Las bandas, como muchos noviazgos, se las prometen muy felices al principio. Está bien montar el grupo con los colegas y hacerse un par de galas mal pagadas (si eso) por algún garito para que vayan los familiares y féminas del lugar. Pongamos que, en caso de una subida por un pelotazo one-hit-wonder, la banda toca en lugares un poco más decentes y despuntan un poco más. Puede ir mejor y el auge de la amistad se asemeja a cuando el alcohol hace efecto un viernes cualquiera entre los amigos (y ninguno pilla).

Los grupos nacen, crecen y mueren, pero durante su vida pasan momentos cruciales que marcarán la diferencia entre sus componentes. Para empezar, ¿Cómo se define realmente al líder de una banda si –supuestamente- están todos bajo un mismo nombre siendo iguales (en teoría)? ¿El que canta? ¿El que compone? ¿El más veterano? ¿El más guapo? ¿El que ha fundado el conjunto? ¿El que tiene los derechos del nombre? Hay casos en los que todos esos factores han coincidido, pero en el grueso de conjuntos se deberían preguntar este tipo de cosas. Bien. La banda, al comienzo, vota todo de manera democrática o por un consenso. Por todos es sabido que el sistema democrático es la razón de la mayoría, ergo las minorías tienen que aguantarse y tragar. Tal vez las primeras veces los miembros del conjunto en cuestión aguanten, pero la paciencia tiene un límite y los malos días hacen mucho también. Hay grupos que terminan firmando las canciones de manera conjunta y los hay que cada canción tiene su verdadero compositor. Tras varios EPs, maquetas, singles y un LP de cierto éxito, ciertos músicos miran sus cuentas corrientes y reparan en que no todos ganan lo mismo:

-Oye, ¿por qué yo no gano tanto como tú?
-Fácil; pues porque yo compongo y tú te limitas a tocar.
-¡Pues no es justo!

Por ahí empiezan muchas rupturas y peleas que duran años y años. Los roles entre los músicos de una misma formación están muy marcados y a veces asumidos, pero esto cambia cuando no todos son tan iguales como creían. Realmente una canción nunca va a ser compuesta exacta y escrupulosamente por igual entre todos debido a que siempre hay un pequeño porcentaje más alto que el resto. Uno puede llevar la letra, otro las melodías, el de allá las bases y aquel se encarga de los arreglos. ¡Ojo! Que no tiene que ser así por fuerza, pues en cada canción la forma de composición varía pese a que el porcentaje nunca es el mismo. Habría que añadir también la predisposición al trabajo encontrándose al que se lo toma más en serio y al que después de la gala prefiere estar ligando. Nótese estas actitudes en los ensayos teniendo al que no falta nunca y trabaja cual esclavo contra el que pasa de ir porque prefiere hacer macramé y eso es una pérdida de tiempo. ¿Quién, entonces, debería cobrar más ahí?

Otro punto a tener en cuenta es el trabajo y la evolución. Está el miembro que dicta en las composiciones marcando un estilo sin dejar que los demás aporten ideas por muy buenas que sean. Luego hay quien deja que de vez en cuanto otros compongan y aporten ideas. Pero vuelven las proporciones y porcentajes.

-¿Por qué al final en el track-list sólo hay tres canciones mías de cinco que compuse?
-He decidido que esas queden fuera porque no encajan con el estilo.
-Pero había que darle un giro a nuestro sonido y evolucionar.
-Esto es lo que hay. Hacemos rock and roll, no blues.

Dar el brazo a torcer nunca viene mal en ese sentido. El “compositor-jefe” se levanta de buen humor y decide escuchar las sugerencias e ideas de otro compañero. Este le trae una letra y unos arreglos para montar una canción. Pueden pasar tres cosas:

-Que guste la canción y decidan trabajar sobre la idea.
-Que aunque sea buena no quiere que nadie le pise el liderazgo.
-Que la aportación sea nefasta pero aun así le den varias vueltas para comprobar que es tan mala como parece o que de la sorpresa al dar un giro.

Sea como fuere van a terminar mal sí o sí. Llega el día en el que al que ofrece la idea le sienta mal el rechazo de la misma o que el “compositor-jefe” pasa de escuchar más propuestas que no salgan de su mismísima cabeza. Las influencias son muy dispares y los músicos son cada uno de su madre y de su padre aunque al formar una banda tengan algunos nexos comunes. La evolución es un paso natural que determina el crecimiento de las aptitudes y actitudes por distintos caminos. El primer disco marca mucho la trayectoria del grupo, son las canciones más auténticas, hechas con todo el tiempo del mundo, sin presión de una compañía, pues un sello marca un tiempo determinado para componer, y ahí también se determina bastante la trayectoria que va a seguir la banda, bien por las modas o por “lo que digan desde arriba”. En este caso se verá la personalidad de la banda y la integridad de su obra frente a los intereses comerciales de su disquera. Hay muchos factores que al principio pueden marcar en el futuro… Ese primer paso que sonaba más crudo pasa a ser más pomposo en el segundo dando lugar a una sobreproducción en el tercero que, casualmente, arrasa en las radiofórmulas y da tanto dinero y tan buenos resultados que el siguiente y cuarto plástico es muy similar, provocando que los siguientes trabajos carezcan de personalidad llegando así al estancamiento y una desazón común que al final termina pro ser lo único que una a cuatro tíos que no se aguantan tras más de veinte años de convivencia.

-¡Teníamos que haber seguido por la vertiente blues!
-Pues no, lo mejor era haber echado al productor porque mi bajo ni se escuchaba.
-Yo creo que mi idea de meter más guitarras era lo mejor.
-Ya os dije que las programaciones no iban a funcionar…

Y si la cosa pinta en bastos, se le puede añadir al teatrillo un mánager/colega/novia tocapelotas para hacer leña del árbol caído:

-Esto os pasa por no haber hecho caso a Fulanito, que es mi novio y muy listo y los demás no sois más que una panda de fracasados.
-Oye, aquí el fracasado es tu pagafantas, que por cantar se cree el mejor mientras yo compongo.
-¡Eh! ¿¿Y yo?? Curro como un cabrón con las melodías.

El dinero, los egos, las competencias y el pisarse el terreno conducen a la ruptura. Con este tipo de situaciones pasan cuatro cosas:

-Que el grupo se disuelva y cada mochuelo a su olivo.
-Que el cantante monte una banda por su cuenta y el resto haga su vida en solitario.
-Que uno de los componentes se quede con el nombre y contrate a cuatro mercenarios en un intento de relanzar el grupo.
-Que cambien de cantante directamente.

Es en ese punto donde se demuestra realmente quien tenía talento en esa sociedad. Ya puede ser uno muy guapo y tener mucha presencia que sin talento no se va a ningún lado. Por ejemplo: el cantante se va, bien porque le han echado o porque ha decidido irse por su cuenta y liberarse con otros proyectos. Si es bueno de verdad va a tener una carrera sólida y hasta más larga que la de su banda, aunque siempre tendrá esa cicatriz en su carrera. En cambio se vería también el camino de los demás enseñando que con otro cantante pueden seguir adelante. Los fans, como es lógico, querrán al cantante original y no a un mono titiritero que ni canta igual ni nada. Es evidente que son músicos y aunque uno de los miembros abandone el proyecto común todos tienen derecho a ganarse el pan haciendo lo que hacen, por lo que no debería molestar que sigan caminos diferentes entre el cantante y el resto. Pasa el tiempo y el cantante que dejó atrás a la banda ha triunfado y ha crecido de tal manera que el nombre de aquel grupo ya es agua pasada. Por el contrario, sus antiguos “amigos” no se han comido un colín con el nuevo cantante y aunque mantuvieron un éxito curioso tras la escisión, las ventas han caído en picado y por consiguiente son despedidos de la discográfica dando a parar a otros sitios no tan reconocidos.

Evidentemente se puede dar (que se ha dado) el caso contrario, donde el cantante se ha comido los mocos y el resto ha seguido cosechando un éxito arrollador con otro front-man. Importante es saber llegar al listón anterior y superarlo con creces si no se quiere morder el polvo. ¿De qué sirve haber creado un legado mítico si luego se monta una pseudobanda bajo el mismo nombre pero de inferior calidad? Si el vocalista tiene orgullo pasará de lo que fue su pasado de juventud y aguantará carros y carretas haciendo lo que hace aunque sea de un dudoso gusto.

Y si antes se ha advertido de las intenciones de los A&R, directores y demás fauna discográfica por cambiar el sonido inicial, también sería de menester tener presente que detrás de algunos intereses económicos se esconde el plan de influir negativamente entre los componentes para que terminen peleados, disuelvan el conjunto y el vocalista termine en solitario lanzando un disco con esa mismo sello en un alarde de estrategia comercial.

Pero puede tragarse ese ego y volver con el rabo entre las piernas al redil tras haberse desfogado con una serie de trabajos experimentales que no le han llevado a ningún lado. Es como el amigo que un día se echa novia y se olvida de la pandilla. Tarde o temprano discutirá con su pareja y lo dejará, volviendo así otra vez con sus compadres. Bastante común, ¿verdad?

Una noche de metal… ¿sin metal? Pues sí, en el escenario de la sala pequeña de Santana 27 este viernes no sonaron dobles bombos ni complicados solos de guitarra. Los artistas del cartel representan sendos modelos de cómo ser un heterodoxo dentro de una escena como la del metal, tan cuadriculada en demasiadas ocasiones. Y si dos bandas que a su vez resultan tan dispares entre sí tienen algo en común que pueda dar sentido a que estén de gira juntos, sería que los dos han renunciado a impresionar a la audiencia solo a base de decibelios para centrarse en reflejar la verdadera esencia del género: la oscuridad.

Lo irónico del asunto es que uno de estos heterodoxos se llame Orhtodox. El grupo sevillano cuenta con una de las trayectorias más inclasificables del panorama estatal; su discografía apunta hacia tantas direcciones que resulta muy difícil predecir qué derroteros va a tomar uno de sus directos. Y una vez más nos pillaron por sorpresa: no tocaron nada de su recientísimo “Baal” (2011), del anterior “Matse Avatar” (2010), ni siquiera de “Sentencia” (2009). Para amoldarse a su papel de acompañantes de una propuesta tan reposada como la de Scott Kelly optaron por rescatar temas de su “Amanecer en puerta oscura” (2007), bastante alejados del doom en el que se les suele etiquetar, y ofrecer una locura sónica a base de psicodelia progresiva, sonidos de las vanguardias del siglo pasado e improvisaciones propias del free jazz. Lo atípico de la formación (guitarra, contrabajo y batería) y su excelencia técnica les dan libertad para invertir los papeles de cada instrumento (a los pocos minutos de empezar ya tuvimos el primer solo de batería, y la mayor parte del tiempo el contrabajo robó el papel protagonista a la guitarra), valerse de forma indistinta de ruido y silencio, retorcer el sonido y terminar haciendo de la imperfección –también vimos unas cuantas gambas- una virtud.

Todo esto conviertió la actuación de Orthodox en algo parecido a la banda sonora para el ritual de entrada en un mundo primitivo y esotérico, peligroso pero tentador, en el que muchos heavies hechos y derechos no se han atrevido a entrar.

Ciertamente, propuestas como la de de Orthodox no están hechas para públicos poco entrenados (y desde luego que la noche del viernes no fue una de las más fáciles), pero pocos esperaban un pinchazo de público así: apenas 70 personas pasaron por taquilla. Mal asunto, si tenemos en cuenta que Scott Kelly a priori es un valor seguro: Neurosis –banda a la que Kelly pone voz y guitarra- son uno de los grupos más influyentes y reivindicados del metal de las últimas décadas, y las visitas que han hecho hasta la fecha a nuestro país pueden contarse con los dedos de una mano.

De todas formas, si alguno pensó que por haber menos gente se iba a disfrutar del concierto con más intimidad se equivocó: a los pocos minutos de arrancar el propio Kelly tuvo que intervenir, visiblemente airado, para pedir respeto a un sector del público que ni por esas paró de hablar y molestar durante toda la actuación. Y, francamente, un concierto de Scott Kelly no es el lugar más apropiado para distracciones. Su folk enfermo se basa en un sonido cuyos tonos solo varían del gris oscuro hacia el negro, y supone una experiencia casi narcótica que exige una implicación total por parte del oyente.

Los elementos con los que lo construye son escasos pero efectivos: solo con el sonido grave y pesado de su guitarra acústica (esa afinación de ultratumba fue uno de los pocos elementos genuinamente metálicos de la noche), su voz profunda y su particular universo lírico, Kelly nos transporta al borde del abismo, al límite de lo que el dolor nos permite tolerar. Ese sonido no es una mera versión unplugged de Neurosis: aquí salen a la superficie influencias que en su grupo apenas llegamos a intuir, como las guitarras áridas y los desiertos espirituales de Earth, o los estados comatosos de maestros del slowcore como Slint y sobre todo de Codeine. Como en todos estos, la música de Kelly consigue sumir al oyente en un estado hipnótico en el que se deforma la percepción del sonido y del tiempo y lo único que se siente con claridad es la impotencia, la derrota y la muerte.

Con todo, también hubo detalles que rebajaron el nivel de tensión; entre canción y canción Mr. Kelly – un tipo grande como un armario, con unos brazos llenos de tatuajes y una dentadura necesitada de una buena reparación – demostró que debe de ser una persona afable, con comentarios sobre la creación de algunas de sus canciones, alabanzas a los paisajes Ibéricos y agradecimientos al público que no se dedicó a molestar. De hecho, la canción con la que cerró su set (una versión de Townes Van Zandt, uno de los grandes malditos del country folk norteamericano), sin dejar de sonar fúnebre, sí que pareció introducir una cierta sombra de color a su sonido. Este tipo de detalles evitaron que el concierto se convirtiera en una incitación explícita al suicidio. Y es que, si tiene que haber alguna luz en medio de la más absoluta oscuridad, posiblemente sea la que emiten gente como Orthodox y Scott Kelly.

Artista: The Black Crowes
Título: Before the Frost…Until the Freeze
Sello: Caroline
Fecha de publicación: 17 de agosto de 2009
Más información: http://www.blackcrowes.com/

Listado de canciones:

CD 1 Before The Frost…

01 – Good Morning Captain
02 – Been A Long Time (Waiting On Love)
03 – Apalossa
04 – A Train Still Makes A Lonely Sound
05 – I Ain’t Hiding
06 – Kept My Soul
07 – What Is Home
08 – Houston Don’t Dream About Me
09 – Make Glad
10 – And The Band Played On
11 – Last Place That Loves Lives

CD 2 Until The Freeze

01 – Aimless Peacock
02 – Shady Grove
03 – Garden Gate
04 – Greenhorn
05 – Shine Along
06 – Roll Old Jeremiah
07 – Lady Of Avenue A
08 – So Many Times
09 – Fork In The River

“Before The Frost…Until The Freeze” es un disco doble con el que The Black Crowes nos vuelven a sorprender tanto por su talento compositivo como por su calidad interpretativa. Grabado en el estudio durante cinco noches con público en directo todas las canciones, exceptuando “So Many Times“, compuesta por Chris Hillman y Stephen Stills, han sido escritas por los hermanos Chris y Rich Robinson, voz y guitarras, respectivamente.

“Before The Frost…” primero de los dos discos, contiene once canciones y arranca con la preciosa “Good Morning Captain“, a la que siguen “Been a Long Time (Waiting On Love)“, que cuenta en su haber con un espectacular solo de guitarra, la impresionante balada “Apalossa”, tan rebosante de emociones, muy en la linea sentimental y melosa de “Last Place That Loves Lives” o la discotequera “I Ain’t Hiding”, algo alejada de la senda del rock por la que camina el disco pero igual de genial. Guitarras crudas, afrodisíacas, pegadizas, – “Make Glad”, “And The Band Played On“, “Kept My Soul” – que vuelven a corroborar porque The Black Crowes son considerados como una de las mejores bandas de rock n´roll.

El segundo disco “…Until The Freeze“, se compone de nueve canciones y en él el talento de los hermanos Robinson hace un hueco para versionar el clásico de Chris Hillman y Stephen Stills “So Many Times“. Más country que “Before The Frost…” en “…Until The Freeze” destacan, además del impresionante tema instrumental “Aimless Peacock“, en el que se dan cita violines que adornan sin empalagar, canciones como “Garden Gate“, “Roll Old Jeremiah” o la animada “Shady Grove“. La aspereza del blues también tiene su parcela y hace merecido acto de presencia en la canción “Shine Along“.

A las puertas del vigésimo aniversario de la edición de “Shake Your Money Maker“, que contenía hits como “Jealous Again“, “She Talks To Angels” o “Hard To Handle“, el éxito de Otis Redding, The Black Crowes han creado un disco único, todo un gustazo para el alma y los oídos. Y ellos lo saben.

Artista: Living Colour
Título: The Chair In The Doorway
Sello: Megaforce Records 2009
Fecha de publicación: 15 de septiembre de 2009
Más información: www.myspace.com/livingcolourmusic

Listado de canciones:

01. Burned Bridges
02. The Chair
03. DecaDance
04. Young Man
05. Method
06. Behind The Sun
07. Bless Those
08. Hard Times
09. Taught Me
10. Out Of Mind
11. Not Tomorrow

Después de cinco largos años los neoyorkinos Living Colour han sacado a la luz su sexto disco de estudio. Un trabajo repleto de joyas musicales tales como “Method“, “Behind The Sun”, “Bless Those (Little Annie’s Prayer)” o “That’s You Taught Me“. Y es que cuando impresionas al mismísimo Mick Jagger, -Living Colour fueron teloneros de The Rolling Stones en el tour de su disco “Steel Wheels” -, es por algo. Y es que la banda ha vuelto con la madurez y la experiencia de saber a qué sabe el éxito.

Volviendo a la música decir que es este un disco donde se vuelven a fusionar el metal, el funk, el soul, el jazz e incluso el punk rock, un disco donde la banda regresa a sus orígenes pero sin dejar por ello de experimentar ni mucho menos de ser originales. Se abre el cajón de las esencias con ”Burned Bridges”, un tema rebosante de ritmo, al que dan continuidad “Young Man”, las preciosistas “Bless Those (Little Annie’s Prayer)” o “That’s You Taught Me” o “Out Of My Mind”, un tema cargado de desesperación vocal e interpretativa.

Y es que la banda liderada por el virtuoso guitarrista Vernon Reid, al que acompañan Will Calhoun, Corey Glover y Doug Wimbish, ha creado un estilo propio, avalado por su particular visión de fusionar con éxito la música y por su buenísima calidad instrumental y compositiva. Porque Living Colour suenan a Living Colour.

Artista: Pearl Jam
Título: Backspacer
Sello: Universal Music Group
Fecha de publicación: 22 de septiembre de 2009
Más información: www.pearljam.com/

Listado de canciones:

1.”Gonna See My Friend”
2.”Got Some”
3.”The Fixer”
4.”Johnny Guitar”
5.”Just Breathe”
6.”Amongst The Waves”
7.”Unthought Known”
8.”Supersonic”
9.”Speed Of Sound”
10.”Force Of Nature”
11.”The End”

El noveno disco de estudio de los americanos Pearl Jam no les dejará indiferente. Lanzado de forma independiente, “Backspacer” es una verdadera declaración de principios. Quizás hagan falta más de dos escuchas para llegar a asimilar tanto talento, quizás no sean los Pearl Jam de “Ten”, quizás no sea un disco innovador, pero nadie puede negar que el álbum es un álbum optimista, esperanzador y sincero, punto de sutura para cerrar nuestras heridas, las causadas por un mundo siempre voraz y narcisista.

Al disco no le hacen falta arreglos grandilocuentes. Emociona por sí solo, rebosa de ideas frescas, puras, sin engaño y resalta la belleza de lo simple, de lo mínimo, de lo auténtico. No hay más que escuchar joyas musicales como la afrodisíaca “Supersonic”, el contundente primer single titulado “The Fixer”, “Johnny Guitar”, “Amongst The Waves”, la preciosa y melódica “Speed Of Sound”, ”Force Of Nature” o la canción que abre el disco, “Gonna See My Friend”.

Supervivientes del sonido Seatle, Eddie Vedder y compañía reinventan el rock clásico con dejes de folk, pop, new wave e incluso punk. Y es que cuando llevas veinte años en el negocio de la música lo importante es saber que haces siempre lo que quieres hacer. Y Pearl Jam lo sabe.

Parece ser que la moda de los documentales ha arribado de nuevo al puerto de la música. A la interminable lista encabezada por “Shine A Light” de Scorsese sobre los Stones o “Some Kind Of Monster” de Metallica, hay que sumarle este “Flight 666“, una película (y un disco) recomendable tanto para los fans de la banda como para aquellos que quieran indagar y conocer de cerca el fenómeno Maiden. La diferencia con los anteriores es que “Flight 666” es un documental (y un disco) pensado para los fans y en el que los fans son los verdaderos protagonistas. El respeto que Iron Maiden siente por ellos (y éstos por aquellos) demuestra la clase de gente que son. Pero como este es un foro de música y no para hacer amigos (que se pueden hacer, por supuesto), pasemos a hablar del disco. Es este un disco (compuesto por dos CD´s) que se centra sobre todo en sus álbumes de 1984 y 1986, “Powerslave” y “Somewhere in Time”, respectivamente y cuyo cuaderno de bitácora – el que escribieron en esta primera parte de la gira en doce países y tres continentes -, es el siguiente:

1 de Febrero de 2008. Mumbai, India. El disco arranca con la introducción “Churchill’s Speech” a la que da continuidad la preciosa “Aces High” del disco “Powerslave”, y en la que se oye a los miles de espectadores corear el tema como si fueran una sola voz. ¡Impresionante! La canción está dedicada a los pilotos ingleses que murieron en la batalla de Inglaterra.

7 de Febrero de 2008. Melbourne, Australia. ”2 Minutes To Midnight”, también rescatada de su álbum de 1984 “Powerslave” es una canción que como casi todas las de Maiden, se engalana con un poderoso riff de guitarra.

9 de Febrero de 2008. Sydney, Australia. No menos impresionante la entrega del público en la tercera canción, ”Revelations”, de su álbum “Piece Of Mind”, influenciada por los faraones, los templos y las pirámides egipcias y que sería el preludio de la temática de su posterior álbum “Powerslave”. El público, fanático del grupo, arropa y sigue al pie de la letra las exigencias del maestro Dickinson.

16 de Febrero de 2008. Tokyo, Japón. También de su disco “Piece Of Mind”, “The Trooper”, es una preciosidad de canción, obra maestra que en su día fue promocionada con un espectacular video. Un guiño a la obra de Lord Alfred Tennyson, “La Carga De La Caballería Ligera“, simulada a la perfección por las guitarras y el bajo. Su riff pegadizo ha hecho de ella una de las favoritas del público por lo que es habitual del repertorio en directo de la banda.

19 de Febrero de 2008. Los Angeles, USA. ”The Number Of The Beast”, de su disco homónimo de 1982, supone el reconocimiento a nivel mundial de la banda. También supone el cambio de vocalista, ya que Paul Di´Anno, vocalista de la banda hasta entonces, deja su puesto a Bruce Dickinson. El solo se ha modificado ligeramente con respecto al que se recoge en el disco de estudio. Para los coleccionistas de curiosidades decir que la cita bíblica de los primeros 10 segundos de la canción pertenece al libro del Apocalipsis y fue grabada por Barry Clayton. En directo ese sonido siniestro y de ultratumba lo reproducen con un vaso.

22 de Febrero de 2008. Monterrey, Mexico. ”Wasted Years” es el tema de mayor éxito del sexto álbum de la banda, “Somewhere In Time“. Fácil de reconocer por el riff a modo de introducción y por sus exquisitos solos de guitarras dobladas. ¡Simplemente preciosa!

24 de Febrero de 2008. Mexico. “Seventh Son Of A Seventh Son” es el séptimo álbum de estudio de la banda, publicado en 1988. Un disco temático que en el corte ”Can I Play With Madness” nos cuenta el descubrimiento de los poderes del personaje principal.

26 de Febrero de 2008. San Jose, Costa Rica. “Powerslave”, canción del disco homónimo, refleja a la perfección lo impresionado que quedó el grupo con la majestuosidad de las pirámides. ¡Y el público siempre presente!

28 de Febrero de 2008. Bogota, Colombia. De la época de ”The Number Of The Beast” rescatan la omnipresente ”Run To The Hills”una canción que tampoco puede faltar en el repertorio en directo de la banda.

2 de Marzo de 2008. Sao Paulo, Brazil. ”Heaven Can Wait” es una preciosa canción con un riff de bajo poderoso, doblado por unas guitarras no menos poderosas. Hace años Dickinson invitaba a su equipo de “roadies” a acompañarle en el escenario a cantar con él el estribillo.

4 de Marzo de 2008. Curitiba, Brazil. “The Clairvoyant” es otro tema de su disco “Seventh Son Of A Seventh Son”.

7 de Marzo de 2008. Buenos Aires, Argentina. Tenía curiosidad por saber cómo recibiría el público argentino a la banda inglesa. Escuchen ”Fear Of The Dark” y saldrán de dudas. Rescatada del disco homónimo de 1992, cuentan las lenguas viperinas que narra los temores infantiles de Harris, su compositor, a la oscuridad. Otra de las canciones incluidas en el “must-play” de la banda.

9 de Marzo de 2008. Santiago, Chile. De la etapa anterior a Dickinson han incluido la canción ”Iron Maiden”, perteneciente al primer disco homónimo de la banda publicado en 1982. Originalmente fue grabada por Paul Di´Anno a la voz y Dennis Stratton a la guitarra. Otro clásico.

12 de Marzo de 2008. San Juan, Puerto Rico. En este corte Dickinson presenta a la banda. Como ya hemos comentado “Seventh Son Of A Seventh Son” es un disco temático. En ”Moonchild” se nos narra el nacimiento del personaje protagonista del mismo. Un precioso tema, conjunción de guitarras poderosas, riffs pegadizos y la característica voz de Bruce. El público, como es habitual, se entrega por completo.

14 de Marzo de 2008. New Jersey, USA. ”Rime Of The Ancient Mariner” es una canción en la que la banda experimenta con la composición de temas de larga duración. Está basada en el poema homónimo escrito por Samuel Taylor Coleridge a finales del siglo XVIII.

16 de Marzo de 2008. Toronto, Canadá. Cierra el disco la siempre actual “Hallowed Be Thy Name”, un tema que comienza lento para acelerarse a medida que avanza en el tiempo. La interpretación de Dickinson viene a corroborar su poderío vocal. Nombrada como mejor canción de heavy metal (versión holandesa de la revista Billboard, 2007), cuenta los sentimientos de un hombre antes de ser ahorcado.

El disco en conjunto refleja una verdad que ya sabíamos todos: el público latinoamericano es más cálido, más apasionado, tiene más corazón que el anglosajón.

Después de haber visto en directo a los Maiden en varias ocasiones (con Bruce Dickinson, con Blaze Bayley, con Adrian Smith, con Janick Gers – que nos fue presentado en Madrid en la gira “No Prayer For The Dying” junto a los neoyorquinos Anthrax -), he de decir que siempre me sorprenden. Y es que rebosantes de honestidad se palpa que Bruce Dickinson, Steve Harris, Nicko MacBrain, Janick Gers, Dave Murray y Adrian Smith disfrutan con lo que hacen. Y lo que es más importante: comparten y contagian esa satisfacción. ¡Larga vida a la Doncella De Hierro!

Lee la crónica completa del concierto.

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LMblogs desde la primera fila del Palau San Jordi de Barcelona.

Desde la posición más cotizada (y físicamente exigente) de un concierto se empieza a sentir el ambiente desde primera hora. Son cientos de personas las que viven cada momento del día como un peregrinaje a la tierra prometida, y cada hito en el camino (la cola, el bocata o su ausencia, la carrera hacia la primera fila) no hace sino aumentar la tensa calma reinante.

A las 17:30 (el telonero estaba anunciado para las 20:15) las dos colas de entrada al Palau Sant Jordi ya eran bastante grandes, con gente de toda España y Europa maldiciendo la lluvia, el viento y el frío. Tantas horas compartiendo baldosa fueron tiempo suficiente para confraternizar con el rockero anterior y el posterior, así como para intercambiar numerosas batallitas musicales (pues yo en el 96…).

Una vez dentro del pabellón y escurridas las pertenencias de cada uno, empieza la música. La etiqueta “AC/DC supporter” (telonero de AC/DC) queda realmente bien en el currículum de una banda, y en esta ocasión los Elegidos (con mayúscula) para abrir son The Answer, rock clásico Zeppeliniano y hard rockero pasado por el filtro de la mejor música de los 90. El sonido de un telonero nunca suele ser bueno, pero en esta ocasión fue pésimo, con una mezcla sonora totalmente imposible de digerir. No sé si ocurrió igual en todo el recinto, pero lo que se pudo escuchar en la parte delantera fue vergonzoso. Con su segundo disco Everyday demons recién cocinado, los irlandeses tocaron durante 35 minutos para olvidar.

Con la retirada de los teloneros el nerviosismo se transforma en histeria y mantener la posición se dificulta. La pantalla muestra el vídeo de cómo parte el tren del rock and roll que nos llevará hasta la inevitable despedida a cañonazo limpio. Ya comentamos en la crónica de urgencia que no hubo sorpresa alguna en el set list, y junto con cinco temas de su nuevo disco pudimos visitar parajes ya conocidos como la campana del infierno y la tremenda Rosie.

En algunos temas hay unanimidad absoluta. Antes de enfrentarte a los australianos ya das por hecho varias cosas: la escenografía, el sonido, los movimientos característicos de cada miembro del grupo, en una palabra, el show, va a ser de 10. Lleva siéndolo desde antes de que naciéramos la mayoría de los asistentes y no ha cambiado un ápice. Lo que podemos valorar más críticamente es la capacidad del grupo sin el halo místico y la artillería escenográfica que poseen ¿Se defendería hoy AC/DC en una sala para 300 personas?. Los argumentos están más abajo, y la respuesta es sí.

Los temas escogidos de su nuevo disco Black ice fueron colocados estratégicamente después de grandes éxitos, exceptuando el inicio y Anything goes. Ésta última, con acertados efectos y aroma de clásico, recuerda a los Who de Who’s Next. Big Jack tiene aires a Hard as a rock y War Machine, que en disco es pasable sin más, se convierte en la excusa perfecta para gritar el estribillo.

En una sala pequeña AC/DC lo pasarían mal, pero para moverse. Aunque se nota que les pesan los años, Brian Johnson y Angus Young recorren el escenario constantemente y se trabajan el pabellón como nadie. Sin embargo el tiempo pasa, y tanto la velocidad como la manera de atravesarlo ha cambiado, el paso del pato de Angus sólo aparece en determinados temas y ya no patalea el ritmo con la energía de antaño. Brian no pasa tanto tiempo colgado de la campana y se reserva en algunos coros aprovechando la ayuda de Malcom y Cliff, aunque eso sí, en todo momento se le oye.

El trío que está por detrás hace un trabajo incalculable, qué groove, qué ritmo, más que probable el secreto de esta banda. Durante el striptease de Angus en The jack elevaron la tensión del tema a límites sobrenaturales, para que luego los cabezas visibles de la banda remataran el tema.

Dirty deeds sufrió innumerables problemas de sonido, que más que molestar, sorprendían, dada la calidad del resto del concierto en este apartado. Personalmente considero que es un tema que no está a la altura de otros clásicos, pero tanto para los Young como para el público es una de las imprescindibles.

Repasando los set list de los últimos conciertos, la única duda era si Shot down in flames estaría o no en Barna, y no sólo estuvo, sino que fue muy bien recibida. Otro de los puntos álgidos se vivió durante Shoot to thrill, con la sección rítmica de nuevo a gran altura y un bajo demoledor.

En la recta final el vídeo cobra mayor importancia, y podemos repasar la carrera del grupo o ver la silueta de la chica de You shook me all night long. También aparece Rosie y la plataforma central se eleva para los guitarrazos del colegial, todo el pack que ha hecho de los conciertos de AC/DC el modelo a imitar.

Los bises fueron cortos pero intensos, autopista al infierno y For those about to rock, con la obligatoria presencia de fuego, cuernos y cañones. Tras la traca final y con las fuerzas muy justas abandonamos el Palau más que satisfechos. Físicamente ya no son lo que eran, pero musicalmente siguen creando escuela y moviendo más caderas que nadie desde que el rock se hizo.

Set list ACDC:

01. Rock N’ Roll Train
02. Hell Ain’t A Bad Place To Be
03. Back In Black
04. Big Jack
05. Dirty Deeds Done Dirt Cheap
06. Shot Down in Flames
07. Thunderstruck
08. Black Ice
09. The Jack
10. Hells Bells
11. Shoot To Thrill
12. War Machine
13. Anything Goes
14. You Shook Me All Night Long
15. T.N.T.
16. Whole Lotta Rosie
17. Let There Be Rock
——————
18. Highway To Hell
19. For Those About To Rock (We Salute You)

Crónica realizada por: Pointer ]]> http://www.mundomusica.es/2009/04/02/acdc-palau-sant-jordi-barcelona-31032009/feed/ 4 http://www.mundomusica.es/2009/04/01/cronica-de-urgencia-acdc-palau-sant-jordi-barcelona-31032009/ http://www.mundomusica.es/2009/04/01/cronica-de-urgencia-acdc-palau-sant-jordi-barcelona-31032009/#comments Wed, 01 Apr 2009 00:02:55 +0000 pointer http://www.mundomusica.es/?p=4844

Lee la crónica completa del concierto.

El tren del rock and roll ya ha llegado y en los próximos días hará parada en varias ciudades de nuestra geografía. LMblogs ha estado presente en la primera estación, el Palau Sant Jordi de Barcelona.

Hace apenas una par de horas que ha terminado el concierto y los oídos todavía no se han recuperado de los cañonazos en honor a los futuros rockeros. La humedad de la incesante lluvia y el sudor también se resisten a desaparecer. Eso sí, la música y las imágenes que hemos vivido unos millares de privilegiados van a permanecer con nosotros para siempre.

El show de AC/DC es mundialmente conocido y lo repiten con algún retoque en cada nueva gira. Con la nueva locomotora rugiendo desde la primera canción, Rock N’Roll Train, el desfile de grandes éxitos ha sido constante. El set list es el mismo que llevan ofreciendo en los últimos meses, incluyendo cinco canciones de su nuevo disco Black Ice.

En el día del 54 cumpleaños de Angus se cantó cumpleaños feliz y en el célebre striptease mostró su ropa interior con el emblema de la banda, aunque algunos fans apostaron por el escudo del barça durante la larga espera en el exterior del Palau.

En una horas, con las emociones más calmadas, repasaremos detenidamente y en profundidad todos los detalles del concierto.

Crónica realizada por: Pointer ]]> http://www.mundomusica.es/2009/04/01/cronica-de-urgencia-acdc-palau-sant-jordi-barcelona-31032009/feed/ 3 http://www.mundomusica.es/2009/03/18/girlschool-las-culebras-gruta-77-madrid-12032009/ http://www.mundomusica.es/2009/03/18/girlschool-las-culebras-gruta-77-madrid-12032009/#comments Wed, 18 Mar 2009 19:46:51 +0000 pointer http://www.mundomusica.es/?p=4676

El día de la mujer rockera se celebra en el Gruta con la visita de dos bandas íntegramente femeninas. De aperitivo tenemos a Las Culebras, actitud rockera con acordes, velocidad y volumen ramonianos. Canciones sencillas y estribillos adecuados para berrearlos cerveza en mano. En cierto modo, unas Girlschool navarras.

La gestación de la banda inglesa no fue fácil, sus componentes tuvieron una dificultad adicional en sus inicios, ya que los chicos no les permitían tocar con ellos, así que hicieron de la necesidad virtud y formaron Girlschool en 1978. Muy pronto se encontraron en la vorágine de la NWOBHM (new wave of british heavy metal), y aunque nunca estuvieron en primera línea de la misma, su amistad y giras conjuntas con Motörhead, el hecho de que fueran sólo mujeres y algunos hits que pegaron fuerte les reservaron un lugar privilegiado en la historia del rock.

A la primera canción C’mon let’s go, ya te muestran los ingredientes básicos de su música: estribillos muy sencillos y pegadizos, riffs poderosos y una base muy marcada y rockera (igualito que Motörhead, sí). La formación que podemos ver hoy difiere de la clásica en la inevitable ausencia de la guitarra solista Kelly Johnson, fallecida en 2007. En su lugar está la rubia Jackie Chambers.

Las voces se las reparten Kim McAuliffe y Enid Williams, caracterizándose la primera por la garra que imprime (Screaming blue murder) y la bajista por ser más melódica (Emergency, Race with the devil). Además, Kim es considerada la principal compositora del cuarteto, con unos temas a veces muy cercanos a lo que más tarde se denominaría metal USA.

En teoría venían a presentar su nuevo disco Legacy, pero lo tocaron muy poco y sin éxito. Lo mejor de los temas nuevos vino durante la presentación de uno de ellos en el que colabora Dio, según ellas “the little man with the devil sign”, el enanito de los cuernos, vaya.

La recta final del concierto sirve para apretar el acelerador y soltar los hits que faltaban. Con un set muy corto, que apenas superó la hora de duración, la actuación fue muy irregular. En una sala con más público femenino del habitual, Girlschool no terminaron de convencer en su visita madrileña.

Para terminar, quisiera compartir una conversación que se hizo muy habitual durante la gira con Motörhead de 1979, la mentada es la desaparecida Kelly Johnson:
Fan- “No toca mal para ser una mujer”
Lemmy- “¿Para ser mujer dices? ¡Pero si toca mejor que tú!”

Crónica realizada por: Pointer ]]> http://www.mundomusica.es/2009/03/18/girlschool-las-culebras-gruta-77-madrid-12032009/feed/ 0 http://www.mundomusica.es/2009/03/15/bat-for-lashes-daniel/ http://www.mundomusica.es/2009/03/15/bat-for-lashes-daniel/#comments Sun, 15 Mar 2009 21:59:57 +0000 Iván Vázquez http://www.mundomusica.es/2009/03/15/bat-for-lashes-daniel/

Adoro a Natasha Khan, alma de Bat for lashes que, a buenas horas me doy cuenta, se parece un huevo físicamente a Lily Allen -ignoro si tiene también un tercer pezón-. La chiquilla está en solitario después de deshacerse de buen rollo de Ginger Lee, Abi Fry y Lizzie Carey, que sabían que su participación era temporal; y publica nuevo single como adelanto de su nuevo disco Two Suns, que saldrá el mes que viene aunque ya se filtró hace un par de meses. “Daniel” es continuista con el estilo de Fur and gold y nada en una atmósfera que recuerda gratamente a su h-i-t “What’s a girl to do”.

Remate continúa con su tour Safe & Sound por España. Los próximos días estará en Galicia, concretamente en Carballo (A Coruña) y Vigo, aunque esta última parada no la pude confirmar todavía (*).

Claro que a esta lista hay que sumarle los Take Away Shows, una propuesta de Remate en la que se compromete a ir a tu casa a dar un pequeño concierto “por que sí”. Para participar sólo tienes que mandar un correo con tu dirección a remate_noland@hotmail.com. Encontraréis pruebas de ello en su blog.

27/03 A Coruña – Sala da Cultura de Carballo
28/03 Vigo – La casa de arriba
16/04 Madrid – Auditorio Julio Cortázar
17/04 Cádiz (+ Paco Loco Trio) – Holiday
15/05 Murcia – Sala Stereo
16/05 Alicante – Sala Stereo
21/05 Valencia – Sala Octubre
22/05 Albacete – Sala Pussy Wagon

Blog: Remate

(*) Fecha confirmada

Los Coronas son una de las bandas de surf más importantes del mundo. Quedamos con su guitarrista en el Palentino, bar mítico del centro de Madrid. Siniestro Total recordaba en una canción las bondades del local, hoy Fernando Pardo (también en Sex Museum) aumenta la leyenda mientras nos habla de su nuevo disco.

¿Cúal es el verdadero título, “El baile final de los locos y los cuerdos” o sólamente “El baile final”?

(Coge el disco) El que pone delante (El baile final), lo de detrás es un “apunte” al título, para darle un toque más cinematográfico todavía (risas).

Sois conocidos, sobre todo tú, por ser muy perfeccionistas. ¿Estáis 100% satisfechos de este disco?

No… estamos de camino… yo nunca estoy satisfecho, mi música la veo fatal siempre… aunque a veces cuando escucho otras cosas, con todas sus imperfecciones, me parecen muy buenas ¿Cómo lo habrán conseguido?, si yo luego intento hacer lo mismo voy encontrando fallos y más fallos por todas partes… pero no fallos al tocar una nota, sino cuando no conseguimos mantener el clímax en una parte, el sonido, esas cosas…

Yo considero que la mitad de un músico es su habilidad y la otra mitad es su sonido, igual alguien de fuera de la música lo considera una tontería, pero el sonido es como la voz. Tom Jones puede cantar muy bien, pero su voz está por encima de que cante bien o mal. De hecho, de los miembros que han pasado por los Coronas y ya no están, la mayoría ha sido porque no consiguieron un sonido, una voz propia que realmente sumara dentro del grupo.

¿Cada disco que haces te convence más?

Sí, me he dado cuenta de que depende mucho de que encuentres la gente adecuada, gente que funcione en conjunto… es como en un equipo de fútbol o en los supergrupos de los 60, Cream funcionaba pero Blind Faith no… juntas varias personas y no siempre resulta igual…

Solemos grabar los conciertos que damos, y cuando los oigo empiezo a pensar que ahora sonamos a una banda de verdad. Yo no pretendo menos de mi banda que de ninguna de las bandas que me gustan, y muchas de ellas son muy grandes. Yo quiero estar a la altura de los grandes. Johnny Winter o Pete Townsend estaban en su momento álgido con 20 años, yo aunque lo esté con 48 me da igual, pero quiero estar en ese momento (risas)… o con 58, 68 o cuando sea.

Precisamente habéis tenido un cambio en la formación, se ha ido el trompetista Óscar Ybarra y le ha sustituido Evgeni…

Óscar tenía mucho curro con Marlango. En 2008 tocamos muy poco juntos, así que fuimos probando con otros, pero después de grabar el disco nos planteamos buscar a alguien fijo porque cada vez que tocábamos con un suplente lo pasábamos muy mal y condicionaba el resto del concierto. Durante los primeros meses de 2008 tocamos con varios trompetistas, incluso en una ocasión con dos a la vez…

…¿Y salió bien?…

… algunas canciones sonaron de la ostia, y en otras parecíamos Captain Beefheart, una locura… a veces cambiábamos una nota y la cosa chirriaba bastante, son experimentos que en el momento te ponen los pelos de punta pero luego los escuchas y ves que no están mal y te ayuda a crear otro tipo de armonías.

¿Evgeni también ayudará con las percusiones, como hacía Óscar?

No, no creo. Lo que estaría genial sería conseguir a un tío como Roberto Roena, timbalero de la fania, para que se tocara unas timbaladas brutales y de vez en cuando un baile, pero eso está a un nivel superior (risas). Los Coronas somos experimentadores, no hay ninguna cosa que te diga: no creo que lo hagamos.

Has declarado en muchas ocasiones que esta banda para ti es un aprendizaje constante y estás muy orgulloso de ello, por ejemplo, repites mucho en los conciertos que tu forma de tocar la palanca de vibrato la aprendiste de Mike Mariconda…

Totalmente… mi adolescencia está entre finales de los 70 hasta mediados de los 80 y en esa época yo estaba metido en el rock and roll primitivo. Aquí no había demasiado, era algo que la gente escuchaba en su casa pero que no se podía compartir mucho, hasta que aquí al lado, en la calle Madera, vinieron a tocar los Raunch Hands, el grupo de Mike en los 80 y éste fue uno de los primeros grupos que vi que se tocaban una canción surfera instrumental de Dick Dale en directo (se emociona). Ahí es donde vi lo de la palanca esta, y lo hablaba con Mike aquí mismo, en el Palentino, donde hablábamos horas y horas…

Antes de eso yo escuchaba y tenía en la cabeza un estilo de música, pero que no sabía bien cómo se tocaba… hablaba con gente que sí que sabía y empecé a conseguir equipo. Con 18-19 años no tenía pasta para comprar nada, así que andaba siempre haciendo business, cambiaba, conseguía… un trasiego brutal, y cuando ya tuve equipo entonces apareció Mariconda.

Los dos somos muy forofos del rollo surfero y me pasó cantidad de cintas… Mike no es mucho mayor que yo, debe tener dos años más, pero él es de Nueva York y vivió ese rollo desde el principio… tener a Mike al lado era como tener a un hermano mayor maestro, me decía “esto se hace así o esto otro asá”… aprendí mucho en muy poco tiempo y tiempo después, a finales de los 80, me planteé hacer un grupo surfero aquí.

.¿Ya conocías a David (Krahe)?

No, a David le conocí después. Al principio no éramos exactamente los Coronas porque lo intenté primero con Sex Museum y no salió, no les apetecía mucho. Busqué otros guitarristas, entre ellos Mike Sobieski (Pleasure Fuckers) e hicimos algunos conciertos en el Agapo que no estuvieron mal. Sonábamos a Link Wray, que está de puta madre, pero yo quería reverb a saco, rollo surfero purista, muy ortodoxo. Estuve así durante dos años hasta que apareció David en el 90-91, y a partir de ese momento ya fuimos los Coronas.

Me comentas que sois muy ortodoxos y sin embargo en el último disco a veces sonáis muy secos, muy áridos…

Es que en el camino hemos ido aflojando la ortodoxia. Cuando nosotros empezamos el concepto era superpurista, en España éramos los únicos, pero es que fuera había dos, no estaban ni siquiera los Straitjackets. Al aparecer Pulp Fiction empezó a haber más grupos, pero te dabas cuenta de que todos tocábamos las mismas versiones, el sonido era muy parecido, los truquitos… y hay un momento que buscas tu identidad. Aprendes el idioma del surf de la forma más ortodoxa posible y cuando ya lo dominas buscas tu propia voz.

Hubo una época en la que, buscando nuestra voz, lo que hacíamos eran versiones de Metallica en plan surfero… el Enter Sandman (Canta, con reverb y todo)… claro, era una versión muy bruta de todo el rollo surfero, “Caliente, Caliente” todavía tiene restos de ese rollo acelerado y bestia.

A partir de ese momento miramos hacia atrás, retomamos todas las raíces españolas que teníamos y las enfocamos desde otro sitio para sentirnos orgullosos de ellas. No puede ser que el guitarrista de Yawning Man te haga unas escalas flamencas increibles en mitad de un tema stoner y que aquí no lo hagamos porque nos suene mal.

Hay que tener en cuenta que el origen del surf, Dick Dale, Sentinals, Surfaris… tienen todos un sonido muy mexicano importado del mediterráneo, de España, de El Líbano… hemos querido bypassear ese flujo. En lugar de coger la influencia hispana pasada por el filtro de los americanos, la hemos tomado directamente. El “Entre dos aguas” de Paco de Lucía tiene escalas que suenan muy bien en canciones surferas, los americanos no las usan porque no las conocen, y nosotros las usamos en “Los rumbaleros” o en “Sangre en la arena”, que tienen momentos que no es que suenen hispanos, es que suenan directamente a español. Nosotros tocamos en un pueblo y los viejecitos se ponen a bailar, a ellos les suena a pasodoble.

¿Quién compone en Los Coronas?

En este último disco colaboramos todos, pero la idea de la canción siempre la solemos traer David o yo. “Sangre en la arena” es de Vacas, el bajista. Puso la linea de bajo y nosotros encima metimos la melodía (canta la melodía).

¿Como surgió “Alamerde”?

Es un homenaje a Fernando Fernán-Gómez, que para nosotros tiene en su actitud más rock and roll que cualquiera de los rockeros españoles que hay por ahí, que en el fondo lo único que quieren es tener un chalet. Yo me veo más heredero de Buñuel que de cualquier rockero español. Las referencias rebeldes de la cultura española no están en los músicos, están en los actores. “A la mierda” es un mensaje que te dice que por encima del dinero y de lo políticamente correcto está el grito primario de un artista.

¿Se la dedicáis a mucha gente?

A toneladas (risas).

¿Algún día habrá una canción cantada?

Yo creo que en plan colaboraciones sí, con algún cantante y nosotros de banda… (titubea) pero no lo termino de ver, somos instrumentales. Hace años nos hacíamos una meddley de canciones de Elvis con sonido surfero, pero hoy no es algo en lo que pensemos… aunque con Mark Lanegan si que haría un disco.

¿Vacas (bajista) y Loza (batería) son muy surferos?

Les hemos ido metiendo. Loza se ha convertido en un batería de surf realmente bueno, de los baterías que hay hoy es el que más me gusta, tiene una mezcla de viejo estilo con nueva actitud buenísima.

¿Cómo elegís el título de las canciones?

Es importante. Nos tienen que sonar bien, que las puedas poner en una camiseta, por ejemplo “Los rumbaleros”, pues queda bien. “El descastao”, “Rancho Leone” (risas) sí que suenan bien, sí.

¿La canción de Aguascaliente tiene que ver con la ciudad de Mexico?

Exacto. Conocimos a unas chicas que eran de allí, unas hidrocálidas (risas). De Madrid madrileñas y de Aguascalientes hidrocálidas. A David le hizo mucha gracia y quiso dedicar una canción a Aguascalientes, pero creo que hay otros Aguascalientes por el mundo.

Hace poco habéis aparecido en los medios porque os quiere fichar para su sello Steve Van Zandt…

El sello es “Wicked cool”, endiabladamente vacilón (risas). Quiere comprar todo el catálogo, estamos todavía en negociaciones…

En unos días os váis a Estados Unidos a un festival, ¿Irá a veros?

Nos han salido muchos conciertos por allí. Sí, seguro que viene.

El día 2 de abril coincide vuestro concierto en Gruta 77 con AC/DC en el Palacio de los deportes, ¿Qué me dirías para que vaya al vuestro?

¡Bah! tío, vete a ver a AC/DC, a nosotros nos puedes ver muchas veces. Además nosotros estamos en nuestro momento, pero AC/DC cada vez pierde un poco más la esencia y ahora que están un poco de subidón con el nuevo disco hay que aprovecharles. Son el grupo de rock and roll vivo más grande.

Los Coronas están de gira.

Entrevista realizada por: Pointer ]]> http://www.mundomusica.es/2009/03/11/entrevista-a-fernando-pardo-los-coronas-me-veo-mas-heredero-de-bunuel-que-de-cualquier-rockero-espanol/feed/ 1 http://www.mundomusica.es/2009/03/11/motivos-del-cierre-de-fabchannel/ http://www.mundomusica.es/2009/03/11/motivos-del-cierre-de-fabchannel/#comments Wed, 11 Mar 2009 00:09:15 +0000 Iván Vázquez http://www.mundomusica.es/2009/03/11/motivos-del-cierre-de-fabchannel/

Justin Kniest, CEO y fundador de Fabchannel, explica en profundidad los motivos que llevaron al cierre de Fabchannel.

Es una interesante lectura -en inglés, pero merece la pena el esfuerzo- en el que queda claro un punto: los grandes sellos, los que se niegan a aceptar que el mundo cambia con o sin ellos, son un maldito muro con una enorme pintada que dice “no money, no content”. Y en su ignorancia son capaces de tumbar proyectos que incluso les aportan beneficios con un esfuerzo nulo por su parte sólo por mantener un estatus -un tanto chupasangre, además- que tarde o temprano caerá, y merecido lo tiene. Justin explica perfectamente quién se lleva los trozos grandes del pastel y quién recibe las migajas.

Esto es el colofón al artículo de David Bravo “De cómo los artistas pasan de cobrar poco por su trabajo a pagar a la discográfica”. ¿Cuándo las actitudes rastreras, los impedimentos, los “paga o puerta” ayudaron en algo a la música? Después de leer los “briconsejos B2B: marketing meeting” está claro que lo que se necesita no es sólo un cambio, ¡es necesaria una revolución!

Argh, si al final me voy cabreado para cama…

Con “Erasmus borrachas” resonando todavía en mis oídos os dejo las fechas de los próximos conciertos de Francisco Nixon, ex-cantante-compositor de Australian Blonde y La Costa Brava.

20 marzo – Vigo – La Fábrica de Chocolate
21 marzo – Ourense – Café Pop Torgal
28 marzo – Madrid – El Sol
3 abril – Zaragoza – Oasis. Festival Plastidepop
8 mayo – Oviedo – Whirlpoolwill

Como cebo os dejo una joyita llamada “Inditex” que está colgada en su MySpace:

MySpace: Francisco Nixon

“Esto es un Guantánamo artístico. Vamos a tener que hacer música ‘olímpica’ para que Gallardón nos haga caso”. A cada paso, la frase de Richard Angstadt, propietario del Bogui Jazz, pierde un poco el tono de broma y se transforma en cruda realidad.

Disfrutar de un concierto en Madrid es cada vez un poco más difícil. Negativas y tardanzas en las concesiones, cierres de locales y un sinfín de impedimentos son el pan de cada día de los organizadores. Como cuentan en 20minutos, todo el problema estalló con el fallecimiento de Álvaro Ussía y el caso Guateque, una trama de concesión de licencias a cambio de dinero destadapa en el ayuntamiento madrileño.

Uno de los grupos que recientemente sufrió el acoso del ayuntamiento fue Hammerfall, que el pasado 6 de marzo tuvo que trasladar a los asistentes -de forma gratuita-, después de algunos problemas para encontrar otra sala. Está claro que la estrategia a seguir por los altos cargos es asfixiar a las salas que dan la fama y cultura a las noches de la capital mientras se permiten y se participa en los conciertos de las grandes estrellas mediáticas. A esto súmale la crisis, que ya se llevó por delante al Summercase y veremos como el referente musical de Madrid se reduce a la mínima expresión.

“Tras 9 apasionantes años compartiendo filmaciones de conciertos con todos vosotros, Fabchannel pone fin a su actividad. Un gran número se sellos discográficos no nos permiten continuar filmando a sus artistas, lo cual nos impide ofrecer lo que mantiene vivo al canal.

Queremos dar gracias por todo el apoyo recibido durante años. Fabchannel ha sido un maravilloso proyecto pero desafortunadamente este es el final.

Con el corazón en un puño, nos vemos obligados a tener que quitar el archivo de conciertos online el próximo Viernes 13 de Marzo; hasta entonces podrás disfrutar de este tesoro audiovisual único de la música en directo.”

Justin Kniest, CEO

Las declaraciones de Justin Kniest complementan el comunicado que se puede leer en la página de Fabchannel. Es una gran pérdida, pues este canal de conciertos online es de lo más interesante que surgió en los últimos años, sobre todo ahora que estaba añadiendo a artistas nacionales en su archivo.

Tal y como informan, el catálogo de conciertos de Fabchannel quedará offline a partir del próximo 13 de marzo, así que nos quedan pocos días para disfrutar de buenos conciertos, mientras retumba de fondo la frase del comunicado “en gran parte porque los grandes sellos discográficos -majors- no han permitido que se grabe a sus artistas”. Maldita sea.

Regla número uno de los covers: no versionarás temas que de por sí son insuperables. Y “Such great heights” de The Postal Service ¡sin duda es uno de ellos! Les salva que es un directo y que lo interpretaron en un tono totalmente desenfadado que aporta frescura a la canción -no así la versión de estudio que se puede escuchar en su MySpace-. Sin embargo algo tiene este trío de Minneapolis que se dedica a reinterpretar sus canciones favoritas metamorfoseándolas en clave de jazz, soul y pop-rock. Todavía no tuve oportunidad de escuchar su disco, pero en su bio dice que también se trabajaron canciones de los Yeah Yeah Yeahs, The Replacements, The Velvet Underground y de The Clash.

Podéis escuchar el cover de “Such great heights” en el myspace del grupo o en The sound of indie -este último con enlace de descarga incluido-.

Clap your hands say yeah tocaron en directo en el Late Night with Jimmy Fallon un nuevo tema titulado “Statues”, disponible en descarga gratuita desde su website oficial. Se trata de una demo sobre la que seguirán trabajando en el futuro, pero es un detalle que acerquen estas novedades a sus fans.

- También estrenan single PJ Harvey y John Parish, se titula “Black Hearted Love” y lo podéis escuchar desde este enlace. Es un buen anticipo de su nuevo disco A Woman A Man Walked By, listo para salir a la venta a finales de marzo [Vía: stereogum]

Me gusta la iniciativa de regalar el disco que toman los grupos que viven a la sombra de los grandes -muchas veces de forma inmerecida- para abrirse hueco en la jungla musical. Sobre todo después de leer el artículo publicado por David Bravo en el que explica los tejemanejes de algunas discográficas que sufren los artistas.

d’ESPACIOS es una banda barcelonesa que pone a disposición del que lo desee el disco “El viaje”, que cuenta en trece cortes en los que condensan una historia que explican con esta breve introducción, con temas cantados en castellano bastante heterogéneos y una base pop-rock muy accesible para todos los públicos.

MySpace: d’ESPACIOS

Después de leer la polémica entorno a esta canción y su supuesto machismo debido a una inútil pregunta de la Rolling Stone, y que podéis leer en Jenesaispop, creo que es el momento idóneo para poner este vídeo. Dadle al play y cuando hayáis visto, continúo.

Esta es una interpretación un poco casera de “Erasmus borrachas”, la versión de estudio la tenéis en su MySpace y gana unos cuantos enteros. Ahora, los que pudistéis centrar vuestra atención en la canción y no desvíar vuestra mente pensando qué rayos está mirando el gato-con-pantalla-incorporada que considera suficientemente interesante para estar observándolo sin parar, pero no tanto como para acercarse, confesad: ¿es machista? No conozco personalmente a Francisco así que ignoro cómo es en la intimidad, pero sugerir siquiera que sus letras son machistas, cuando en realidad hablan de experiencias cotidianas, historias del día a día, es una soberana gilipollez.

A finales de enero yes.fm, serio competidor de Spotify, aumentó su biblioteca incorporando el catálogo completo de Beggars Digital, que así por el nombre no dice mucho, pero se trata de un grupo de sellos independientes, tales como 4AD, Matador Records, Rough Trade, XL Recordings, etc. Con este conjunto, añadieron artistas de la talla de Antony and the Johnsons, Belle & Sebastian, The Racounteurs, The Strokes, Radiohead y The White Stripes, junto a innumerables grupos independientes que aumentaron la riqueza de la colección.

Pero eso fue a principios de año, ahora yes.fm se hace con el catálogo de Everlasting, que incluye los sellos Recordings from the other side, Mushroom Pillow, Rockon Music, Everlasting Records y Pupilo Records. Esta nueva aportación nos permitirá escuchar, entre muchísimas otras, canciones de Sr. Chinarro, Deluxe, Triángulo de Amor Bizarro, Calvin Harris o Meu. Un gran paso, sobre todo a nivel nacional, que aseguran no será el último.

Enlace: yes.fm

Rose Elinor Dougall tuvo su fase The Pipettes, que todos disfrutamos, pero después de la espantada de miembros que sufrió el grupo, regresa al candelero musical y se desquita en solitario publicando el single “Another Version of Pop Song”, al tiempo que ultima su nuevo debut.

La canción la podéis escuchar en su MySpace junto al tema “May Holiday” y rompe con el estilo comercial de su anterior formación que, visto lo visto, le quedaba pequeño para lo que puede dar de sí esta mujer.

Website: Rose Dougall