Mundo Musica » Jazz / Soul

Erykah Badu. Veranos de la Villa, Madrid. 17/07/2010

adelolmo — Sun, 18 Jul 2010 17:48:05 +0000

Toda la distancia que puede separar a una diva de su público, entre el cielo que es donde imaginan sus seguidores que aterriza y la tierra, donde quedan abiertos los brazos hacia su estrella, se convirtieron en milímetros cuando Erykah Badu entró en el escenario para saludar a su público madrileño. Eso sí, sin ninguna prisa, que para eso llevábamos tres cuartos de hora esperando a que sonaran sus canciones, cuyo aperitivo había abierto uno de los componentes del grupo media hora antes (DJ Burton Smith), mezclando bossa, funk, rap y lo que se le iba ocurriendo y haciendo olvidar la espera con temas que pisaban sobre seguro; el Michael Jackson de “Don’t stop ´til you get enough”, “Kiss” de Prince y hasta el ochenteno “Sweet dreams (are made of this)” de Eurythmics. Muy bien sus remezclas y verdaderamente entretenido.

Se echaban en falta sendas pantallas a los lados del escenario pero en año de recortes, hasta era terriblemente complicada la combinación de medios de transporte para llegar al recinto, cuando el año pasado las facilidades eran mejores. Ya se sabe, vivimos en un país donde más que correr, cojeamos y sin sacar las manos de los bolsillos, que un buen dinero les costó el concierto de la señora de Dallas (sin llenar el aforo) a los que se acercaron a verla.

Erykah Badu es una acumuladora de registros, ritmos del pasado y sonidos del futuro que la han hecho afianzarse en varios países (aquí no es tan conocida) como una reina absoluta del neo-soul más obstinado. Jazz, soul, hip hop y la herencia que también desde el blues viene salpicada por el Rythm and blues y que son reciclados sin ningún pudor, con la honestidad firme que se arranca de sus álbumes.

También actriz, arropada por el sello Motown y habiendo ganado varios premios Grammy, puede sentir que conmueve con sus canciones sin ningún reparo (ya sean de discos pasados o por la excusa de presentar su recién publicado “New Amerikah Part two: (The return of the Ankh”), cuando a modo de “jam session”, frenando un scratch de DJ Burton Smith, abrió el espectáculo con la canción “20 feet all”, de su último esfuerzo creativo.

Erica Abi Wright (su verdadero nombre) es el reverso de lo que puede ser, por ejemplo, la abrasiva Sharon Jones, además de que esta última se acerca mucho más al reggae. Y más sosegada en sus principios musicales, el hip hop, jazz y sobre todo el soul que practica Erikah Badu se congela y cambia de ritmo, haciendo de sus sonidos algo enormemente contemporáneo e identificativo para todos sus fans.

Es una cantante que domina perfectamente el escenario. Llegando a estar hasta once músicos con ella, perfectamente compenetrados,(en varios momentos cuatro coristas), se comportó como una auténtica dama (a veces un poco fría) cantando esas canciones que resultaban igual de emotivas en todo el repertorio. Y esa hondura se pudo sentir, desde “Out of mind”, la sinuosa extrañeza de “Appletree” o la mística crudeza de “Love of my life”, cuando ya no quedaba ningún Judas entre el público que sintiera venganza por la palpable homogeneidad de todas y cada una de las canciones que volaban entre el público.
A Erikah Badu no le queda nada para quedarse pegada al trono de las mejores artistas de soul de su generación. La corona, si no la tenía ya, la comparte con otras cantantes que igual de perseverantes, nos han traído décadas de sonidos que se encuentran entre los mejores conocidos de la historia de la música. Lo sabe, se lo cree y lo transmite en las mismas proporciones: una diva.

Texto: Ángel Del Olmo

Eli ‘Paperboy’ Reed – Come And Get It

bannedingu — Wed, 30 Jun 2010 17:23:20 +0000

Artista: Eli ‘Paperboy’ Reed
Álbum: Come And Get It
Sello: Parlophone
País: Estados Unidos
Fecha de publicación: 10 de mayo de 2010

Más información: Web/Myspace/Facebook

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01. Young Girl
02. Name Calling
03. Help Me
04. Just Like Me
05. Come And Get It
06. Pick A Number
07. I Found You Out
08. Tell Me What I Wanna Hear
09. Time Will Tell
10. You Can Run On
11. Pick Your Battles
12. Explosion

A veces es imposible sentirse mal. Y escuchando a Eli ‘Paperboy’ Reed and The True Lovers me pasa eso. No puedo sentirme mal. Este chico de Massachusetts representa la alegría y su música es un paseo por el lado optimista de la vida. Tan sólo hay que escuchar la canción que da título al álbum, y que ha sido elegido como primer single, “Explosion”, “Tell Me What I Wanna Hear” o “You Can Run On” para darte cuenta de la alegría que transmite. Pero también, Come and Get It [Parlophone, 2010] presenta esos temas de bailar pegados o, como dice un buen amigo mío, de soul ‘baja-bragas’, como “Pick Your Battles”, “Name Calling”, “Just Like Me” y muy especialmente, “Pick a Number”.

Su soul, el ritmo de sus canciones, la sección de viento, sus gritos -de los que en mi opinión abusa demasiado y termina cargando-, y el feeling que desprende Come and Get It hacen imposible que te sientas mal al escuchar la docena de canciones que componen su esperada nueva entrega.

Con la anterior, Roll with You [Q Division, 2008], Eli ‘Paperboy’ Reed se convirtió en la gran esperanza blanca masculina del soul. Curiosamente, en los últimos años, son los blancos los que llevan la voz cantante en el soul y en el r&b de vieja escuela, retro si prefieren llamarlo. Y, en lo personal, ha sido Eli ‘Paperboy’ Reed el que más me ha impresionado.

Por eso mismo, por la impresión que me causó su segundo larga duración -el primero que conocimos la gran mayoría de nosotros- se hizo difícil la espera de la llegada del segundo. Si encima, después del éxito llega la firma con una multinacional, la espera viene acompañada de cierta inquietud y sí, uno es un mal pensado y considera que las grandes compañías discográficos son el diablo.

Sin embargo, después de escuchar Come and Get It se puede decir que Eli ‘Paperboy’ Reed sale bien parado. El de Boston se ha marcado un disco que sigue la senda de Roll with You. Derrochando buen, simpático y agradable soul, aunque haciendo algunas concesiones a la comercialidad. Sobre todo por esa producción al estilo Phil Spector y por algunos cortes como “Name Calling” o “Pick Your Battles”, con una orquestación tan preciosa como ñoña.

Valoración: 6

Texto: Carlos A.S.

Crónica The Skatalites. Joy Eslava. 10/05/2010

bannedingu — Wed, 19 May 2010 16:03:08 +0000

Es bueno hacerse preguntas. Y lo es porque la necesidad de satisfacerlas ha movido al mundo desde la antigüedad. Hay que hacerse preguntas. Trascendentes o banales, aunque es difícil descifrar si una banalidad se va a convertir en algo trascendental. Que le cuestionen a Newton cuando empezó a pensar “¿Por qué la manzana cae al suelo en lugar de flotar?”. Pero también nos podemos hacer otras preguntas, tales que ¿Quién tuvo la idea [el calificativo corre a cuenta suya] de mezclar el vino con el refresco de Cola? O ¿A qué huelen las nubes?

Al concierto de The Skatalites celebrado en la madrileña sala [antiguo teatro] Joy Eslava llegué con varios interrogantes, deduzco que banales, en mi cabeza. Pero, fundamentalmente, se resumían en dos: ¿Qué pueden ofrecer The Skatalites en 2010? y ¿Tiene sentido que sigan girando con este nombre cuando sólo se mantienen [con vida] Lester Sterling y Lloyd Knibb?

Y su inicio de actuación, me deparó otra cuestión: ¿Por qué no todos los grupos toman ejemplo de The Skatalites y empiezan el concierto a la hora fijada? ¿Es tan difícil? Increíble e inaudito, aunque igual se debe a la edad de los dos músicos anteriormente citados…

A las 21.00 horas estaban sobre el escenario y comenzaban a entonar los primeros compases de la introducción. Eso sí, más de uno entró al concierto cuando ya habían interpretado un par de canciones, entre ellas “Freedom Sounds” y “Occupation”, con las que arrancaron su actuación en Madrid.

La primera cuestión, y la segunda prácticamente también, fue resuelta en pocos minutos. No tenía nada más que girar a mi alrededor para ver a la gente disfrutando, bailando y sudando con la música de The Skatalites. Así que, sí, The Skatalites tienen muchas cosas que ofrecer en 2010. Entre ellas, diversión y sobre todo, un show de dos horas y cuarto, ejecutado por unos músicos que, evidentemente, no son Tommy McCook, Roland Alphonso, Don Drummond o Lloyd Brevett, pero que no les tienen nada que desmerecer.

Kevin Bacherlor -trompeta-, Azemebo Osikhena -saxo tenor- y Andrae Murchison -trombón- tienen muchos recursos que ofrecer. Sinceramente, dieron toda una exhibición interpretativa de jazz en clave jamaiquina. En la sala, la parroquia quedó satisfecha con su actuación y no paró de animarles en cada uno de los solos que ejecutaron.

De hecho, se les notó tan seguros que antes de los tres cuartos de hora de actuación ya habían interpretado “Guns of Navarone”, uno de los momentos álgidos de la velada gracias a los coros emanados desde el corazón de la sala y una de las grandes bazas en directo de The Skatalites.

Y, por supuesto, Lester Sterling y Lloyd Knibb también tienen cosas que ofrecer. Más el primero que el segundo, debido a su condición de saxofonista, aunque el señor Knibb no perdió el ritmo con sus baquetas. Y, puestos a ofrecer, también Doreen Shaffer, que compareció sobre las tablas de Joy Eslava a la hora de concierto, tiene cosas que ofrecer. Con ella, del jazz ala jamaiquina pasamos al rocksteady. Su cálida voz interpretó varias canciones, entre ellas “Sugar, Sugar, Sugar” o “Nice Time”. Su presencia supuso un buen rato, independientemente de si tu pasió es el rocksteady o no.

Tras la aparición, estelar, de Doreen Shaffer, llegó el momento que menos me gustó de la actuación de The Skatalites. Cuando empezaron a hacer versiones que, sinceramente, sobran, aunque viendo la reacción del público, uno se cuestiona su propia opinión. Pero entiendo poco que hagan “Simmer Down” de The Wailers, por mucho que ellos fuesen la banda que grabó la parte instrumental, y eso que adoro esta canción. Pero entiendo aún menos que encarasen “Rivers of Babylon” de The Melodians, con la que la sala casi se vino abajo, “Rudy, A Message To You” de Dandy Livingstone o “James Bond Theme”, a pesar de que es un fijo en su repertorio desde sus inicios.

Tras el tiempo de Shaffer y de las versiones, The Skatalites volvieron a retomar sus composiciones propias. Así llegaron a sonar auténticos ‘clasicazos’ del calibre de “Confucius”, “Ball of Fire”, “Latin Goes Ska”, “Ringo” o “Phoenix City”. La temperatura ambiental no bajó, todo lo contrario, y las dudas quedaron despejadas.

PD-Y por si se preguntan la respuesta de la segunda pregunta que me inquietaba a mi llegada a Joy Eslava, sí, Lester Sterling y Lloyd Knibb hacen muy bien en seguir girando bajo el nombre de The Skatalites ya que su espíritu y sus canciones se mantienen vivos en las notas de la banda que rodea y acompaña a estos dos mitos de la música jamaiquina.

Texto: Carlos A.S.

Josh Rouse – Sala Joy Eslava (Madrid) 4/03/2010 – El exceso de vitamina C

vinitials — Wed, 10 Mar 2010 22:56:37 +0000

Desde que vive en Valencia, en la costa mediterránea, Josh Rouse ha ganado en alegría y se le nota en su carácter risueño, jovial y pletórico. También ha ganado en sonoridades y en texturas musical, conjugando diversas tradiciones musicales, haciendo siempre hincapié en su lado de songwriter, de compositor con marca propia, con deje por el folk mezclado con otras sonoridades. A pesar de que su español es de gran nivel es una pena que recurra a nuestro idioma, teniendo sus canciones tanto peso en las estructuras y la tradición anglosajona y dada su gran dicción en inglés. Y es que su último disco ‘El turista’ (Bedroom Classics, 2010) contiene cuatro temas cantados completamente en español y chirría, aunque musicalmente presume de tener mucha clase porque tiene mucho de sonidos cubanos, de atmósferas brasileñas, de dream pop y de regusto clásico. Destacan temas como “Cotton eye Joe”, “Sweet Eliane”, incluso “Lemon tree”. En “Mesie Julian” su voz suena como Albert Pla y le da al cha cha chá. “Valencia” tiene ritmo pero el acento de güiri con deje andaluz no se lo quita nadie y parece que hay más del buenrollismo mestizo que del Rouse de toda la vida. Y en directo ‘El turista’ funciona a medias, a pesar del toque de algún banjo o guitarrón.

Rouse se acompaña de una banda de excepción (entre ellos Raül Fernández, a.k.a Refree, a los teclados). Y suena rico en matices pero le falta fuelle, se vuelve un trovador atemporal con sustancia pero que ha perdido su toque distintivo, repleto de folk de todos los tiempos, de matices soul y de la chispa pop. Por eso su concierto pecó de sonar blando, brillaba y sobresalía cuando recuperaba temas de ‘Subtítulo’ (Bedroom Classics, 2006) como “Summertime”, “Quiet town” y ‘1972’ (Rykodisc, 2003) “James”, “Flight attendant”. Los muy fans disfrutaban con todo pero el resto de público sólo resurgía especialmente con los temas más antiguos, con ese leve soul y folk sui generis que le ha caracterizado. Para los bises sorprendió a pelo con “Come back”, “1972” con teclados y acústica, y con “Winter in the Hamptons”, todas ellas radiantes al desnudo. Para cerrar con la deliciosa “It’s the night time” de ‘Nashville’ (2005) con la banda al completo. Una pena porque su sensibilidad musical y su capacidad para construir canciones enormes es notable. Sabor agridulce, más a pomelo que a naranja.

Texto: Andrés Castaño

[Descargar vídeo]

Le Peuple de l’Herbe – Sala Heineken (Madrid) 18/02/2010 – Amalgama de sonidos

vinitials — Mon, 22 Feb 2010 18:26:53 +0000

El combo francés Le Peuple de l’Herbe venía cargado con su séptimo disco (cinco en estudio y dos en directo), siguiendo su trazo, ampliando un sonido procedente de la black music (hip-hop, acid-jazz, funk, ragga) altamente ecléctico y variado. Por una parte, abriendo sus sonidos a dimensiones instrumentales; por otra, actualizando el hip-hop; y haciendo de sus conciertos una fiesta donde baila casi hasta el apuntador. La gira de presentación por España de ‘Tilt’ (Boneplak-Discograph/Karonte, 2010), se saldó con buen balance allí donde pasó, el sexteto francés goza de un público fiel en nuestro país, y contó con cuatro fechas, Barcelona, Madrid, Granada y Alicante.

‘Tilt’ contiene joyas dispuestas a trasladarte a parajes rítmicos de fusión, instrumentales como “Heart and Soul” relucen gracias al sonido de los vientos, trompeta, teclados, y a las atmósferas densas de las bases, las armonías clásicas de “L’ésprit d’une époque”, o el ambiente opresivo de “Matchbox” en una onda dowtempo e impregnado de cierto deje big beat; el sencillo “Look up” causa estragos con los dos grandes b boys con que cuenta Le Peuple de l’Herbe, JC 001 y Sir Jean; pero sobre todo incita a moverse el ritmo drum n’ bass de “Pretty bad drug” con unas cuerdas (mediante teclados) y una trompeta que recuerdan lo más excelso de 4hero; la energía eléctrica y el punk-rock de “Get Stronger” o de “Back against the wall”. El otro MC, el senegalés Sir Jean, también da cuenta de la buena forma vocal de la banda. JC 001 hace un solo a lo beat box incluyendo “Boxin’ da beat”, donde habla de la historia de las bases y las cajas de ritmos, impresionante, aunque ya lo hizo en su gira de 2005. También recuperaron para su concierto de Madrid temas de ‘Triplezéro’ (2000) “PH theme” y “Herbman shank”, ‘PH Test/Two’ (2002), “No escape” y “Maison en dur”, de ‘Cube’ (2005) “Mission” y “Adventure” que recuerda a The Wiseguys y su “Ooh La la” (1999), de ‘Radio Blood Money’ (2007), “Plastic People”. El público se lo pasó en grande, saben sacar jugo a su música en directo; y aunque si les has visto una vez y repites ya no te sorprendan tanto, es cierto que tienen un directo bien planteado y efectivo que no deja indiferente. El colorido y la amalgama de sonidos reinan su puesta en vivo.

Abrió L.E. Flaco una banda madrileña cañera, que fusiona el rock duro con el hip-hop. Rimas que vuelan, van y vienen, algunas muy logradas, otras deberían evitar los estereotipos propios del MC. Eso sí, el flow crece y se acopla al formato trío muy punk-rock y con mucha potencia. Espíritu crítico y buena puesta en escena como principales argumentos.

Texto: Andrés Castaño

[Descargar vídeo]

Alamedadosoulna: “Creo que la gente se ha cansado de las fórmulas meramente comerciales”

bannedingu — Thu, 28 Jan 2010 12:56:12 +0000

No sabemos si Alamedadosoulna va a ser the next big thing, pero sí que hemos comprobado que su receta de mezclar soul, reggae, ska y sewing con un gran sentido del humor es efectiva. Acaban de ser nominados a los Premios Goya por “Spanish Song“, que forma parte de la BSO de Spanish Movie, y están componiendo lo que será su nuevo disco. Para hablar del pasado, de su presente y de su futuro, estuvimos charlando con Ernesto, el saxo tenor de la banda madrileña.

¿De dónde viene el nombre Alamedadosoulna?

Pues porque los miembros de la banda, originalmente, eran todos del barrio de Alameda de Osuna. También porque al principio el grupo era muy tipo Commitments, con versiones de clásicos del soul. Así que Alameda de Osuna + Soul, pues…

Resúmenos la trayectoria de la banda para hacernos una idea de vuestro recorrido?

La trayectoria es de kilómetros y kilómetros. Inicialmente el grupo es la fusión de dos bandas del barrio: Guernika y Cabeza de Canoa -de ahí que desde siempre Alamedadosoulna haya sido un grupo muy numeroso- que se juntaron para dar una sorpresa a su público con unas versiones soul y algún que otro temilla. Desde el principio, el grupo ha rulado mucho por toda España. La banda siempre que ha dado show, ha dejado buen sabor de boca. Hemos repetido actuación en casi todos los lugares por donde hemos pasado.

Con el paso del tiempo, el repertorio original de la banda ha ganado sitio a las versiones, y cuando te das cuenta de que el público se sabe tus canciones es buena señal. Así llegamos a las grabaciones. Skrak o Finíssimo, entre otras cosas, han servido para dejar constancia de nuestro paso por la escena musical. Luego ha llegado Alamedadosoulna, la película, que deja bien clara nuestra polivalencia y que no sólo somos una banda de música, sino un espéctaculo multidisciplinar.

Otros hitos han sido el Trainacting, haber sido galardonados con un Premio Guille, la reciente nominación a los Premios Goya y, por encima de todo, el continuo reconocimiento y la fidelidad del público.

¿Influencias musicales?

¿Las influencias de diez músicos? Puf!! Emir Kusturika, Madness, Tokio Ska Jazz Paradise Orchestra, Aretha Franklin, Desmond Dekker, Les Luthiers, Stevie Wonder, New York Ska Jazz Ensemble, James Brown, Count Basie, Herp Albert, Bersuit….. ¿sigo?

Viendo los gustos tan variados, ¿cómo se reflejan las inclinaciones de cada uno en la música del grupo?

Las inquietudes y gustos hay que canalizarlos para que Alamedadosoulna sea un grupo que llegue al público. Pero no se desecha nada de entrada, porque todo lo que es de calidad tiene algo que aportarte antes o después, si no es como parte de un tema, lo será para otra cosa. Por ejemplo, muchos miembros de la banda estudian o han estudiado jazz, y no forma parte de nuestro repertorio, pero nos ha aportado una dinámica de trabajo, una amplitud de miras y una disciplina para mejorar como músicos. Esto también sería aplicable a otros estilos por los que los Alamedos tenemos predilección.

A la hora de componer, ¿cómo lo hacéis?

Siendo tantos hay que llevar al local algo un poco consistente. Básicamente una grabación o idea general hecha en casa. Se toca, se hace sonar en un ensayo y ahí ya tienes una primera transformación del tema. Cuando ya tiene un sonido con el que nos sentimos a gusto, que nos suene a Alamedadosoulna, se graba. Si estamos en proceso de gira y el tema nos gusta, se incorpora al repertorio y si no, como ahora que estamos componiendo para el nuevo disco, se deja grabado y se pasa a otro tema para elegir cuando llegue el momento qué temas van al disco y cuáles no van. Generalmente, todos llevamos material para trabajar en el local.

Al ser una banda tan numerosa, imagino que es complicado juntarse todos para ensayar y/o componer…

Pues sí, es complicado, pero la máquina ha de seguir adelante. Si en una factoría de automóviles se resfría el que pone los parachoques y falta, la fábrica ha de seguir haciendo coches. Lo bueno es que en Alamedadosoulna nunca hemos hecho un ERE ni hemos despedido al que le pone los parachoques a las canciones por faltar un par de días…

¿Influencias no musicales?

Las conversaciones absurdas. Básicamente, y si lo haces de forma ordenada, se llama lluvia de ideas. Tras un ensayo, te sientas en los sofás del local, te relajas y dejas que las coñas fluyan. De pronto, alguien dice algo que, por una especie de conexión, a todos los presentes les hace gracia, lo repiten y enrevesan hasta límites insospechados. Parece un caos, pero de esta eficiente dinámica han salido muchísimas ideas para los espectáculos de la banda.

Alegría y buen humor parecen dos factores clave en vuestras composiciones, ¿verdad?

Desde luego. Sin esos ingredientes no habría Alamedadosoulna, ni en el escenario, ni en el local de ensayo.

¿Creéis que falta buen humor en los grupos actuales?

Cada grupo va por su camino y no podemos pretender ser todos ni graciosetes ni super musicazos intocables, pero sí creo que en algunos casos los músicos hacen música para sí mismos y falta un poco de actitud positiva en escena. Básicamente, hay a quien le falta buen humor e incluso hay a quien le faltan buenos modales.

Aunque en vuestro nombre hacéis referencia al soul, también tenéis bastantes influencias del ska/reggae. ¿Cómo y por qué comenzasteis a integrar vuestras influencias jamaicanas en la música de Alamedadosoulna?

Son momentos por los que vas pasando como músico, en los que a algunos miembros de la banda les van interesando unas cosas u otras. Forman parte del aliño de lo que se cuece en el local. Naturalmente hay influencias que no perduran demasiado tiempo o que sencillamente no cuajan. Pero el reggae y el ska sí han estado muy arraigados casi desde el principio, y aunque no nos definimos como un grupo de ningún estilo concreto, sí nos sentimos muy a gusto con el ska/reggae y nos gusta jugar con sus elementos para el sonido de la banda.

En España cada vez hay más bandas que se acercan tanto al ska/reggae como al soul, incluso tienden a mezclarlas como hacen The Pepper Pots ¿Piensas que es un buen momento para grupos este tipo de grupos?

Ska, reggae, soul,… son estilos grandísimos en sí mismos. Puedes disfrutar escuchándolos en el metro, mientras planchas tu ropa o lees tus emilios. Pero, sobre todo, es música que se vive, se baila, te agita y se disfruta en directo. Te diviertes y gozas como un niño en una tienda de juguetes. Esa es la grandeza de estos estilos. Si vas a un concierto de Alamedadosoulna o de los mencionados Pepper Pots, te lo vas a pasar en grande, vas a bailar aunque no suelas hacerlo, vas a estar pendiente de lo que pasa en el escenario. En definitiva, creo que la gente se ha cansado de las formulas meramente comerciales. En la mayoría de los locales ponen la misma música y muchísima gente ve que por lo que pagan por una copa en cualquier sitio pueden pillar una entrada para un concierto en el que se divierten y disfrutan de corazón.

¿Veis que la gente reacciona mejor ante estos sonidos que hace unos años?

La reacción siempre ha sido excelente, porque antes, aunque no fueran fanáticos de esta música, les encantaba escucharla, se sorprendían por disfrutar con algo que no era demasiado familiar. Lo bueno que hay hoy en día es que la música viaja a cualquier lugar y la gente tiene acceso a ella, con lo que el público en general está más abierto y ha ampliado su repertorio de lo que escucha y consume. No sólo gusta tanto o más que antes, sino que además hay una cultura musical en torno a estilos que siempre han sido algo minoritarios.

En esta mayor difusión de la música está contribuyendo Internet y programas como Spotify, donde vuestro último disco está disponible para escuchar. ¿Qué os parecen estas nuevas fórmulas de consumo musical que están apareciendo en los últimos años?

Pues nos parecen genial. Creo que es bastante accesible y, sobre todo, se ha democratizado el consumo musical. Es decir, hasta ahora lo que escuchabas venía marcado prinicipalmente por lo que se promocionaba en los medios, y si te gustaba y tenías pasta, te comprabas el disco. Pero en cierta medida, la elección de lo que se promocionaba venía dada por unos criterios ajenos a ti y, sobre todo, no había acceso a la infinidad de música que hay con los nuevos medios. Gracias a estas formulas, grupos como el nuestro están tan al alcance de una persona que vive en España como de una que vive en Noruega.

Vuestro último disco, Finíssimo 2. ¿Qué tal ha sido acogido por el público?

Muy bien. Todavía a fecha de hoy, que ya ha pasado un tiempecito desde la publicación, se sigue vendiendo en conciertos y tiene aceptación. Básicamente era el Finíssimo publicado con anterioridad con tres temas inéditos y con la película que grabamos nosotros mismos. Así que los fans más acérrimos tienen los dos Finíssimos.

Dadnos detalles sobre la película de Alamedadosoulna.
Ideal para ver en pandilla y elegir A o B… Es una película interactiva, al estilo de los libros en los que tenías que dirigir la historia, cambiando de una a otra página. Toda una experiencia para un domingo por la tarde de risas.

Hablando de películas. “Spanish Song”, que está incluida en Spanish Movie, ha sido nominada a los Premios Goya ¿Cómo ha recibido el grupo la candidatura?

Nos faltó lanzar confeti. Ha sido un notición muy bueno. El hecho de hacer la canción ya ha sido una alegría enorme, ya que ha sido una peli muy vista y nos ha dado bastante publicidad. Pero la posibilidad de estar entre los nominados ha sido algo único. A ver si hay suerte.

Por lo que comentas, el plan de este 2010 es grabar nuevo disco…

Nos da la impresión de que la banda está en boca de mucha más gente de la que pensamos. Nos falta lanzar un discazo para terminar de ganarnos un sitio entre las bandas con auténtica proyección y la confianza del público en general. Así que en el discazo estamos echando toda la magia.

¿Ha cambiado mucho la visión que teníais del mundillo de la música cuando empezasteis a la que podéis tener actualmente?

Desde luego. Básicamente porque ahora estamos viéndolo cara a cara, no como al principio. Y desde que somos conscientes de este mundillo también se ha modificado esta visión, ya que se han producido muchísimos cambios, como las formas de difusión de las que hablábamos anteriormente.

¿Qué consejos daría a una banda que esté empezando ahora?

Que hagan música de corazón, sea pop, ska o versiones de los 70. Es la única forma de que la música perdure por encima de las adversidades. Que escuchen de todos los estilos que puedan, que se empapen de los que han hecho arte, que estudien música y sean buenos guitarristas, cantantes, etc. No por el hecho de gustar a las masas eres buen músico y éso es un déficit que tenemos en este país. Hay que dar calidad en cada corchea que tocas, ya sea de Beethoven o de un rock’n roll.

Test rápido:

¿Cuál o cuáles discos estás escuchando en la última semana?

Siempre escucho muchísimas cosas, pero The Liberty of Norton Folgate, de Madness, me parece de lo más impresionante que escucho últimamente. Tras 30 años de carrera y después de haber firmado muchísimos himnos, Madness se saca un discazo de la manga que podría disfrutar desde un fanático del ska más puro hasta mi mismísima madre. Son un ejemplo.

¿Bob Marley u Otis Redding?.

Bob Marley.

¿Kingston o Detroit?.

Kingston, además la temperatura media no suele bajar de los 25º.

¿The Skatalites o The Specials?.

Ésta es chunga, pero venga, Skatalites.

¿Real Madrid o Atleti?.

Atleti, aunque no soy futbolero.

Un libro.

La mujer habitada, de Gioconda Belli

Una película.

Leolo, de Jean Claude Lauzon.

Un disco.

Kind of Blue, de Miles Davis.

¿Algo que quieras añadir?

Nos vemos en la presentación del próximo disco. Traed ropa cómoda.

Texto: Carlos A.S.

Jesse Dee – Le Swing Jazz Club (Madrid) 21/01/2010 – Un manjar para el alma

vinitials — Mon, 25 Jan 2010 23:37:01 +0000

Jesse Dee. Foto por Paul Janovitz

El soul emociona, voces que conquistan a la audiencia con historias cotidianas, plagadas de amor y desamor. Jesse Dee es una nueva sensación del soul. Fichado por el sello alemán Munich Records su disco ‘Bittersweet Batch’ (2009) es pura dinamita musical de alto calibre. Este natural de Boston demostró en una visita fugaz con presentaciones en solitario en Barcelona y Madrid. Además de su acústico en Radio 3, en el programa ‘Hoy empieza todo’, el showcase que ofreció a un público reducido fue altamente gratificante y buena muestra de las dotes vocales del bostoniano, acompañado tan sólo por su acústica. Repasó parte de las once composiciones que componen su primer disco, entre ellas composiciones para levantarte como “Allright” o para agitarte con un leve fraseado de vientos que contiene “Reap what you sow”. Joyas como “Slow Down” que con vientos es rotunda, o “Around here”. O medios tiempos donde el piano marca las emociones como en “Over & over again” o “Remember me”, o el aire del blues juguetón que es “My two feet”. También recoge la tradición de Bill Withers, de Otis Redding, de Smokey Robinson & The Miracles, y hasta de Al Green. Demostró que sus canciones funcionan reducidas al esqueleto y hasta se atrevió a rendir un sentido homenaje a Sam Cooke. Radiante y enrollado. Tras ese set participó en el concierto músicos por Haití (ilustrado por el video final). Y este verano regresará a nuestro país con banda. Avisados quedan.

Texto: Andrés Castaño

[Descargar vídeo]

Tindersticks – Falling down a mountain

adelolmo — Mon, 25 Jan 2010 22:26:09 +0000

Grupo. Tindersticks
Título: Falling down a mountain
Discográfica: Constellation
Fecha de publicación: 26 enero 2010
Web official del grupo: Tindersticks

El sabor característico de Tindersticks, si no vuelve por la puerta grande, dejará igual de inquieto al seguidor acérrimo de sus últimos trabajos. Y eso que había que buscar con más trabajo lo más descarnado de sus primeras canciones últimamente. El grupo británico, mucho más acomodado en sonidos cercanos al soul y al jazz que en sus inicios como pulcros representantes de un rock marcadamente asentado en la suavidad de un sonido característico cuyos reflejos crooner señalaban al amor bajo la partitura vocal de Stuart A. Staples, ahora estira sus claves entre los suaves mantos vocales (“Falling down a mountain”) y los quejidos siempre amargos de su vocalista. Y no deja de imaginar el desaliento a través de, incluso, sus temas más positivos, como lo fue antes en “Can we start again?” y aquí en “Harmony around my table”.

Si bien no están en la misma forma que en por ejemplo “Curtains” ni igual consiguen que sus canciones se queden a la primera escucha, su arrabalera imagen (escuchen “She rode me down”) no quedará dañada en sus nuevas composiciones, donde su saber hacer “marca de la casa” encienda la máquina que como un gran chorro de agua a presión, inunde de gracia lo mejor y más identificable del grupo. Ahí está, entonces, ese gran tema llamado “Peanuts”, donde con sus buenos propósitos, canta Staples acompañado de la excelente cantante canadiense Mary Margaret O’Hara. Con canciones como ésta no hay duda que valga.

Tindersticks ha embellecido, a lo largo de estos años, un pasado que ha hecho de sus canciones grandes clásicos sin posibilidad de fenecer y ahora siguen esforzándose en tratar de hacer permeable lo poroso de sus últimos temas. Lo consiguen y miente aquel que intente buscar cansancio en su impecable trayectoria. Igual ya cansan a muchos, pero otros siguen agarrando con inflexibilidad las cuerdas que sujetan las grandes composiciones que aún realiza este grupo. Y como no tienen a nadie con quien compararse, Tindersticks pueden enorgullecerse de iluminar sus álbumes con las mismas sintonías que han hecho de estos británicos un grupo sin parangón. Buen trabajo del grupo, que sigue en la misma línea. Suma y sigue dando lo mejor de sí mismo.

Texto: Ángel Del Olmo

Eli Paperboy Reed & The True Loves + The Right Ons Sala Joy Eslava (Madrid) 07/01/2010 – Sinergia con el alma

vinitials — Thu, 14 Jan 2010 02:03:36 +0000

Menudo pedazo cartel, dos grupos con chispa con fiebre funk y destellos soul. Un sonido que destilaba pura negritud bien entendida. Lo que se avecinaba prometía tanto que las expectativas se cumplieron de sobra. Un pasote de concierto. Los madrileños The Right Ons ejercían de teloneros a lo grande, han pasado de cuarteto a quinteto con la incorporación de Martín Steelwood, a veces con percusiones y la fuerza de una doble batería. Y atención porque atesoran un directo de impacto, rotundo y robusto, porque sus canciones lo valen, sus dos discos ’80-81’ (2Fer Records, 2007) y ‘Look inside now’ (2Fer Records, 2009) son pura dinamita: una explosión de ritmo y sensualidad. En la recta final se acompañaron de la sección de vientos de los True Loves, química y buen rollo con unos metales llenos de brío, incluyendo la versión con fuerza del “(Can’t Get No) Satisfaction” de los Rolling.

Eli Paperboy Reed, ese chico blanco de tupé con una de las mejores voces actuales que recuerda a Sam Cooke cuando seducía nuestros oídos o el magnetismo de James Brown cuando enloquecía a la audiencia activando las endorfinas humanas a quien asistiera a cualquiera de sus conciertos, o la elegancia de Curtis Mayfield. Eli sabe jugar al poder de provocar, conoce a la perfección como ganarse al público y como subir la atmósfera del público únicamente con sus dotes musicales. Un arranque tremendo con “The satisfier” y temas de su primer disco ‘Roll with you’ (2008). También tocó algún nuevo tema de su próximo disco “Come and get it”, que saldrá el 6 de abril, del que interpretó temas como “Help me”, “You can run on”, “Young girl”, una de sus nuevas favoritas “Time will tell” una balada a medio tiempo embriagadora, y el que será el primer sencillo del disco “(If you want the love of a man) Come and get in”, en la que pidió a las chicas que subieran a bailar. Desbordó con la versión de Otis Redding de “Hard to handle”. Prometedores temas a falta de más escuchas. Eli no dice nada nuevo, el soul y el funk se confirmaron en los 70, pero lo hace todo tan bonito, que es difícil resistirse a sus encantos. En definitiva, el alma habló y el cuerpo se movió.

Andrés Castaño

[Descargar vídeo]

Los Reyes Del K.O.- Gruta 77 (Madrid), 4/01/10

pointer — Sat, 09 Jan 2010 21:55:00 +0000

La frescura es una cualidad tan anunciada como escasa en la música. Pocos poseen esta facilidad para crear con continuidad un sonido genuino sin caer en la monotonía. Si tratamos de un género tan trillado como el blues y de unos bluesmen de frenética actividad en directo como Los Reyes Del K.O. entonces esa cualidad se torna en virtud.

Nunca nos cansamos de presenciar las actuaciones de Marcos Coll y Adrián Costa, el blues les hizo hermanos y no han parado de crecer, desde sus inicios compostelanos hasta su actual base de operaciones en Berlín con radio de acción mundial.

Con su estilo de blues clásico, guitarra de sonido limpio y sin distorsión, acompañada de armónicas y coros, nos ofrecieron desde las emotivas I’m On The Wonder, con sus fraseos a lo Albert King, o Young Boy Blues, hasta sus “singles” La Paloma y The Way You Make Me Feel, con un miembro del público que no podía creer que un blusero interpretara al rey del pop.

Los últimos compases sirvieron para disfrutar de Just To Prove My Love For You de Jimmy “Spoon” Witherspoon y su ya clásica despedida con I Got To Go. Siempre con una sonrisa en la cara y con un dominio escénico apabullante, los Reyes del K.O. conquistaron con sencillez y naturalidad una plaza extraña para el blues. Bogui Jazz te echamos de menos.

Texto y fotos: pointer

Canción del anuncio de Victorio & Lucchino: “Hombre” (con Miguel Ángel Silvestre “El Duque”)

Iván Vázquez — Wed, 18 Nov 2009 19:03:41 +0000

[Descargar vídeo]

Miguel Ángel Silvestre, alias “el Duque” en la serie “Sin tetas no hay paraíso”, es el protagonista de la nueva campaña publicitaria de la fragancia “Hombre” de Victorio & Lucchino. La canción, que tiene también un papel muy importante en el spot, está basada en “It’s a Man’s Man’s Man’s World” y la podéis encontrar en el disco homónimo de James Brown. Fue escrita por James B. y Betty Jean Newsome en 1966 y alcanzó el número uno de la lista R&B de ese año aunque sólo se alzó hasta la octava posición en la Billboard Hot 100.

Como era de esperar, numerosos artistas hicieron su versión particular: Van Morrison, Cher, Christina Aguilera, Celine Dion, Seal, etc. aunque para mí el mejor cover fue el que realizó Neneh Cherry como respuesta al tema original de James Brown. Lo tituló “Woman” y estoy seguro de que muchos lo conocéis:

[Descargar vídeo]

No me aventuro a decir quién canta en la versión del anuncio ya que la voz me parece demasiado limpia como para ser de Brown y más aguda que la de Seal, pero de todas formas creo que la curiosidad queda saciada conociendo su origen. Cuando me entere de quién puso la voz tendréis la actualización correspondiente en Mundomúsica.

- Actualización: Según apuntan en los comentarios -gracias Javier-, la voz corre a cargo de Sheila Weaver, cantante hacendada en el soul, blues y R&B.

Letra: James Brown – It’s a Man’s Man’s Man’s World

—————————————–

Mmmm… ¿Dónde estará esa habitación en la que tan sugerentemente se postra el Duque? ¿En alguno de estos hoteles en Málaga, tal vez…?

The XX – XX

caneda — Wed, 04 Nov 2009 19:32:19 +0000

Todo el mundo tiene en boca a la nueva sensación: son cuatro, vienen de Londres, se llaman The XX y todos rondan los veinte años cumplidos. Cuando escuché esa presentación me eché a temblar: la verdad es que este tipo de “fenómenos publicitarios” me suelen dar bastante repelús. La cosa es que por una vez no hice caso a mis prejuicios y me atreví a pegar una buena escucha a su disco… y me he llevado una enorme sorpresa.

Lo primero que llama la atención de este grupo es que no suena como uno espera que unos chavales tan jóvenes deberían sonar. El disco suena limpio, cristalino. Lo primero que me sugirió es que se trataba de soul hecho por y para replicantes que solo viven de noche. En sus canciones apenas encontramos algo más que un dúo de voces sensuales que canta prácticamente a capella sobre frases de guitarra reducidas a la mínima expresión y tenues juegos entre sintetizadores y cajas de ritmo. The XX han llevado a cabo un ejercicio de depuración, de eliminar todo lo que sobra hasta reducir el sonido a la mínima expresión. Y, todo hay que decirlo, se trata de un sonido inesperadamente maduro.

Y es que, como decía más arriba, aunque sea un grupo de chavales, aquí no termina de aparecer casi nada de lo que se lleva entre la chavalada del 2009. Bueno, quizá esto último tampoco sea del todo cierto. Aquí sí que hay R&B, pero suena tan contenido que se encuentra en las antípodas de las producciones histriónicas que suenan a todas horas en la MTV. Y lo mismo puede decirse de el resto de elementos que nos sugiere su música: en sus guitarras reconocemos a un Robert Smith de The Cure reducido al esquematismo, o el dubstep que se manifiesta en la atmósfera fantasmagórico. Quizás también haya pistas que nos recuerden a la indietrónica, e incluso la forma de cantar de Oliver Sim y de Romy Madley Croft recuerde ligeramente a lo que en los noventa hicieron la pareja Tricky y Martina Mapple Thorpe…

[Descargar vídeo]

Pero no estamos aquí para jugar a descubrir si el grupo se parece más papá o a mamá, sino para comprobar el grado de satisfacción que “XX” nos puede aportar. Y esta es muy alta. Este es uno de los debuts más emocionantes que he escuchado últimamente, y me atrevo a decir que el disco huele a lista de lo mejor del 2009 desde que lo sacas del plástico. Se trata de un trabajo íntimo, sexual e hipnótico, pequeño de sonido pero inmenso de espíritu.
Me parece injusto destacar alguna canción sobre el resto ya que el nivel general es altísimo. Pero si tuviera que quedarme con alguna, además de “Crystalized” (el primer single) me quedaría con “Infinity” (una especie de falsa versión del “Wicked Game” de Chris Isaak), la animada “Islands” o la delicada “Shelter”.

Lo dicho. Merece la pena abandonar los prejuicios y dar una oportunidad para que este disco te seduzca. Creo que no he escuchado este año muchas novedades que me hayan cautivado por tantos motivos como este. Y pensar que estuve a punto de pasar de largo ante él…

Artista: The XX
Disco: XX
Discográfica: Young Turks – Pop Stock!
País: Inglaterra
Año: 2009
http://www.myspace.com/thexx
http://thexx.info/

Carlos Caneda

The Pepper Pots giran hacia el soul en Now!

bannedingu — Wed, 30 Sep 2009 11:28:21 +0000

Artista: The Pepper Pots
Album: Now!
Discográfica: Black Pepper Rcs.
País: España
Año: 2009
Más información: web/myspace

Listado de temas

01. Real Tru Love
02. You’re Still In My Mind
03. Talk To Me
04. Dream Guy
05. Highway
06. Time To Live
07. Young Girl
08. Keep Waiting
09. That’s Enough Forever
10. Starlight
11. Take A Chance

Poco a poco en España se va consolidando la escena de música negra, de bandas aficionadas al soul, al funk o a los sonidos jamaiquinos. Y una de las formaciones que mejores sensaciones están despertando son los gerundenses The Pepper Pots, que durante este año han publicado su tercer larga duración, titulado Now! [Black Pepper Rcs., 2009].

Un tercer disco que ha sido grabado a caballo entre los estudios Music Lan, en Cataluña, y Dubway, en Nueva York. La mezcla analógica fue en Brooklyn y la masterización, en los Trutone Mastering Labs de la “gran manzana”. Además, Binky Griptite, que ha trabajado con Sharon Jones o Amy Winehouse, corrió a cargo de la producción.

Dos años después de la edición de Shake It [Brixton Records, 2007], y de actuar en prestigiosos eventos musicales como el South by Southwest de Austin, el BAM de Barcelona o el SummerJam Reggae Festival de Colonia, los The Pepper Pots que nos encontramos son bien diferentes. Si en sus dos primeras entregas, los de Girona se decantaron por profundizar en las raíces del ska y el reggae jamaiquino de la década de los años 60, ahora, en 2009, han decidido sacar brillo a su versión más soulera.

No nos extraña, ya que siempre llamó la atención el poderoso trío femenino, compuesto por Adriana, Mercè y Marina, que se encargaba de llevar el peso vocal tanto en estudio como en directo. Además, en sus dos entregas anteriores también mostraron sus inclinaciones souleras, que en directo eran más patentes gracias a las versiones.

En Now! no hay muchas concesiones al ska y al reggae, salvo en “Starlight” o “Take a Chance”, curiosamente son los dos últimos cortes del álbum. Si en Shake It colaboraron con The Pioneers o Dr. Ring-Ding, en Now! se nota la mano de Binky Griptite, que aporta una producción muy en la línea de las que firmó Phil Spector. Puro soul, que recuerda a las girls bands del Detroit de Tamla-Motown. Piensa en The Supremes o en Marta Reeves and The Vandellas, en canciones como “Real Tru Love”, “Young Girl” o “You’re Still in my Mind”, pero también se puede pensar en The Four Tops, en el caso de “Time to Live”, en las Ronettes y en otro sin fin de bandas femeninas del periodo glorioso del soul. También hay guiños, aunque ligeros, al northern soul o al sonido Philadelphia.

El trío de féminas acapara todo el apartado vocal de la banda, desapareciendo las voces masculinas, que esporádicamente aparecían en sus anteriores álbumes. El esquema que sigue el trío vocal es el de una solista, que va alternándose, y dos coristas. Incluso en algunos cortes, se emplea el dueto. En cuanto a la faceta instrumental de la banda, que está compuesta por ocho músicos, hay que destacar que en la mayoría de las canciones se limita a ser el acompañamiento de las voces, sin gozar de gran protagonismo, pero rematando y apoyando perfectamente el trabajo realizado por el trío femenino.

Valoración: 8

Texto: Carlos Ayllón

ORTHODOX – Sentencia

caneda — Fri, 25 Sep 2009 14:57:45 +0000

Artista: Orthodox
Álbum: Sentencia
Discográfica: Alone Records
País: España
Año: 2009
Más información: http://www.myspace.com/orthodoxband

El tercer disco del trío Orthodox se compone de tres cortes y tiene una duración total de 33 minutos con 33 segundos. ¿No habíamos quedado en que el número que teníamos que temer era el 666? ¿Tiene esto algo que ver con el emblema masónico de la portada del disco? Lo que está claro es que a estos sevillanos les gusta jugar con los símbolos y sus significados.

Y así se han propuesto saltarse cualquier tópico que pudiéramos asociar a la música oscura o incluso al doom metal con el que se les podía etiquetar en sus inicios. ¿Para qué hablar sobre los vikingos o sobre Halloween si aquí tenemos a la Inquisición y la Semana Santa? Así han ido construyendo con su música un imaginario en el que no encontraremos sabbaths sino funerales de pueblo, y las voces no suenan como la de Ozzy sino que nos recuerdan al cura de tu parroquia.

Siguiendo por este camino, para este disco Orthodox prescinden de los elementos que tradicionalmente se esperaba encontrar en un grupo de metal. En “Sentencia” no encontramos guitarras distorsionadas, ni riffs, ni solos, ni estribillos, ni doble bombo. En vez de eso, aquí se dedican a maltratar pianos, órganos, violoncelos y trompetas hasta hacerles chillar como si imitaran los sonidos de una cámara de tortura.

Entramos al disco con “Marcha de la Santan Sangre”, algo así como si Ennio Morricone dirigiera la banda de música de una procesión de Semana Santa. De ahí pasamos a “Ascensión”, una barbaridad inclasificable de más de 25 minutos. ¿Una saeta interpretada por John Zorn? ¿György Ligeti componiendo pasodobles? Aquí la banda se mete en un desmadre experimental bastante áspero, difícil de escuchar incluso para oídos bien entrenados, pero que deslumbrará al que tenga la paciencia suficiente como para penetrar más allá del caos sonoro de la superficie. Y el cierre viene con “…Y la muerte no tendrá dominio”, algo así como “El lago” de Triana tocada por el espíritu de Maese Pérez, el organista de la leyenda de Bécquer.

“Sentencia” viene a ser el mejor trabajo de Orthodox hasta la fecha. Aquí llevan al límite lo que ya probaron en su anterior disco –el magnífico “Amanecer en puerta oscura” (2007)-, esa mezcla de free jazz, música de vanguardia, metal cavernoso y la tradición estética de la España negra. Ahora parecen jugar a ser unos Om que vuelven su mirada al rock progresivo andaluz de los setenta, o, rizando el rizo, unos Planetas que tras “La leyenda del espacio” decidieran lanzarse a poner música a películas de terror de serie z. Un trabajo que les sitúa un paso más allá del post metal, y que debería confirmarles como una de las anomalías más disfrutables en la escena underground. Un LP tan inclasificable como imprescindible.

Carlos Caneda

Sonorama 2009. 3ª parte: sábado 15 de agosto

caneda — Wed, 19 Aug 2009 15:58:24 +0000

Tras dos días de intenso festivaleo llegó el momento de dosificar los ratos de concierto, que aunque escuchar a Chimo Bayo nos haga sentir como adolescentes uno ya no está para maratones. De todas formas, a pesar de que renuncié a ver a alguno de los grandes nombres del sábado, todavía tuve tiempo de ver un puñado de buenos conciertos antes de volver a casa.

Pues sí, la actuación de Chimo Bayo retrasó el momento de acostarme, así que no pude madrugar lo suficiente como para bajar a tiempo al centro del pueblo para los conciertos de Arizona Baby y Alondra Bentley. Sólo llegué a ver una desilusionante actuación a cargo de Josh Rouse. Fue una lástima, pues un concierto que tenía todas las papeletas para ser uno de los grandes momentos del festival terminó como una terrible decepción. El americano tuvo que enfrentarse al calor insoportable del mediodía y a un público de resaca y ansioso por encontrar algún sitio donde comer, y solo su voz y su guitarra no resultaron ser armas suficientes para poder salir airoso de un desafío como este. Daba un poco de lástima ver la poca gente que aguantó hasta el final del concierto en la misma plaza donde 24 horas antes Los Coronas habían arrasado.

Por la tarde nos perdimos a Tokio Sex Destruction y a Second, y entramos directamente a ver a Ojo con La Mala. La sevillana siempre ha levantado pasiones enfrentadas, y creo que son tantos los que la admiran -admiramos- como los que echan pestes sobre ella. A mí siempre me ha gustado su capacidad para arriesgar, para manejar su carrera de manera que nadie pueda prever hacia donde irán sus siguientes pasos. Para su gira actual se ha aliado con Raül Fernandez –Refree-, que se encarga de coordinar a los casi treinta músicos –incluida una espectacular sección de metales- que arropan las rimas y reconstruyen el repertorio de la Srta. Rodríguez como si de una big band de hip hop se tratara. Así escuchamos los temas de siempre como nunca habían sonado. La Mala prescinde del lujo deportivo que tradicionalmente ha caracterizado su vestuario, y se enfunda en un largo vestido negro. Ya no es solo una macarra de barrio, ahora también podemos verla como una sensible cantante de jazz o como una heroína del funk protagonista de una peli blaxploitation. En fin, que con atrevimientos como este demuestra que sigue estando un paso y medio por delante del resto.

Había visto hacía poco tiempo a Catpeople, así que decidí tomarme un descanso para cenar que se alargó más de la cuenta, así que también me perdí el concierto de James. Creo que todos aquellos que me comentaron la actuación de los británicos hablaban maravillas de lo que habían visto. Al menos me queda el consuelo de haber asistido hace un par de años a su actuación del Summercase.

La Habitación Roja fueron de menos a más. Arrancaron bastante calmados y presentaron algún tema nuevo, algo que parece que no era lo que esperaba un público ansioso de caña festivalera. Al final lo arreglaron a base de temazos: canciones como “La edad de oro” o “El eje del mal” levantan a un muerto. Pero no quita para que nos quedara la sensación de que los valencianos nos han brindado conciertos mucho más intensos.

He de reconocer que a The Sunday Drivers nunca les he terminado de coger la gracia, así que en directo me parecieron tan monótonos e insípidos como en disco. Dicho esto, he de comentar que a mis amigos, a los que les encantan los dos trabajos de estudio de la banda, disfrutaron del concierto como enanos.

Conozco de sobra lo que los getxotarras We Are Standard son capaces de montar en una sala pequeña. Ya son unas cuantas las veces que les he visto terminar sus actuaciones dejando al público absolutamente enloquecido, con el escenario plagado de espontáneos, en medio de orgías de ruido y confetti. Aun así me sorprendió cómo el grupo también es capaz de poner a bailar a una campa con unos cuantos miles de personas. Empezaron repasando su muy discotequero segundo LP, “We Are Standard”, y casi desde el principio pusieron a buena parte del público en movimiento. El concierto fue un subidón permanente, y la intensidad se acercó al climax a medida que se iba acercando el final y las guitarras se iban abriendo paso con el recuerdo de “On the Floor” y “Txusma Remix” -las dos canciones más celebradas de su debut, “3000W 40000V”- y una imposible versión del “Waiting For My Man” de The Velvet Underground. Dieron toda una lección de cómo poner patas arriba todo un festival sin grandes artificios, prácticamente sólo a base de grandes hits. Se notaba que las limitaciones de tiempo que se imponen al tocar en un festival les habían obligado a recortar y depurar su repertorio y prescindir los trucos que habitualmente usan para ganarse al público… Incluso Deu, su controvertido vocalista, estuvo menos faltón que de costumbre. Aunque, como no podía ser de otra forma, dejó frases para la posteridad: hay que ser grande para soltar “a mi lo que de verdad me gusta es el rioja, pero bueno, los de Aranda también me caéis bien”, en un escenario patrocinado por la denominación de origen de la Ribera del Duero.

También comentar que uno está acostumbrado a acabar empapado en sudor al terminar un concierto de We Are Standard, pero no tanto de sudar de esta manera en las noches arandinas. El rigor del clima castellano ha hecho que el festival siempre se caracterice por temperaturas extremas, por un calor asfixiante por el día y un frío polar durante el horario de conciertos. Pero para sorpresa de todos, este año el tiempo nos dio un cierto respiro y pudimos aguantar toda la noche en camiseta, sin que ni siquiera hiciera falta echarse sobre los hombros la rebequita de rigor. Hubo a quien ese calor nocturno le resultó molesto, pero desde luego que, tras terminar en otras ediciones al borde de la hipotermia, a mí me hizo sentirme como en la gloria.

El desmadre bailable prosiguió con la actuación de Infadels. Frente a los largos desarrollos instrumentales y los guiños al rock de We Are Standard, estos británicos organizan su música con estructuras más sencillas y referencias pop más marcadas (incluido el final con versión de “Sweet Dreams” de Eurythmics). Pero eso no significa que la cosa fuera a ser más relajada: el uso (casi abuso) de subgraves hacen que la sensación de caña sea permanente, y la imagen del grupo sin parar de botar por el escenario (mención especial para el teclista, que parecía que en cualquier momento se iba a descoyuntar) no animaba precisamente a estarse quieto. De todas formas, las comparaciones serán todo lo odiosas que queráis, pero después de lo que habían organizado We Are Standard, lo de Infadels quedaba como una cosa más discreta, quizás con más decibelios pero con un resultado final bastante menos explosivo.

Y al son de “El sitio de mi recreo” del difunto Antonio Vega (que actuó en la edición del Sonorama del año 2007, en la última reunión de Nacha Pop) el festival echó el telón hasta el año que viene.
Haciendo balance –vaya trance, que diría Sr. Chinarro-, nos sale que este año la organización ha sido mucho más cuidadosa que en años anteriores. Los asistentes hemos podido estar mejor informados, los horarios se han llevado con más rigor, las infraestructuras han mejorado (mención especial para la zona de acampada, con duchas cerradas y puestos para comprar comida y agua)…
En cuanto a los conciertos, después del miedo que teníamos tras el goteo de cancelaciones de las semanas previas, la cosa quedó bastante ajustada, con un nivel medio bastante interesante. De todas formas, lo que sí que se ha notado es la extraña distribución de los horarios. Buena parte de los artistas más atractivos habían sido programados en momentos de entrada libre (como la fiesta del jueves o los mediodías). Artistas de trayectorias impecables se veían relegados a las primeras horas de la tarde, mientras en el mejor momento de la noche se encontraban grupos de recién llegados que aduras penas podían llenar un buen repertorio. En definitiva, que había demasiadas cosas buenas a horarios imposibles, y largos ratos con grupos de segunda en el prime time.
Lo que sigue invariable es el buen ambiente general y las ganas de diversión sanota que trae la gente. Y los momentos que no se encuentran en casi ningún otro festival, como el almuerzo gratuito en las bodegas o las pinchadas garageras al borde de la piscina. A eso yo lo llamo calidad de vida.

Crónica de la primera jornada
Crónica de la segunda jornada

Carlos Caneda

50 años de Motown. Veranos de la Villa, Madrid, 18/07/09

adelolmo — Mon, 20 Jul 2009 09:51:55 +0000

“…Si no habéis estado allí, no creo que la mera palabra escrita pueda trasmitiros completamente esa vibración, especial y única, que se genera entre los hermanos y hermanas que allí se reúnen”.
Dave Godin, gurú del soul.

Fuego, palabra, vida y muerte. En definitiva, Historia.
Llamaradas de energía las que exhumó Ryan Shaw, su banda primero y el equipo que comandaba Tito Jackson después, para recrearse en el sentimiento que había grabado la historia de la discográfica Motown desde que Berry Gordy la fundara en Detroit en 1959. Resplandor cegador, brillante y atemporal el de la primera compañía de discos que pertenecía a un hombre de raza negra en lograr decenas de éxitos en la lista de Estados Unidos, apuntando directamente al crossover del mercado blanco. Era el lado más comercial del soul y a la vez el más brillante y monumental (uniendo perfección en las voces y arreglos); no hay más que ver lo cercanas que se han hecho muchas de sus míticas canciones. Y sus compositores-productores Holland, Dozier, Smokey Robinson y Norman Whitfield fueron los que hicieron mezclar este soul (de inequívoca naturaleza de color) con elementos del gospel, mientras evitaron los sonidos sucios del rhythm & blues, que el público blanco era tan reacio a aceptar por aquel entonces.

Ryan Shaw, con sólo 28 años, se comporta en el escenario con una soltura envidiable y la seguridad que le dan tanto sus músicos en directo como la herencia de las letras y ritmos de los que se sirve, en un concierto donde el lado contemporáneo del soul y el pop convivían con la extraordinaria voz de su solista, abrazando las potentes líneas de bajo que, por otro lado, es característica incontestable de los productores antes citados.

Es sensacional la manera de modular la voz de un Shaw adscrito tanto al reggae de “Many Rivers to cross” como el gospel-rock de “Nobody”. No sé cansó en invocar al amor como referencia trascendental en el mensaje de sus canciones. Más que significativo será que cinco de los doce temas de su disco lleven la palabra “love” en su título. Así, “We got love”, recuerda mucho a todos aquellos artistas que se han sumado a la suavidad del soul por el lado más comercial y, por lo tanto, accesible. Y aquí peca de ingenuo. Pero la poca creatividad de algunos ritmos en sus melodías quedan salvadas por esa voz, que hace olvidar el tono a “deja vu” de las bases sonoras que le hacen enviciarse en esquemas repetidos.
De esta manera, haciendo participar al público de su misa confesional, entre la balada dócil de “I am your man” y el ritmo más ágil y pretérito de “Do the 45”, osciló su directo, que hacía calentar los motores de los padrinos que se le venían encima.

Se me antoja una carrera rutilante para Ryan Shaw, sobre todo en su terreno, los Estados Unidos. Que aún no llega a quemar en su directo, pero con unas canciones mejores y menos enfocadas a las normas de estilo, puede conseguir sorprender e incluso pellizcar un trocito de leyenda a la música soul-pop en años posteriores. Al tiempo.

Tras diez minutos de espera, a muchos se les abrió el cielo. Y no sería por la aparición de Tito Jackson, que lo haría seis canciones después de que The Funk Brothers Band, aquellos que vendrían de la escena jazz de Detroit, (véase la película documental “Standing in the Shadows of Motown”,2002) abrieran su sesión con la legendaria” Papa was a Rolling Stone”, popularizada por The Temptations.
Tras ella, un bombazo en toda regla, donde más duele: “Uptight” de Stevie Wonder. Tocada de forma impecable por los diez músicos (tres voces) que ocupaban el escenario. Esto no podía parar. Y así, de la chistera era fácil sacar palomas y conejos de la suerte: “Heatwave” de Martha Reeves and the Vandellas, hace que, una de dos, o te quedes sentado mirando al cielo ó saltes de la butaca como una bala. Y por lo segundo optó el público madrileño que llenaba el recinto. Y si persistes en embestir e incitar con The Supremes la entrega puede ser absoluta. ¡Qué fácil puede llegar a ser con esta mina que tienen entre manos la Motown!. Y se pueden tocar de mil maneras estas canciones. Pero el grupo lo hizo teniendo en cuenta el respeto y la cuidada manera de manejar este puñado de obras maestras. Las canciones no las alargaban y los instrumentos, sobre todo los de viento, sonaban igual que en las grabaciones, en los momentos justos; como contrapunto orquestal al acompañamiento de las voces.

Tras llamar de nuevo a las puertas de Marvin Gaye, apareció uno de los miembros de The Jackson five. Tito Jackson, de impecable traje (luminoso) blanco y bombín negro, agarró el micro despacio y no tardó en dedicar el concierto a su hermano fallecido. No iría a hacer alarde de nada, simplemente a tocar, que para eso hizo historia con sus hermanos. Y eligió el camino más sencillo: directamente hacia una de las canciones más divertidas del quinteto histórico, “Rockin’ Robin” para el jolgorio de los asistentes, que no esperaban de él nada menos. Tras ella “Abc”, revisitada con otras clásicas del grupo. Tito no había venido a dar clases maestras de soul-pop histórico, sino a tocar lo que se sabía de memoria. Y sin memoria no se vive; por eso, agarrándose a esos temas que han hecho historia en la música popular de las cuatro últimas décadas podía meterse al público en el bolsillo.

No nos engañemos. Tito Jackson no es, sobre el escenario, ningún divo ni un superdotado; actúa como un hombre al que parecen pesarle los años y las ausencias. No quiso hacer algo divertido rememorando el pasado, sino digno de elogio.

Se va y tras él, de forma matemática, suenan los acordes de “What’s going on” de Marvin Gaye, que sonaba a signo de deuda con el destino. Una canción que, tocada así de elegantemente, parece que no la hemos escuchado un millón de veces; es algo impoluto, crece el humo alrededor, da igual que venga alguien del infierno a vernos, sólo existe vida alrededor de esas notas, elevadas a los altares de las cinco mejores canciones de la historia de la música, entre listas y listas de críticos nacidos y por nacer. Después del impacto, otra cantada también por Marvin Gaye, en su segunda o tercera versión, ya que la primera fue interpretada por The Miracles. Me refiero a la brillante “I heard it Through the Grapevine”.
Y tras un pequeño bis, con dos canciones, una de ellas ésa que invita a la felicidad perpetua titulada “My girl” de The Temptations y “Shotgun” de Junior Walker y The All Stars se cerró la sesión; algunos, echando de menos alguna excelencia de, por ejemplo, The Four Tops. Su “I can’t help myself (Sugar pie, Honey bunch)” es, para el que esto suscribe, una de las más excepcionales canciones salidas de esa mina tan imprescindible para entender una parte de la mejor cantera de artistas que ha dado la música a un estilo de hacer canciones llenas de color y de vida; es decir, de Historia, con mayúsculas.

Texto: Ángel Del Olmo
Foto: Almudena Eced

Compartir

George Benson – Veranos de la Villa (Madrid), 06/07/09

raulranz — Tue, 07 Jul 2009 18:50:51 +0000

Tan variado como impecable en su programación, el ciclo de conciertos de los Veranos de la Villa madrileño contiene a grandes figuras en su imprescindible cartel. El día 6 de julio le tocó el turno al jazz fusionado con el soul, con el pop y con la soltura de unos músicos, que al mando del majestuoso George Benson, llenaron el recinto habilitado en la Casa de Campo de Madrid. En hora y cuarenta minutos este equipo de virtuosos hizo vibrar con ese tono atemporal a unos asistentes agradecidos a esas notas tan templadas como románticas y dulces del equipo que tenía pegado a sus retinas.
No todo lo suave tiene que ver con lo romántico, con lo cautivador y con lo dócil. Las notas pacíficas de un George Benson que apareció en escena con un negro tan serio como informal, nada tienen que ver con lo manido, lo rayado y con la copia. De hacerlo, lo realiza con tanta clase que parece salido naturalmente de su voz, sin haber nacido antes.

Sale a tocar y la guitarra se le pega a la mano, como si fuera la escoba a Harry Potter. Y vuela, vaya si vuela. Diecisiete primeros minutos sin abrir la boca para acompañar las notas de una primera parte del concierto orientada al jazz. Improvisando las notas más que sorprendiendo por el conjunto de los temas, sus cinco músicos pueden hacer alarde, por ejemplo, de un piano procaz, al que cede protagonismo en varios momentos su maestro de ceremonias, que se dedica en la mayor parte del acompañamiento a puntear su guitarra en los tonos más agudos. O seguir los caminos jazzísticos de su “frontman” con las dos guitarras, los teclados y la batería sin mostrar atisbo de vacilar.
Músicos que han tocado con Britney Spears, Barbra Streisand, su bajista con la cantante de funk Chaka Khan ó con Stevie Wonder; curriculum señorial que demuestra lo obvio que transmiten: el que sus canciones, realizadas de forma tan matemática como intachable, salgan así de resolutivas.

No parecen pesarle a George Benson los diez premios Grammy que lleva colgados a sus espaldas. Ni el revisitar con tanta clase su “Nothing´s gonna change my love for you”, veinticinco años después. O cambiar el ritmo en otro de sus grandes clásicos, “Turn you love around” para hacer que los primeros seguidores se levantaran de sus asientos. Llegados a esta segunda parte del concierto, con bases claramente más enfocadas a sus éxitos soul-pop, le bastó poco para justificar su categoría con autoridad, en temas de claras influencias ochenteras: “Give me the night” sonaba tanto a clásico que hacía sonreír a aquellos que la estaban esperando una hora antes. De igual manera, “In your eyes”, a pesar de que no la module como antaño, sigue teniendo el mismo temperamento que cuando se creó.

Tras el bis, se atrevió con una versión instrumental de The Beatles llevada a su terreno, por si alguien dudaba de que con lo clásico no se juega.
George Benson tiene tanta clase como soltura en el escenario, a pesar de no ser muy comunicativo con el público; aquel que añora los éxitos de un artista como quedan pocos. Clase, mucha y elegante clase.

Texto: Ángel Del Olmo

Fotos: Raúl Ranz

Compartir

Concierto Sophie Maras

tespada — Mon, 22 Jun 2009 19:27:30 +0000

Concierto: Presentación de Just Be, primer EP de Sophie Maras
Lugar: Orange Café (Madrid)
Fecha: 17 de junio de 2009
Aforo: Lleno

El pasado miércoles 17 de Junio Sophie Maras reunía a propios y extraños en torno a la presentación de su primer EP, cuyo nombre es un claro y contundente Just Be.

Esta publicitaria de padre belga y madre medio inglesa, medio americana, es otra de las cantantes que han salido de la cantera de CP Proximity, agencia de publicidad para la que trabaja y que, al parecer, otorga a sus trabajadores un encanto especial para con la música puesto que, además de Sophie, son cinco los publicitarios que hacen sus pinitos en el mundo musical. Parece que Proximity se ha empecinado en que los músicos se acerquen a ella…

Tras cinco años de conciertos y desconciertos, afinando voces, conjuntando instrumentos, la rubia de la voz cálida se decidió a grabar su primer EP. Bajo la producción de Yak Bondy presentan Just Be, un EP compuesto de seis canciones llenas de Soul, Latin Jazz, Country y Rithm&Blues.

Si tuviese que describir el concierto del otro día, lo haría con una única palabra: Intimista. Y es que, la Sala Orange Café se llenó de amigos y familiares para ver a Sophie, esa chica de aspecto tímido y ojos del color del mar, deleitarnos con su voz y comerse, literalmente, el escenario en cada una de las canciones.

Lo cierto es que el EP y el concierto no podían sonar mejor. Y es que Sophie ha sabido, a lo largo de los años, rodearse de los mejores músicos habidos y por haber. No es casualidad la calidad sonora cuando se cuenta con Iván Díaz (mejor guitarra Emergenza 2008), Adrián Bartol (bajista de Iratxo, entre otros) y con Lauren Stradman, encargado de la percusión. El feeling con todos los componentes se nota en cada una de las canciones y eso es algo que les hace deleitar al público. Escuchar el ritmo es disfrutar con el buen gusto y la maestría de cada uno de ellos. Y no podría olvidar las voces corales de Kate Marquart y Petra Micallef que, ligadas con la de Sophie y el apoyo de Iván (Ivanchu, como le llama Sophie) suenan como auténticos ángeles blancos del Latin Jazz.

Fue una noche en la que sonaron temas como “Just Be“, “Don’t give a damn” (que sonó por dos veces, incluso su versión country), “Need to let go” y “New beginning” pero, sobre todo, fue un concierto en el que el grupo estuvo “In good company“.

Concierto sencillo pero de gran calidad en un marco incomparable. Inolvidable fue el momento en el que aparecieron las luces de navidad sobre los bafles.

Y no quiero terminar sin decir que, la dulce voz de Sophie y el buen sonido de la banda quedaron reflejados, también, en las tartas que la propia Sophie realizó para los asistentes. Todo un mimo a quienes quisieron compartir con ella ese momento tan especial. Sin duda, si no la has descubierto, te recomiendo sólo una cosa: www.myspace.com/sophiemarasmusic y estarás, sin duda, “In Good Company“.

Texto e imágenes: Toñy Espada

Compartir