¡Qué cosa tan maja han hecho Pablo Maronda y Marc Greenwood (La Habitación Roja) con este primer trabajo firmado por Maronda y llevando el título de “El fin del mundo en mapas“!

Son catorce canciones que rezuman pop, de bueno, del sesentero, tanto cañí como americano e incluso british. ‘Cambiada‘ son Los Brincos, como también pertenecen a ese club ‘Impresionable‘ y Sin Misterio‘. ¿Y quien puede despreciar a unos Brincos? Nadie, y menos si los chicos de Maronda actualizan ese legado sonoro. Como si fuese masa de pan fermentada, el álbum crece hasta alcanzar su plena madurez con ‘Control‘, sucia, eléctrica y dolorosamente potente. Tienen pasajes que recuerden a Los Pixies, a la Velvet Underground, Byrds, a -los antes mencinados- Los Brincos, incluso algún retazo de Los Planetas (como en ‘Hay algo eléctrico entre tú‘) o Family en ‘Un soplo en el corazón’.

No podían faltar los homenajes: ‘Buenaventura‘ es uno de ellos, recordando al anarquista asesinado durante la Guerra Civil Buenaventura Durruti. Otro supuesto homenaje tendría cabida en ‘Aléjate‘ con guiño al tristemente fallecido Sergio Algora. ¿Y qué les parece el prometedor clásico ‘Los novios de Bélmez‘?

Un LP que lo tiene absolutamente todo. Pop alternativo con ecos oldies llevados a la modernidad. No se pierdan a Maronda y este “El fin del mundo en mapas“, pues no les va a defraudar.

¿Cuánto tiempo ha pasado desde que Los Secretos editaran un long-play con material inédito de estudio? Pues exactamente cinco años, sin contar “Gracias por elegirme” (DRO, 2008), aquel fantástico directo grabado en Las Ventas donde contaron con el abrazo bajo las luces de amigos como: Amaral, Miguel Ríos, Joaquín Sabina o Manolo García…, entre otros. El último trabajo discográfico que contenía material inédito se llamaba “Una y mil veces” (DRO, 2006) y suponía el segundo paso en la etapa de Los Secretos, esta vez tras el fallecimiento de Enrique Urquijo y con su hermano Álvaro al frente.

Fuertes como una palmera soportando los desmanes del temporal y melancólicos como la ginebra mezclada con tónica, el grupo prosiguió haciendo felices cada tanto a sus seguidores, expectantes ellos, ante las nuevas noticias que aparecían con cuentagotas entre los foros y las noticias de la prensa especializada.

Actualmente presentan la siguiente pieza del engranaje; “En este mundo raro” (DRO, 2011). Esta nueva entrega supone ser no solo un disco más, sino un giro dentro de la composición de las canciones, pues esta vez cada miembro compone algunas de las trece canciones que vertebran este artefacto. Incluso dentro de ese campo cuentan con las colaboraciones de José María Granados (Mamá) en ‘Quererte por querer’ y las de Chema Vargas en temas como ‘Por segunda vez’, ‘Enséñame a dormir’, ‘Trenes perdidos’, ‘Bailando con la luna’ y ‘Soñadores’. Por supuesto existen las versiones, en este caso es ‘Lágrimas sin nombre’ (‘Nameless faces’ de The Cages), canción que Álvaro Urquijo guardaba en la despensa desde los primeros ochenta. Pero si uno repara en el todo el grueso de este nuevo álbum podrá encontrarse bonitos detalles. De hecho el título (“En este mundo raro”) alude –que no versiona- a la canción de José Alfredo Jiménez titulada ‘Un mundo raro’, ranchera que a su vez también cantó Enrique Urquijo ya que el abuelo de la familia les ponía esa canción cuando los hermanos eran todavía pequeños. Raros (en el buen sentido de la palabra) por salirse de la pauta, y –como el buen whisky- algo único y con experiencia.

«Es un anacronismo. En el diccionario de la Real Academia Española “raro” es algo único, algo especial. De hecho la palabra en inglés, italiano o francés significa que es único, que no puedes encontrar otro igual. Los ingleses utilizan el término rare para indicar que no hay nada similar o que se sale de la pauta establecida, pero para lo bueno. Sin embargo se ha utilizado esa palabra de manera despectiva.» [Álvaro Urquijo]

Amén de ser una forma sencilla de explicarle a un niño el significado de este mundo, como el propio Álvaro hizo con su hija. Si uno repara en el vídeo de la canción que da título al disco, podrá comprobar muchos de estos matices. El porque de las cosas que no tienen explicación, enfrentamientos y otras cosas del odio e incomprensión.

«Somos un planeta con vida inteligente, y encima que hay vida inteligente nos estamos cargando el planeta. Esas incongruencias están en el videoclip también representadas. Luego ya está el que una niña pequeña te pregunte ciertas cosas. Todo es un encadenamiento. Mira, yo no creo en Dios ni en las religiones. Creo en “algo”, no sé en que muy bien, pero no en algo que me digan las religiones. A mi hija, en el colegio y sus amigas, le han metido cosas muy bonitas en la cabeza en las cuales yo no creo, pero se empeñó en hacer la primera comunión. Y claro, ella me pregunta por qué no creo en Dios.

También me pregunta por qué nos han robado, pues nos entraron a robar en casa, y tenía que decirle que hay gente que está peor que nosotros y porque no les queda más remedio que robar. Con todo eso a la niña se le fue desmoronando aquel universo precioso que tenía. Para colmo vio un documental en el que a un negrito lo aplastaba un elefante y se estaba muriendo. La niña, claro, se quedó apelotada. Y es que el mundo es una mierda si lo ves desde ese punto de vista. Pero es una maravilla si lo ves desde otro. Lo que ocurre es que ahora está más cerca de la mierda. Prefiero que se vaya acostumbrando a la mierda que le va a tocar vivir que a la maravilla que es en realidad. Es esa dualidad la que canto en la canción.» [Álvaro Urquijo]

Pero tampoco es un disco pesimista. Bien es cierto que Los Secretos atesoran una manera gratamente melancólica en sus piezas, pero nunca arrastrando el dolor como si ello fuera una realidad. ¿Utilizar las canciones y la voz como arma para arrojar esperanza? Hay muchas maneras de entender la sensación de una canción, pero la música es de quien la siente y eso, amigos, es inquebrantable.

«La música siempre ha sido un bálsamo para las personas. Hay gente que lo ha pasado mal, pero aunque nuestras canciones no sean muy alegres, se identifican con ellas como lo pueden hacer con el blues, el flamenco o el tango. Cuando la gente canta sus penas y alguien lo oye siente que no está solo y puede ayudar a superarlo. El hecho de que eso pueda funcionar como bálsamo, como disfrute o alegría… para que la gente olvide sus penas, ese hecho ayuda a que el mundo mejore. Aunque mejorar directamente el mundo con la música es complicado.» [Ramón Arroyo]

Grabado en El Cortijo (San Pedro de Alcántara, Málaga) cuenta en la producción con la mano de Carlos Narea. Reputado productor que se encargó de conducir el sonido de Los Secretos desde hace bien poco, aunque pueda parecer extraño. El que fuera productor de gente como Nacha Pop, Miguel Ríos o el primer disco de Antonio Vega, comenzó a trabajar con Los Secretos en “Gracias por elegirme”. Un intercambio de experiencias donde –como dice el vocalista- «nosotros somos perros viejos, él un poco más». Pero fueron muchas más las cosas que han influido tanto en la producción como en el entorno.

«Es verdad lo del maestrillo pero es imprescindible, si no quieres sufrir, adaptarte a la realidad de la vida del artista. En su caso, pensé que era necesario que nos ‘encerráramos’ para poder centrarnos exclusivamente en el disco. Nos fuimos al mejor encierro posible, El Cortijo, en San Pedro de Alcántara (Málaga), y grabamos todo en doce días. Hicimos jornadas de diez o doce horas diarias… pero disfrutando y sin ninguna presión externa. Creo que si lo hubiéramos grabado en Madrid, que era la alternativa, habríamos tardado meses porque en Madrid siempre tienen muchísimos compromisos profesionales y también familiares, así es que nos ‘enclaustramos’. Luego sí grabamos algunas cosas extras en Madrid, donde también lo mezclamos, en Red Led. En El Cortijo se duerme bien y se come de maravilla… y el estudio es tan acogedor que lo único que te apetece hacer es tocar y grabar. No hubiera sido posible en otro lugar.» [Carlos Narea]

Y es que, a decir verdad, Los Secretos siempre aseguran un sonido y una personalidad totalmente reconocible. Para “En este mundo raro” se han utilizado guitarras (tanto acústicas como eléctricas) de seis y doce cuerdas. Ustedes saben, esa inconfundible sonoridad que le aporta una guitarra Rickenbacker 360 de doce cuerdas ha sido el símbolo instrumental del grupo durante prácticamente toda su existencia del mismo modo que lo es (y ha sido) para músicos como The Byrds, The Beatles, Tom Petty o The Who. Un brillo amplificado que no envejece con el paso del tiempo y que, poniendo atención, llegan a descubrirse los matices dentro de “En este mundo raro” con ‘Desapareces’, ‘Has llegado un poco tarde’ o ‘Sólo quiero que me digas la verdad’, preciosa canción que también va hilando la línea que lleva ‘En este mundo raro’, pero pese a lo que pueda parecer, Álvaro explica la verdadera historia de la misma.

«Esa canción habla de una pareja que conocí. El marido tomaba drogas y no se lo decía a la mujer. Yo lo sabía y como tengo algo de experiencia en esto sabía que iba a terminar muy mal la relación, porque las drogas tienen eso de que tú crees que las controlas… hasta que son ellas las que te controlan a ti. La mujer, sabedora en parte del problema, empezó a preocuparse y la cosa terminó muy mal. La verdad es lo principal que necesitas para cualquier cosa en tu vida. Es también una queja porque la verdad es que no nos conocemos nada de nada. Yo opino que deberíamos saber el cien por cien de todo.» [Álvaro Urquijo]

Haciendo ahora protagonistas a la parte técnica del largo y al sonido, habría que reparar en los pequeños matices que han aportado un aire que diferencia a este de otros trabajos discográficos anteriores. Un primer dato sería como han utilizado las maquetas y la influencia de los cambios en el resultado final. Partes más acústicas que eléctricas, algún arreglo de cuerda… o incluso el pedal steel en otras partes del recorrido del disco. Cambios y añadidos que agradan a los propios protagonistas pero que, por ende, pueden ser un motivo para que entre mejor o peor a los seguidores y amantes de la música.

«Creo que hay más silencios en las canciones. Menos instrumentación que en otros discos en los que a lo mejor se ha abusado un poco de grabar pistas sobre la misma canción. También, de alguna forma, estamos viendo por las redes sociales y por la web como la gente, que es escéptica en un principio, ahora dice que le gusta tal canción u otra. En general, todos los comentarios que estamos recibiendo son bastante positivos. Como esponjillas que somos recogemos ese sentir y nos hace pensar que de alguna forma nos ha salido bien el disco.» [Jesús Redondo]

Y es que para “En este mundo raro” se han adquirido otras disciplinas en lo que a la grabación, preparación y composición se refiere. Por primera vez cada miembro ha compuesto para el disco. ‘Buena vida y mejor vino’ o ‘Enséñame a dormir’ por parte de Ramón Arroyo, ‘Por segunda vez’ y ‘Trenes perdidos’ de Jesús Redondo, ‘Sin aire’ del lado de Santi Fernández, Juanjo Ramos aportando su parte en ‘Soñadores’… además de las compuestas por Álvaro, como ‘Desapareces’ y otras tantas. Pero esta tarea tuvo que llevar muchas complicaciones en el aspecto de que cada uno no quiere ver su trabajo rechazado por los demás.

«Los grupos son una pequeña familia en otro tipo de orden. La familia se mueve por sentimientos y nosotros también. Realmente la música no son ejecuciones mecánicas de instrumentaciones, no son como algo mecánico en el que tienes que leer una partitura que después tienes que ejecutar. Otras veces cuando yo hago una canción con la maqueta en mi casa intentaba hasta dibujar el solo que podía tener. En este caso he dejado los huecos para que Ramón hiciera las guitarras enteras de las canciones. Básicamente las canciones estaban muy peladas y creo que en ese sentido hemos ganado contando con el de al lado para que ponga su parte. Está clarísimo que no queríamos hacer una maqueta. Si te das cuenta también es por culpa de la tecnología porque al tener todos un estudio con el ordenador podíamos grabar en casa. Ese tipo de cosas te alejan del grupo y de los compañeros. Además recargas las canciones, por lo que al juntarlas cada uno quiere poner lo que ha traído de casa.» [Álvaro Urquijo]

Tarea complicada que había que lidiar sin menospreciar el trabajo de cada uno. De nuevo entraba la mano del productor para hacer de Rey Salomón.

«En esto ha sido importante la figura de Carlos Narea. Nosotros le mandábamos todos los temas que teníamos de casa, las maquetas… para que el tuviese la referencia. A la hora de grabarlos no nos sentábamos a escuchar la maqueta para ver como estaba hecha, sino que nos juntábamos y veíamos como podíamos tocarla. A partir de ahí empezábamos a buscar todos los matices que a veces hay en una canción, como subirle la velocidad unos cuantos puntos o bajarla haciendo que de repente una canción cobre una vida que en la maqueta tú ya te habías acostumbrado y ahora ves que suena con el grupo. En el anterior partíamos mucho de las maquetas y en este hemos empezado viendo que era lo que le hacía falta.» [Jesús Redondo]

Llegados a este punto habría que hacerse una pregunta: ¿sería esto además una puerta abierta a un sonido difuso y nada homogéneo? Para nada. Siempre el “sonido Secretos“estaba como bandera y punto de referencia. Algo claro que tenían todos.

«Desde el principio Álvaro me dijo que quería que, si era posible, hubiera temas de todos. Así es cada uno presentó las maquetas de lo que habían compuesto. Elegimos las que creímos mejores y que, juntas, armaban un disco balanceado en todos los aspectos. Aunque me respetaron el derecho a ‘la última palabra’, hubo consenso.

El ‘sonido Secretos’ lo tienen incorporado. Suenan de forma natural a ellos mismos y en cuanto canta Álvaro ya no te queda ninguna duda, si la tenías, de que son Los Secretos. Por lo que las canciones, aunque distintas, se ‘secretizaban’ a medida que íbamos armándolas y construyendo los arreglos. Lo que trabajamos fue que cada una tuviera su tempo correcto, su atmósfera, sus propios colores, respetando la canción e intentando no repetirnos en las ideas y los sonidos, con la intención de que luego, todas juntas, fueran un disco entretenido de escuchar entero.» [Carlos Narea]

Y en realidad el tener un productor ha ayudado enormemente a que el grupo transpirara. En anteriores ocasiones no contaron con alguien ajeno al grupo que se encargara de esta labor, pero ahora la ayuda de Narea ha aportado una fluidez muy necesaria.

«La ayuda de Carlos Narea en la coordinación ha sido esencial porque ha sabido cortar y sacrificar partes dando los motivos oportunos. Ayuda mucho y quita tensión porque hacer un disco es como un parto, aunque al igual que con los niños, da mucha satisfacción cuando nace o, en este caso, cuando tienes el disco en la mano. Un proceso creativo en colectividad siempre es complicado. Individualmente también lo es porque me imagino que Miquel Barceló cuando pinta se exige mucho y tirará cosas para volver a hacerlo otra vez. Cuando hay más personas ese proceso es más complicado.» [Ramón Arroyo]

No hay que olvidarse de ‘Lágrimas sin nombre’, la versión adaptada de ‘Nameless faces’, original del dúo compuesto por los hermanos Clayton y Aven Cages, dando así nombre al grupo The Cages. Dicha canción ya se encontraba en la recámara de los primeroa años ochenta. Históricamente en los discos de Los Secretos siempre hay alguna versión, ya sea de un grupo español como Mamá o de Quique González. Una bonita canción que traía muchos recuerdos a Álvaro, por cierto. Adaptar al castellano requiere su tiempo, pero si se hace bien el resultado puede ser muy bello. De hecho la canción original pertenece al único long-play que The Cages sacaron en su vida, titulado “Hometown”, allá por 1992.

«Seguro que se llevarían una bonita sorpresa si vieran que alguien en España ha versionado su canción. Pero sólo sacaron un disco y ni se encuentra en Internet.» [Álvaro Urquijo]

Tal vez pueda parecer -a priori- un disco algo más acústico que los anteriores. Quizá esto sea debido a que las canciones han respirado de otro modo y por esa razón han derivado hacia un sonido claro, pero a la vez más desnudo. Aunque es omnipresente la instrumentación eléctrica, por supuesto, pero ciertos arreglos y la aportación de cada miembro a la composición ha dejado abierta la ventana de las ideas. ¿Ejemplos? ‘Trenes perdidos’ o ‘Buena vida, mejor vino’ adquieren este matiz con las guitarras acústicas en un primer plano y las escobillas en la percusión. Añadir también la steel guitar en ‘Sin aire’, la mandolina de ‘Lágrimas sin nombre’ o el dobro inconfundible formando parte de ‘Buena vida, mejor vino’, de nuevo mentada.

«Sí es cierto que es un trabajo más acústico porque es un disco que no tiene apenas teclados digitales. En esta ocasión probábamos teclados que con un piano funcionaba mucho mejor en el resultado final de las canciones. Creo que hemos aprendido a hacer más silencios, que es algo que con el tiempo cuesta más trabajo.» [Jesús Redondo]

Algo que ha funcionado en “En este mundo raro” y que también se ha visto a lo largo de este artículo explicado por sus protagonistas, es que han hecho lo que les pedía el cuerpo y para ello han trabajado como una familia que se siente respaldada por la experiencia que otorga el tiempo. Cada pieza y cada canción se nutrían del momento idóneo, como una obra de orfebrería se nutre de la paciencia. De esta manera se puede percibir, escuchar y hasta palpar un nuevo disco que enamora de manera brutal.

«No sé si ‘más’ acústico, pero sí es un sonido electro-acústico el que manda. Es lo que nos pedía el cuerpo. Fuimos trabajando canción por canción, no hicimos, como se hace algunas veces, lo de ir grabando instrumento por instrumento (primero las baterías de todos los temas, después los bajos de todos, etc, etc) si no que fuimos canción por canción. Empezábamos a tocarla, todos juntos, a proponer ideas… y cuando sentíamos que ya teníamos el ‘espíritu’, la grabábamos todos juntos, como en vivo, luego corregíamos algunas cosas, agregábamos algunos detalles, grabábamos los solos… la dejábamos prácticamente terminada, a falta de cantarla, y sólo entonces empezábamos a trabajar en la siguiente.» [Carlos Narea]

Por último cabe destacar la maravillosa amalgama que embelesa el corte que cierra este trabajo; ‘Bailando con la luna’. Esta canción ha contado con unos delicados arreglos orquestales muy precisos. Parece que Los Secretos se muestran cómodos cuando se rodean de músicos de cámara. Ya vivieron la experiencia con el directo registrado bajo el artefacto “Con cierto sentido” (DRO, 2003), donde acompañados de ocho violinistas, dos cellos, dos violas y un guitarrista de apoyo dieron rienda suelta a sus mejores éxitos. En el caso de ‘Bailando con la luna’ han contado con un cuarteto de cuerda compuesto por dos violines, un cello y una viola. Además de los arreglos (tanto de cuerda como de trombón) que Jesús ha terminado por perfilar. Todo orquestado bajo la dirección del maestro Jorge Villaescusa, quien ha trabajado con artistas de la talla de Raphael.

«En ‘Bailando con la luna’ quedó un arreglito como de cámara, pequeño pero bonito. Tampoco fue algo buscado, pero cuando ya compuse la música veía que se podía quedar ‘arregladilla’.» [Jesús Redondo]

Para añadirle más sentido, dentro de la gira próxima contarán con La Joven Orquesta de la Universidad de Valladolid. Pero será únicamente en Valladolid (18 de Noviembre en La Cúpula del Milenio) y en Madrid (10 de Diciembre en el Teatro Real). Apuntar también que el 22 de Noviembre en el Teatro Arriaga de Bilbao actuarán con un cuarteto de cuerda. El resto de fechas se puede consultar en la web oficial del grupo.

«Es un contacto que hicimos porque nos apeteció hace años hacer un disco, que fue “Con cierto sentido”, y ya no nos hemos separado de ellos. Es como si conoces algo que te gusta a lo que tenías respeto y no conocías. Yo creo que fue a raíz de contactos de Jesús por otros trabajos que ha hecho con otra gente, porque yo lo reconozco; no soy arreglista, pero Jesús, Ramón y Juanjo sí. Poco a poco hemos ido incluyendo esa faceta que antes era desconocida. Es parte del aprendizaje.» [Álvaro Urquijo]

El envoltorio de todo lo hablado es una portada con un arte diseñado por Rafa Sañudo, donde, entre otras cosas, el grupo es representado en forma de pez.

«Nos encantó. Era una idea nuestra pero pensada por Rafa Sañudo. No queríamos salir en la portada, queríamos que fuera una ilustración bonita con la que la gente no quedara indiferente. Desde luego se ha conseguido sobradamente. Somos peces porque todos venimos del agua.» [Álvaro Urquijo]

En resumen: Los Secretos no fallan con “En este mundo raro”, disco completo y artesanal que ha saciado el anhelo por poder ser envuelto entre arrumacos y abrazos de bellas melodías y letras luminosas… según el estado de cada uno.

El cantante Raphael ha actuado en el Palacio de los Deportes de Madrid con su espectáculo Te llevo en el corazón.

Las cerca de tres horas de concierto sirvieron para comprobar porqué este señor lleva subido a un escenario desde hace cinco décadas y se mantiene como uno de los artistas insignia más genuinos.

El cartel de “entradas agotadas” sólo le garantizaba el lleno del auditorio. Lo de hacerlo disfrutar era tarea suya.

El primer punto a su favor fue la puntualidad. Ni un minuto más tarde de la hora anunciada salió a escena, de negro y solo. Haciendo uso de un recurso algo manido pero siempre efectivo, empezó a capella y luego entraron sus músicos.

A partir de entonces comenzó el show en el que el de Linares no quiso o no supo decidir cuáles de sus temas de toda la vida dejar fuera de su extenso repertorio, al que ha añadido su homenaje a la canción popular latinoamericana. Por eso, apenas perdió tiempo en presentaciones ni parlamentos más que para agradecer la presencia y el cariño de su público madrileño.

Tango, bolero y ranchera se mezclaron con los éxitos que ya forman parte de la cultura musical de varias generaciones. “Mi gran noche”, “Digan lo que digan”, “Estar enamorado”, “Que sabe nadie”, “Yo soy aquel”, fueron salpicando los tres grandes bloques en los que se dividió la noche.

El primero dedicado al tango, guardaba una de las sorpresas del espectáculo. El maestro Carlos Gardel hizo su aparición en escena con su voz saliendo de una radio de los años treinta (elemento fijo de la escenografía) para cantar con el jienense y emocionar con su “Volver”.

Las ovaciones de los asistentes puestos en pie tras cada canción fue un ritual durante todo el concierto. Al igual que los silencios concentrados para no perder detalle de la voz de Raphael, como cuando cantó sin micro en “Para volver a volver”; o el coreo de estribillos, bailes y frases de admiración lanzadas por público de todas las edades.

El bandoneón, el violín, la trompeta, batería, teclados, bajo y contrabajo, guitarra, teclado y piano, bajo la dirección musical del pianista argentino Juan Esteban Cuacci, brillaron al servicio del artista y en las entradas de temas como “La cumparsita”, “Nostalgia” o“Envidia”.

La calidad vocal del cantante unida a su interpretación y a su riqueza expresiva con medidas dosis de histrionismo, mantienen vivo el interés también a lo largo de los boleros y las rancheras. Sabe ser lo suficientemente barroco en su puesta en escena para entretener y marcar una personalidad, pero con un cuidado exquisito para no resultar excesivo.

Es un artista que arriesga al cantar lo que le conmueve y actuar de forma genuina y personal, lo que no significa que ese riesgo no esté medido. En un alarde de teatralidad, es capaz de romper un espejo con una silla al final del show, consiguiendo con el efecto sorprender, al tiempo que el público piense que, tratándose de Raphael, no cabía esperar otra cosa que no fuera un cristal hecho añicos sobre el escenario.

“Como yo te amo”, que tantas veces interpretó con su amiga Rocío Jurado, puso punto final a una noche llena de pasión en cada rincón del Palacio.

Un público, sorprendido y tremendamente agradecido por la energía y el arte desplegado por este artista, capaz de conseguir un tiempo de aplausos prácticamente similar al tiempo que dedica en cantar, salió de allí más feliz, con su tiempo y su dinero bien empleados, y con la necesidad de volver a verle. Porque ver a Raphael en directo es una de las cosas que hay que hacer en la vida.

Por si pensabas que la nueva chanson francesa quedaba expuesta este año a las excelencias del eminente álbum de Dominique A ó no hacías otra cosa que escuchar discos de Vincent Delerm encerrando tus tristezas otoñales en cuatro paredes, aquí tienes la última entrega (y doble) del hombre de la mirada rasgada y el flequillo caído, que puede tanto emular a grandes clásicos de la música francesa como versionar a Blur en sus conciertos. Y atentos por si nos visita, que tiene clase y talento en directo para presentar un álbum doble y mucho más que todo eso.

Ahora puedes lanzarte a llorar con un montón de tremendos álbumes taciturnos: el último de Richard Hawley es otro de ellos. La superbe es el resolutorio (y otra vez, incuestionable) de Benjamin Biolay; una sucesión de canciones, entre duetos de dulce melancolía, pop y flirteos con el jazz (“Miss Catastrophe”), que amenizan un doble álbum nada afectado por la fatiga que podría suponer el escuchar sus más de veinte canciones, donde hace de todo menos parecer aburrido y cansado de hacer lo que mejor sabe: suavizar el tono de su masculina voz, muchas veces adornada bajo mantos electrónicos que nada hacen palidecer esta colección de entrañables canciones. Otra vez más, Benjamin Biolay no nos defrauda.
Si la presentación de su disco es el tema que da título al álbum, “La superbe” no deja de ser una ampulosa canción donde la orquestación no deja esconder las características claras y bien definidas de su repertorio musical. Benjamin Biolay se inclina muchas más veces hacia el pop y buena muestra de ello es una de las mejores canciones del disco, “Si tu suis mon regard”, que cuando se vuelve ligero es igual de intenso que cantando sus inequívocos y afrancesados duetos, como tan bien lo hace en “Brandt Raphsodie”, con esa intención de parecer ir leyendo en lugar de cantando, característica diáfana de los mejores momentos de la chanson francesa décadas atrás.

Pues eso, su inclinación hacia el pop; no hay más que escuchar “Prenon le large”, donde le diferencian y alejan del clasicismo del resto de las canciones de su doble entrega. Y si bien es cierto que a veces se pasa con las trompetas, sobran por todos lados en “Night shop”, salva el escollo rápidamente de este discapacitado resbalón, con la delicadeza de las guitarras de “Tu es mon amour”. Como comentaba antes, es la variedad de sus canciones la que otorga mucho más empaque al conjunto. Esa seriedad que te lleva, una tras otra, a escuchar todos los temas sin parecer que ha estirado; ni los arreglos ni las melodías, a pesar de que en varios momentos llegue al límite de la pomposidad orquestal.

Irremediablemente, te quedas con unas canciones más que con otras. Por ejemplo, “Reviens mon amour” te sabe a poco; es una canción demasiado fácil y no llega a la intensidad de lo mejor del disco. Conociéndole, te gusta más que vaya relatando sus letras (“Jaloux de tout”), y que esa aflicción se deje empañar, quizá, por notas electrónicas que estorben menos y que puedan acompañar a los instrumentos de viento y cuerda que tanto parecen gustarle ahora.
Igual no es el gran álbum que esperábamos de Benjamin Biolay, pero sí es otra muestra más de este gran compositor, productor, cantautor y esporádico actor francés. Recuerden, en directo es aún más intenso y magnético.

Como en el cine (entregan dos o tres películas magníficas al año, y otras tantas tediosas), los franceses saben hacer llorar mejor que reír. Eso sí, sin pesar en la furia de grupos como Expérience. Que toda regla tiene su excepción y Benjamin Biolay no es la excepción a una regla marcada tanto por la magnífica pericia en apropiarse de sonidos ajenos con tanto ingenio como complejidad, como esa capacidad de tener en cuenta los géneros que practica y mezclarlos con el apasionamiento que le caracteriza.

Artista: Richard Hawley
Título: Truelove’s Gutter
Discográfica: Mute
Publicación: 22 setiembre 2009

Si me atrevo a considerar, sin ningún ánimo de vacilación, que el 2009 es uno de los mejores años (si no el mejor) que ha dado la música de la última década, tendría que valorar en su justa medida las obras escuchadas (a pesar de que aún queden varios meses para finalizarlo): las que me han emocionado y considero obras cumbres de este año. Y lo arbitrario queda para que cada cual entienda que el capricho personal del que esto firma desee amplificar el concepto de esmero de cada álbum que considera sobresaliente.

Y así, podré afirmar que el presente año ha sido enmarcado por autores reconocidos y veteranos con álbumes magníficos (Yo la tengo, Sonic Youth, Prefab Sprout ó Pet Shop boys). Otros grupos sorpresa que han impregnado de color las paletas musicales del rock y el pop del presente como The leisure Society, The xx, The pains of being pure at heart ó Bill Callahan. Reconocidos autores de la escena que funciona al margen de los circuitos comerciales europeos como el trabajo doble y magnífico del apasionado galo Dominique A ó el norteamericano M. Ward. Sin olvidar tampoco la labor estupenda de Stuart Murdoch para “God help the girl” ó las genialidades de Andrew Bird, por poner otros ejemplos. En nuestro país, en la diversión de Tarántula, el folk multicolor de Pajaro Sunrise o el pop luminoso de La bien querida; en el clasicismo atemporal de Alondra Bentley, la dulzura sinuosa de AMA y Parade se encuentran las claves de las señas de identidad de una música que defiende su status de orgullo.

No faltan, por lo tanto, el carácter de admiración, la reverencia hacia la madurez creativa ni el marchamo de clásico que han tenido los trabajos publicados en la presente y copiosa temporada.

Y ahora, para apuntalar la recta final de esto que termina en nueve, y salvo alguna que otra sorpresa de última hora, Richard Hawley acaba de publicar su sexto trabajo de estudio, un trabajo absolutamente sobresaliente, que encamina sus bases hacia las notas apabullantes e igualmente clásicas (con permiso de Bill Callahan) de su “Truelove’s Gutter”; un trabajo que te sumerge en una monomanía incondicional, que te baña irremediablemente en una sugerente atmósfera que atempera el ánimo. Un álbum que se cree influido del alma de Burt Bacharach (“Open up the door”, con ese crescendo orquestal y vocal en su recta final apoteósico). Que hace que no sientas añoranza de cualquier trabajo de Lambchop. Que utiliza un country crepuscular en “Ashes on the fire” para hacer olvidar cualquier obviedad sobre el detalle grabado con virguería en cada nota, que se queda pegada y no se olvida. De cómo construir un artificio sonoro de la magnitud de “Remorse code”, diez minutos de fascinación sin límite. O parecer cantar un cuento, con ese sosiego, apaciblemente ensoñador de “Don’t get hung up in your soul”. La narración anestesiada de “Soldier on” (otro subidón de orquesta) es otra evidencia más del mensaje que alumbra todo este trabajo sin parangón y si lo tiene, será la comparación equilibrada entre el legado que tan bien ha sabido reunir el cantante británico. Será que de tocar con Pulp, tiene en mente una y otra vez la canción “This is hardcore”, ese monumento al pop teatral y orquestal que dio brillo y esplendor al pop de los últimos años, una de las diez mejores canciones del pasado reciente.

No queda tregua tras repasar, una y otra vez, las ocho canciones de “Truelove’s Gutter”. Richard Hawley, que ya tenía un borrador a pocos metros de altura de su último intento de hacer su canto de cisne (“Coles Cornes, Mute, 2005), se ha superado con creces y ha dado un salto primoroso hacia la cumbre de lo mejor del presente año. Sin acobardarse en presentir las comparaciones con los artistas a los que remedar, Hawley nos obliga a albergar toda la colosal fuerza de sus canciones para que cada cual imagine los mundos alternativos que instantáneamente se adhieren a los oídos de cualquier amante de la música popular que sepa guardar un álbum de la clase de este candoroso trabajo. Escúchenlo, disfrútenlo y guárdenlo en su memoria. Para siempre.

En Madrid no hay playa (vaya, vaya), pero los días 25 y 26 de septiembre disfrutaremos de los sonidos más húmedos y las guitarras más reverberantes en la segunda edición del Surforama, que este año se celebra en la sala Gruta 77. Juan Diego Sanchís, creador del festival, nos habla de un festival que hará que nos sintamos un poquito más cerca de las olas.

Eres el creador del Surforama, el festival de música surf e instrumental, ¿quienes fueron los culpables de que empezaras a escuchar este tipo de música?

Bueno , uno de los culpables fue mi padre, que tenia algunos discos de “su época” que a mi me encantaba escuchar. Le gustaban mucho los Brincos y los Mustang, pero tenía un recopilatorio en el que aparecían grandes clásicos del surf instrumental como es el Wipe out y el Pipeline de los Surfaris y Chantays respectivamente. Esos dos temas los escuchaba de un modo especial. En la adolescencia me metí en otros estilos, pero a mediados de los 90, escuché a los Coronas, quienes me hicieron revitalizar mis deseos de escuchar y penetrar de nuevo en ese estilo, y hasta hoy.

¿Tocas en algún grupo?

Ahora mismo estoy tocando con una banda de tributo a The Shadows con la que tocaremos en la fiesta del mediodía en el Surforama, y que antes era de tributo a The Ventures, una de mis bandas favoritas. Anteriormente he tocado con The Vibrants, Lee y los harakiris, Blue marinos… todas las bandas siempre del mismo estilo más o menos.

¿Cuáles son tus bandas favoritas?

Como te comentaba antes los Ventures son unas de mis favoritas junto al primer Dick Dale, los Trashmen, Lively ones, The Shadows o Eddie and the Showmen, por citar algunas.

El surforama de Valencia lleva ya 3 ediciones, ¿cómo se te ocurrió montar un festival así en tu ciudad?

Pues la idea surgio despues de viajar a Úbeda para ver el festival Reverb in the Olivas y ver que era factible montar un festival con esta temática y que funcione. Más tarde montamos la primera vintage surf party, donde tocaron los Chebwaccas, Pataconas y Vibrants, y la verdad es que todo salió bien y comenzamos a trabajar en el festival, con un proyecto un poco mas ambicioso.

¿De qué actuación guardas mejor recuerdo?

En el primer surforama la actuacion de los Coronas fue sublime, pero han pasado grandes bandas con grandes directos por este escenario, no sabría con cual quedarme.

El año pasado pudimos disfrutar de Laika & The Cosmonauts, Phantom Surfers y muchos otros en la primera edición de Surforama Madrid, ¿qué sentiste cuando viste que la sala se quedaba pequeña y la gente no paraba de bailar?

La verdad es que sentí mucha satisfacción y descanso, después de todo el esfuerzo realizado en una ciudad que no es la mia iba con un poco de incertidumbre, a ver que pasaba y como respondía la gente, pero al final salió todo bien. Por supuesto gracias a gente como Diego R.J., coorganizador del evento en Madrid y al Indio de Gruta77, sin su colaboración no habría sido posible. Me quedo con todas las actuaciones, pero por destacar alguna creo que The Phantom Surfers pusieron la sala boca abajo desde el primer instante.

Para la edición de este año tenemos el plato fuerte de Slacktone, una de las mejores bandas de surf de la última década, ¿qué destacas de ellos?

Slacktone es una banda que siempre habíamos tenido en cartera y que nos hacía mucha ilusion tener con nosotros. Su fuerza reside básicamente en la guitarra de Dave Wronsky, y parte de la banda que le acompaña han sido la banda back up de Dick Dale, nada menos. No he tenido la ocasion de verles en directo nunca pero todos los comentario que oí fueron demoledores. Creo que será la banda mas potente del festival.

El mismo día podremos ver a Fernando Pardo haciendo de Dick Dale acompañado por los Imperial-Tones, conociendo a Fernando supongo que la respuesta será que no, pero ¿fue difícil convencerle?

La idea surgió de una reunión entre los tres organizadores del festival, que queríamos hacer algo con Fernando Pardo, ya que parte de culpa de que el festival esté en Madrid es suya, fue quién me animó a hacerlo y me presentó los contactos idóneos, así que le propusimos esta idea y le encantó, al igual que a los Imperial Surfers. Tenemos muchas ganas de ver lo que nos tienen preparado.

Un grupo que no conocía y me ha impresionado mucho son los alemanes Los Banditos, hacen música instrumental mezclada con todo tipo de sonidos exóticos, samplers… ¿Eres aficionado a este tipo de música o prefieres el surf a la manera de los clásicos?

La verdad es que soy bastante abierto a todas las vertientes del estilo, aunque me declino por los sonidos mas puristas y clásicos. Considero que Los Banditos son una de las mejores bandas europeas mezclando este tipo de sonidos ademas de que su directo es tremendamente divertido.

Los Pataconas y The Brillantinas abren el segundo día, ¿qué nos puedes decir de ellos?

De los Pataconas lo único que puedo decir es que el que no lo haya visto que no se lo pierda ya que su sonido es marcadamente personal y sus influencias realmente originales, con todo esto combinan un directo la mar de brioso. Y de los Brillantinas pues que fue una de las bandas punteras nacionales del estilo cuando no era tan popular el surf como ahora pero siempre fueron muy divertidos, así que con unos añitos mas de experiencia sera emocionante volver a verles.

Para terminar el festival, el rock and roll básico de The Rapiers, ¿Son The Rapiers unas de las referencias de los Vibrants?

Desde luego, Los Rapiers son una referencia clara de los Vibrants, junto con bandas europeas del mismo corte de los 60. Los Rapiers son, bajo mi punto de vista, una de las bandas mas interesantes del panorama retro actual.

Hace un par de días conocimos la muerte de Juanjo Sánchez-Campins, bajista de los Relámpagos, ¿Fueron los Relámpagos parte de tus inicios musicales?

Por supuesto, los Relámpagos siempre estuvieron por casa, a mi padre le encantaban y de hecho mi tía me regaló sus discos, ya que ella no los escuchaba ya, y entre ellos había una impresionante colección de discos de los Relámpagos. En Valencia fue un grupo muy bien acogido.

¿Qué grupo te gustaría traer a próximos surforamas?

Hay muchas bandas que nos gustaria traer, pero hay que tener en cuenta que es un festival pequeñito y que nuestro poder para traer bandas extranjeras es limitado. Sería bonito poder traer a alguna “vieja” estrella de los 60 y poder ver en directo lo que fue un concierto de los que comenzaron todo esto.

Muchas gracias por todo, nos vemos en el Surforama.

Quisiera reiterar mi agradecimiento a la gente que coorganiza conmigo el festival, ya que trabajan estupendamente y da gusto hacer cosas juntos, y a todos vosotros que ayudáis a que esto vaya para adelante y tengamos ganas de meternos en más movidas. ¡Nos vemos en el surforama!, ¡¡¡Recordad que el aforo es limitadísimo, no os durmais!!!

Los días 25 y 26 de septiembre se celebra el festival Surforama en la sala Gruta 77 de Madrid.
Surforama myspace
Página oficial

Entrevista realizada por: Pointer ]]> http://www.mundomusica.es/2009/09/17/entrevista-a-juan-diego-sanchis-creador-del-surforama-slacktone-sera-la-banda-mas-potente-del-festival/feed/ 0 http://www.mundomusica.es/2009/07/31/the-vaselines-%e2%80%93-enter-the-vaselines/ http://www.mundomusica.es/2009/07/31/the-vaselines-%e2%80%93-enter-the-vaselines/#comments Fri, 31 Jul 2009 11:55:27 +0000 caneda http://www.mundomusica.es/?p=7272

“…Si no habéis estado allí, no creo que la mera palabra escrita pueda trasmitiros completamente esa vibración, especial y única, que se genera entre los hermanos y hermanas que allí se reúnen”.
Dave Godin, gurú del soul.

Fuego, palabra, vida y muerte. En definitiva, Historia.
Llamaradas de energía las que exhumó Ryan Shaw, su banda primero y el equipo que comandaba Tito Jackson después, para recrearse en el sentimiento que había grabado la historia de la discográfica Motown desde que Berry Gordy la fundara en Detroit en 1959. Resplandor cegador, brillante y atemporal el de la primera compañía de discos que pertenecía a un hombre de raza negra en lograr decenas de éxitos en la lista de Estados Unidos, apuntando directamente al crossover del mercado blanco. Era el lado más comercial del soul y a la vez el más brillante y monumental (uniendo perfección en las voces y arreglos); no hay más que ver lo cercanas que se han hecho muchas de sus míticas canciones. Y sus compositores-productores Holland, Dozier, Smokey Robinson y Norman Whitfield fueron los que hicieron mezclar este soul (de inequívoca naturaleza de color) con elementos del gospel, mientras evitaron los sonidos sucios del rhythm & blues, que el público blanco era tan reacio a aceptar por aquel entonces.

Ryan Shaw, con sólo 28 años, se comporta en el escenario con una soltura envidiable y la seguridad que le dan tanto sus músicos en directo como la herencia de las letras y ritmos de los que se sirve, en un concierto donde el lado contemporáneo del soul y el pop convivían con la extraordinaria voz de su solista, abrazando las potentes líneas de bajo que, por otro lado, es característica incontestable de los productores antes citados.

 

Es sensacional la manera de modular la voz de un Shaw adscrito tanto al reggae de “Many Rivers to cross” como el gospel-rock de “Nobody”. No sé cansó en invocar al amor como referencia trascendental en el mensaje de sus canciones. Más que significativo será que cinco de los doce temas de su disco lleven la palabra “love” en su título. Así, “We got love”, recuerda mucho a todos aquellos artistas que se han sumado a la suavidad del soul por el lado más comercial y, por lo tanto, accesible. Y aquí peca de ingenuo. Pero la poca creatividad de algunos ritmos en sus melodías quedan salvadas por esa voz, que hace olvidar el tono a “deja vu” de las bases sonoras que le hacen enviciarse en esquemas repetidos.
De esta manera, haciendo participar al público de su misa confesional, entre la balada dócil de “I am your man” y el ritmo más ágil y pretérito de “Do the 45”, osciló su directo, que hacía calentar los motores de los padrinos que se le venían encima.

 

Se me antoja una carrera rutilante para Ryan Shaw, sobre todo en su terreno, los Estados Unidos. Que aún no llega a quemar en su directo, pero con unas canciones mejores y menos enfocadas a las normas de estilo, puede conseguir sorprender e incluso pellizcar un trocito de leyenda a la música soul-pop en años posteriores. Al tiempo.

 

 

Tras diez minutos de espera, a muchos se les abrió el cielo. Y no sería por la aparición de Tito Jackson, que lo haría seis canciones después de que The Funk Brothers Band, aquellos que vendrían de la escena jazz de Detroit, (véase la película documental “Standing in the Shadows of Motown”,2002) abrieran su sesión con la legendaria” Papa was a Rolling Stone”, popularizada por The Temptations.
Tras ella, un bombazo en toda regla, donde más duele: “Uptight” de Stevie Wonder. Tocada de forma impecable por los diez músicos (tres voces) que ocupaban el escenario. Esto no podía parar. Y así, de la chistera era fácil sacar palomas y conejos de la suerte: “Heatwave” de Martha Reeves and the Vandellas, hace que, una de dos, o te quedes sentado mirando al cielo ó saltes de la butaca como una bala. Y por lo segundo optó el público madrileño que llenaba el recinto. Y si persistes en embestir e incitar con The Supremes la entrega puede ser absoluta. ¡Qué fácil puede llegar a ser con esta mina que tienen entre manos la Motown!. Y se pueden tocar de mil maneras estas canciones. Pero el grupo lo hizo teniendo en cuenta el respeto y la cuidada manera de manejar este puñado de obras maestras. Las canciones no las alargaban y los instrumentos, sobre todo los de viento, sonaban igual que en las grabaciones, en los momentos justos; como contrapunto orquestal al acompañamiento de las voces.

 

 

Tras llamar de nuevo a las puertas de Marvin Gaye, apareció uno de los miembros de The Jackson five. Tito Jackson, de impecable traje (luminoso) blanco y bombín negro, agarró el micro despacio y no tardó en dedicar el concierto a su hermano fallecido. No iría a hacer alarde de nada, simplemente a tocar, que para eso hizo historia con sus hermanos. Y eligió el camino más sencillo: directamente hacia una de las canciones más divertidas del quinteto histórico, “Rockin’ Robin” para el jolgorio de los asistentes, que no esperaban de él nada menos. Tras ella “Abc”, revisitada con otras clásicas del grupo. Tito no había venido a dar clases maestras de soul-pop histórico, sino a tocar lo que se sabía de memoria. Y sin memoria no se vive; por eso, agarrándose a esos temas que han hecho historia en la música popular de las cuatro últimas décadas podía meterse al público en el bolsillo.

 

No nos engañemos. Tito Jackson no es, sobre el escenario, ningún divo ni un superdotado; actúa como un hombre al que parecen pesarle los años y las ausencias. No quiso hacer algo divertido rememorando el pasado, sino digno de elogio.

 

 

Se va y tras él, de forma matemática, suenan los acordes de “What’s going on” de Marvin Gaye, que sonaba a signo de deuda con el destino. Una canción que, tocada así de elegantemente, parece que no la hemos escuchado un millón de veces; es algo impoluto, crece el humo alrededor, da igual que venga alguien del infierno a vernos, sólo existe vida alrededor de esas notas, elevadas a los altares de las cinco mejores canciones de la historia de la música, entre listas y listas de críticos nacidos y por nacer. Después del impacto, otra cantada también por Marvin Gaye, en su segunda o tercera versión, ya que la primera fue interpretada por The Miracles. Me refiero a la brillante “I heard it Through the Grapevine”.
Y tras un pequeño bis, con dos canciones, una de ellas ésa que invita a la felicidad perpetua titulada “My girl” de The Temptations y “Shotgun” de Junior Walker y The All Stars se cerró la sesión; algunos, echando de menos alguna excelencia de, por ejemplo, The Four Tops. Su “I can’t help myself (Sugar pie, Honey bunch)” es, para el que esto suscribe, una de las más excepcionales canciones salidas de esa mina tan imprescindible para entender una parte de la mejor cantera de artistas que ha dado la música a un estilo de hacer canciones llenas de color y de vida; es decir, de Historia, con mayúsculas.

 

---

Texto: Ángel Del Olmo
Foto: Almudena Eced