del neo-soul más obstinado. Jazz, soul, hip hop y la herencia que también desde el blues viene salpicada por el Rythm and blues y que son reciclados sin ningún pudor, con la honestidad firme que se arranca de sus álbumes.

También actriz, arropada por el sello Motown y habiendo ganado varios premios Grammy, puede sentir que conmueve con sus canciones sin ningún reparo (ya sean de discos pasados o por la excusa de presentar su recién publicado “New Amerikah Part two: (The return of the Ankh”), cuando a modo de “jam session”, frenando un scratch de DJ Burton Smith, abrió el espectáculo con la canción “20 feet all”, de su último esfuerzo creativo.

Erica Abi Wright (su verdadero nombre) es el reverso de lo que puede ser, por ejemplo, la abrasiva Sharon Jones, además de que esta última se acerca mucho más al reggae. Y más sosegada en sus principios musicales, el hip hop, jazz y sobre todo el soul que practica Erikah Badu se congela y cambia de ritmo, haciendo de sus sonidos algo enormemente contemporáneo e identificativo para todos sus fans.

Es una cantante que domina perfectamente el escenario. Llegando a estar hasta once músicos con ella, perfectamente compenetrados,(en varios momentos cuatro coristas), se comportó como una auténtica dama (a veces un poco fría) cantando esas canciones que resultaban igual de emotivas en todo el repertorio. Y esa hondura se pudo sentir, desde “Out of mind”, la sinuosa extrañeza de “Appletree” o la mística crudeza de “Love of my life”, cuando ya no quedaba ningún Judas entre el público que sintiera venganza por la palpable homogeneidad de todas y cada una de las canciones que volaban entre el público.
A Erikah Badu no le queda nada para quedarse pegada al trono de las mejores artistas de soul de su generación. La corona, si no la tenía ya, la comparte con otras cantantes que igual de perseverantes, nos han traído décadas de sonidos que se encuentran entre los mejores conocidos de la historia de la música. Lo sabe, se lo cree y lo transmite en las mismas proporciones: una diva.

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[Descargar vídeo]

 

Os dejo un vídeo de un directo de Gorillaz en Glastonbury. No sé lo que durará porque están un poco puntillosos con los derechos de autor, así que desperezaos que la canción es preciosa. La canción “To Binge” se encuentra en el último disco de Gorillaz, Plastic Beach (2010). El grupo liderado por Damon Albarn se unió a última hora al festival británico después de que U2 se retirara por enfermedad de Bono, que tuvo que operarse de urgencia en la columna.

 

Es un buen momento para recordaros que D. Albarn estará en A Coruña en agosto, participando en el festival Africa Express que recaerá en la playa de Santa Cristina con motivo del Xacobeo 2010.

 

 

Los neozelandeses The Ruby Suns destacan por renovar la música, darle colorido al pop, ya desde un primer momento con un nombre tan almibarado como los soles de rubí. Parten de una premisa para luego dotar a las bases electrónicas del pop más ensoñador capas de tropicalismo y sonidos rítmicos que beben del caribe, de África y las raíces más tribales. Y nos vemos celebrando la vida con el trío liderado por Ryan McPhun (teclados, bases, loops, programaciones), acompañado de un percusionista (y batería programada) junto a otro teclista (guitarrista, programaciones).

Sus tres discos son un auténtico festival de pop colorido, donde la vibración crece, el cuerpo se anima a bailar y el espíritu rebelarse, dejarse llevar y sonreír. Una base de pop consistente con ritmos digitales y analógicos, en una combinación idónea para que el pop abrace el ritmo y se funda con las raíces. Su propuesta va en otra dirección que la de Vampire Weekend aunque si comparten el sentido y ciertos postulados. Porque la música quiere expandirse.

Su último asalto discográfico se titula ‘Fight softly’ (2010), como convenciendo al oyente de que la música es de los pocos reductos donde podemos iluminar nuestro alma, para seguir batallando en nuestras vidas. Tras el éxito de ‘Sea lion’ (2008), del que interpretaron dos joyas como “Oh Mojave” o una genial canción de corte tribalista como “Tane Mahuta”. El nuevo disco viene a confirmar una paleta sonora francamente original, su sencillo “Cranberries” es luminoso, parece que lleva dentro un carnaval. O esa joya ensoñadora que es “Closet Astrologer”. Y es que The Ruby Suns son una amalgama de sonidos digitales con inspiración orgánica y conceptos abiertos, para nada enlatados, que abren tus neuronas a nuevas experiencias. Que te abren a las músicas tribales, a las raíces tropicalistas, africanas, a través del pop, sin limitarse a único género. A esto se le llama ultra visión o punto de mira soñador.

El concierto de The Ruby Suns fue el colofón ideal de un día festivo en Madrid. Salimos a la calle con la energía desatada, con un golpe de acción ante la apatía reinante. Con un haz de luz que aportan estos The Ruby Suns: diversidad, divertimiento y musicalidad. Casi nada para los tiempos que corren. Y recuerda, lucha suavemente.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

Venían a presentar su último trabajo, su segundo disco grande ‘Vexations’ (2010), un disco doble ambicioso a la par que bien notable. Era la primera visita a Madrid de la banda alemana Get Well Soon, y desde el primer momento consiguieron conectar con el público, pese al calor sofocante del patio de La Casa Encendida y un estilo introspectivo, oscuro, grandilocuente, pero que cala hondo por la franqueza de la propuesta. Impregnaron el espacio de una atmósfera especial, con ese impulso de pop-folk orquestal repleto de clasicismo bien entendido, no forzado. Liderados por Konstantin Gropper, un compositor con talento que contribuye al panorama con música rica en matices, volátil, visceral y terrenal, con un gran influencia del pop más orquestal, del dramatismo, de la épica, y fuertemente inspirado en la estética del romanticismo alemán y en esa mirada a la psicología, a la diversas manifestaciones del alma. Conjugan ese poder evocador de las músicas pop, con un alto dosis de ideario ilusorio, aires de fábula con un cariz intimista. Un sexteto mágico, (batería; bajo; guitarras; violín y coros; teclados; guitarras y voz), que entiende de dotar una capa épica a su música, de imaginar parajes sombríos, de dar voz a esa alma acallada.

Su repertorio se centró en su último trabajo, logrado, brillante y sorprendente con canciones como “We are free”, un canto intenso, “We are ghosts”, con la incipiente realidad confusa, la leve tranquilidad de “Red nose day”, ese despertar que es “A voice in the Louvre”, la intensidad liberadora de “5 steps 7 swords”, con ese susurro deslizante y el crescendo de los metales, o “Angry young woman”, un single redondo con un inicio abrupto que deriva en un toque clásico para recurrir a la épica más cautivadora. Pero también recuperaron joyas de ‘Rest your head so you will get well soon’ (2007), como la excelente versión de Underworld “Born slippy (Nuxx )” o “I sold my hands for food so please feed me”. Get Well Soon poseen una intensidad que recuerda a los inicios de Arcade Fire, los ambientes embriagadores de Thom Yorke, la desnudez rabiosa de The National (quizás porque la voz de Gropper recuerda a la de Matt Berninger). Get Well Soon son una banda a tener en cuenta porque suenan creíbles, sinceros, porque sus armonías tienen gancho, sus melodías elevan el preciosismo a la enésima potencia, y porque sus fantasmas nos conmueven, porque son comunes al resto de los mortales. Sus pequeñas postales sonoras, con cierta niebla y ese poder oculto, tenebroso, se instalan en nuestros sueños, acompañan nuestras pesadillas o ese pesar y lamento que en ocasiones se instala en nuestra vida. Nos hechizaron en directo con una actitud sobria pero eficaz y sobre todo con unas piezas que respiran vida más allá del dolor del vivir. Necesitamos dosis para ‘ponernos bien pronto’, mirarnos un poco al ombligo, escuchar, aliviar el dolor y mirar al futuro con el brillo en nuestra mirada.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

 

 

La verdad es que, por las circunstancias de su carrera, no hemos podido disfrutar mucho de los Stems en directo. Esta noche tenaímos que tener todos los sentidos bien abiertos para captar cada matiz de un concierto que estaríamos obligados a retener por siempre. Porque sí hemos podido ver alguna vez más a DM3, el grupo de Mariani, o The Chevelles, el de Richard Lane. Pero aunque el señor Don disponga genialidad en cada proyecto musical en el que se embarca, sus fans siempre han sabido que The Stems es el más especial. Tres cuartas partes de la sala Sol estaban allí para ser testigos del adiós a los Stems. Un adiós que, en esta ocasión, ha sido más amistoso que nunca. Una despedida de mutuo acuerdo entre todos sus miembros como regalo para todos los que disfrutamos de sus canciones a lo largo de todos estos años.

Aires electrizantes recorriendo el continente australiano y por fin nuestros cuerpos desde el primer acorde de “Leave you Way Behind”, el primer tema de su genial y potente Heads Up. No tardaron en descargar clásicos como “Mr. Misery” y “Never Be Friends”, maravillosas piezas sonoras que les encumbraron a la categoría de grupo de culto que son hoy en día. Es curioso porque es evidente que se trata de temas totalmente radiables, llenos de vitalidad y bastante accesibles como para que no sorprendiera que llegaran al gran público, y sin embargo es en el underground más selecto donde mejor encajan. Su espacio natural y al que realmente disfrutamos accedediendo. Allí donde nos gusta ir para mirar al sol, en este caso los focos, para cantar juntos canciones como “For Always”. La tocaron muy pronto, quizá hubiera sido una guinda perfecta y llena de significado para acabar el concierto, pero bueno, lo importante es que ya está en nuestro recuerdo. Por siempre.

Humildes pero confiados, sonrientes pero nostálgicos, en plena forma pero comedidos, se centraron sobre todo en sus primeras canciones, los verdaderos himnos de los Stems. Y si tocaron sus grandes temas creados hace un cuarto de siglo es porque creyeron que serían los que mas disfrutarían los fans. Y no es del todo cierto, ya que nos quedamos con ganas de más Heads Up. Pero tampoco queríamos dejar de escuchar esas joyas inmortales llamadas “Make you Mine” o “Sad Girl”. Qué le vamos a hacer, hubiéramos necesitado mucho más de la hora y media de greatest little hits con la que nos deleitaron.

Y con demoledora clase y elegancia siguieron pintando la atmósfera del Sol con las sedosas melodías de su vertiente más pop y la cruda aspereza de sus tendencias más garageras. Eso sí, Richard Lane y su vieja Rickenbacker, el bajista Julian Mattews, el baterista Dave Shaw y el maestro Don Mariani, animal de la música guitarrera que esperemos que nunca deje de facturar melodías, si con algo nos sorprendieron en aquella gran noche fue con su selección de versiones. La primera, la demencial “My Fathers Name Was Dad” de Fire. Una canción totalmente infravalorada cuyo riff de guitarra podía haber hecho quebrar el cielo. Y tras “Undying Love Get To Know Me”, “My Baby Like to Boogaloo”, de Don Gardner, aunque popularizada por los Emperors. Tremendo trallazo de garage punk cantada con alma de soul. Pero ahí no acaba la cosa ya que en los bises se desmelenaron totalmente y tras ejecutar implacables “At First Sight” y “Love Will Grow” nos regalaron “Sorry”, de los australianos sesenteros Easybeats, la legendaria, pegadiza y rockera “Day Tripper” de los Beatles, “Train Kept A-Rollin” de Tiny Bradshaw, versión rockerizada de Johnny Burnette Trio y el broche definitivo “I Just Wanna Make Love to You” de Muddy Waters. Creo que hubiera sido imposible acabar mejor.

De modo que The Stems se despidieron por la puerta grande. Con naturalidad y excelencia al mismo tiempo. Con un Mariani arrollador, concentrado y de sentimiento vibrante y una formación perfectamente engrasada en la que sólo echamos en falta el teclado en la formación actual. Pero bueno, el set list estuvo muy bien escogido ya que supieron combinar perfectamente los medios tiempos con momentos de gran intensidad y lograron un sonido envidiable. Dieron un concierto tan redondo que al subir las escaleras y volver a la calle sentimos todavía más su inminente separación. Posiblemente sea una decisión errónea terminar definitivamente con su carrera, pero cuando el corazón es el que dicta el final del camino no queda más remedio que hacerle caso. Eso sí, grabemos tras la guitarra esa máxima que reza: cuando la verdadera música comienza no desaparece nunca, ni siquiera con un final. Así que ahora sí que sí, hasta siempre Stems. Y gracias.

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Alfredo R.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La música con raíces está más viva que nunca. Se expande más allá de las religiones, de la raza, de las ideologías, de los prejuicios, porque lleva la libertad en su ritmo. Y ese poder nos seduce, nos atrapa. Para su segunda edición el festival África Vive, un certamen con multitud de actividades de diversa índole y en diversas ciudades del Estado. En su parte musical ofrecía como plato fuerte un cartel gratuito con tres grandes nombres de la música africana y con otros artistas menos conocidos pero que ofrecieron una panorámica musical de lo que sucede por un continente muchas veces olvidado por Europa.

Arrancaron sobre las seis y media de la tarde Don Bigg, cuando la cola para entrar en el recinto parecía inacabable. Decir que por lo que se oía de lejos el hip-hop en árabe de este combo sonaba resultón. Siguieron los senegaleses Da Brains con un ragga peleón y combativo, más que un dancehall elegante y rítmico. Ni mucha chicha ni poca.

Y la primera sorpresa vino con la senegalesa Njaaya. Un estiloso folk, con dejes del hip-hop, una voz prodigiosa, toques blues en la eléctrica. Todo ello fueron ingredientes que calmaron el calor vespertino y que agradaron al todavía poco público presente. Su directo, muy logrado, supera con creces sus vídeos de youtube y sus canciones de myspace suenan con un poderío inferior. La justicia del directo pone las cosas en su sitio. El descubrimiento del festival.

Con Konono nº1 vino el baile. No pude resistirme y caí en el hechizo del baile hasta la extenuación. Y como yo, el respetable que disfrutó en una fiesta sinfín. Un concierto de los congoleses es un revulsivo y vivimos esos cuarenta y cinco minutos como un viaje sinfín, una ceremonia para expulsar los demonios. Y el baile como sanador. Y si bien encajan en la programación de un festival de música electrónica y músicas avanzadas como el Sónar, en su edición de 2009, porque su cacharrería analógica tiene ese punto de programaciones ancestrales y ritmos narcóticos, también encaja en un cartel de músicas del mundo o de sonidos bailables. ‘Congotronics’ (Crammed Discs, 2004) sigue siendo uno de los mejores discos de World music, que combina ritmo a destajo con buenas raíces.

Cuando el recinto ya contaba con más de 5.000 personas y cualquier movimiento a los baños suponía una larga excursión, apareció la banda Sidy Samb para demostrar otra vuelta de tuerca de los sonidos africanos. Si bien no encandiló como Njaaya, a pesar de una propuesta con mucho más brío y alguna canción lograda. Practica un género musical, el Mbalakh, no muy conocido por estos lares que tiene su tirón. Pero su residencia en España le ha impregnado de sonidos propios de aquí.

María Rodríguez

Tras la actuación del senegalés Sidy Samb, Salif Keita no se hizo esperar. La inconfundible voz del cantante envolvió el recinto de la Complutense durante toda su actuación cautivando al público a través de grandes clásicos como “Yamore” o “Yambo” y junto a temas de su último disco La Différence. Un repertorio en el que no faltaron ni la dulzura ni la alegría que caracterizan a este genio de Mali.

Una agrupación electrónica (Dj Pichi aparecía en algunos medios y Dj Africa Dance Set en otros) aportó la nota electrónica a la noche del Paraninfo sorprendiendo con una selección de temas contundentes con bases tribales donde no faltó la percusión en directo y la animación sobre el escenario de algunos artistas invitados como Njaaya y uno de los componentes de Da Brains.

Para finalizar, y con hora y media de retraso sobre lo previsto, Alpha Blondy no decepcionó a la expectación. El grupo de Costa de Marfil comenzó con una explosión de ritmo reggae que convirtió el recinto en una auténtica pista de baile, a lo que siguió una introducción estelar y casi mística de “Jerusalem” uno de los temas más conocidos del grupo que junto con otros clásicos como “Cocody Rock”, “Wari” o “I wish you where here”, hicieron cantar al público hasta el final de la noche.

 

 

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Texto: Andrés Castaño y María Rodríguez

 

 

 

Si hay una cosa clara es que un concierto de Gogol Bordello es la ocasión perfecta para desmadrarse. De hecho, creo que es mejor centrarse en todo lo que rodea a la actuación de los neoyorquinos y hacer que su música sea un accesorio más de la fiesta. A menos que el Gitaneo-punk sea tu género artístico de cabecera, claro está. Pero bueno, lo que quiero decir es que Gogol Bordello, en mi opinión, deben ser vistos como una panda de borrachos desarrapados que empiezan a montar el pollo, y sin venir a cuento, en un guariche de mala muerte perdido en la mitad de un país de Europa del Este. Y que me aspen si eso no es lo mejor que te puede pasar en un viaje mochilero. Lo peor supongo que sería el argumento de Hostel de Eli Roth.

Creo que la mayor virtud que esconden Eugene Hütz y compañía es la de ser capaces de sacar al juerguista perroflauta que todos llevamos dentro. Puede que su música no te convenza, a mí desde luego no me apasiona, pero es difícil no bailar como un polizón ciego de aguardiente cuando los Bordello comienzan a montar el pollo sobre las tablas. Lo único que hace falta es tener la mente un poco abierta -como Rick Rubin, por ejemplo, que acaba de producir su último álbum, Transcontinental Hustle-, un poco de alcohol en la sangre -por aquello de la desinhibición-, calzado cómodo y ganas de pasárselo bien.

El público, venido de numerosos puntos de España, se aplicó el cuento y recibió a la horda balcánica como auténticos héroes y desde los primeros acordes de “Ultimate” comenzó a funcionar un pogo incendiario. Eugene Hütz comandando la renovada caravana de rusos, israelíes, etíopes, ecuatorianos, escoceses y yankis, saltó sobre el escenario con la energía que le caracteriza. Y el resto del equipo como piratas enloquecidos practicando un abordaje. Ellos saben que su mayor baza es su vistosa puesta en escena y procuran no descuidar nunca este aspecto. De hecho, quizá sea pronto para sentenciar con esta afirmación, pero si no llega a ser por su adrenalítica performance nos hubiéramos ido de allí con un sonoro pfff vibrando en los morros. Y es que es fácil no cosechar muchas críticas negativas cuando te montas una charanga babélica revestida de florituras étnicas y la lías parda como si de un demonio de Tazmania puesto hasta arriba de éxtasis se tratara. Quieren ser Mano Negra pero va a ser que no. De hecho llevan haciendo lo mismo que a finales de los noventa, con el agravante de que cada vez tienen menos ideas compositivas. Que está claro que “Inmigrant Punk“, “Wonderlust King“, “Start Wearing Purple” o “60 Revolutions” son buenos temas y nos llenó de satisfacción el escucharlos, pero eso no bastó para que creyéramos haber presenciado un gran concierto. Sus últimos trabajos carecen de la frescura que tenían los primeros, aunque por supuesto tienen buenas canciones, como las que presentaron esta noche, véase “My Companjera”, “Break The Spell”, “Inmigraniada (We comin’ rougher)” o “Pala Tute”. Una tras otra logran arrancar lo esperado por parte del público pero al final todo queda reducido a un único compás, el pum-pum que hacía Torreiglesias en Saber Vivir. A golpe de remo terminan por ser profundamente repetitivos y a uno le da la sensación de sumirse en un bucle tabernario y chiripitiflaútico sin fin.

Una de las cosas que más me escaman de de Eugene Hütz y los suyos es lo poco que queda del espíritu con el que comenzó en esto de la farándula con su primer grupo, Uksunsnik, o aquellos que formó tras su llegada a Vermont, los transgresores The Fags y Flying Fuck. Ahora se codea con la élite del postureo, brinda con burbujeante capitalismo –con Rioja en los conciertos-, abandona el underground a favor de las multinacionales, actúa en los festivales más esponsorizados del planeta y pone y dispone unas cláusulas de imagen bastante discutibles. Pero bueno, tampoco es que se les haya llegado a ver nunca como el grupo del proletariado por mucho cántico contracultural y mucho atuendo de los bajos fondos que se pongan.

En cuanto al ámbito puramente musical, su actuación se vio empañada una vez más, y realmente como casi cada noche, por la infame acústica de la sala anfitriona. El acordeonista y el violinista podían haberse quedado medio concierto en el backstage fumando canutos porque apenas se escucharon sus instrumentos. Y he de reconocer que tanto la performance cabaretera de las coreanas, ahora coreana en singular, como la nueva omnipresencia de Pedro Erazo, el desquiciado ecuatoriano con afán de protagonismo, hacen que, a mí modo de ver, su directo haya empeorado. Los vocales aberrados de Erazo dotarán de mayor contundencia a las canciones pero desde luego resta armonía al conjunto. Y hablando sin rodeos, canto mejor yo tras calzarme media botella de whisky.

Y sí, he de admitirlo, a pesar de todos los pesares detallados, salí sudado y bastante agotado. También agradecido de que el jolgorio hubiera terminado, tanto por el hecho de cortar con mi extenuación como del tedio que me hubiera provocado un solo minuto más. Sigo pensando lo mismo que siempre, por supuesto. Si te armas de predisposición, es un grupo perfecto para pasar un buen rato. Es como la quinta entrega de la televisiva American Pie. Es una película chustera pero si te quieres reír, te ríes. Así es Eugene Hütz, su falta de talento es suplido a la perfección por su carisma. Y su poblado bigote, costillar sudado, voz socarrona y mordaz sonrisa logran que te olvides de los contras, y botes con alegría gracias a los pros. Otra cosa es que yo me siente frente al ordenador días después, con la mente serena, resaca y ganas de tirarme por la ventana y echar a volar y me ponga a darle lo suyo en este humilde rincón.

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Texto y fotografías: Ángel Del Olmo

 

 

 

Nada más subieron al escenario de Gruta 77 vimos que faltaba un gaitero, puesto que estaba programado que en esta gira vinieran con dos. Una lástima, parece ser que Matt perdió el avión por lo que todo el peso de los vientos folclóricos recayó sobre el nuevo fichaje. Sin problema, aprobó con notable alto puesto que se desenvolvió como si llevara toda la vida tocando con ellos. El otro cambio en la formación fue la sustitución, en principio temporal, del bajista. Para nuestra sorpresa el que apareció por allí fue el gran Karl Alvárez, de ALL y Descendents. Y si sumamos su presencia a la de Dave Gregg, exmilitantes de DOA y Sean Sellers exmiembro de Good Riddance, se puede afirmar que The Real Mckenzies son un dream team del Punk Rock melódico.

Muchas veces no se da la suficiente importancia a los teloneros pero el papel que desempeñan es vital. Son como los estiramientos antes de un partido de tenis, si no los haces puedes acabar fácilmente con una luxación, o como mínimo con unas agujetas que te dejen inservible durante días. En materia de directos lo que puede ocurrir es que en el escenario esté tocando uno de los grupos más fiesteros del planeta y que la gente reaccione del mismo modo que si estuviera frente a ellos Leonard Cohen. No hubo un grupo que precalentara el ambiente y eso se tradujo en una respuesta de público similar a la que podría haber ofrecido un marsupial bajo el efecto de diez gramos de somníferos. Ni temas tan soberbios como “Chip” o “Lest We Forget” lograron arrancar ni un solo baile ni coro que los respaldara. De hecho, me pude ver a mí mismo en un par de ocasiones pogueando como un chihuahua loco contra una tropa de punkis hieráticos que miraban impertérritos en dirección al escenario. Cuando el primer bloque llegó a su fin con la genial “Pour Decisions” concluí que ya estaba bien, que esa situación era insostenible y no era forma de tratar a nuestros invitados. Así que un poco de caneo frenético y bailoteo cervecero y tras calentar a porrazos a la concurrencia empezó el concierto.

“Smokin’ Bowl”, el tema encargado de abrir 10.000 Shots, fue el disparo definitivo para que los galgos salieran a la caza de la liebre. Los 140 chavales que se acercaron a Gruta eran los galgos y el bicho con orejas, la diversión. Y entonces la música perfecta empezó a hablarnos de rebaños, apagones en Escocia y putas reales. Mención especial a esta última, “Bitch Off The Money” y el amor de los Mckenzies hacia la reina de Inglaterra. Es posible que sea imposible hacer música más divertida que la de esta panda de borrachos. Aunque quizá debería retractarme en ese calificativo porque subieron al escenario completamente –bueno, tampoco nos pasemos-, digamos bastante sobrios. De hecho, creo que es la primera vez que les veo tan serenos, etílicamente hablando. Lo normal es, o al menos lo era, que llegaran con una melopea de libro incluso a la prueba de sonido. Como aquella vez que vinieron de Oporto y en el trayecto hasta Madrid se enchufaron tres botellas de whisky – escocés, por supuesto-. En cualquier caso, la diferencia es abismal. Puede que la ausencia del oro líquido en sus venas haga los conciertos menos cachondos, ya que por ejemplo Paul no hizo ni un calvo ni un peludo en esta ocasión, pero dota al set de coherencia y eficiencia a raudales. Porque estos señores además de unos parranderos son unos grandes músicos y la perfecta ejecución de temas como “Mainland” o la que es una de mis preferidas por su optimismo rebosante, “Best Day Until Tomorrow”, lo demostraron con creces.

Y cuando empezábamos a estar bien empapados en un sudor que no era sino la prueba más evidente de lo bien que lo estábamos pasando, dieron paso al bloque acústico. Era la primera vez que veía a los Mckenzies desenchufados, salvo por los clásicos acapellas de Paul, y la verdad es que la idea me atraía sobremanera. Y no me decepcionaron lo más mínimo. Fantástica desde “Wild Cattieyote” a “10,000 Shots” pasando por “Drink The Way I Do” o “King O’ Glassgow”. Verdaderamente demostraron que son mucho más que el estereotipo que simplemente ven algunos. Lograron conjugar la emoción con la danza alegre que hicieron hervir en nuestro interior y revisiones acústicas de la bella música que hay dentro de un disco como Clash Of The Tartans me hicieron pensar que aunque sólo hubiera sido por esos veinte minutos hubiera merecido la pena cruzar el oceano (on the sea).

Y tras esto, a poguear de nuevo, a beber un poco más, recordar los arces y reivindicar el whisky escocés. Cada canción posee un significado vinculado a la tradición de sus raíces y la costumbre de su pueblo que evoca una empatía cómplice que nos hace adorarlos todavía más. Parecía que la fiesta no acabaría nunca, pero poco a poco temazos como “I Hate My Band”, “Droppin’ Like Flies”, “Get Lost” o “Anyone Else” fueron acercándonos al final. De hecho “Bugger Off” fue la encargada de poner el punto y final a un concierto inmejorable. ¿El mejor de los Real Mckenzies? Desde mi punto de vista, muy posiblemente sí. El set list fue asombroso, una treintena de canciones que repasaron toda su carrera y fueron ejecutadas con una precisión y energía fantásticas. Siempre hay alguna canción que los grupos que te gustan se dejan en el tintero pero a mí la selección me pareció perfecta. La inmejorable compañía, el estómago lleno de cerveza tostada, la gran acústica de la Gruta y uno de los grupos más auténticos del planeta tejieron lo que fue un concierto inolvidable. No puedo añadir nada más salvo… gracias Mckenzies.

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

 

 

 

El excelente sello barcelonés BCore se ha diversificado de un tiempo a esta parte, ampliando su mirada musical más allá del hardcore, del rock más inmediato, y a veces hasta conceptual. Y ha querido abarcar el (sunshine) pop, el noise y una serie de grandes representantes del folk, de la canción, un concepto más allá de los cantautores, con un espíritu más libre y más ‘degenerado’ (carente de género concreto, y a la vez mezclando varios). Entre esos talentos folk esta el proyecto de Ramón Rodríguez (Madee) como The New Raemon, y los nuevos lanzamientos del sello, Joan Colomo (The Unfinished Sympathy) y Maria Rodés. Estos últimos ofrecieron un concierto de presentación conjunto en la entrañable y cercana sala Siroco de Madrid.

Si bien el sonido no fue brillante, si gustaron las propuestas por su carácter personal. Es más, el público disfrutó de lo lindo con ambos contrastes. Sí, contrastes, porque Maria Rodés junto a su cuarteto (contrabajo, batería, xilófono, coros y acústica) se mueve por un estilo más introspectivo, dentro de esa canción americana, europea (especialmente de la chanson francesa), que se impregna del jazz, del poso ‘crooner’ y que bebe de esa canción más de chambre, de alcoba, que ventila los aspectos más hogareños de la vida. ‘Una forma de hablar’ (BCore, 2010), es un disco muy especial, bello, de esos que te quita las legañas y que te hace despertar plácidamente. Rodés había publicado antes como Oníric. Y en directo su propuesta tiene ese cierto aire fugaz y de letanía que cala hondo y que llega, pero al que hay que entregarse. Pero es una entrega que gratifica por el toque relajante que aporta. Como broche final presentó un tema nuevo en catalán, “Aquesta nit” (si mi memoria no me falla), tierno y con compuesto a medias con Jordi Tost (xilófono, ukelele, coros) de El Gos Binari.

Y en el polo opuesto está Joan Colomo, guitarrista en The Unfinished Sympathy, en el papel de trovador con un punto de bufón del siglo XXI, animado la feria al público y creando el jolgorio. En ‘Contra todo pronóstico’ (BCore, 2010) Colomo parece coger el relevo de una canción fresca, viva que gana enteros en catalán y en castellano y que quizás es más obvia en inglés. Colomo contempla con desparpajo desde el folk mariachi (“El camí”) al universo Comelade (“L’infern” es genial), en su forma de cantar y de escribir hay ciertos matices que recuerdan a Albert Pla y a Joan Miquel (especialmente en “Todo es tan jodidamente relativo” o en “La ruleta”). Versos logrados e inspirados: “La ruleta gira para todos por igual / este descontrol no es casual / Termina y vuelve empezar / Se crea y se destruye / El cosmos marca el compás / Frenético giro sin final /../ El caos es natural, y este descontrol no es casual”. Y es que a pesar de que no contaban con su batería, pero si con un teclista y un contrabajista bien versátiles. Luego estuvieron los múltiples chascarrillos con gracia, como el momento en el que rememoraron a Roxette y se pusieron a versionear canciones del dúo sueco. Puro cachondeo. Si puede que no sea muy profesional afirmar que no has ensayado mucho y que incluso sin la batería pierdes el ritmo de la canción pero al menos no hay impostura. Y además, que demonios, tampoco lo hacen mal ¡Y lo bien que lo pasamos!

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

 

 

 

En una noche de domingo casi veraniega presidida por el buen tiempo lo que menos apetece es meterse en un club para escuchar música. Porque además la velada (también) hubiese sido genial en un escenario abierto, y con tanto encanto, como la cercana Plaza de Olavide. Pese al recinto cerrado la noche fue genial, una brillante lección de música procedente del alma.

La ausencia de Ish Márquez impidió un dueto que puede ser magnífico junto al gerundés José Domingo. Pero Domingo tan sólo con su voz y con su acústica nos ofrece lo mejor de los grandes ‘crooners’, desvela la soledad, aplasta el desamor y saca a relucir las miserias del vivir. Comenzó con un tema potente como “Smoking cigarettes”, para pasar a un tema tan redondo como “June or july” grabado junto a Mariona Aupí (del grupo Fang) e inspirado y compuesto en Cadaqués. La mayor parte del repertorio se centro en su primer disco en solitario ‘Suddenly’ editado en Francia por el sello Stupid Competitions, Domingo estuvo antes como guitarrista y vocalista en la banda Psychoine. Tocó una “bossa nova de psiquiátrico” (como definió él) llamada “Blanco y negro” y dedicada a Mariona. O interpretó con gran soltura una canción inspirado en el cuello de una amiga suya, “Straight to your neck”, y es que Domingo no es drácula, es humano. Adelantó un tema de su próximo disco, precisamente de la canción que dará título al disco, “Tengo mil razones”. También convenció con “Una carta del diablo”. Cerró con “Vanity” un set corto pero intenso. Tiene tablas en escena, y sobre todo canciones que llegan. Eso sólo ocurre con los que poseen un gran talento.

Lo de Lonely Drifter Karen es preciosismo, una mezcla de música de ensueños que bien podría ilustrar un cuento de fantasía, desde pop, folk, cabaret, estándares de la canción americana de los 50 y 60, aires de músicas del mundo. La banda posee la belleza de los matices y de las melodías cautivadoras. Frente ante esos ingredientes cualquiera diría que el grupo tiene una dilatada carrera, pero no, con tan sólo dos discos han conseguido obras tan magnas, que impactan, sorprenden, y además ha sabido construir su propio lugar, resaltar sus señas de identidad. Venían a presentar ‘Fall of spring’ (Crammed Discs / Nuevos Medios, 2010) una joya aún más refinada que su exquisito debut, ‘Grass is singing’ (Crammed Discs, 2008). Una vocalista, la austríaca Tanja Frinta que nos encandila con su voz y con visos entre candor, inocencia y astuta juventud. Un batería, el italiano Giorgio Menossi, que parece traído de una gran banda de jazz. Y un guitarrista, que les acompaña en directo, que parece salido de la banda de Tom Waits. Marc Melià, ex El Diablo en el Ojo, responsable de la música, se muestra como el excelente pianista que es. Si cabe la pega es que Marc también toca el bajo con teclados, y si es cierto que un contrabajista en directo le daría mayor empaque a la banda, presentada en directo como cuarteto. Desfilaron de su primer disco temas tan magníficos como “La Chouette”, “This world is crazy”, “Climb”, “The owl moans low”, “La hierba canta” o “Cassablanca”, un solo de piano y voz desarma, es preciosa en disco y en directo resopla con suavidad. La piel se pone de gallina al escuchar “Dis-in-motion” la canción que abre su último disco, o con “Russian bells” cuyas orquestaciones pueden recordar a los Flaming Lips. Imaginativa y sugerente su versión de “The Model” de Kraftwerk llevándola a su terreno. En definitiva una banda deliciosa en directo.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

 

 

El año pasado, Zebrahead visitaron España, pero no Madrid, y ya tocaba ya que, tras catorce años de existencia, el 21 de abril fue su primera vez. Les acompañaban en la gira el rapero californiano MC Lars, y unos desconocidos llamados Attack! Attack!. Tras navegar un poco por Internet pude saber que el primero se autodenomina creador del género “post-punk laptop rap”. Muy bien, colega. No me quedaron ganas para seguir indagando de modo que pasé a los siguientes. En primer lugar me topé con estos, que se llaman igual, y no exagero si digo que estuve a punto de fibrilar. Pero no, resulta que estos Attack! Attack! son otros. Dio un poco igual porque al empezar tan pronto llegamos minutos antes de que empezaran Zebrahead.

Poco antes de que los americanos salieran a escena, decenas de quinceañeros, y sobre todo quinceañeras, se oprimían las unas a las otras contra el anti-avalanchas. Toda la chavalería estaba agolpada en la parte delantera del escenario y visto desde atrás eso daba aún más sensación de vacío a pesar de estar completo el medio aforo de la sala. Cuando saltaron sobre las tablas la agudeza del chillido conjunto a punto estuvo de quebrar los espejos. “Hell Yeah!” fue el tema inicial, uno de los principales hits de su último disco, Phoenix, que dio paso a la canción de título interminable, “Two Wrongs Don’t Make a Right, but Three Rights Make a Left”. Y a partir de ahí, un repaso exhaustivo y totalmente seguido de su álbum más reciente. De hecho, el bloque con nombre de pájaro mitológico sólo fue interrumpido brevemente por la genial “Jag Off”, el único tema del que se acordaron de su amarillento debut.

El frontman, Ali Tabatabaee, no tardó en quitarse la camiseta para lucir su depilado y moldeado torso. Calor en el escenario no sé si hacía, pero en el público seguro que subió la temperatura gracias a las calenturientas chiquillas que se agitaban convulsas con cada chiste del señor tabataba. Y está claro que los chicos de Zebrahead disfrutan de lo lindo con el chorreo pokemon, o dicho de otro modo, están más salidos que el rabo de un cazo y desde luego no se esfuerzan mucho en disimularlo.

Cuando pensábamos que se iban a limitar en tocarse Phoenix de forma íntegra, cambiaron de tercio y con “Postcards from Hell”, de Broadcast To The World, dieron paso al bloque MFZB, el último disco de Zebrahead que escuché con atención allá por el 2003. Ejecutaron cuatro temas del mismo, “Falling Apart”, “Into You”, “Hello Tomorrow” y “Rescue Me”. Llevan el setlist más que preparado para la ocasión y la verdad es que un poco de alternancia no les haría ningún daño. La acústica de Penélope emborronó un sonido no muy pulido de por sí y hay veces en las que costaba trabajo saber que canción estaban tocando. Es curioso que el cantante principal, responsable del apartado más rapero del grupo, queda totalmente eclipsado –en cuanto a aptitudes vocales- por el único componente no-original de Zebrahead, Matty Lewis, que sustituyó a Justin Mauriello en el 2004.

Despidieron el show con la esperada “Playmate of the Year”, el hit que les dio la fama a principios de la década pasada. Más cachondos que el cenicero de un bingo les dio por salpicar toda la canción con la plegaria “¡Chochos!” que por supuesto las niñas gritaron grito pelado con ellos. ¡Chochos, chochos, chochos! Y abandonaron el escenario. Tremebundo. No tardaron en salir para despedirse con tres bises: “The Juggernauts”, otra canción del último disco que cantaron conjuntamente con un MC Lars y unos Attack! Attack! más contentos que unas pascuas, y sus dos últimas concesiones al Broadcast To The World, “Here’s to you” y el cierre definitivo, “Anthem”.

Y más pronto que nunca, puesto que la apertura de puertas fue a la hora de la merienda, llegamos a cenar a casa con la sensación de haber pasado la tarde con una tropa de asaltacunas pachangas de la Mtv muy ruidosos aunque poco mordedores. Musicalmente hablando, claro. Queríamos una buena fiesta regada de temazos de discos tan imprescindibles en las barbacoas veraniegas de hace una década como el Yellow Album, el Wasted Of Mind o el Playmate of the Year, pero nos topamos con un grupo totalmente reformado, y más circense que otra cosa, ejecutando a trompicones canciones que ni nos van, ni nos vienen. Y es que eso, de lo que hablaba al principio, que el barco de nuestra generación Punk popera ya pasó y llegamos tarde una vez más. El resto del público parece que se lo pasó bien así que nada, demos paso entonces a los adolescentes de hoy y que sean ellos los que salten al ritmo del chocho loco.

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

 

 

 

El sello discográfico valenciano Absolute Beginners (guiño a Bowie) con carácter emprendedor ha querido defender artistas suecos, pero también artistas de la tierra, como los valencianos Polar o Damien Lott. Y acertaron con un lanzamiento de gran calidad y repercusión, ‘Ashfield Avenue’ (2009) el disco de debut de Alondra Bentley, la inglesa adoptada como murciana. Sus últimos lanzamientos los acaban de presentar en directo en Madrid, Damien Lott y su banda Polar.

Abrieron los valencianos Damien Lott (liderado por Carlos Soler), un trío ampliado a cuarteto con la presencia de un percusionista que dota de mayor rotundidad, aunque a veces podría quedar igual resultón sin su presencia. Presentaban su disco de debut ‘Damien Lott’ (2010). Con un vocalista y guitarra que dirige el cotarro con soltura. Damien Lott cuenta con canciones tan redondas como “Erase and the fall”, una canción que engancha desde la primera escucha. Heredero del pop anglosajón (véase Byrds, Beatles, Bowie, T-Rex) su propuesta tiene algunos momentos brillantes (guitarras, melodías, la voz) pero le falta por pulir el resultado final. Y conseguir algo tan difícil en un primer disco como un sonido propio. Más creíble en castellano que en inglés pese a recordar en exceso a Deluxe, Sidonie, Lori Meyers y bandas con ramalazo británico.

A pesar del poco pero fiel público que se congregó en La Boite, el concierto de Polar fue bien emocionante. Los valencianos son una gran banda de la independencia española que en más de una década ha configurado una excelente discografía. El cuarteto presentaba ‘Fireflies in the alley’ (2010) su cuarto disco de estudio (junto a Ep’s y muchos temas en compilaciones varias), un disco que bebe de lo mejor de su cosecha, que resume su madurez y da buenas muestras de su sonido: compacto, elegante, melódico y cálido como esa mirada que nos abriga. Contiene temas redondos como “The hunting bird”, con retazos noise como “Your song” o aires de country alternativo en “Going’ Elsewhere”. También revisaron canciones de ‘A letter for the stars’ (Jabalina, 2002) y ‘Comes with smile’ (Jabalina, 2006). Los valencianos tienen un directo brutal, donde todo suena perfecto, casi milimetrado. Practican ese pop-rock que va creciendo poco a poco con unas guitarras muy cristalinas y con un poder melódico impresionante. Recuerdan a Yo La Tengo, Luna y a Galaxie 500, a esos grupos que miman los detalles y que quieren ir creando sensaciones poco a poco, en una relativa calma, creciendo poco a poco a lo largo de cada canción. Su puesta en escena es sobria, pero para su estilo de música sobra actitud y sobre todo prima la nitidez y el empaque del sonido que fue cristalino. Un sonido que se expandió brillantemente por la sala, y el respetable salió con una ligera alegría, los responsables Polar, unos fabricantes de melodías de primera.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

Con casi treinta años de carrera musical decir que Sonic Youth siguen siendo jóvenes, o al menos mantener un espíritu joven, ya es decir mucho. Sus conciertos son una auténtica lección de historia del rock, desde la no wave, al noise y todo ello impreso por su sello personal. Y es que sus directos no pierden un ápice de intensidad, no dejan de sorprender sus repertorios que varían regularmente, por su extenso cancionero. Está claro que los que conocen al dedillo su discografía lo disfrutan al máximo porque no es una banda previsible, siempre sorprende, pero tampoco decepciona a los recién iniciados porque el torbellino que crean no deja indiferente. Algunas opiniones críticas se levantan diciendo que pueden llegar a aburrir. No es fácil su sonido, no digo que no, pero la marea de sensaciones auditivas a la que te someten es pura genialidad que no se detiene y nunca se conforma con lo que dicta el guión, porque quieren atravesar los límites.

Sonic Youth representan al grupo que a pesar de contar con un flamante nuevo disco, ‘The Eternal’ (2009) no dejan de mirar al pasado y a la grandeza de su sonido. Iniciaron la primera de sus dos citas madrileñas, al día siguiente me comentaron que se centraron más en su último trabajo, con “Schizophrenia” la canción que abre uno de sus discos grandes ‘Sister’ (1987), para seguir con un torrente de canciones espectaculares de distintos momentos de su discografía: “Bull in the Heather” de ‘Experimental Jet Set, Trash and no star’ (1994), “(I got a) Catholic Block” también de ‘Sister’, “100 %” de ‘Dirty’ (1992) y con “Hey Joni” de ‘Daydream Nation’ (1988), “Shadow of a doubt” del ‘E.V.O.L’ (1986) o “Death Valley 69” de ‘Bad Moon Rising’ (1985), entre otras. Una selección brillante recital de auténticos temazos clásicos de la banda. Sonaba brillante el cuarteto neoyorquino.

Su escenografía con cuatro murales figurativos que daban mucho juego de sombras cuando se iluminaban con luces traídas del infierno por momentos, acorde con la expansión sónica de lo que sucedía, o de otras galaxias, o como salidas de un volcán de colores. Unos cañones de luces hacían a modo de intermitencia, poderosos fogonazos o a modo de leds con una dirección, enfatizando los riffs, las distorsiones o el maremágnum de sensaciones que transcurrían en escena. Y ver como el cuarteto neoyorquino lo vive, se mueve, se agita con la energía arrolladora de su música. Son creíbles, tienen actitud y son carne de directo. Fue un concierto de alto octanaje y alto voltaje. Vibrante y lleno de intensidad, una montaña rusa de sensaciones y de rock que se disparaba por todos los costados. Dieron dos bises, agradecidos por el fervor de la audiencia madrileña. Y es que por lo visto en La Riviera, Sonic Youth tiene cuerda para rato, ¡juventud sónica al poder!

 

 

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Texto: Andrés Castaño / Fotos: Javi JB

 

 

 

 

 

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Esta era la segunda vez que los Muggs nos visitaban, ya que la anterior fue hace tres años en una gira conjunta con los Paybacks. Se autoproclaman “el grupo más feo del mundo” pero bueno, no es para tanto, la verdad es que los he visto mucho más feos. Aunque, eso sí, ese calificativo les hace más justicia que a ese grupo finlandés de Punk Rock llamado Anal Thunder. Ellos se hacen llamar “la banda más sexy del mundo” y cuando ves que el guitarrista, completamente desnudo en mitad de su propio concierto, intenta restregar su cebolleta contra ti, automáticamente tomas la determinación de que su claim resulta un poco pretencioso. Volviendo a los Muggs, en esta ocasión vinieron para presentarnos los temas de su nuevo trabajo, On With The Show. Se formaron hace una década y para el que esta sea la primera vez que lee algo de ellos, se trata de un trío compuesto por el guitarrista y cantante Danny Methric, el bajista Tony DeNardo y el batería Matt Rost. Son unos apasionados del Blues y el Rock de los 70. Tienen una variedad enorme de influencias, desde Led Zeppelin y Cactus a Humble Pie y la tradición más purista del Blues.

Nada más verles saltar al escenario con una sonrisa pintada en sus rostros te transmiten el sentimiento que les ha llevado a estar ahí. El público se vio contagiado por su espíritu al instante. Un público que, además de escaso, era de los más particulares que he visto en un concierto de Rock. No sé por qué, pero aquello parecía un guateque de Kazajistán. Pero bueno, como iba diciendo, echas un vistazo a una sala medio vacía y puedes pensar, pues tampoco es gran cosa lo que The Muggs han conseguido. Pero nada más lejos de la realidad. Hay algo que llama la atención del backline y es que en vez de un bajista te encuentras a un teclista. Pero DeNardo es bajista, ¿no? La explicación está en la principal historia de la banda. Resulta que un año después de que se formaran, cuando ya habían empezado a funcionar como grupo, sufrieron un varapalo que podría haberlo tirado todo por la borda. DeNardo sufrió un derrame cerebral que le hizo perder el habla y la movilidad en la parte derecha de su cuerpo, incapacitándole para tocar el bajo, por lo que empezó un largo proceso de rehabilitación. Sus compañeros de grupo, que no querían sustituirle, se embarcaron en otros proyectos mientras esperaban su recuperación. En este periodo es cuando el guitarrista Danny Mehtric se unió a The Paybacks. Gracias a la recomendación de su amigo Matt Smith de Outrageous Cherry, DeNardo cambió su bajo por un Fender Rhodes con el que le era posible tocar las mismas líneas de bajo, y así nació una versión renovada del grupo. En el 2005 lograron publicar su primer trabajo. De modo que su historia es la de un grupo que hace parecer a la mayoría de formaciones musicales meros mercenarios. Ellos son la materialización más pura del amor al Rock, de la cohesión más firme que uno pueda imaginar entre hermanos. Ellos son unos grandes y se hacen llamar The Muggs.

Danny Methric es alma que mece la orquesta. Es uno de esas personas que tiene riffs en lugar de glóbulos corriendo por sus venas. En directo desprende un aura especial que contagia a cualquiera que se exponga a su hipnotismo. Gracias a artistas como él Detroit sigue siendo uno de los principales focos de talento en el que nacieron mastodontes como Ted Nugent o Grand Funk. Demenciales todos y cada uno de los trallazos, a medio camino entre el Blues-rock y el Hard Rock, que hicieron vibrar el Wurlitzer aquella noche. Un repertorio nutrido con sus dos discos de estudio, “Said & Done”, “Slow Curve”, “Need You Baby” o la serpenteante “Never Know Why” que acabó desembocando en una jam megalítica.

Methric es la cabeza, pero no nos olvidemos de los brazos de los Muggs. Por un lado, una batería endiablada que no descansa ni un solo momento. Pegada brutal que se enloquece al ritmo de los punteos del director. Por otro lado, el gran DeNardo y su bajo con teclas. Cuesta imaginar que su matemática digital pudiera sobreponerse a un derrame, pero cuando el fuego está dentro por algún sitio ha de salir. En este caso lo hizo en forma de temas como “Doc Mode” y las geniales versiones con las que nos sorprendieron, “Used To Be” de Rory Gallagher –quizá demasiado extendida- y “I’m A Mover” de Free.

Os preguntaréis, ¿es la banda perfecta? Pues hombre, no. Pero tampoco les hace falta, porque sus imperfecciones son parte de su magia y hasta eso me gusta de ellos. Si hay dos cosas de las que se les puede acusar es de ser quizá demasiado repetitivos y que el torrente de voz de Methric no es precisamente prodigioso. En directo alargan los temas en exceso y todos son parecidos entre sí. Sin embargo, eso es precisamente lo que hace que flotes con cada armónico sin que puedas darte cuenta y si realmente eso fuera un contra habría mirado el reloj en algún momento de la hora y media larga que tocaron. Y no lo hice ni una sola vez. En cuanto al apartado vocal, se nota que la extensísima gira peninsular –nada más y nada menos que 12 fechas- hacen mella en cualquiera. Recorrerte tantos bares por España siempre es sinónimo de excesos y diversión. Y la diversión resiente. Suerte que la versión rockera de Woody Allen logra suplir su deficiencia en las cuerdas vocales con las cuerdas de la guitarra. Su virtuosismo te sacude como una bestia parda. Y el conjunto es lo que realmente importa, y éste te vuela la cabeza sin mediar palabra.

De todo lo que pude ver esa noche, me quedo con esa pieza maestra llamada “Just Another Fool” y la demencial “Get It On”. Poderío destilado a raudales, revestido a su vez con una gran simpatía y comunicación. Intensidad, potencial y brillo rockero. Y qué más puedo añadir, fue un gran concierto de Rock and Roll, que espero repetir muy pronto. Ah, sí, creo que esta vez cerraré la crónica con una recomendación. Danny Methric tiene también otro proyecto que es igual de interesante, se hacen llamar Rumpshakers y están a caballo entre los Black Keys y el Blues americano más añejo. Cremón refinado, señores.

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Alfredo J.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Todo apuntaba a que sería un éxito. Los grandes medios dedicaron minutos y páginas a los niños rockeros tras la gran acogida que tuvieron en el Primavera Sound por un lado y la fiesta Myspace del pasado noviembre en la misma sala madrileña por otro. Y así fue, sold out y locura en la puerta para hacerse con una entrada. Y es que si algo suelen tener los booms mediáticos en materia de debuts musicales es una gran campaña de marketing detrás. Los hermanos Durham, para el que no los conozca, son tres adolescentes aventajados procedentes de Londres. Sobre las tablas les acompañan su padre, y afamado productor, Graeme Durham y su madre, y batería de The Raincoats, Ingrid Weiss. Todo queda en familia, vaya. Seguro que después del bolo los papás Durham obligan a las criaturas a hacer los deberes en el hotel. ¡Ah! Y que no se me olvide, también forma parte de las filas K,D&L el trompetista jamaicano Eddie “Tan Tan” Thornton. Su papel de la noche sería clave: hacer bailar a una cabra desaparecida.

Los encargados de calentar los motores fueron los fantásticos Nu Niles. Comenzaron a las ocho y media en punto y su set no llegó a los treinta minutos. El tráfico, la prontitud y la excesiva puntualidad hicieron que me lo perdiera. Por echar la culpa a factores ajenos a mi persona, vaya. Asimismo también me perdí la actuación improvisada que hicieron Kitty, Daisy y Lewis a media tarde frente a la chocolatería San Ginés y en mitad de la calle. De modo que tuve que conformarme con lo que vendría después. Una sala abarrotada hasta los topes me rodeaba y el agobio se apoderó de mi persona. O quizá fue el olor a laca. En el escenario todo estaba colocado al milímetro. Parecía que hasta la caja de la armónica había sido cuidadosamente desgastada con una lima. Oh, ¡mira! Dos tupés emergiendo de detrás de las cortinas. E instantes después las dos hermanas irrumpieron en escena y abrieron la velada con una pieza a capella.

Y tras ésta casi todos sus temas y uno detrás de otro. “Buggin Blues”, ‘‘Polly Put the Kettle On”, “Honolulu Rock-A-Roll-A”, etcétera. Los que tienen, vaya. Musicalmente son impecables, a destacar la fantástica voz del joven Lewis y el desparpajo de Kitty Durham, del que carecen los otros dos. Los progenitores se limitan a permanecer en un discreto segundo plano, no vayan a restar relevancia a sus jóvenes polluelos. Todo el conglomerado combina el blues, el country, el swing y el Rock en una macedonia que convence en líneas generales pero flojea en muchos puntos y a veces se queda en un quiero, pero no puedo.

A ver, que no se me malinterprete. Los tres hermanos tienen talento, eso es indudable, y se nota que han mamado como nadie de los tres Louies –Armstrong, Jordan y Prima- pero quien quiera asistir a un concierto de Rock ‘n’ Roll, mejor que se quede en casa escuchando los vinilos de su padre. Si vas al concierto sin saber el motivo de que sean los teloneros habituales de grupos como Mika o Coldplay es posible que te lleves un pequeño chasco. No obstante, si haces lo correcto y procuras no sobrestimar a Kitty y compañía, entonces, a ratos, te lo pasarás bien.

Dejando a un lado los molestos acoples, como el del contrabajo de Weiss, la técnica mediocre y que aún necesita ser curtida por unos cuantos años más de ensayos y la falta de tablas, que sólo puede otorgarte la experiencia, he de reconocer que tienen un directo aceptable. Y lo que desde luego sí que es un regalo de los dioses es la aptitud vocal de todos ellos. De igual modo, su versatilidad a la hora de rotar puestos y saltar de instrumento a instrumento como si fueran canguros en los scrubs australianos, es admirable. Aunque innecesaria. Impresiona que todos sean capaces de tocar la guitarra, la batería, la armónica, el banjo o el ukelele pero no gozan del suficiente virtuosismo como para provocar esos parones constantes y tan gratuitos entre canción y canción. Yo creo que su única pretensión es la de no aburrirse nunca, aunque cualquiera lo diría a juzgar por sus rostros impertérritos. Quizá sea debido a la concentración de quien no quiere cagarla.

En cualquier caso, de lo que no se libran es de ser capaces de provocar el tedio en momentos puntuales. Aún me pregunto qué pretendían transmitir con ese bucle infinito a la armónica en el que una misma nota era repetida durante unos minutos eternos. Respecto a la jam que se marcaron en el último tramo de la actuación con una improvisación bluesera de primer curso de guitarra tampoco haré sangre, que con esas caritas me da un poco de cosa.

Acabada una primera mitad que no acabó de arrancar, salvo por momentos puntuales como la interpretación del hit “Going Up the Country”, entró en escena el curtido Eddie “Tan Tan” Thornton y su trompeta. Posee el talento suficiente como para haberse codeado con leyendas como Hendrix, los Beatles, Bob Marley o los Stones, pero en esta ocasión más allá de un toque caribeño a la velada lo único que aportó fue dotar al conjunto de una esencia similar a la de una orquesta de pueblo actuando en la Fiesta Mayor de un paraje extremeño.

Recapitulando, que sí, pero no. Que les falta mucho pero aún así son resultones. Y que a ver si siguen cultivando su Mojo Working y llega algún momento en el que logren transmitir algo. Por ahora tan sólo buena música, y sin pasarnos. Al acabar te queda una sensación de vacío, queríamos que nos llenaran el cuerpo de Rock ‘n’ Roll pero no consiguieron ni tan siquiera desmelenar los engominados tupés o los flequillos gafapastas que saturaron el garito. Sin embargo, la cuestión de que falle el mecanismo no la tienen ellos, la tienen los henchidos periodistas que se pajean en exceso en las redacciones de los medios. Aquellos que ven en la ingenua Kitty como la sucesión natural de Kim Wilson y la tildan de “bestia parda a la armónica” o los que, aburridos de tragar mierda mediática sin pensarlo, creen que el bonachón de Lewis Durham es el Muddy Waters de nuestra era. Y claro, les encumbran a la categoría de niños prodigio o genios del hillbilly londinense cuando realmente son tres hermanos intentando hacerlo lo mejor que pueden. Si esto es el comienzo de una larga carrera, sin duda es inmejorable, pero mucho que me temo que su éxito se adaptará a los cánones de la moda hasta el final. Y las modas, modas son. Efímeramente cortas y carentes del alma que el Rock necesita para poder llamarse Rock and Roll.

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco