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Entrevista con Maria de Medeiros: “Lo más bonito en el arte no es tanto contarse a si mismo sino comunicarse con los demás”.

charlyh — Thu, 02 Feb 2012 12:51:00 +0000

Sencilla pero a la vez compleja, Maria de Medeiros enarbola la pasión interpretativa convirtiéndolo en una muestra de comunicación sin parangón. “Pájaros Eternos” contempla estas y otras muchas razones siendo el primer disco donde la propia artista compone por primera vez. Atrás quedaron “A Little More Blue” y “Penínsulas & Continentes” como primeros fragmentos de una historia común entre seres humanos. Ahora “Pájaros Eternos” será la creciente genialidad de música e interpretación. El próximo día 7 de Febrero María de Medeiros actuará en Madrid dentro del Ciclo Madridpresenta 2012. De obligada asistencia.

Maria, este es tu tercer disco pero sin embargo es el primero en el que compones. ¿Estaríamos hablando de un reto personal o de un reto profesional?
Sería un reto tanto personal cómo profesional, porque siempre acabo poniendo mucho de mí en mi actividad profesional. Sin embargo, no sé si se puede hablar de un reto, lo que implicaría que hubiese decidido fijarme un objetivo y hacer todo para llegar a él. Más bien creo que las obras artísticas llegan cómo los niños, por milagro y cuando tienen que llegar.

Normalmente hay quien prefiere cantar (o interpretar) composiciones ajenas por permanecer en una cierta comodidad. ¿Te ha resultado tan complicado como para demorar el tiempo establecido con el trabajo?
Tengo un respeto enorme por los grandes escritores y escritoras de canciones. Una hermosa canción es algo que marca nuestras vidas, se vuelve una referencia. Quizás por eso preferí, con toda la debida modestia, empezar por ser una interprete, que es lo que soy y es algo que me encanta hacer. Creo que en cada intérprete hay una parte de creación y al mismo tiempo es bonito ponerse al servicio de una obra ajena.

Además, supongo, que habrás tenido una presión extra que te intimidaría de alguna forma al tener presente el talento de tu padre (y su figura). Como diría el dicho; “de casta le viene al galgo”.
Es verdad que el hecho de que mi padre, António Victorino D’Almeida, sea un gran compositor y alguien cuyo trabajo admiro profundamente me ha intimidado bastante. Quizás también por eso tardé en lanzarme a la aventura de componer.

Estamos hablando de un título que, según tus palabras, muestra de alguna manera la imagen de un pajarillo ágil que se vuelve vulnerable entre las garras del hombre. ¿Es “Pájaros Eternos” un álbum idealista?
Creo que siempre hay una parte de idealismo en las obras artísticas y quizás más hoy, que la actividad cultural se encuentra tan fragilizada por la crisis. Hacer una película, escribir un libro, pintar un cuadro, grabar un álbum son siempre formas de comunicarse espiritualmente con otros seres humanos, para lo mejor o lo peor.

Y más idealista que la religión no hay nada, ¿verdad? De ahí también que se figure el Espíritu Santo o la paloma de la paz.
Mi convicción es que la religión es algo mucho más práctica que idealista. Es una forma muy terrenal de canalizar las aspiraciones místicas de cada uno y desde mi punto de vista, pertenecen más al dominio íntimo que al colectivo.

La Paloma de la Paz y el Espíritu Santo se me plantean cómo imágenes de lo que serían Pájaros Eternos, o sea algo que sólo puede existir en un terreno de símbolos, de ideas.

Aunque –no sé si por naturaleza- el rencor se erige como algo eterno en el hombre.
Si hay algo de eterno en el “hombre”, que no sea el rencor.

No obstante se trata de un LP muy optimista, al menos así denota el texto de ‘Nace el día en la ciudad’. ¿Es el costumbrismo una manera de ver las cosas desde un punto más optimista habiendo evitado temas más triviales o complejos?
Veo las canciones del disco cómo “fotos”, instantáneas de momentos vividos, unos más diurnos, otros más nocturnos. ‘Nace el día en la ciudad’ es un retrato del amanecer en una de nuestras grandes urbes, en una realidad cotidiana, compleja, contrastada, que se debate con la crisis.

¿Habrá espacio también para el pesimismo?
Más que optimista o pesimista, creo que este conjunto de canciones es un trabajo contemplativo, una forma de mirar el mundo, cómo cuando me sirvo de una cámara.

Pero hay que apuntar que de la canción ‘Nace el día en la ciudad’ (composición de Raimundo Amador a la cual tú pones la letra) sale la idea de “Pájaros Eternos”. Realmente me pregunto si todo el repertorio gira alrededor de esa canción.
La primera canción que compuse para este álbum fue música sobre un poema de la gran poetisa portuguesa Sophia de Mello Breyner, que admiro profundamente desde mi infancia.

El poema se titula “Por delicadeza” y es un homenaje al poeta francés Arthur Rimbaud, que también amo.

La segunda canción, fue un fado intitulado “Se é fado, clama a melancolía”. O sea que, sin decidirlo previamente, de una forma espontánea, empecé por mis orígenes: la lengua y la música portuguesa.

Incluso las dudas me asaltan al pensar en la fragua original de “Pájaros Eternos”. ¿Sin ‘Nace el día en la ciudad’ (u otras canciones) existiría este nuevo disco? De hecho lo hemos hablado, el título es parte de la letra de la canción.
Rápidamente empezaron a surgir homenajes, guiños, referencias a todas las músicas que me gustan: la Bossa Nova, el Flamenco, el Jazz, la Salsa o a un Rock muy minimalista cómo el que hace el Legendary Tigerman con quién he grabado dos temas.

Formulo esta cuestión porque tengo la sensación de que primero nacieron las canciones y después continuaste animada por los frutos del trabajo hasta completar una colección de canciones completa.
Y así llegué a esta colección de canciones, muy diferentes entre si y sin embargo fruto de una misma mirada hacia horizontes distintos.

Antes hemos comentado lo de la composición propia. Hay ocho temas inéditos y dos versiones. Amén de haberte acompañado por Raimundo Amador o por The Legendary Tigerman. ¿Qué has visto en estos dos músicos que te pudiera ayudar en este proyecto?
Admiro mucho tanto a Raimundo Amador cómo a Legendary Tigerman, con quién ya tuve la oportunidad de colaborar en distintos trabajos. Para mí es un honor y un privilegio enorme poder contar con la participación de ambos en este álbum.

Creo que también ha sido un intercambio de aprendizajes con ellos, ¿no?
Sí, de ambos he aprendido muchísimo. Cada cual tiene un universo muy propio y muy original. Y eso es lo que más admiro en un artista: que tenga su universo particular y que sin embargo ese universo sea poroso y generoso, como es el caso de ambos.

Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas ha tenido que conformar mucho del espíritu que vertebra el long-play. ¿Habría soda “Pájaros Eternos” de haberse grabado, tal vez, en París o Nueva York?
Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas fue maravilloso. La ciudad no podía ser más inspirante. Y Fernando es un colaborador precioso.

Con The Legendary Tigerman florece ‘Shadow Girl’, tal vez el corte más minimalista, aunque yo observo cierta carga erótica. ¿En lo más sencillo se encuentra lo más seductor?
Sí, muchas veces es el caso. ‘Less is more’ (“Menos es más”) es una de mis brújulas en la creación artística.

Es más, ¿mostrar al mundo un trabajo tan propio y tan personal es como exponerte desnuda (con sus miedos y sus vértigos?
Sin duda, la exposición es grande. Busco no pensarlo demasiado para no morir de vértigo. Pero para mi lo más bonito en el arte no es tanto contarse a si mismo sino comunicarse con los demás.

Y qué mejor vestido o envoltorio que las ilustraciones de Pascal Rabaté y Javier Mariscal. Me parece algo tan acertado que ahora no sería capaz de concebir tu música sin sus trazos. ¿Querías que en un primer golpe de vista la gente relacionara esos dibujos con el disco?
Para mí la música está íntimamente relacionada a la imagen. Desde pequeña dibujo y casi siempre lo hago con música o pensando en música. Cuando preparo mis películas es igual. Por eso surgió la idea de pedir a varios artistas una ilustración para cada canción. Es un inmenso honor contar ya con un dibujo de Javier Mariscal para ‘Nace el día en la ciudad’ y otro de Pascal Rabaté para ‘Shadow girl’.

A título personal te diré que “Pájaros Eternos” resulta ser una especie de película con distintos pasajes y saltos argumentales. ¿Para interpretar o cantar hay que ponerle mucho de actor?
Gracias por la interpretación. Mi formación es la de una actriz. Estoy aprendiendo mucho, cada día, en la música. Pero claro, intento aportar a cada canción una sensibilidad de actriz.

¡Sin olvidar que hay canciones en varios idiomas! Muy bonito pensar que un hombre italiano (por ejemplo) se sienta identificado con una canción en inglés o en español.
Cambiar de idioma es mi realidad desde la infancia, algo que se ha vuelto muy natural para mí. Así, fue de forma espontánea, surgieron canciones en portugués, en inglés, en castellano… y también en italiano, porque tanto a Legendary Tigerman como a mí nos encanta “24 Mila Baci” de Adriano Celentano.

Todo esto mientras que entre España y Portugal, siendo vecinos, hay poco conocimiento el uno del otro. Bueno, siempre nos quedará el “método contemplativo” frente al ignorado. ¿La música como arma de acción (“A Little More Blue”) o como fomento del sentimiento fraternal?
Las dos cosas, seguramente. Y tengo que agradecer al público español el gran cariño con que acoge a los artistas portugueses. Hay poco conocimiento, es verdad, aunque depende de las áreas. Pero del lado español hay más curiosidad, y eso se agradece.

Finalmente, tras “A Little More Blue”, “Penínsulas & Continentes” y “Pájaros Eternos”… ¿queda siempre algo por contar?
Sí. Y mucho por aprender.

Texto: Charly Hernández

Fotos: Pedro Ferreira / Víctor Hugo

El EP entre Eli ‘Paperboy’ Reed y The Pepper Pots verá la luz a finales de enero

bannedingu — Wed, 28 Dec 2011 08:00:24 +0000

Una de las noticias más interesadas surgidas durante la pasada primavera fue la colaboración entre el estadounidense Eli ‘Paperboy’ Reed y los catalanes The Peppet Pots en la grabación de un disco conjunto, que se llevó acabo en los estudios de la formación de Girona y cuya producción ha corrido a cargo de ambos artistas.

Time and Place, que así se llevará el disco conjunto, es una grabación en la que Eli ‘Paperboy’ Reed cambia a sus inseparables The True Lovers por The Pepper Pots y, como nos contaron estos en una entrevista que publicamos hace unos meses, el álbum recoge versiones de sus temas favoritos. Time and Place de Eli ‘Paperboy’ Reed y The Pepper Pots se pondrá a la venta en formato 7” a partir del 30 de enero de 2012.

El listado de canciones del EP Time and Place de Eli ‘Paperboy’ Reed y The Pepper Pots es el siguiente:

1. Time And Place
2. Don’t Mess Up a Good Thing
3. There Ain’t No Man That Can’t Be Caught
4. Take It Like A Man

Por otro lado, The Pepper Pots ofrecerán su última actuación del año en Aranda de Duero (Burgos), el jueves, 29 de diciembre, en el Centro Cultural Caja Burgos a partir de las 20:30 horas. Además, la formación de Girona empezará 2012 con un concierto en la sala El Loco Club de Valencial el jueves, 5 de enero, a partir de las 22:30 horas.

Hasta el 30 de enero no se pondrá a la venta Time and Place, sin embargo, nos despedimos con un prometedor avance: “Don’t Mess Up a Good Thing”.

Glazz – “Cirquelectric” (LoSuyo, 2011)

charlyh — Sun, 13 Nov 2011 06:52:31 +0000

Han sido inteligentes y muy hábiles los muchachos que ahora caminan sobre la cuerda floja. Glazz, desde El Puerto de Santa María (Cádiz), sacan el látigo y chasquean con “Cirquelectric“, un segundo trabajo que supera a “Let’s Glazz” (LoSuyo, 2008), la ópera prima de este trio instrumental formado por Javi Ruibal (batería), Daniel Escortel (bajo) y Jose Recacha (guitarra) que emulsiona el jazz con la electrónica (en pequeñas dosis) y el rock, vestido, este, al igual que Imán Califato Independiente, Weather Report o King Krimson.

Esta entrega vendría a ser el más difícil todavía y ciertamente así lo es. Ellos lo merecen ya por el simple hecho de haber compuesto ‘Triple mortal‘, una acuánime miscelánea de guitarras estiradas y un bajo formidable que dan un poso de calor al final del álbum. Sí, el final… de veintiún ensoñaciones (veintidós si se cuenta el bonus track titulado ‘El hombre bala‘) que han recorrido una noche circense, muy de madrugada y al lado del mar. Una imagen que bien podría haber dibujado Maurits Cornelis Escher o El Bosco.

Tienen esas guitarras y teclados que sólo el rock andaluz supo dar al mundo cuando Gong, Smash, Triana o Guadalquivir eran los monarcas indiscutibles del rock progresivo en España (con el permiso de Máquina). ‘El lanzador de cuchillos‘ ya se hace fuerte en ese tipo de características anteriormente descritas (como también ‘Montando la carpa‘, su predecesora). Es un disco largo y extenso, con melodías muy tranquilas en su mayoría (‘Cuando sea mayor‘ con emocionante violín) pero con una fuerte pegada cuando desarrolla su lado eléctrico (‘Los forzudos‘). Se debe tener en cuenta que anda entre la obra conceptual y la ópera rock, pues su espectro argumental -y también sonoro- crece en una historia circense, muy bien traída, por cierto. Sin olvidar el agradable eco arábico-andaluz que corretea en ‘Saltimbanquis‘.

Pero en esta pista hay leones de peso. ‘Alehop‘ funciona muy bien como trapecio seguro en el que Miguel Ríos (cantando) y Javier Ruibal (en la letra) mantienen el equilibrio ante el respetable. Por otro lado, ‘El trapecista‘ es el aro de fuego con Pedro Perles al frente y sujetando la red, Leda Tres.

Glazz saben lo que se hacen e incluso pretenden editar “Cirquelectric” en Dolby 5.1. Ahí es nada.

Unas canciones bien elaboradas, sin cabos sueltos ni trasquilones. Ideal para amenizar el sueño o dejarse llevar por el alicatamiento. Siempre, por supuesto, en buena compañía.

Texto: Charly Hernández

Entrevista con Amparo Sánchez – “Después de este viaje tomé la decisión de terminar Amparanoia y empezar una nueva propuesta musical”.

charlyh — Mon, 24 Oct 2011 14:15:23 +0000

Como quien rompe monigotes de papel, Amparo Sánchez decidió hace casi dos años romper con toda una década de canciones y vida. Dijo adiós a Amparanoia y marchó en búsqueda de sí misma. La voz, la mujer y el fantasma indígena uterino han dado vida a “Tucson-Habana“, un salto viajero como la película de Wim Wenders, “París-Texas“. De hecho, este álbum se masterizó en la capital francesa… La misma Amparo hace cuentas de como ha ido y de como le irá próximamente.

Te gastaste con Amparanoia y después te metiste con “Tucson-Habana”, que cuenta con músicos de uno a otro confín. ¿No te gastó el alma tener que volver a empezar a –ya no sólo componer- sino formar una banda?

Todo lo contrario, asumir retos es lo que me hace crecer. Era todo un desafío que deseaba; vaciar de instrumentos, comunicar de otra manera, buscar otro punto de complicidad con el público… era un álbum que quería hacer para marcar un cambio de rumbo bien diferenciado.

¡Y hablamos de una banda de más de cinco y hasta casi siete músicos, sin contarte a ti! En la variedad está el gusto, vaya. ¿Qué músicos no pudieron formar parte de tu compañía aunque tú lo propusieras?

No fue una cuestión de proponérselo. Algunos se quedaron y otros se fueron a partir de la última gira. Por la grabación de “Tucson-Habana” sabía que necesitaba contrabajo, piano, batería y trompeta, esos eran los instrumentos que tenía claro, excepto el batería, que es un viejo compañero de antes, incluso de Amparanoia. Los otros son los mismos de la anterior banda. Y también la nueva incorporación es la de Cary Rosa Varona al cello, hija de mi trompeta de toda la vida. ¡Así que estamos en familia!

Claro, que también es verdad que en los últimos voleteos de Amparanoia tú ya estabas mascullando el nuevo proyecto. Si no me equivoco muchas de las canciones que componen “Tucson-Habana” estaban grabadas antes de la gira de despedida de Amparanoia. ¿No sentías que era como ponerle los cuernos a tu pareja?

[Risas] Empecé a escribir los temas y veía que realmente no eran para el proyecto de Amparanoia, entonces fue cuando se los enseñé a Joey Burns y él me invitó a ir a Tucson a grabarlos. Después de este viaje tomé la decisión de terminar Amparanoia y empezar una nueva propuesta musical.

Curiosamente, esto que haces ahora me recuerda ligeramente a Amparo & The Gang. Igual son cosas mías, pero ¿de todas las canciones de “Tucson-Habana” hay algo que hayas rescatado o cambiado de aquella primeriza etapa?

Pues no, pero es cierto que de alguna manera vuelvo al origen de mi primer álbum, unas raíces que estaban esperando ser descubiertas de nuevo.

Ya dejando “lo pasado”… ¿es más que gratificante tomar decisiones por voz propia y más siendo algo tan íntimo?

Sí, el paso ha sido muy positivo en todos los sentidos. A nivel de interpretación y de emoción, poder tocar en teatros este repertorio es una maravilla y volver a clubs cerca del público, ver sus caras… y también poder preparar el segundo álbum con total libertad sin pensar en que estilos o que se espera, simplemente creando.

Me pregunto si te resultó vergonzoso (en el sentido de enseñar algo inacabado o muy personal) mostrarle a Joey Burns (Calexico) los primeros retazos de las canciones que tenías grabadas en solitario, propiamente dicho.

No, con Joey tengo una relación preciosa, hay mucho cariño y respeto y sabía que si alguien podía entender lo que estaba haciendo era él, desde luego.

¿Estaríamos ante tu propio “Paris-Texas”? Catorce historias que de tan personales consiguen mimetizarse con el “escuchante”, a modo de película…

Esa era la idea, por eso la foto de la portada estilo road movie, el titulo del álbum… Hay historias dentro muy personales y muy íntimas. La idea era cantarlas al oído del oyente, y no fue casualidad mover toda la segunda parte de la grabación a la Habana para meter a Calexico en toda la película.

A parte de jugar con lo personal que estamos hablando, está la otra cara, que es ese carácter frívolo a la par que entrañable de La Habana y sus gentes. Grabar en los Estudios EGREM fue, como has contado, encontrarse con la historia de la música cubana. Allí grabaste ‘La Parandita de las Santas’ a dúo con Omara Portuondo, entre otras muchas. ¿Este disco habría perdido todo su sentido sin la experiencia de grabar allí? Obviando, además, el título del propio álbum.

Desde luego, grabar en EGREM era un sueño para Calexico y para mí, y si no hubiéramos ido a la Habana no hubiéramos desarrollado el lado latino que esta en los temas y no hubiéramos tenido tampoco la maravillosa colaboración de Omara.

Amén de que Tucson, siempre fronteriza, también ha sido crucial. Primero porque fue allí donde, en 2007, grabaste con Jordi Mestres Gasso. ¿Habría quedado igual un (por ejemplo) “Barcelona-Chicago”?

Creo que no, fue decisivo que Jordi y yo viajáramos hasta allí con las canciones maquetadas y encerrarnos a tocar con John Convertino y Joey en el estudio de ellos. Así que cuando el tema estaba listo lo grabábamos todos tocando al mismo tiempo y luego salíamos a pasear o a ver grupos de allí o estar en un pueblo que no conocíamos y que no nos conocían. Eso nos dio libertad y mucha inspiración para los sonidos más desérticos.

Una pregunta alejada –en parte- de lo musical. Cuba, con su pros y sus contras (políticamente hablando) tiene una gente muy vividora y vivida, al igual que otros países y/o ciudades sumidas en la miseria. ¿Realmente la persona es feliz siendo rico de espíritu, y pobres cuando únicamente ostentan dinero?

Siempre que vuelvo de Cuba pienso en todo esto; ¿cómo teniendo una vida tan dura pueden ser tan felices? Y la respuesta es fácil: lo importante para ellos son las relaciones, hablar, compartir, reír de las alegrías y también de las desgracias, tienen amor por la cultura y practican la solidaridad con el vecino de su cuadra pero también con los vecinos de Tahití. Hay mucha más humanidad que en muchos países desarrollados.

Reparo en que hubo dos cortes que se quedaron fuera aunque aparecieron en la edición digital. Dichas canciones son: ‘Flor del desierto’ (con Mariem Hassan) y ‘Mujeres sin miedo’ (con Tiken Jah Fakoly). ¿No encajaban dentro de la filosofía y fisonomía sonora de “Tucson-Habana”?

Grabamos y mezclamos veinte canciones y fue muy duro elegir cuales irían en el disco. Entre seis personas hicimos una votación dando más puntos a los temas que más encajaban en el concepto del álbum y estas dos se quedaron fuera. Me dio pena porque tanto cantar con Tiken como con Mariem han sido de las cosas mas bonitas que pasaron. Pero no pierdo la esperanza de que algún día sea el doble que siempre soñé: un CD Tucson y otro Habana.

Quizá no estas canciones, pero sí otras parecidas puedan formar parte del nuevo trabajo en el que ya andas embebida y que grabarás en Noviembre. Pero me consta que habrá mucho blues, así que quizás el ejemplo que antes puse de “Barcelona-Chicago” no está tan alejado…

Pues sí, hay blues, country… la preparación esta siendo completamente diferente al primero, vamos tocando ya algunos temas en directo y la respuesta está siendo muy positiva. Este disco lo grabaré con la banda que me acompaña estos dos últimos años y con el productor Mark Plati en New York. Así que sería Barcelona-New York. Es broma [risas].

Por último; también te has embarcado en la escritura, pues pronto presentarás tu primer libro. ¿Se trata de una especie de diario de a bordo relatando lo vivido en estos viajes o contendrá más temática social que otra cosa?

Es una novela basada en hechos reales que yo misma he vivido y también que me han contado. Es un diario de una madre adolescente víctima de la violencia de género, pero la violencia está desde siempre alrededor de la protagonista. Es denuncia y es canto de esperanza, intenta mostrar que es posible salir de situaciones que cuando estás dentro crees imposible superar.

Además, ahora más que nunca es momento de lanzar una ofensiva vocal para pasar a la acción. Nada mejor que distintas voces para hablar en el idioma universal que es la música… o en este caso, la literatura.

Sí, desde luego. Todo lo que pueda servir para sentirnos más unidos y más fuertes. Intentan hacernos creer que no se puede hacer nada con el orden establecido pero creo que se puede y se debe hacer, como dice un cartel que vi por Facebook, algo así como: «no podría mirar a mis hijos cuando sean mayores si no les puedo contar que luché para que tuvieran un mundo mejor». ¡Lo merecemos!

Texto: Charly Hernández

George Michael- Palacio de los Deportes (Madrid)- 25/09/2011

epardo — Sun, 02 Oct 2011 13:17:01 +0000

George Michael ofreció un cambio de registro, con un repertorio centrado en versiones que sacaron la faceta más elegante y clásica del intérprete británico de la que disfrutaron varias generaciones de fans para presentar su nuevo proyecto: Symphonica: The Orchestral.

Con el recinto madrileño a rebosar y con media hora de retraso, el ex componente de Wham empezó a cantar el primer tema “Through” con el telón sin descorrer para evitar distracciones de puesta en escena y mostrar la perfecta técnica de su voz.

Segundos después se pudo descubrir su acompañamiento: un coro y una orquesta sinfónica de cuarenta y un músicos, en la que destacaron los solos de saxo.

Su nueva imagen, alejada de sus comienzos en los 80, responde al nuevo giro que ha dado tras más de veinticinco años de carrera y que ahora está más centrada en el papel de crooner.

El británico dividió un repertorio de versiones de temas ajenos y una pequeña representación de los propios, con un descanso entre ambos.

Brillaron los homenajes que el artista hizo a temas de Elton John, Terence Trent D’Arby, Rufus Wainwright, The Police o New Order, en los que Michael demostró una elegancia y técnica vocal impecables.

El intérprete quiso remarcar dos momentos especialmente emotivos. El primero, prácticamente al cierre del primer tramo, con “You Have Been Loved“, un tema dedicado a su madre.

En la segunda y última parte del espectáculo también hubo espacio para la emotividad de la mano de “Love is a losing game”, de la recientemente fallecida Amy Whinehouse.

Para finalizar, el artista recordó algunos de los temas más exitosos de su carrera como “Amazing” o el clásico “Freedom ’90”, que trajeron dos bises en los que dio una última prueba del buen estado de su voz con “I remember you”.

Con este tema puso fin a una noche elegante en la que, en ocasiones, se echó de menos algo menos de compostura.

E.P.I.

Notiflash: Sidonie, Los Pilotos, Modelo de Respuesta Polar y Katie Melua

Iván Vázquez — Fri, 23 Sep 2011 12:42:35 +0000

- El Fluido García es el último y sexto trabajo de la banda Sidonie. Marc Ros es el encargado de la composición de todas las canciones excepto de una, la cual está firmada por Jesús Senra. Nuevo sonido más contundente, testosterónico, con melodías vocales de escenarios vanguardistas y letras en castellano. La base se grabó en directo en la sala A de los estudios Music Lan de Avinyonet de Puigventòs (Figueres) consiguiendo así una gran reverberación que recrea naturalidad. El Fluido García se publicará en octubre, pero ya hay un avance titulado “El Bosque”.

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- El proyecto paralelo que llevan a cabo Florent y Banin de Los Planetas, Los Pilotos, tiene nuevo material que podrá comprarse a partir del 27 de septiembre. Además contará con varios formatos, el primero en doble vinilo que trae de regalo un CD, en formato CD a un precio recomendado de únicamente 7.95 € y en formato digital en iTunes. Y para ir abriendo boca, te puedes descargar su primer sencillo “Cero en blanco”.

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- Modelo de Respuesta Polar ha estado presente en festivales como el Low Festival, Arenal Sound o Vinilove con su primer disco homónimo. Y tras este gran empiece en el que se han hecho con crítica y público anuncian que se han metido de nuevo en el estudio para editar lo que será su segundo trabajo que saldrá publicado en el mes de octubre.

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- Secret Symphony es el nuevo trabajo de Katie Melua que saldrá a la venta el próximo 14 de noviembre. Siempre queriendo sorprender al público, Katie llena su nuevo disco de una manera soberbia, interpretando canciones que pertenecen a un amplio espectro de compositores, como Ron Sexsmith o Bonnie Raitt. El resultado final es una colaboración con el conductor y orquestador Batt que consigue dar una personalidad distintiva.

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Conciertos: Adam Cohen y The Dø

Iván Vázquez — Mon, 05 Sep 2011 16:24:16 +0000

- El cantante y compositor Adam Cohen nos visita por vez primera sin la compañía de su padre. Su apellido no deja indiferente a nadie, hijo de Leonard Cohen la fama de su padre recrea a menudo comparaciones. Su esfuerzo por darse a conocer por méritos propios le lleva a utilizar su voz como elemento único y distintivo. En 1998 nacía su primer álbum acogiendo críticas muy prometedoras y creando un éxito con “Cry Ophelia”. Compuso un álbum en francés y formó parte de la banda de rock Low Millions. Su último trabajo se llamará Like a Man y saldrá a la venta el próximo 3 de octubre. Será un disco íntimo, romántico, dejando ver un reflejo de su padre.

Ofrecerá dos conciertos en España en una gira con aforos reducidos para crear un espacio intimista. Madrid y Barcelona son las dos ciudades elegidas.

28 de octubre

Madrid

30 de octubre

Barcelona

Las entradas se ponen a la venta mañana 6 de septiembre a partir de las 10 horas en Doctor Music, Ticketmaster, Fnac, Carrefour, demás puntos de la red Ticketmaster y por teléfono en el 902 15 00 25. El precio de las entradas serán de 14 € más gastos de distribución. Os recordamos que estos son los únicos canales de venta autorizados.

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- The Dø es un dúo musical mezcla de un francés y una finlandesa. Dan y Olivia sintieron el éxito tras publicar su disco debut alcanzando el número 1 en ventas en Francia. Su estilo radica en una mezcla casi infinita, jazz, bebop, hip-hop, rock & roll o rhythm & blues, creando una reinterpretación en cada uno de ellos. Ellos son autosuficientes, produciendo los álbumes ellos mismos, y están dispuestos a reinterpretar cualquier género musical. Y es que ya lo dice su nombre. La primera y última nota de la escala musical es “do”, que para ellos significa representar lo nuevo y lo antiguo. Su nuevo álbum es Both Ways Open Jaws.

3 de diciembre

Girona

4 de diciembre

Barcelona

5 de diciembre

Madrid

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Conciertos: Within Temptation, Michael Franti & Spearhead y Guano Apes

Iván Vázquez — Mon, 15 Aug 2011 10:00:23 +0000

- Tras la reubicación de fechas debido a la maternidad de Sharon den Adel, Within Temptation estarán en España a mediados de octubre. Su quinto álbum, The Unforgiving, es el primero basado en un cómic escrito por el guionista Steven O’Connell, y dibujado por Romano Molenaar. Es considerada la banda holandesa de mayor éxito internacional, y estarán demostrándolo en Madrid y Barcelona:

10 de octubre

Madrid

14 de octubre

Barcelona

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- Michael Franti lleva más de dos décadas haciendo música. En sus inicios empezó dando voz a la ira juvenil, ahora da un sonido desnudo, potente y claro por la injusticia social. Su carisma llena de alegría sus temas, y como espíritu libre cuenta las cosas sin adornos y con mensaje directo. Se atreve con la fusión de estilos como folk, funk, hip hop, reggae o jazz, y ve en la música el mejor método para lograr un cambio social. The Sound Of Sunshine es el nuevo álbum de Michael Franti & Spearhead, un ciclo de canciones creadas para causar sensación de esperanza en estos momentos duros. Su gira pasará por Madrid y Barcelona:

13 de octubre

Madrid

14 de octubre

Barcelona

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- Tras ocho años de espera Guano Apes regresa a los escenarios y lo hace con Bel Air. La fuerza y la intensidad de sus canciones son su máxima cualidad en los directos. Con Proud Like a God lograron ocupar los primeros puestos de las listas de ventas, con Don’t Give Me Names afirmaron lo conseguido con el primer trabajo, y ahora intentarán que durante estos años no nos olvidáramos de ellos. Las citas son las siguientes:

26 de octubre

Barcelona

27 de octubre

Madrid

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Conciertos: Ximena Sariñana, Babasónicos, Owl City y Unicorn Kid

Iván Vázquez — Fri, 12 Aug 2011 15:53:50 +0000

- La actriz y cantante mexicana Ximena Sariñana viene a España de gira el próximo mes de septiembre. Sus pasión musical comenzó cuando tenía quince años y descubrió a Ella Fitzgerald entre otros grandes del jazz. Con diecisiete formó parte del grupo Feliz No Cumpleaños, teniendo cierto reconocimiento en la escena underground mexicana. Ahora ya en solitario tiene editado un álbum, Mediocre, y tras el éxito en Mexico se lanza ahora con un nuevo disco homónimo, esta vez en inglés y lleno de pop fresco y animado. En él se incluyen once temas, uno de ellos es una canción producida y coescrita por Natalia Lafourcade. El primer single es “Different” y lo puedes ver aquí.

A finales de septiembre visitará Barcelona y Madrid:

20 de septiembre

Barcelona

21 de septiembre

Madrid

Las entradas ya están a la venta en DoctorMusic y Ticketmaster, Fnac, Carrefour y demás puntos de la red Ticketmaster, y también por teléfono en el 902 15 00 25. Os recordamos que estos son los únicos canales de venta autorizados. El precio de las entradas es de 14 €, gastos de distribución no incluidos.

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- A Propósito es el último trabajo de Babasónicos. Está considerado como uno de los mejores grupos de rock latinoamericano, siendo muy influyente en Argentina y México. El nuevo álbum está compuesto por diez nuevos temas, y cuenta con la colaboración de Andrew Weiss en “Fiesta Popular“, y de Daniel Melero en “Chisme de Zorro“. “Deshoras” abrió la escucha de este trabajo, y en breves saldrá “Muñeco de Haití“. Las fechas confirmadas de sus conciertos en España son las siguientes:

17 de octubre

Madrid

18 de octubre

Valencia

19 de octubre

Barcelona

Neurótica

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- Un chico de una pequeña ciudad del este de Estados Unidos logró captar la atención de millones de personas con su synthpop autoproducido. Esta es la definición de Owl City. Adam Young ha evolucionado mucho desde esos días, ha expandido su paleta sónica, añadido un dance floor eufórico e incorporado un piano pop. La experimentación se apodera de All Things Bright and Beautiful. Si quieres verlo en concierto, anota:

19 de septiembre

Madrid

22 de septiembre

Barcelona

Teloneando a Owl City estarán Unicorn Kid creando un aura electro-vintage mezclada con producciones contemporáneas. Su último trabajo, Dream Catcher, se mete de lleno en la música dance con toques pop, pero con originalidad.

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The Excitements – s/t [Penniman, 2011]

bannedingu — Thu, 21 Jul 2011 09:00:12 +0000

The Excitements se formaron en Barcelona a comienzos del pasado 2010. En poco más de un año, además de grabar un par de singles, han visto publicado su primer y autotitulado disco a través de Penniman Records. Un inicio tan fulgurante como el soul y r&b del que hacen gala en las doce composiciones de su álbum de debut.

El álbum, que está grabado en mono para añadirle un toque de vieja escuela, ha sido producido por Mike Mariconda, miembro de bandas como Raunch Hands o Devil Dogs y productor de The Hives, Nine Pound Hammer, New Bomb Turks o Revelators. La docena de canciones destacan tanto por su intensidad como por su buen gusto.

Intensidad de la que The Excitements hacen gala desde el arranque con “Take the Bitter with the Sweet”, “I Don’t Love You No More” y “Do the Jerk”. Tres canciones que marcan un exaltado comienzo. Una intensidad que, además de instrumental y rítmica, principalmente emana de la vocalista mozambiqueña Koko Jean Davis, que brilla con luz propia a lo largo del disco.

Sin embargo, The Excitements también demuestran que saben moverse por el terreno de la dulzura con composiciones como “Never Gonna Let You Go”, “If It Wasn’t for Pride” o “Won’t You Let Me Down”.

Y buen gusto porque la formación barcelonesa fundamenta su estilo en el r&b y soul de las décadas de los años 50 y 60. Una pizca de Tina Turner, otro poco de James Brown, algo del estilo de Detroit pero sin perder de vista Memphis. ¿Revivalistas? ¿Clásicos? Juzguen ustedes mismos, pero, sobre todo, escuchen a The Excitements.

Valoración: 8/10

Texto: Carlos A.S.

Grupo: The Excitements
Disco: s/t
Sello: Penniman Records
Fecha de publicación: Mazo de 2011
Procedencia: Barcelona.
Más información: MySpace/Facebook

Escucha el disco de The Excitements en Spotify

Listado de canciones:

01 – Take the Bitter with the Sweet
02 – I Don’t Love You No More
03 – I Do the Jerk
04 – Never Gonna Let You Go
05 – Wait a Minute
06 – Let’s Kiss and Make Up
07 – Fat Back
08 – Won’t You Let Me Down
09 – From Now On
10 – I Want To Be Loved
11 – If It Wasn’t for Pride
12 – Love Is Here to Stay

Conciertos: The James Taylor Quartet, Jerry Fish & the Mudbug Club y Jaime Lidell

Iván Vázquez — Fri, 03 Jun 2011 15:00:07 +0000

- La banda británica The James Taylor Quartet publicó recientemente su último disco, The Template. Definidos en el estilo del jazz funk, este cuarteto celebra ya su 25 aniversario, muchos años girando por todo el mundo. Para esta gran ocasión no se les ha ocurrido mejor manera que festejarlo con una nueva gira, gira que también se pasará por nuestro país:

9 de junio

Madrid

10 de junio

Barcelona

DJ Roger C

Si te gusta el jazz y quieres algo de fusión, ya sabes.

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- Gerard Whelan o mucho más conocido como Jerry Fish formó parte del grupo irlandés de rock alternativo An Emotional Fish. Esta banda inició su carrera por el año 1988, una carrera que acabó hace unos casi diez años, pero siendo una de las grandes bandas irlandesas. Desde entonces Gerard Whelan ha formado otra banda, Jerry Fish and the Mudbug Club, grupo en el que también está Enda Wyatt. Su estilo difiere un poco al anterior, pop y jazz llenan los temas, en los que los instrumentos principales son los de viento. Únicamente dará un concierto en España, y será en Madrid el 10 de junio en la sala Moby Dick. El coste de la entrada anticipada es de 14 €, y la de taquilla de 17 €. Además no estará sólo, si no que Maez iniciará la velada.

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- Otro británico que se dejará ver por nuestra tierra es Jaime Lidell gracias a SON Estrella Galicia. Comenzó de DJ con ritmos techno underground, posteriormente se juntó con Cristian Vogel formando Super Collider, proyecto en el que la electrónica experimental está más viva que nunca. Su talento hizo que llegara en 2005 Multiply, y su continuación Multiply Additions un año más tarde, donde el techno se empezó a juntar con neo-soul y funk. Y como de ir probando salen cosas buenas, su último trabajo lo culminó definitivamente. Compass mezcla electrónica, pop, rock, soul, y funk junto con grandes colaboraciones como Beck, Gonzales, Feist, Chris Taylor (Grizzly Bear) y Pat Sansone (Wilco). Si te ha pillado la curiosidad la única oportunidad que tienes de verlo es el 28 de julio en el Teatro Lara de Madrid. La entrada anticipada te costará 18 € (Ticketmaster, Servinova, Fnac y Carrefour), y en taquilla 20 €.

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The Sweet Vandals – So Clear [Sweet Rcs/Unique, 2011]

bannedingu — Mon, 30 May 2011 16:15:48 +0000

Hace un lustro tuve la fortuna de conocer a The Sweet Vandals en un concierto que ofrecieron en mi ciudad. Ejercían de teloneros de Los Imposibles y, si no recuerdo mal, únicamente tenían un EP en el mercado. Me causaron una gran impresión, esa mezcla de funk/soul que te hacía bailar como un poseso y, sobre todo, me cautivó la fuerza y presencia de su vocalista, Mayka Edjole, así como el partido que sacaban del sonido del hammond.

Me causaron tan grata impresión que abandoné la actuación de Los Imposibles a los diez minutos de su inicio. Después de ver a Sweet Vandals, el resto me parecía anecdótico y aburrido. No se podía bailar.

Seis años después, con varios singles y Eps a sus espaldas, más dos álbumes de estudio, me reencuentro con esta formación madrileña. So Clear [Sweet/Unique, 2011] es un tercer larga duración y, como en aquella ocasión de noviembre de 2006, está muy claro que The Sweet Vandals son una de las mejores, por no decir la mejor, formación de sonidos funk/soul de nuestro país.

Pero, desgraciadamente para ellos, también está tan claro que este tipo de sonidos negroides en España no tienen gran calado, al menos hasta la fecha. Muy probablemente por ello tienen más tirón fuera de nuestro país que aquí. De hecho, So Clear en España ha sido publicado a través del propio sello de la banda madrileña, y también ha sido grabado en su propio estudio; pero internacionalmente va a aparecer bajo el auspicio de la discográfica francesa Unique Records.

So Clear recoge un total de once temas, entre los que se encuentra uno completamente instrumental –“Tiger”-, donde Sweet Vandals muestran ese estilo que oscila entre las versiones más alegres del funk y del soul. Además, también han adornado una de sus composiciones, la que da título al álbum, con una orquestación que parece extraída de un disco de Paul Weller. So Clear es un gran trabajo que, sin lugar a dudas, adquirirá una dimensión superior en directo.

Valoración: 7/10

Texto: Carlos A.S.

Grupo: The Sweet Vandals
Álbum: So Clear
Sello: Sweet Records/Unique
Fecha de publicación: 2011
Procedencia: Madrid, España.
Más información: MySpace/Facebook

Escucha ‘So Clear’ de The Sweet Vandals

Listado de temas:

01. Change
02. Listen For A While
03. Burning
04. Move It On
05. Love You More Than Words Can Say
06. Tiger
07. Till I Found You
08. You Reap What You Sow
09. In Transit
10. So Clear
11. The Battle Of Life

Vídeo: Duffy – “Well, well, well”

Iván Vázquez — Tue, 21 Dec 2010 01:07:14 +0000

Tras el gran éxito que alcanzó con su primer álbum Rockferry y tras dos años de espera, Duffy junto a Albert Hammond han creado diez canciones, las han juntado y aquí está Endlessly. La reivindicadora británica del neo soul, que tanta expectación ha generado con su primer LP, vuelve con toda su energía y potencia vocal aunque cambiando su registro. Esta vez no se ha apoderado el soul de todas las canciones, sino que aparece un estilo más bailable y actual, aunque no olvidando sus raíces. Como primer sencillo aparece “Well, well, well”, en el que ha colaborado el grupo de hip-hop estadounidense The Roots. La gran voz de Duffy sigue presente, acompañada de un ritmo más bailable. En este primer sencillo con un ritmo alegre pero bastante básico, con estribillo demasiado repetitivo.

Web / MySpace

Conciertos: Imogen Heap y The lost fingers

Iván Vázquez — Fri, 29 Oct 2010 02:36:37 +0000

- Tranquilidad, nostalgia, valor, alegría. Estas son algunas de las sensaciones que transmite Imogen Heap. La ganadora del Grammy al Best Engineered Album, Non-Classical en su edición 52, llega a Madrid y Barcelona para ofrecernos toda esa magia en directo. Presentará su último trabajo, Ellipse, en el que encontraremos rock alternativo mezclado con sinfonías innovadoras, y sobre todo muchas emociones. Imposible perdérselo. Apunta:

MADRID

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BARCELONA

ticketmaster

MySpace, Web oficial

- El trío canadiense formado por Christian Dirt Roberge (vocalista, guitarra), Byron Maiden Mikaloff (coros, guitarra) y Alex Morissette (coros, contrabajo), que se hacen llamar The lost fingers, regresan a España con su jazz gitano, o como ellos lo llaman jazz manouche. Desde que publicaran en 2008 su álbum de debut Lost in the 80s han generado una enorme expectación. Esa forma que tienen de recomponer éxitos no olvidados, dando resultado a temas casi nuevos pero sin olvidarse del tema original ni del jazz manouche, les ha llevado a ganarse a la crítica y al público. Y ahora tienes la oportunidad de disfrutarlo en las siguientes fechas:

Las Palmas Gran Canaria

Arrecife (Lanzarote)

Madrid

Barcelona

Las entradas para estos cuatro conciertos ya están a la venta en Fnac, Carrefour, Halcón Viajes y www.ticketmaster.es

Web oficial

Pepa Niebla & Ricky Vivar (2010)

tespada — Wed, 20 Oct 2010 15:03:05 +0000

Cuando la elegancia y el virtuosismo se unen en un proyecto, el resultado es una verdadera joya que no te cansas de contemplar. Esos son los ingredientes que Pepa Niebla y Ricky Vivar ponen sobre la mesa para crear, de la mano del gran Paco Ortega, productor de productores, este disco redondo (en el más amplio sentido de la palabra) que nunca te cansas de escuchar.

Escuchar por primera vez el disco conjunto de Ricky y Pepa es caer en la trampa traidora de un bucle imparable que te lleva a escuchar los once temas que lo componen una y otra vez, en una especie de éxtasis provocado por la maestría de Ricky a la guitarra y la sencillez y elegancia de la voz de Pepa que, más que Niebla, debería llamarse Luz porque es eso lo que crea con su música y con su voz.

Es largo el camino que han recorrido por separado. No en vano, sus carreras musicales están llenas de experiencia, de ritmos, de conciertos, de gente, de canciones. Pero es la magia de la música la que, en un momento dado, hizo que las causalidades se convirtiesen en la realidad del disco que ahora te presentamos. Y desde aquí agradecemos que Paco se acercase un día al Myspace de Pepa, se pusiese en contacto con ella, ella se pusiese en contacto con Ricky y, entre todos, creasen esta maravilla del jazz y de la música.

Once temas, once versiones de las canciones de jazz más sonadas de los años 50 que renacen de la mano de estos dos artistas que, literalmente, desnudan sentimientos y sentidos en cada una de las canciones, planteando un viaje al pasado con la mejor banda sonora que puedas imaginar.
Si echas la vista y el oído atrás, puede que recuerdes canciones como “After You’ve Gone“, “Beautiful Love“, “Imagination“, “Days of Wine and Rose“, etc. Pero te sorprenderá escucharlas en estas nuevas y jóvenes voces.

Puede que no hablemos de un tipo de música demasiado comercial pero eso es lo que hace más especial este primer trabajo de Pepa Niebla & Ricky Vivar, por la entrega a un género que les apasiona, por el amor a lo que hacen, por la transparencia de sus canciones y la belleza de una música que atrae, calma y renueva a quien la escucha.

Pepa Niebla & Ricky Vivar, uno de esos discos que, sin duda, te sorprenderá y te encandilará desde el primer momento.

Toñy Espada

Erykah Badu. Veranos de la Villa, Madrid. 17/07/2010

adelolmo — Sun, 18 Jul 2010 17:48:05 +0000

Toda la distancia que puede separar a una diva de su público, entre el cielo que es donde imaginan sus seguidores que aterriza y la tierra, donde quedan abiertos los brazos hacia su estrella, se convirtieron en milímetros cuando Erykah Badu entró en el escenario para saludar a su público madrileño. Eso sí, sin ninguna prisa, que para eso llevábamos tres cuartos de hora esperando a que sonaran sus canciones, cuyo aperitivo había abierto uno de los componentes del grupo media hora antes (DJ Burton Smith), mezclando bossa, funk, rap y lo que se le iba ocurriendo y haciendo olvidar la espera con temas que pisaban sobre seguro; el Michael Jackson de “Don’t stop ´til you get enough”, “Kiss” de Prince y hasta el ochenteno “Sweet dreams (are made of this)” de Eurythmics. Muy bien sus remezclas y verdaderamente entretenido.

Se echaban en falta sendas pantallas a los lados del escenario pero en año de recortes, hasta era terriblemente complicada la combinación de medios de transporte para llegar al recinto, cuando el año pasado las facilidades eran mejores. Ya se sabe, vivimos en un país donde más que correr, cojeamos y sin sacar las manos de los bolsillos, que un buen dinero les costó el concierto de la señora de Dallas (sin llenar el aforo) a los que se acercaron a verla.

Erykah Badu es una acumuladora de registros, ritmos del pasado y sonidos del futuro que la han hecho afianzarse en varios países (aquí no es tan conocida) como una reina absoluta del neo-soul más obstinado. Jazz, soul, hip hop y la herencia que también desde el blues viene salpicada por el Rythm and blues y que son reciclados sin ningún pudor, con la honestidad firme que se arranca de sus álbumes.

También actriz, arropada por el sello Motown y habiendo ganado varios premios Grammy, puede sentir que conmueve con sus canciones sin ningún reparo (ya sean de discos pasados o por la excusa de presentar su recién publicado “New Amerikah Part two: (The return of the Ankh”), cuando a modo de “jam session”, frenando un scratch de DJ Burton Smith, abrió el espectáculo con la canción “20 feet all”, de su último esfuerzo creativo.

Erica Abi Wright (su verdadero nombre) es el reverso de lo que puede ser, por ejemplo, la abrasiva Sharon Jones, además de que esta última se acerca mucho más al reggae. Y más sosegada en sus principios musicales, el hip hop, jazz y sobre todo el soul que practica Erikah Badu se congela y cambia de ritmo, haciendo de sus sonidos algo enormemente contemporáneo e identificativo para todos sus fans.

Es una cantante que domina perfectamente el escenario. Llegando a estar hasta once músicos con ella, perfectamente compenetrados,(en varios momentos cuatro coristas), se comportó como una auténtica dama (a veces un poco fría) cantando esas canciones que resultaban igual de emotivas en todo el repertorio. Y esa hondura se pudo sentir, desde “Out of mind”, la sinuosa extrañeza de “Appletree” o la mística crudeza de “Love of my life”, cuando ya no quedaba ningún Judas entre el público que sintiera venganza por la palpable homogeneidad de todas y cada una de las canciones que volaban entre el público.
A Erikah Badu no le queda nada para quedarse pegada al trono de las mejores artistas de soul de su generación. La corona, si no la tenía ya, la comparte con otras cantantes que igual de perseverantes, nos han traído décadas de sonidos que se encuentran entre los mejores conocidos de la historia de la música. Lo sabe, se lo cree y lo transmite en las mismas proporciones: una diva.

Texto: Ángel Del Olmo

Eli ‘Paperboy’ Reed – Come And Get It

bannedingu — Wed, 30 Jun 2010 17:23:20 +0000

Artista: Eli ‘Paperboy’ Reed
Álbum: Come And Get It
Sello: Parlophone
País: Estados Unidos
Fecha de publicación: 10 de mayo de 2010

Más información: Web/Myspace/Facebook

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01. Young Girl
02. Name Calling
03. Help Me
04. Just Like Me
05. Come And Get It
06. Pick A Number
07. I Found You Out
08. Tell Me What I Wanna Hear
09. Time Will Tell
10. You Can Run On
11. Pick Your Battles
12. Explosion

A veces es imposible sentirse mal. Y escuchando a Eli ‘Paperboy’ Reed and The True Lovers me pasa eso. No puedo sentirme mal. Este chico de Massachusetts representa la alegría y su música es un paseo por el lado optimista de la vida. Tan sólo hay que escuchar la canción que da título al álbum, y que ha sido elegido como primer single, “Explosion”, “Tell Me What I Wanna Hear” o “You Can Run On” para darte cuenta de la alegría que transmite. Pero también, Come and Get It [Parlophone, 2010] presenta esos temas de bailar pegados o, como dice un buen amigo mío, de soul ‘baja-bragas’, como “Pick Your Battles”, “Name Calling”, “Just Like Me” y muy especialmente, “Pick a Number”.

Su soul, el ritmo de sus canciones, la sección de viento, sus gritos -de los que en mi opinión abusa demasiado y termina cargando-, y el feeling que desprende Come and Get It hacen imposible que te sientas mal al escuchar la docena de canciones que componen su esperada nueva entrega.

Con la anterior, Roll with You [Q Division, 2008], Eli ‘Paperboy’ Reed se convirtió en la gran esperanza blanca masculina del soul. Curiosamente, en los últimos años, son los blancos los que llevan la voz cantante en el soul y en el r&b de vieja escuela, retro si prefieren llamarlo. Y, en lo personal, ha sido Eli ‘Paperboy’ Reed el que más me ha impresionado.

Por eso mismo, por la impresión que me causó su segundo larga duración -el primero que conocimos la gran mayoría de nosotros- se hizo difícil la espera de la llegada del segundo. Si encima, después del éxito llega la firma con una multinacional, la espera viene acompañada de cierta inquietud y sí, uno es un mal pensado y considera que las grandes compañías discográficos son el diablo.

Sin embargo, después de escuchar Come and Get It se puede decir que Eli ‘Paperboy’ Reed sale bien parado. El de Boston se ha marcado un disco que sigue la senda de Roll with You. Derrochando buen, simpático y agradable soul, aunque haciendo algunas concesiones a la comercialidad. Sobre todo por esa producción al estilo Phil Spector y por algunos cortes como “Name Calling” o “Pick Your Battles”, con una orquestación tan preciosa como ñoña.

Valoración: 6

Texto: Carlos A.S.

Crónica The Skatalites. Joy Eslava. 10/05/2010

bannedingu — Wed, 19 May 2010 16:03:08 +0000

Es bueno hacerse preguntas. Y lo es porque la necesidad de satisfacerlas ha movido al mundo desde la antigüedad. Hay que hacerse preguntas. Trascendentes o banales, aunque es difícil descifrar si una banalidad se va a convertir en algo trascendental. Que le cuestionen a Newton cuando empezó a pensar “¿Por qué la manzana cae al suelo en lugar de flotar?”. Pero también nos podemos hacer otras preguntas, tales que ¿Quién tuvo la idea [el calificativo corre a cuenta suya] de mezclar el vino con el refresco de Cola? O ¿A qué huelen las nubes?

Al concierto de The Skatalites celebrado en la madrileña sala [antiguo teatro] Joy Eslava llegué con varios interrogantes, deduzco que banales, en mi cabeza. Pero, fundamentalmente, se resumían en dos: ¿Qué pueden ofrecer The Skatalites en 2010? y ¿Tiene sentido que sigan girando con este nombre cuando sólo se mantienen [con vida] Lester Sterling y Lloyd Knibb?

Y su inicio de actuación, me deparó otra cuestión: ¿Por qué no todos los grupos toman ejemplo de The Skatalites y empiezan el concierto a la hora fijada? ¿Es tan difícil? Increíble e inaudito, aunque igual se debe a la edad de los dos músicos anteriormente citados…

A las 21.00 horas estaban sobre el escenario y comenzaban a entonar los primeros compases de la introducción. Eso sí, más de uno entró al concierto cuando ya habían interpretado un par de canciones, entre ellas “Freedom Sounds” y “Occupation”, con las que arrancaron su actuación en Madrid.

La primera cuestión, y la segunda prácticamente también, fue resuelta en pocos minutos. No tenía nada más que girar a mi alrededor para ver a la gente disfrutando, bailando y sudando con la música de The Skatalites. Así que, sí, The Skatalites tienen muchas cosas que ofrecer en 2010. Entre ellas, diversión y sobre todo, un show de dos horas y cuarto, ejecutado por unos músicos que, evidentemente, no son Tommy McCook, Roland Alphonso, Don Drummond o Lloyd Brevett, pero que no les tienen nada que desmerecer.

Kevin Bacherlor -trompeta-, Azemebo Osikhena -saxo tenor- y Andrae Murchison -trombón- tienen muchos recursos que ofrecer. Sinceramente, dieron toda una exhibición interpretativa de jazz en clave jamaiquina. En la sala, la parroquia quedó satisfecha con su actuación y no paró de animarles en cada uno de los solos que ejecutaron.

De hecho, se les notó tan seguros que antes de los tres cuartos de hora de actuación ya habían interpretado “Guns of Navarone”, uno de los momentos álgidos de la velada gracias a los coros emanados desde el corazón de la sala y una de las grandes bazas en directo de The Skatalites.

Y, por supuesto, Lester Sterling y Lloyd Knibb también tienen cosas que ofrecer. Más el primero que el segundo, debido a su condición de saxofonista, aunque el señor Knibb no perdió el ritmo con sus baquetas. Y, puestos a ofrecer, también Doreen Shaffer, que compareció sobre las tablas de Joy Eslava a la hora de concierto, tiene cosas que ofrecer. Con ella, del jazz ala jamaiquina pasamos al rocksteady. Su cálida voz interpretó varias canciones, entre ellas “Sugar, Sugar, Sugar” o “Nice Time”. Su presencia supuso un buen rato, independientemente de si tu pasió es el rocksteady o no.

Tras la aparición, estelar, de Doreen Shaffer, llegó el momento que menos me gustó de la actuación de The Skatalites. Cuando empezaron a hacer versiones que, sinceramente, sobran, aunque viendo la reacción del público, uno se cuestiona su propia opinión. Pero entiendo poco que hagan “Simmer Down” de The Wailers, por mucho que ellos fuesen la banda que grabó la parte instrumental, y eso que adoro esta canción. Pero entiendo aún menos que encarasen “Rivers of Babylon” de The Melodians, con la que la sala casi se vino abajo, “Rudy, A Message To You” de Dandy Livingstone o “James Bond Theme”, a pesar de que es un fijo en su repertorio desde sus inicios.

Tras el tiempo de Shaffer y de las versiones, The Skatalites volvieron a retomar sus composiciones propias. Así llegaron a sonar auténticos ‘clasicazos’ del calibre de “Confucius”, “Ball of Fire”, “Latin Goes Ska”, “Ringo” o “Phoenix City”. La temperatura ambiental no bajó, todo lo contrario, y las dudas quedaron despejadas.

PD-Y por si se preguntan la respuesta de la segunda pregunta que me inquietaba a mi llegada a Joy Eslava, sí, Lester Sterling y Lloyd Knibb hacen muy bien en seguir girando bajo el nombre de The Skatalites ya que su espíritu y sus canciones se mantienen vivos en las notas de la banda que rodea y acompaña a estos dos mitos de la música jamaiquina.

Texto: Carlos A.S.

Josh Rouse – Sala Joy Eslava (Madrid) 4/03/2010 – El exceso de vitamina C

vinitials — Wed, 10 Mar 2010 22:56:37 +0000

Desde que vive en Valencia, en la costa mediterránea, Josh Rouse ha ganado en alegría y se le nota en su carácter risueño, jovial y pletórico. También ha ganado en sonoridades y en texturas musical, conjugando diversas tradiciones musicales, haciendo siempre hincapié en su lado de songwriter, de compositor con marca propia, con deje por el folk mezclado con otras sonoridades. A pesar de que su español es de gran nivel es una pena que recurra a nuestro idioma, teniendo sus canciones tanto peso en las estructuras y la tradición anglosajona y dada su gran dicción en inglés. Y es que su último disco ‘El turista’ (Bedroom Classics, 2010) contiene cuatro temas cantados completamente en español y chirría, aunque musicalmente presume de tener mucha clase porque tiene mucho de sonidos cubanos, de atmósferas brasileñas, de dream pop y de regusto clásico. Destacan temas como “Cotton eye Joe”, “Sweet Eliane”, incluso “Lemon tree”. En “Mesie Julian” su voz suena como Albert Pla y le da al cha cha chá. “Valencia” tiene ritmo pero el acento de güiri con deje andaluz no se lo quita nadie y parece que hay más del buenrollismo mestizo que del Rouse de toda la vida. Y en directo ‘El turista’ funciona a medias, a pesar del toque de algún banjo o guitarrón.

Rouse se acompaña de una banda de excepción (entre ellos Raül Fernández, a.k.a Refree, a los teclados). Y suena rico en matices pero le falta fuelle, se vuelve un trovador atemporal con sustancia pero que ha perdido su toque distintivo, repleto de folk de todos los tiempos, de matices soul y de la chispa pop. Por eso su concierto pecó de sonar blando, brillaba y sobresalía cuando recuperaba temas de ‘Subtítulo’ (Bedroom Classics, 2006) como “Summertime”, “Quiet town” y ‘1972’ (Rykodisc, 2003) “James”, “Flight attendant”. Los muy fans disfrutaban con todo pero el resto de público sólo resurgía especialmente con los temas más antiguos, con ese leve soul y folk sui generis que le ha caracterizado. Para los bises sorprendió a pelo con “Come back”, “1972” con teclados y acústica, y con “Winter in the Hamptons”, todas ellas radiantes al desnudo. Para cerrar con la deliciosa “It’s the night time” de ‘Nashville’ (2005) con la banda al completo. Una pena porque su sensibilidad musical y su capacidad para construir canciones enormes es notable. Sabor agridulce, más a pomelo que a naranja.

Texto: Andrés Castaño

Le Peuple de l’Herbe – Sala Heineken (Madrid) 18/02/2010 – Amalgama de sonidos

vinitials — Mon, 22 Feb 2010 18:26:53 +0000

El combo francés Le Peuple de l’Herbe venía cargado con su séptimo disco (cinco en estudio y dos en directo), siguiendo su trazo, ampliando un sonido procedente de la black music (hip-hop, acid-jazz, funk, ragga) altamente ecléctico y variado. Por una parte, abriendo sus sonidos a dimensiones instrumentales; por otra, actualizando el hip-hop; y haciendo de sus conciertos una fiesta donde baila casi hasta el apuntador. La gira de presentación por España de ‘Tilt’ (Boneplak-Discograph/Karonte, 2010), se saldó con buen balance allí donde pasó, el sexteto francés goza de un público fiel en nuestro país, y contó con cuatro fechas, Barcelona, Madrid, Granada y Alicante.

‘Tilt’ contiene joyas dispuestas a trasladarte a parajes rítmicos de fusión, instrumentales como “Heart and Soul” relucen gracias al sonido de los vientos, trompeta, teclados, y a las atmósferas densas de las bases, las armonías clásicas de “L’ésprit d’une époque”, o el ambiente opresivo de “Matchbox” en una onda dowtempo e impregnado de cierto deje big beat; el sencillo “Look up” causa estragos con los dos grandes b boys con que cuenta Le Peuple de l’Herbe, JC 001 y Sir Jean; pero sobre todo incita a moverse el ritmo drum n’ bass de “Pretty bad drug” con unas cuerdas (mediante teclados) y una trompeta que recuerdan lo más excelso de 4hero; la energía eléctrica y el punk-rock de “Get Stronger” o de “Back against the wall”. El otro MC, el senegalés Sir Jean, también da cuenta de la buena forma vocal de la banda. JC 001 hace un solo a lo beat box incluyendo “Boxin’ da beat”, donde habla de la historia de las bases y las cajas de ritmos, impresionante, aunque ya lo hizo en su gira de 2005. También recuperaron para su concierto de Madrid temas de ‘Triplezéro’ (2000) “PH theme” y “Herbman shank”, ‘PH Test/Two’ (2002), “No escape” y “Maison en dur”, de ‘Cube’ (2005) “Mission” y “Adventure” que recuerda a The Wiseguys y su “Ooh La la” (1999), de ‘Radio Blood Money’ (2007), “Plastic People”. El público se lo pasó en grande, saben sacar jugo a su música en directo; y aunque si les has visto una vez y repites ya no te sorprendan tanto, es cierto que tienen un directo bien planteado y efectivo que no deja indiferente. El colorido y la amalgama de sonidos reinan su puesta en vivo.

Abrió L.E. Flaco una banda madrileña cañera, que fusiona el rock duro con el hip-hop. Rimas que vuelan, van y vienen, algunas muy logradas, otras deberían evitar los estereotipos propios del MC. Eso sí, el flow crece y se acopla al formato trío muy punk-rock y con mucha potencia. Espíritu crítico y buena puesta en escena como principales argumentos.

Texto: Andrés Castaño

Alamedadosoulna: “Creo que la gente se ha cansado de las fórmulas meramente comerciales”

bannedingu — Thu, 28 Jan 2010 12:56:12 +0000

No sabemos si Alamedadosoulna va a ser the next big thing, pero sí que hemos comprobado que su receta de mezclar soul, reggae, ska y sewing con un gran sentido del humor es efectiva. Acaban de ser nominados a los Premios Goya por “Spanish Song“, que forma parte de la BSO de Spanish Movie, y están componiendo lo que será su nuevo disco. Para hablar del pasado, de su presente y de su futuro, estuvimos charlando con Ernesto, el saxo tenor de la banda madrileña.

¿De dónde viene el nombre Alamedadosoulna?

Pues porque los miembros de la banda, originalmente, eran todos del barrio de Alameda de Osuna. También porque al principio el grupo era muy tipo Commitments, con versiones de clásicos del soul. Así que Alameda de Osuna + Soul, pues…

Resúmenos la trayectoria de la banda para hacernos una idea de vuestro recorrido?

La trayectoria es de kilómetros y kilómetros. Inicialmente el grupo es la fusión de dos bandas del barrio: Guernika y Cabeza de Canoa -de ahí que desde siempre Alamedadosoulna haya sido un grupo muy numeroso- que se juntaron para dar una sorpresa a su público con unas versiones soul y algún que otro temilla. Desde el principio, el grupo ha rulado mucho por toda España. La banda siempre que ha dado show, ha dejado buen sabor de boca. Hemos repetido actuación en casi todos los lugares por donde hemos pasado.

Con el paso del tiempo, el repertorio original de la banda ha ganado sitio a las versiones, y cuando te das cuenta de que el público se sabe tus canciones es buena señal. Así llegamos a las grabaciones. Skrak o Finíssimo, entre otras cosas, han servido para dejar constancia de nuestro paso por la escena musical. Luego ha llegado Alamedadosoulna, la película, que deja bien clara nuestra polivalencia y que no sólo somos una banda de música, sino un espéctaculo multidisciplinar.

Otros hitos han sido el Trainacting, haber sido galardonados con un Premio Guille, la reciente nominación a los Premios Goya y, por encima de todo, el continuo reconocimiento y la fidelidad del público.

¿Influencias musicales?

¿Las influencias de diez músicos? Puf!! Emir Kusturika, Madness, Tokio Ska Jazz Paradise Orchestra, Aretha Franklin, Desmond Dekker, Les Luthiers, Stevie Wonder, New York Ska Jazz Ensemble, James Brown, Count Basie, Herp Albert, Bersuit….. ¿sigo?

Viendo los gustos tan variados, ¿cómo se reflejan las inclinaciones de cada uno en la música del grupo?

Las inquietudes y gustos hay que canalizarlos para que Alamedadosoulna sea un grupo que llegue al público. Pero no se desecha nada de entrada, porque todo lo que es de calidad tiene algo que aportarte antes o después, si no es como parte de un tema, lo será para otra cosa. Por ejemplo, muchos miembros de la banda estudian o han estudiado jazz, y no forma parte de nuestro repertorio, pero nos ha aportado una dinámica de trabajo, una amplitud de miras y una disciplina para mejorar como músicos. Esto también sería aplicable a otros estilos por los que los Alamedos tenemos predilección.

A la hora de componer, ¿cómo lo hacéis?

Siendo tantos hay que llevar al local algo un poco consistente. Básicamente una grabación o idea general hecha en casa. Se toca, se hace sonar en un ensayo y ahí ya tienes una primera transformación del tema. Cuando ya tiene un sonido con el que nos sentimos a gusto, que nos suene a Alamedadosoulna, se graba. Si estamos en proceso de gira y el tema nos gusta, se incorpora al repertorio y si no, como ahora que estamos componiendo para el nuevo disco, se deja grabado y se pasa a otro tema para elegir cuando llegue el momento qué temas van al disco y cuáles no van. Generalmente, todos llevamos material para trabajar en el local.

Al ser una banda tan numerosa, imagino que es complicado juntarse todos para ensayar y/o componer…

Pues sí, es complicado, pero la máquina ha de seguir adelante. Si en una factoría de automóviles se resfría el que pone los parachoques y falta, la fábrica ha de seguir haciendo coches. Lo bueno es que en Alamedadosoulna nunca hemos hecho un ERE ni hemos despedido al que le pone los parachoques a las canciones por faltar un par de días…

¿Influencias no musicales?

Las conversaciones absurdas. Básicamente, y si lo haces de forma ordenada, se llama lluvia de ideas. Tras un ensayo, te sientas en los sofás del local, te relajas y dejas que las coñas fluyan. De pronto, alguien dice algo que, por una especie de conexión, a todos los presentes les hace gracia, lo repiten y enrevesan hasta límites insospechados. Parece un caos, pero de esta eficiente dinámica han salido muchísimas ideas para los espectáculos de la banda.

Alegría y buen humor parecen dos factores clave en vuestras composiciones, ¿verdad?

Desde luego. Sin esos ingredientes no habría Alamedadosoulna, ni en el escenario, ni en el local de ensayo.

¿Creéis que falta buen humor en los grupos actuales?

Cada grupo va por su camino y no podemos pretender ser todos ni graciosetes ni super musicazos intocables, pero sí creo que en algunos casos los músicos hacen música para sí mismos y falta un poco de actitud positiva en escena. Básicamente, hay a quien le falta buen humor e incluso hay a quien le faltan buenos modales.

Aunque en vuestro nombre hacéis referencia al soul, también tenéis bastantes influencias del ska/reggae. ¿Cómo y por qué comenzasteis a integrar vuestras influencias jamaicanas en la música de Alamedadosoulna?

Son momentos por los que vas pasando como músico, en los que a algunos miembros de la banda les van interesando unas cosas u otras. Forman parte del aliño de lo que se cuece en el local. Naturalmente hay influencias que no perduran demasiado tiempo o que sencillamente no cuajan. Pero el reggae y el ska sí han estado muy arraigados casi desde el principio, y aunque no nos definimos como un grupo de ningún estilo concreto, sí nos sentimos muy a gusto con el ska/reggae y nos gusta jugar con sus elementos para el sonido de la banda.

En España cada vez hay más bandas que se acercan tanto al ska/reggae como al soul, incluso tienden a mezclarlas como hacen The Pepper Pots ¿Piensas que es un buen momento para grupos este tipo de grupos?

Ska, reggae, soul,… son estilos grandísimos en sí mismos. Puedes disfrutar escuchándolos en el metro, mientras planchas tu ropa o lees tus emilios. Pero, sobre todo, es música que se vive, se baila, te agita y se disfruta en directo. Te diviertes y gozas como un niño en una tienda de juguetes. Esa es la grandeza de estos estilos. Si vas a un concierto de Alamedadosoulna o de los mencionados Pepper Pots, te lo vas a pasar en grande, vas a bailar aunque no suelas hacerlo, vas a estar pendiente de lo que pasa en el escenario. En definitiva, creo que la gente se ha cansado de las formulas meramente comerciales. En la mayoría de los locales ponen la misma música y muchísima gente ve que por lo que pagan por una copa en cualquier sitio pueden pillar una entrada para un concierto en el que se divierten y disfrutan de corazón.

¿Veis que la gente reacciona mejor ante estos sonidos que hace unos años?

La reacción siempre ha sido excelente, porque antes, aunque no fueran fanáticos de esta música, les encantaba escucharla, se sorprendían por disfrutar con algo que no era demasiado familiar. Lo bueno que hay hoy en día es que la música viaja a cualquier lugar y la gente tiene acceso a ella, con lo que el público en general está más abierto y ha ampliado su repertorio de lo que escucha y consume. No sólo gusta tanto o más que antes, sino que además hay una cultura musical en torno a estilos que siempre han sido algo minoritarios.

En esta mayor difusión de la música está contribuyendo Internet y programas como Spotify, donde vuestro último disco está disponible para escuchar. ¿Qué os parecen estas nuevas fórmulas de consumo musical que están apareciendo en los últimos años?

Pues nos parecen genial. Creo que es bastante accesible y, sobre todo, se ha democratizado el consumo musical. Es decir, hasta ahora lo que escuchabas venía marcado prinicipalmente por lo que se promocionaba en los medios, y si te gustaba y tenías pasta, te comprabas el disco. Pero en cierta medida, la elección de lo que se promocionaba venía dada por unos criterios ajenos a ti y, sobre todo, no había acceso a la infinidad de música que hay con los nuevos medios. Gracias a estas formulas, grupos como el nuestro están tan al alcance de una persona que vive en España como de una que vive en Noruega.

Vuestro último disco, Finíssimo 2. ¿Qué tal ha sido acogido por el público?

Muy bien. Todavía a fecha de hoy, que ya ha pasado un tiempecito desde la publicación, se sigue vendiendo en conciertos y tiene aceptación. Básicamente era el Finíssimo publicado con anterioridad con tres temas inéditos y con la película que grabamos nosotros mismos. Así que los fans más acérrimos tienen los dos Finíssimos.

Dadnos detalles sobre la película de Alamedadosoulna.
Ideal para ver en pandilla y elegir A o B… Es una película interactiva, al estilo de los libros en los que tenías que dirigir la historia, cambiando de una a otra página. Toda una experiencia para un domingo por la tarde de risas.

Hablando de películas. “Spanish Song”, que está incluida en Spanish Movie, ha sido nominada a los Premios Goya ¿Cómo ha recibido el grupo la candidatura?

Nos faltó lanzar confeti. Ha sido un notición muy bueno. El hecho de hacer la canción ya ha sido una alegría enorme, ya que ha sido una peli muy vista y nos ha dado bastante publicidad. Pero la posibilidad de estar entre los nominados ha sido algo único. A ver si hay suerte.

Por lo que comentas, el plan de este 2010 es grabar nuevo disco…

Nos da la impresión de que la banda está en boca de mucha más gente de la que pensamos. Nos falta lanzar un discazo para terminar de ganarnos un sitio entre las bandas con auténtica proyección y la confianza del público en general. Así que en el discazo estamos echando toda la magia.

¿Ha cambiado mucho la visión que teníais del mundillo de la música cuando empezasteis a la que podéis tener actualmente?

Desde luego. Básicamente porque ahora estamos viéndolo cara a cara, no como al principio. Y desde que somos conscientes de este mundillo también se ha modificado esta visión, ya que se han producido muchísimos cambios, como las formas de difusión de las que hablábamos anteriormente.

¿Qué consejos daría a una banda que esté empezando ahora?

Que hagan música de corazón, sea pop, ska o versiones de los 70. Es la única forma de que la música perdure por encima de las adversidades. Que escuchen de todos los estilos que puedan, que se empapen de los que han hecho arte, que estudien música y sean buenos guitarristas, cantantes, etc. No por el hecho de gustar a las masas eres buen músico y éso es un déficit que tenemos en este país. Hay que dar calidad en cada corchea que tocas, ya sea de Beethoven o de un rock’n roll.

Test rápido:

¿Cuál o cuáles discos estás escuchando en la última semana?

Siempre escucho muchísimas cosas, pero The Liberty of Norton Folgate, de Madness, me parece de lo más impresionante que escucho últimamente. Tras 30 años de carrera y después de haber firmado muchísimos himnos, Madness se saca un discazo de la manga que podría disfrutar desde un fanático del ska más puro hasta mi mismísima madre. Son un ejemplo.

¿Bob Marley u Otis Redding?.

Bob Marley.

¿Kingston o Detroit?.

Kingston, además la temperatura media no suele bajar de los 25º.

¿The Skatalites o The Specials?.

Ésta es chunga, pero venga, Skatalites.

¿Real Madrid o Atleti?.

Atleti, aunque no soy futbolero.

Un libro.

La mujer habitada, de Gioconda Belli

Una película.

Leolo, de Jean Claude Lauzon.

Un disco.

Kind of Blue, de Miles Davis.

¿Algo que quieras añadir?

Nos vemos en la presentación del próximo disco. Traed ropa cómoda.

Texto: Carlos A.S.

Jesse Dee – Le Swing Jazz Club (Madrid) 21/01/2010 – Un manjar para el alma

vinitials — Mon, 25 Jan 2010 23:37:01 +0000

Jesse Dee. Foto por Paul Janovitz

El soul emociona, voces que conquistan a la audiencia con historias cotidianas, plagadas de amor y desamor. Jesse Dee es una nueva sensación del soul. Fichado por el sello alemán Munich Records su disco ‘Bittersweet Batch’ (2009) es pura dinamita musical de alto calibre. Este natural de Boston demostró en una visita fugaz con presentaciones en solitario en Barcelona y Madrid. Además de su acústico en Radio 3, en el programa ‘Hoy empieza todo’, el showcase que ofreció a un público reducido fue altamente gratificante y buena muestra de las dotes vocales del bostoniano, acompañado tan sólo por su acústica. Repasó parte de las once composiciones que componen su primer disco, entre ellas composiciones para levantarte como “Allright” o para agitarte con un leve fraseado de vientos que contiene “Reap what you sow”. Joyas como “Slow Down” que con vientos es rotunda, o “Around here”. O medios tiempos donde el piano marca las emociones como en “Over & over again” o “Remember me”, o el aire del blues juguetón que es “My two feet”. También recoge la tradición de Bill Withers, de Otis Redding, de Smokey Robinson & The Miracles, y hasta de Al Green. Demostró que sus canciones funcionan reducidas al esqueleto y hasta se atrevió a rendir un sentido homenaje a Sam Cooke. Radiante y enrollado. Tras ese set participó en el concierto músicos por Haití (ilustrado por el video final). Y este verano regresará a nuestro país con banda. Avisados quedan.

Texto: Andrés Castaño

Tindersticks – Falling down a mountain

adelolmo — Mon, 25 Jan 2010 22:26:09 +0000

Grupo. Tindersticks
Título: Falling down a mountain
Discográfica: Constellation
Fecha de publicación: 26 enero 2010
Web official del grupo: Tindersticks

El sabor característico de Tindersticks, si no vuelve por la puerta grande, dejará igual de inquieto al seguidor acérrimo de sus últimos trabajos. Y eso que había que buscar con más trabajo lo más descarnado de sus primeras canciones últimamente. El grupo británico, mucho más acomodado en sonidos cercanos al soul y al jazz que en sus inicios como pulcros representantes de un rock marcadamente asentado en la suavidad de un sonido característico cuyos reflejos crooner señalaban al amor bajo la partitura vocal de Stuart A. Staples, ahora estira sus claves entre los suaves mantos vocales (“Falling down a mountain”) y los quejidos siempre amargos de su vocalista. Y no deja de imaginar el desaliento a través de, incluso, sus temas más positivos, como lo fue antes en “Can we start again?” y aquí en “Harmony around my table”.

Si bien no están en la misma forma que en por ejemplo “Curtains” ni igual consiguen que sus canciones se queden a la primera escucha, su arrabalera imagen (escuchen “She rode me down”) no quedará dañada en sus nuevas composiciones, donde su saber hacer “marca de la casa” encienda la máquina que como un gran chorro de agua a presión, inunde de gracia lo mejor y más identificable del grupo. Ahí está, entonces, ese gran tema llamado “Peanuts”, donde con sus buenos propósitos, canta Staples acompañado de la excelente cantante canadiense Mary Margaret O’Hara. Con canciones como ésta no hay duda que valga.

Tindersticks ha embellecido, a lo largo de estos años, un pasado que ha hecho de sus canciones grandes clásicos sin posibilidad de fenecer y ahora siguen esforzándose en tratar de hacer permeable lo poroso de sus últimos temas. Lo consiguen y miente aquel que intente buscar cansancio en su impecable trayectoria. Igual ya cansan a muchos, pero otros siguen agarrando con inflexibilidad las cuerdas que sujetan las grandes composiciones que aún realiza este grupo. Y como no tienen a nadie con quien compararse, Tindersticks pueden enorgullecerse de iluminar sus álbumes con las mismas sintonías que han hecho de estos británicos un grupo sin parangón. Buen trabajo del grupo, que sigue en la misma línea. Suma y sigue dando lo mejor de sí mismo.

Texto: Ángel Del Olmo

Eli Paperboy Reed & The True Loves + The Right Ons Sala Joy Eslava (Madrid) 07/01/2010 – Sinergia con el alma

vinitials — Thu, 14 Jan 2010 02:03:36 +0000

Menudo pedazo cartel, dos grupos con chispa con fiebre funk y destellos soul. Un sonido que destilaba pura negritud bien entendida. Lo que se avecinaba prometía tanto que las expectativas se cumplieron de sobra. Un pasote de concierto. Los madrileños The Right Ons ejercían de teloneros a lo grande, han pasado de cuarteto a quinteto con la incorporación de Martín Steelwood, a veces con percusiones y la fuerza de una doble batería. Y atención porque atesoran un directo de impacto, rotundo y robusto, porque sus canciones lo valen, sus dos discos ’80-81’ (2Fer Records, 2007) y ‘Look inside now’ (2Fer Records, 2009) son pura dinamita: una explosión de ritmo y sensualidad. En la recta final se acompañaron de la sección de vientos de los True Loves, química y buen rollo con unos metales llenos de brío, incluyendo la versión con fuerza del “(Can’t Get No) Satisfaction” de los Rolling.

Eli Paperboy Reed, ese chico blanco de tupé con una de las mejores voces actuales que recuerda a Sam Cooke cuando seducía nuestros oídos o el magnetismo de James Brown cuando enloquecía a la audiencia activando las endorfinas humanas a quien asistiera a cualquiera de sus conciertos, o la elegancia de Curtis Mayfield. Eli sabe jugar al poder de provocar, conoce a la perfección como ganarse al público y como subir la atmósfera del público únicamente con sus dotes musicales. Un arranque tremendo con “The satisfier” y temas de su primer disco ‘Roll with you’ (2008). También tocó algún nuevo tema de su próximo disco “Come and get it”, que saldrá el 6 de abril, del que interpretó temas como “Help me”, “You can run on”, “Young girl”, una de sus nuevas favoritas “Time will tell” una balada a medio tiempo embriagadora, y el que será el primer sencillo del disco “(If you want the love of a man) Come and get in”, en la que pidió a las chicas que subieran a bailar. Desbordó con la versión de Otis Redding de “Hard to handle”. Prometedores temas a falta de más escuchas. Eli no dice nada nuevo, el soul y el funk se confirmaron en los 70, pero lo hace todo tan bonito, que es difícil resistirse a sus encantos. En definitiva, el alma habló y el cuerpo se movió.

Andrés Castaño

Los Reyes Del K.O.- Gruta 77 (Madrid), 4/01/10

pointer — Sat, 09 Jan 2010 21:55:00 +0000

La frescura es una cualidad tan anunciada como escasa en la música. Pocos poseen esta facilidad para crear con continuidad un sonido genuino sin caer en la monotonía. Si tratamos de un género tan trillado como el blues y de unos bluesmen de frenética actividad en directo como Los Reyes Del K.O. entonces esa cualidad se torna en virtud.

Nunca nos cansamos de presenciar las actuaciones de Marcos Coll y Adrián Costa, el blues les hizo hermanos y no han parado de crecer, desde sus inicios compostelanos hasta su actual base de operaciones en Berlín con radio de acción mundial.

Con su estilo de blues clásico, guitarra de sonido limpio y sin distorsión, acompañada de armónicas y coros, nos ofrecieron desde las emotivas I’m On The Wonder, con sus fraseos a lo Albert King, o Young Boy Blues, hasta sus “singles” La Paloma y The Way You Make Me Feel, con un miembro del público que no podía creer que un blusero interpretara al rey del pop.

Los últimos compases sirvieron para disfrutar de Just To Prove My Love For You de Jimmy “Spoon” Witherspoon y su ya clásica despedida con I Got To Go. Siempre con una sonrisa en la cara y con un dominio escénico apabullante, los Reyes del K.O. conquistaron con sencillez y naturalidad una plaza extraña para el blues. Bogui Jazz te echamos de menos.

Texto y fotos: pointer