Artista: Lana del Rey
Título: Born to Die
Sello: Universal
Fecha de publicación: 2012
Más información: web oficial

Listado de canciones:

1. Born to die
2. Off to the races
3. Blue jeans
4. Video games
5. Diest mountain dew
6. National anthem
7. Dark paradise
8. Radio
9. Carmen
10. Million dollar man
11. Summertime sadness
12. This is what makes us girls

El disco de la temporada, para bien o para mal. Así ha sido catalogado el primer disco como Lana del Rey de Elisabeth Grant, y razón no le falta a esta afirmación. El tsunami de noticias, expectativas, alabanzas y dardos envenenados ha superado todas las cavilaciones que pudiésemos haber planteado hace unos meses cuando escuchamos la preciosa “Video games” por primera vez. Sin embargo da la sensación que al final el disco es lo de menos: la gente prefiere hablar de sus recauchutados labios, acusarle de producto de marketing o quedarse en la superficie con los singles. Como siempre, al final el concepto álbum, tan denostado en nuestros días, se queda en un segundo plano ante aspectos más frívolos que complementan, pero no lo son todo. No debería ser así, pero es lo que hay. Por suerte Born to die tiene más chicha que un par de singles, una cara bonita o una actitud retro-romántica. Tampoco es que vaya a salvar el pop, tanto comercial como indie, pero unos cuantos buenos ratos no nos los quita nadie.

La primera mitad del disco es maravillosa, incluyendo las consabidas “Video games” y “Blue jeans” (lynchiana total), que incluso ganan puntos en conjunto que por separado. El tema homónimo marca la tendencia elegante y sugerente del álbum, con bien de instrumentación y envoltorio post trip-hop. Lo que sí que resulta ciertamente variado es la interpretación de Lana, que dependiendo del tema puede tornarse hacia personalidades completamente contrapuestas, como en el descaro de Off to the races o el tono de animadora en el estribillo de National anthem. A partir de este tema el álbum comienza a flaquear en el terreno lírico, con clichés más que vistos acerca del poder y el dinero, aunque la melodía se destapa tan pegajosamente pop que acaba no importando. El problema es que este déficit lírico sí que pasa factura en cortes como “Dark paradise”, “Million dollar man” o “Carmen”, que pecan de monotonía sonora y melódica (además de parecer remedos de los highlights del álbum). El caso es que cuando Lana lo da todo, da igual que cante el tópico más manido del mundo, porque la sensualidad intimista con lo que interpreta lo convierte en una escena de la mejor película noir de la época dorada de Hollywood.

Es la segunda parte de Born to die la que lastra el conjunto: más de lo mismo pero perezosamente ejecutado. Hay excepciones como la azucarada pero deliciosa “Radio”, que navega entre la ñoñería y la emotividad más honesta, con una preciosa melodía como guinda. “Summertime clothes” también se salvaría de la quema por mucho que la temática del amor de verano esté más vista que el tebeo. De los tres bonus tracks prescindimos porque aunque no estorban, no engrandecen Born to Die (aparte de que un disco es lo que es, los extras son simple anécdotas).

Luces y sombras para un trabajo que va del gusto más exquisito y emocional al tedio más recargado y vacuo. La ambientación retro y cinematográfica, las continuas referencias a la Norteamérica más decadentemente superflua o el romanticismo sensual y nocturno son motivos suficientes para disfrutar de este “debut”. La crítica ha sido generalmente feroz, y es que muchos no han sabido separarse del hype generado. Al final la música es música, más allá de una presencia mediática excesiva. Lana revive el sad core de Chris Isaak, un género casi olvidado, lo sazona con buen olfato pop y aunque no triunfa del todo ni inventa la rueda, revive sensaciones que hace mucho que no vivíamos. Aunque a veces se queden a medio gas.

Valoración: 6,75

Russian Red es más que el punch del boxeador crítico. La “máscara” de Lourdes Hernández se encuentra pasando un episodio bastante conciliador con la honestidad, tanto en su música como en su presente. Tras haber editado “Fuerteventura”como segundo LP, Russian Red es ahora el móvil que va de país en país entreteniendo a quienes buscan coherencia.

No sé si felicitarte por “Fuerteventura” o por la gira que ha venido después.
Ten en cuenta que grabar el disco es un proceso precioso, pero al final es una cosa que concluye en cosa de dos o tres meses como mucho. La gira es algo que se prolonga mucho más en el tiempo y que además da muchas más vivencias porque no paras de viajar por un montón de sitios, conocer gente… entonces realmente te encuentras con un estilo de vida totalmente distinto a lo que es otro trabajo y en concreto a lo que es ser un músico. Disfruto mucho de los dos, pero puedo decir que el segundo se acerca más a mi realidad.

¿Serías capaz de hacer giras y giras sin tener que grabar un disco?
Pues sí, la verdad. Aunque eso es lo que hacen la mayor parte de los músicos que van creciendo de a poquito. Hombre, lo que ha sucedido en Asia ha estado muy bien, pero en el resto de territorios vamos haciendo pequeñas incursiones para ir confirmando lugares y demás. Pero en verdad se viaja a pequeña escala. En España sí que se puede hablar de una segunda gira, como la que vamos a hacer ahora de repesca pasando por ciudades en las que hemos estado y en las que no. Además pudiendo vivir de esto, que es una maravilla. Fuera de España ya es de otra manera.

Bueno, no sé si tienes mi misma percepción, pero grupos que en España son de “primera división” fuera se quedan en “segunda división”.
Pero son grupos que en Latinoamérica son bastante grandes. Aquí lo fundamental es el idioma…

Pero te hablo de países de idioma anglosajón…
Entonces sí. Es complicado entrar en ese tipo de mercado porque ellos ya tienen su propia música y sus propios grupos, como nosotros tenemos los nuestros. Habiendo eso es difícil entrar ahí. Mi aspiración nunca ha sido la de ser de esa especie de mitos, sino que mi inspiración ha sido la de poder viajar y tener un público aquí y allá pero sin que sea excesivo.

Por ejemplo, esta gira de Octubre que hicimos entre Europa y Asia se veía muy bien ese contraste. De repente tocabas en Rótterdam una noche con sesenta o setenta personas viéndote en un garito pequeñísimo que estaba enfrente del hotel donde nos quedábamos. No veíamos más calle que esa y el concierto era como un secreto entre nosotros. La manera de experimentar eso es algo que no quiero perder nunca. ¡Ojalá pueda seguir tocando en sitios pequeños donde eso sea el concierto de una noche! Después iba a Japón y tocaba en un sitio más grande generando otro tipo de ánimo. Me gusta tener esas dos cosas y creo que es posible.

De hecho has dicho que no haces cultura, sino entretenimiento.
La cultura pop es algo que está al márgen de la cultura en general. Yo no puedo colocarme a mí misma en ese nivel de cultura. Yo hago canciones desde la importancia de hacer algo con sentimiento. Y ya está. No hago canciones con un background o una pretensión de peso. Por eso creo que la cultura es otra cosa y creo que también hay que ser muy brillante y ser un intelectual en toda regla para poder hablar de esas cosas.

¿En ese sentido no te consideras una intelectual?
En música no. Ni soy intelectual ni tengo pretensiones de serlo. Un intelectual de la música es un tipo que tiene carrera de piano, que sabe escribir música y que tiene un conocimiento amplísimo e histórico. Alguien que domina la música en todas las esferas y en todos sus ambientes. La música que yo consumo y la que hago es puro entretenimiento… aunque me hace sentir feliz. Es que no tiene nada que ver. Un tipo de música u otra te puede elevar, pero ya depende de ti lo mucho que te pueda elevar esa música.

Tal vez la vertiente de pop femenino en España está un poco denostada y hasta manida, diría… No se le tiene el mismo respeto que se le tiene en sus respectivos países a Laura Marling o si prefieres un ejemplo mayor, Joni Mitchell.
No sé, en Reino Unido hay una escena de música de grupos de todo tipo que generan esa escena y ese relevo (dependiendo de la generación). En España hay música, pero es todo como mucho más ecléctico. No hay una escena real; está la música supercomercial o la música más indie. Dentro de la música supercomercial hay muchos tipos de música, pero sí es verdad que dentro de la música indie hay una conexión entre las bandas, aunque no tiene la misma repercusión que en Reino Unido. No creo que se nos respete menos, creo que simplemente aquí la manera de vivir la música es distinta. Eso repercute en la atención que se le pone a cosas como las que podemos hacer La Bien Querida o Alondra Bentley con respecto a lo que hace Laura Marling o grupos de esa escena.

¿Sería entonces mejor el conflicto que la indiferencia?
Sí. Yo soy de las que opinan que resulta más interesante el personaje controvertido que el personaje que me deja indiferente. Me atrae más una persona que genera contenidos porque deja ver que tiene un mundo interno. Además de que así genera también un choque de opiniones.

¿Independientemente de la música?
Te hablo de cualquier tipo, alejado de la música, sea cine, fútbol, literatura o música.

En “Fuerteventura” se puede percibir un aire algo distinto a las demás canciones de este disco o de “I love your glasses”. Te hablo de canciones como ‘January 14th’, ‘Everyday, everynight’ o ‘Mi canción 7’…
¿Dices que si pueden dar la pista para un tercer disco?

Sí. Estas, en concreto, son mucho más movidas.
Bueno, mi música no camina hacia algo más movido. Siempre se va a mantener en unos tempos determinados. Creo que mi canción representa más a ese tipo de música más oscura y que suelo hacer porque también las había en el primer disco, como ‘Hold it inside’ o ‘Walls are tired’. ‘Everyday, everynight’ representa todo lo contrario; canción a medio tiempo, más abierta, muy amable al oído… Pero esos parámetros van a ser los que marquen mi estilo.

¿Y para el tercer disco no hay nada?
De momento sí. Tengo cosas. Estoy trabajando más con el piano y con la guitarra eléctrica. Son dos elementos que no tenía en mis discos anteriores porque siempre lo hacía con las acústicas o estrictamente con la voz. Ahora tengo otros instrumentos y el mismo sonido que desprenden te llevan por melodías distintas.

Si no me equivoco… era Charlie Bautista quien se ocupaba del piano, al menos en “Fuerteventura”.
Sí. Fue fundamental.

Mientras que en “I love your glasses” había cosas que no te gustaron nada.
Básicamente era una cosa que veía como estaba ejecutado aquello. Me cuesta escucharlo, simplemente. Supongo que tampoco correspondía a lo musical, sino que también a lo temporal, como el momento que yo atravesaba o algo. Al final con esas cosas no nos paramos a pensar el calado que tiene todo lo que está sucediendo y todo lo que estás viviendo mientras grabas esas canciones. Luego las escuchas y ya no sientes lo mismo. Sin embargo, con “Fuerteventura”, sí estaba en un momento increíble y muy dispuesta a todo, pues estaba rodeada de gente generosísima con un gusto musical increíble. Todo eso se refleja en el disco, por eso cuando lo escucho lo siento.

Por lo tanto… ¿“I love your glasses” sería como el álbum de fotos del instituto del que uno se avergüenza por las pintas que llevaba?
(Risas) Bueno, es una manera de verlo.

Noto también cierto paralelismo con Nick Drake. Además de que tienes una canción titulada así. Sus letras oscuras lo llevaron a un destino… pero claro, no puedo llamarte la “Nick Drake española”.
Hombre, su música es mucho más elaborada y mucho más oscura, en el buen sentido. Por otro lado, él tenía un lado muy dark que al final se vio por dónde lo llevó. Pero para nada me siento así. Son los elementos de los que te hablaba al principio; hay mucha melancolía y mucha nostalgia pero siempre con una puerta a la esperanza.

Y nada mejor que hacerse fuerte frente a las contrariedades.
Sí, la verdad es que sí. Ha sido algo que siempre he tenido claro desde pequeña y además he crecido buscando la compensación, para bien o para mal. Si sucedía algo bueno esperaba a que sucediera algo malo para que estuviera todo en equilibrio y me pudiera quedar tranquila.

El Karma, ¿eh?
Supongo, sí (carcajada).

Teniendo claro que basas tu forma de trabajar en la coherencia además de en la honestidad.
Pues sí. Son dos grandes valores de la música. La honestidad tiene que ser de verdad, tienes que intentar tener la fuerte necesidad de hacer una canción auténtica, porque, para empezar, la estás haciendo para ti o a las personas a las que vaya dirigida. Y luego está la coherencia, porque si no te lo crees tú no se lo va a creer nadie.

¿Y no te encuentras en conflictos interiores por exigirte cierta coherencia y eliminar canciones que no te creas?
Bueno, al final siempre se puede encontrar el hilo conductor. Al principio en “Fuerteventura” veía que las canciones eran muy diferentes de otras y que aunar todo eso -sónicamente hablando- en un disco iba a ser complicado. Pero al final sí que se puede si empiezas a investigar. En mi caso siempre estaba obsesionada con que fueran las voces habiendo trabajado en las maquetas con todos los coros y las armonías. Ahí fue cuando pensé en que aquello debía ser el hilo conductor del disco.

¿Cómo en una película?
Todo necesita un hilo conductor.

Las bandas, como muchos noviazgos, se las prometen muy felices al principio. Está bien montar el grupo con los colegas y hacerse un par de galas mal pagadas (si eso) por algún garito para que vayan los familiares y féminas del lugar. Pongamos que, en caso de una subida por un pelotazo one-hit-wonder, la banda toca en lugares un poco más decentes y despuntan un poco más. Puede ir mejor y el auge de la amistad se asemeja a cuando el alcohol hace efecto un viernes cualquiera entre los amigos (y ninguno pilla).

Los grupos nacen, crecen y mueren, pero durante su vida pasan momentos cruciales que marcarán la diferencia entre sus componentes. Para empezar, ¿Cómo se define realmente al líder de una banda si –supuestamente- están todos bajo un mismo nombre siendo iguales (en teoría)? ¿El que canta? ¿El que compone? ¿El más veterano? ¿El más guapo? ¿El que ha fundado el conjunto? ¿El que tiene los derechos del nombre? Hay casos en los que todos esos factores han coincidido, pero en el grueso de conjuntos se deberían preguntar este tipo de cosas. Bien. La banda, al comienzo, vota todo de manera democrática o por un consenso. Por todos es sabido que el sistema democrático es la razón de la mayoría, ergo las minorías tienen que aguantarse y tragar. Tal vez las primeras veces los miembros del conjunto en cuestión aguanten, pero la paciencia tiene un límite y los malos días hacen mucho también. Hay grupos que terminan firmando las canciones de manera conjunta y los hay que cada canción tiene su verdadero compositor. Tras varios EPs, maquetas, singles y un LP de cierto éxito, ciertos músicos miran sus cuentas corrientes y reparan en que no todos ganan lo mismo:

-Oye, ¿por qué yo no gano tanto como tú?
-Fácil; pues porque yo compongo y tú te limitas a tocar.
-¡Pues no es justo!

Por ahí empiezan muchas rupturas y peleas que duran años y años. Los roles entre los músicos de una misma formación están muy marcados y a veces asumidos, pero esto cambia cuando no todos son tan iguales como creían. Realmente una canción nunca va a ser compuesta exacta y escrupulosamente por igual entre todos debido a que siempre hay un pequeño porcentaje más alto que el resto. Uno puede llevar la letra, otro las melodías, el de allá las bases y aquel se encarga de los arreglos. ¡Ojo! Que no tiene que ser así por fuerza, pues en cada canción la forma de composición varía pese a que el porcentaje nunca es el mismo. Habría que añadir también la predisposición al trabajo encontrándose al que se lo toma más en serio y al que después de la gala prefiere estar ligando. Nótese estas actitudes en los ensayos teniendo al que no falta nunca y trabaja cual esclavo contra el que pasa de ir porque prefiere hacer macramé y eso es una pérdida de tiempo. ¿Quién, entonces, debería cobrar más ahí?

Otro punto a tener en cuenta es el trabajo y la evolución. Está el miembro que dicta en las composiciones marcando un estilo sin dejar que los demás aporten ideas por muy buenas que sean. Luego hay quien deja que de vez en cuanto otros compongan y aporten ideas. Pero vuelven las proporciones y porcentajes.

-¿Por qué al final en el track-list sólo hay tres canciones mías de cinco que compuse?
-He decidido que esas queden fuera porque no encajan con el estilo.
-Pero había que darle un giro a nuestro sonido y evolucionar.
-Esto es lo que hay. Hacemos rock and roll, no blues.

Dar el brazo a torcer nunca viene mal en ese sentido. El “compositor-jefe” se levanta de buen humor y decide escuchar las sugerencias e ideas de otro compañero. Este le trae una letra y unos arreglos para montar una canción. Pueden pasar tres cosas:

-Que guste la canción y decidan trabajar sobre la idea.
-Que aunque sea buena no quiere que nadie le pise el liderazgo.
-Que la aportación sea nefasta pero aun así le den varias vueltas para comprobar que es tan mala como parece o que de la sorpresa al dar un giro.

Sea como fuere van a terminar mal sí o sí. Llega el día en el que al que ofrece la idea le sienta mal el rechazo de la misma o que el “compositor-jefe” pasa de escuchar más propuestas que no salgan de su mismísima cabeza. Las influencias son muy dispares y los músicos son cada uno de su madre y de su padre aunque al formar una banda tengan algunos nexos comunes. La evolución es un paso natural que determina el crecimiento de las aptitudes y actitudes por distintos caminos. El primer disco marca mucho la trayectoria del grupo, son las canciones más auténticas, hechas con todo el tiempo del mundo, sin presión de una compañía, pues un sello marca un tiempo determinado para componer, y ahí también se determina bastante la trayectoria que va a seguir la banda, bien por las modas o por “lo que digan desde arriba”. En este caso se verá la personalidad de la banda y la integridad de su obra frente a los intereses comerciales de su disquera. Hay muchos factores que al principio pueden marcar en el futuro… Ese primer paso que sonaba más crudo pasa a ser más pomposo en el segundo dando lugar a una sobreproducción en el tercero que, casualmente, arrasa en las radiofórmulas y da tanto dinero y tan buenos resultados que el siguiente y cuarto plástico es muy similar, provocando que los siguientes trabajos carezcan de personalidad llegando así al estancamiento y una desazón común que al final termina pro ser lo único que una a cuatro tíos que no se aguantan tras más de veinte años de convivencia.

-¡Teníamos que haber seguido por la vertiente blues!
-Pues no, lo mejor era haber echado al productor porque mi bajo ni se escuchaba.
-Yo creo que mi idea de meter más guitarras era lo mejor.
-Ya os dije que las programaciones no iban a funcionar…

Y si la cosa pinta en bastos, se le puede añadir al teatrillo un mánager/colega/novia tocapelotas para hacer leña del árbol caído:

-Esto os pasa por no haber hecho caso a Fulanito, que es mi novio y muy listo y los demás no sois más que una panda de fracasados.
-Oye, aquí el fracasado es tu pagafantas, que por cantar se cree el mejor mientras yo compongo.
-¡Eh! ¿¿Y yo?? Curro como un cabrón con las melodías.

El dinero, los egos, las competencias y el pisarse el terreno conducen a la ruptura. Con este tipo de situaciones pasan cuatro cosas:

-Que el grupo se disuelva y cada mochuelo a su olivo.
-Que el cantante monte una banda por su cuenta y el resto haga su vida en solitario.
-Que uno de los componentes se quede con el nombre y contrate a cuatro mercenarios en un intento de relanzar el grupo.
-Que cambien de cantante directamente.

Es en ese punto donde se demuestra realmente quien tenía talento en esa sociedad. Ya puede ser uno muy guapo y tener mucha presencia que sin talento no se va a ningún lado. Por ejemplo: el cantante se va, bien porque le han echado o porque ha decidido irse por su cuenta y liberarse con otros proyectos. Si es bueno de verdad va a tener una carrera sólida y hasta más larga que la de su banda, aunque siempre tendrá esa cicatriz en su carrera. En cambio se vería también el camino de los demás enseñando que con otro cantante pueden seguir adelante. Los fans, como es lógico, querrán al cantante original y no a un mono titiritero que ni canta igual ni nada. Es evidente que son músicos y aunque uno de los miembros abandone el proyecto común todos tienen derecho a ganarse el pan haciendo lo que hacen, por lo que no debería molestar que sigan caminos diferentes entre el cantante y el resto. Pasa el tiempo y el cantante que dejó atrás a la banda ha triunfado y ha crecido de tal manera que el nombre de aquel grupo ya es agua pasada. Por el contrario, sus antiguos “amigos” no se han comido un colín con el nuevo cantante y aunque mantuvieron un éxito curioso tras la escisión, las ventas han caído en picado y por consiguiente son despedidos de la discográfica dando a parar a otros sitios no tan reconocidos.

Evidentemente se puede dar (que se ha dado) el caso contrario, donde el cantante se ha comido los mocos y el resto ha seguido cosechando un éxito arrollador con otro front-man. Importante es saber llegar al listón anterior y superarlo con creces si no se quiere morder el polvo. ¿De qué sirve haber creado un legado mítico si luego se monta una pseudobanda bajo el mismo nombre pero de inferior calidad? Si el vocalista tiene orgullo pasará de lo que fue su pasado de juventud y aguantará carros y carretas haciendo lo que hace aunque sea de un dudoso gusto.

Y si antes se ha advertido de las intenciones de los A&R, directores y demás fauna discográfica por cambiar el sonido inicial, también sería de menester tener presente que detrás de algunos intereses económicos se esconde el plan de influir negativamente entre los componentes para que terminen peleados, disuelvan el conjunto y el vocalista termine en solitario lanzando un disco con esa mismo sello en un alarde de estrategia comercial.

Pero puede tragarse ese ego y volver con el rabo entre las piernas al redil tras haberse desfogado con una serie de trabajos experimentales que no le han llevado a ningún lado. Es como el amigo que un día se echa novia y se olvida de la pandilla. Tarde o temprano discutirá con su pareja y lo dejará, volviendo así otra vez con sus compadres. Bastante común, ¿verdad?

Tan sólo doblando tres esquinas hacia la derecha y desdoblando otras cuatro a la izquierda llegué al destino y allí habíamos quedado unos cuantos para disfrutar de la despedida del grupo Cataluña y Baleares, equipos destacados que despuntan en nuestro país, organizados con ardid y ocurrencia por Vertical Pop. Todo un regalo. No importó que entre ellos faltara Antonia Font, a pesar de que muchos lo echaran de menos estos días en Madrid. Y los cuentos, no castigados en baúles de música abandonados por un mercado que parece huir de ellos, que volaron y hechizaron a los allí presentes nos los obsequió Nacho Umbert y la Compañía de sus cuatro músicos, engatusando a los que tenían enfrente.

Entre esas calles, hasta allí llegar, cruzando la Gran Vía y pasando por Fuencarral, uno se puede cruzar con prostitutas que salen de sus “casas de sombreros”, chavales, algún moderno que trata algún asunto capital, cajeras de supermercados, luces de boutiques de moda, chicas espectaculares que provocan colapsos y ardores de mal pronosticar, gimnasios donde los muchachos compran lociones de “fiera sexual”, alcaldes, curas e, incluso, algún pariente lejano de Benidorm.

Dejando atrás a la gente, como si fuera un flautista alemán, asomando la cabeza en esos paisajes de personas y parejas que uno se cruza cada día en su vida, Nacho Umbert convierte lo humano en canciones donde fantasear sobre rimas perfectas o versos en catalán; mágicos y contagiosos otras veces, alegres y casi delirantes, como lo hace en “El mort i el degollat”, sobre un proverbio valenciano que habla de no caer en la hipocresía.

En hora y media, como si se tratara de la primera cita que tienes con tu pareja, quiso dar lo mejor de sí mismo. El público se lo agradeció con creces. Todos salimos con una sonrisa en los labios. Ni siquiera cualquier novato de ala ancha hubiese sospechado dónde habría llegado a parar. No hace falta hablar de aquellos que hacen enarbolar la bandera de la modernidad. Sólo de estos que tienen en sus manos la elegancia del saber deleitar. Cualquier princesita, al salir, se hubiese convertido en un pivón y el resto silbando sus temas, rimando con fascinar.

Nacho Umbert es un corredor de fondo, atrevido en sus letras (“tengamos la puta fiesta en paz, acomete en “Nuestra especialidad”, donde sentencia después diciendo eso de “es la guerra, es Navidad”, con el acompañamiento de unas matasuegras deliciosas).

Claro, si este superhéroe de un país tropical, aunque haya perdido su manual varias décadas atrás, ha vuelto bien acompañado todos podemos estar de enhorabuena, ¿no es verdad?. Y sus canciones, esmeriladas por esa eminencia que es “Refree” (uno de los mejores músicos del panorama musical español de las últimas décadas), a su derecha en el escenario, no dejaba distracción posible ni ganas de huir de sus temas. No se puede hacer como si nada. No se puede querer cambiar.

No estaban con él sus compañeras de Pauline en la playa, (ay, ¡qué bueno y olvidado es también su último álbum!), pero las ausencias quedaban mitigadas por las excelencias del atractivo del ukelele, los teclados, el acompañamiento de las voces y todo lo demás; el conjunto fue delicioso. De cómo un cantante coquetea con sus canciones, se lo pasa bien con sus músicos y lo contagia a su público. Detrás de él seguimos, como si fuera un flautista alemán. Nada de reproches ni dentelladas, golpeando con gran celebridad un buen disco. Y es su más preciada especialidad.

Rihanna nos tiene comprados. Aunque de primeras dudásemos de la valía de un tema tan ramplón como “We found love”, al final nos conquistó como siempre que ponemos en tela de juicio su capacidad para engancharnos de mala manera. El próximo paso era defender tal retahíla de hits en vivo y en directo, tratándose de la primera vez que la chiquilla actuaba en España de manera independiente, ya que aunque formó parte del cartel de Rock in Río 2010, los (escasos) conciertos de divas del pop en festivales suelen más comedidos y menos espectaculares.

Después de una machacona sesión de la mano de Calvin Harris, Rihanna salió a la palestra abriendo fuego con su llena pistas “Only girl (in the world)”, aunque la voz estaba un poco baja quizás ahogada por la contundencia de las bases. “Disturbia” sonó a medio gas y los matices newordeanos de “Shut up and drive” (contiene un sampler de “Blue Monday“) se vieron eclipsados por un guitarreo excesivo y de pose (el guitarrista era todo un personaje, tópicos rockeros incluidos). Por suerte “Man down” subió la media con el toque mordaz de su reggae, donde Rihanna se siente como en casa.

“S&M” incluyó cadenas, cueros y sudor, aunque carecía de la fuerza de la original, y “Skin” y “Raining men” tampoco subieron el listón. Por suerte la parte de ambientación militar, bien de uniformes, coreografías acordes y un par de cañones, trajo las geniales “Breakin’ dishes” y “Hard”, para enlazar con una apañada versión de “The glamorous life” de Sheila E. donde Rihanna se arrancó con la batería (para que viésemos que no sólo canta). La sección terminó con un popurrí de “Run this town” y “Live your life”, dos éxitos internacionales junto a Kanye West y Jay Z y T.I. respectivamente que nunca llegaron a sonar en nuestro país.

La sección de baladas, que en un principio podría llevar al bostezo, se mostró bastante apañada, aunque en “California King Bed” Rihanna prefiriese quedarse en éxtasis y no cantar el estribillo. Dejar en boca de las coristas muchas de estrofas fue uno de los asuntos más cuestionables del show, pero en el mentado tema fue excesivo. La puesta en escena de este paréntesis sosegado fue uno de los más indefinidos del concierto, con detalles de poco gusto como la jaula de fluorescentes donde Rihanna interpretó “Unfaithful”. Y es que aunque es espectáculo en general estaba bien ejecutado y gozaba de bastante espectacularidad, había momentos como éste o detalles que no convencían, como algunos de los vídeos proyectados, que de tan sencillos rozaban el cutrerío. Vamos, que no es Madonna.

Volviendo al setlist, el Palacio de los Deportes se convirtió en una discoteca caribeña a ritmo de “Pon the replay”, “Rude boy” y una sensual “What’s my name”, para acabar antes del bis con “Don’t stop the music”, algo distinta respecto a la versión de estudio (una de las pocas canciones con las que se permitió el lujo). A la vuelta Rihanna interpretó decentemente pero sin emocionar su versión de “Love the way you lie” para continuar con una de las mejores canciones del pop comercial, la enorme “Umbrella”, que por mucho que perdiese su lado synth siguió manteniendo la grandeza del single. Para terminar que mejor que recurrir a su hit actual “We found love”, que no sabemos por qué se convirtió en el temazo de la velada, con una puesta en escena muy buena y una espléndida Rihanna. Broche de oro para una noche que empezó tímidamente y acabó como el rosario de la Aurora (en el mejor de los sentidos). Y es que así es como transcurren las mejores fiestas.

“Hacia lo salvaje” (Antártida, 2011) se ha convertido en un punto y aparte para Juan Aguirre y Eva Amaral. En primer lugar se presentan cambios en la banda. Decidieron enfocar el sonido de otro modo y darle un giro a la instrumentación, de ese modo simplifican la formación y lo llevan al mínimo común divisor. Esto es: guitarra, voz, bajo y batería. Como el estribillo que da título al sexto álbum, Juan Aguirre y Eva Amaral han decidido autoeditarse y caminar… hacia lo salvaje y hacerlo todo por su cuenta con Antártida, el sello propio que han montado ellos mismos. Aunque “Hacia lo salvaje” no es la novedad en este paso, pues con “Gato negro / Dragón rojo” (EMI, 2008) ya se lo montaron por su cuenta. Todo esto y mucho más en la siguiente entrevista que mantuvo Charly Hernández con el dúo de Zaragoza.

Dejando de lado las gilipolleces de Rubalcaba y de “volver a lo indie”, creo que empezaré por el final. He destacado que habéis llevado exactamente el sonido de “Hacia lo salvaje”, cuando lo cómodo sería evolucionar en el estudio pero repetirse en el directo.

[Juan]: Pues me alegra que digas eso porque era exactamente lo que queríamos. Para nosotros el estudio y el directo son dos cosas paralelas. Realidades paralelas y no realidades opuestas. Realmente lo que hemos hecho es basar un poco todo lo que es el directo en bajo, batería y guitarra. Es sencillo.

Llevándolo –efectivamente- al mínimo común divisor, cambiando, además, la formación de la banda. Se incluye a Toni Toledo y a Jaime Gª Soriano (Sexy Sadie), haciendo este último unos coros bien majos. ¿De ese modo respiran mejor las canciones en directo?

[Eva]: Realmente yo creo que muchas veces es mejor quitar elementos para potenciar los que hay. Eso es un poco a donde queríamos ir, tanto en el estudio como en el escenario. Queríamos potenciar el sonido de las guitarras de Juan y convertir la base rítmica en algo mucho más tribal y poderoso. Por otro lado, Jaime tiene una forma de tocar la guitarra que se complementa muy bien con la de Juan por referencias comunes. Además canta y tiene una voz increíble, que es como matar moscas a cañonazos (risas).

[Juan]: Lo esencial es que ya nos conocíamos porque habíamos participado en conciertos de Sexy Sadie y Eva había cantado con él en su proyecto en solitario. Todo viene hilado. Normalmente, cuando llegas a una situación no se llega así de nuevas porque las cosas suelen venir de algo.

[Eva]: De hecho, Chris Taylor (bajista) grabó “Gato negro / Dragón rojo”, entonces vino a grabar en “Hacia lo salvaje” y ya estaba deseando quedarse en España. Tuvimos suerte, todos los planetas se alinearon para que todo saliera bien.

¡Y es raro que ocurra eso! Que tantas cosas coincidan… para bien.

[Eva]: La verdad es que sí (risas).

[Juan]: Es cierto. Ni Eva ni yo somos muy de planificar las cosas. Vienen así y nos adaptamos en el momento. Nosotros vivimos el “aquí” y el “ahora”.

Aunque utilice la etiqueta de “grupo pop”, sois un grupo más cercanos al rock. Si me apuráis diría que hasta al power-pop. Eso tiene que ver con que no volvéis realmente a los inicios, de hecho esto es una evolución más, no una vuelta al inicio.

[Eva]: Es que no tenemos ningún interés en volver a los inicios. Queremos seguir hacia delante. Ya hemos estado allí y sería muy aburrido volver a hacer lo mismo.

[Juan]: Yo creo que entorno a cualquier banda siempre se forma mucha literatura. Respetamos todas las opiniones, sean negativas o positivas, con algunas coincidimos y con otras no, pero al final es literatura. La vida de la banda es mirar adelante y en eso siempre hemos tenido la misma filosofía. No pienso que la ideología del grupo haya cambiado ni tampoco la manera de entender la música. No sé si somos un grupo de pop, rock o de nada. Yo a Eva si que la veo más dependiente de la cultura rock mientras que yo he estado más enraizado con la cultura del folk, aunque sea un folk eléctrico. De la mezcla de esto, creo, sale mucho sonido. ¿Qué lo quieren llamar pop? Me parece muy respetable. ¿Qué lo quieren llamar rock? Pues también. ¿Qué de pronto se enfada alguien porque no hacemos rock? ¡Es que yo no tengo ningún interés en practicar ningún género concreto! Toco lo que me suena en la cabeza. Si oigo a Eva hacer una cosa toco tratando de lanzarme detrás. Las etiquetas son muy respetables pero no seré yo quien las ponga.

Hablamos del sonido. Si hay algo que ya no está tampoco es la Rickenbacker.

[Juan]: No, pero eso no significa que no tenga el disco otras guitarras increíbles. Lo que pasa es que la Rickenbacker necesita ser mezclada con otras. No es una guitarra que suene grande. Es una guitarra con mucha personalidad, la cual voy a seguir usando en el estudio, de hecho, en este disco la he usado como complemento a otra. Pero cuando estamos solamente bajo, batería y dos guitarras prefiero usar guitarras que suenen más anchas. Sacrificar la fuerte personalidad de la Rickenbacker por guitarras que a lo mejor no suenan más anchas pero mantienen más la nota. Eso no quiere decir que no siga flipando con ese tipo de guitarras.

Pienso que ‘Olvido’ y ‘Montaña rusa’ tienen mucho de esto, el sonido más “ancho”.

[Eva]: Sí, es cierto. En el caso de ‘Olvido’ se basa en la guitarra acústica afinada de manera más grave. A mí, personalmente, me gusta mucho ese sonido de acústica que no es timbreante, sino que tiene el brillo un poco más matado.

Y habéis grabado un, digamos, segundo LP en acústico dentro de “Hacia lo salvaje”. Me da la sensación de que es algo que queríais hacer.

[Eva]: Sí. A nosotros nos apetecía mucho hacerlo porque realmente es un bonito ejercicio una vez terminado el disco volverlo a desnudar otra vez.

¿Pensáis que este cambio tiene mucho que ver con Juan de Dios Martín, haciendo olvidar la figura de J.M. Rosillo aunque el productor de anteriores trabajos era Cameron Jenkins?

[Juan]: No. Yo creo que todos los discos suponen un cambio respecto al anterior. Por ejemplo, si tú escuchas el primero respecto al segundo, te darás cuenta de que cambia mucho. Cuando sacamos “Estrella de mar” la gente decía que habíamos cambiado a lo que había con ‘Como hablar’. Cuando hicimos “Pájaros en la cabeza” nos decían que ya no recordaba a ‘Sin ti no soy nada’. Y con “Gato negro / Dragón rojo” igual. Probablemente en el siguiente disco no habrá un “Hacia lo salvaje” ni será del mismo modo. Nunca hemos repetido los esquemas. Rosillo, por ejemplo, es muy buen amigo y hemos aprendido mucho de él.

[Eva]: Rosillo era el técnico de sonido y si tenía que aportar una idea lo hacía. Y esto era así porque estaba en nuestro equipo.

[Juan]: Toda nuestra gente, en nuestro caso, tiene opinión y voz, aunque luego Eva y yo somos los que decidimos hacia donde vamos. En el caos de Juan de Dios su papel ha sido el de hacer de balance entre nuestros caos. Obviamente, en este disco él es muy importante y además es un gran amigo, con lo cual está bien destacar su figura.

[Eva]: Juan de Dios tienen la cualidad de, a pesar de tener muchas ideas, que es lo que tienen que potenciar por encima del grupo y sobre todo tienen máximo respeto por la idea que tenemos en la cabeza. Siempre está preguntando mucho por referencias o sobre lo que nos imaginaríamos en tal canción, a donde queremos llegar… Es una persona que se interesa en potenciar el sonido del grupo, más que disfrazarlo de otra cosa.

Es muy difícil encontrar un productor que se involucre pero que deje trabajar a los músicos entendiéndoles, la verdad.

[Eva]: Para nosotros eso era un punto a favor de currar con Juande. Nos conocíamos de hace un montón y además conoce muy bien nuestra música.

Entonces se puede aplicar aquello de “donde hay confianza, da asco”.

[Eva]: (Carcajada) Bueno, en este caso no da asco.

[Juan]: En este caso hay confianza, hay cariño y hay mucho respeto y admiración. Además de haber mucho talento por su parte.

Sin duda se ve eso a lo largo del disco. Pero voy a ir a las letras, pues hay detalles que he visto bastantes veces. ‘Riazor’ tiene una letra que ideó Juan [Eva lo señala], pero habla sobre el suicidio. No es que lo enfoque, pero sí que lo lleva por ahí.

[Eva]: Es verdad, porque hay mucha gente que nos ha comentado que habla de ese mundo.

[Juan]: Bueno, habla de saltar al vacío, pero no quiere decir que saltes al vacío para eso. Muchas veces las imágenes tienen otras maneras de explicar las cosas, pero tampoco hay que entender las letras de un modo tan literal. También está que todo lo que escribimos es como si lo hiciéramos nosotros dos, porque todas las canciones las solemos terminar entre los dos. O sea que una idea parta de uno o de otro es anecdótico. Normalmente los dos escribimos, arreglamos y componemos. Digamos que somos…

[Eva]: …multitarea. Hay muchas letras que comienza haciendo Juan y que puedo proseguirlas yo.

Aunque también depende del punto de vista que se le de a una letra. ‘Cuando suba la marea’ tiene una historia femenina, por lo que pueden ser letras unisex.

[Eva]: Podrían ser.

[Juan]: Mira, yo la manera que tengo de responderte a esta pregunta es acordándome de la letra de una canción de Fernando Márquez “El Zurdo” que decía: «decidimos no preguntar ni nombre ni estado social». Creo que las letras son un vehículo para transmitir. También para contar pequeñas películas, aunque nosotros no tengamos talento para hacerlas, más bien serían cortometrajes, y para generar estados emocionales y de ánimo. Que utilicemos el género femenino, masculino o neutro… es lo de menos. Tenemos que coincidir los dos en el estado de ánimo que provocan. El resto podría ser cambiable.

¡Vaya, nos encontramos ante las primeras canciones transexuales!

[Eva]: (Carcajada)

[Juan]: Si tú lo quieres llamar así… (Risas).

Pero os movéis muy bien dentro de la temática trágica. Hablo por ejemplo de letras como ‘Concorde’ o ‘El artista del alambre’, de “Gato negro / Dragón rojo”. Valoro que ‘Robin Hood’ anda por ahí y ya no solo por la letra, sino también por el sonido.

[Eva]: Bueno, la verdad es que todo el disco tiene un concepto que se repite en todas las canciones, que es un el paso a otro nivel. La transformación o como quieras llamarlo. Y además no es premeditado, que conste. Nos hemos dado cuenta de ello al terminar de grabarlo. También nos hemos terminado por dar cuenta haciendo entrevistas, que es como hacer una especie de psicoanálisis.

‘Si las calles pudieran hablar’ me recuerda a ‘No sabe donde va’…

[Eva]: Es ir adelante y no recrearte en el pasado. Yo en ese sentido sí que veo que todas las canciones tienen un punto de esperanza. En algunas hay algo aparentemente trágico que envuelve la historia, pero siempre está la esperanza de salir a otro sitio.

‘Antártida’ sería el ejemplo más claro, pues habla de Carol Anne Freeling, la niña protagonista de “Poltergeist”. No hay mejor forma de explicarlo, pues cuando la niña mete la mano en la tele va a otra dimensión o a otro mundo.

[Eva]: Exacto. Y también el miedo que hay de no saber si tiene que ir hacia la luz o si no… sintiéndose un poco confusa.

Bajo la tesitura musical; ¿os habéis sentido confusos?

[Juan]: No. Normalmente no nos sentimos más o menos confusos dentro de una tesitura musical. La música es una parte de nuestra realidad. Si nos sentimos confusos nos sentimos confusos como unos seres humanos más en un mundo en el que a veces reina la confusión. Digamos que no estamos hablando todo el rato de la esfera o de la escena musical. Es más, las canciones no hablan de escenas musicales, sino de escenas personales. Vale, lo explicamos de una forma musical porque somos músicos, pero lo podríamos poner en un libro y estaríamos hablando de lo mismo. No somos nada ombliguistas, no solemos hablar casi nunca del mundo de la música.

[Eva]: El mundo es una gran bola de confusión.

Diría que eso es un punto a vuestro favor…

[Juan]: Es que el mundo musical no nos parece muy interesante. Hacer música si nos parece interesante, pero no el mundo musical. Nos parece un cero coma cero, cero, cero, periodo siete por ciento de nuestra vida. Nuestros amigos, la mayoría, no son músicos, aunque tenemos muy buenos amigos músicos. En nuestras familias no se han dedicado a la música de forma principal. Cuando hablamos entre Eva y yo hablamos de música, pero no de la escena musical.

[Eva]: De hecho las historias que viven amigos tuyos músicos son las mismas historias que puede vivir una persona en otros ámbitos.

El nuevo disco de Roxette ha sido simplemente una excusa para poder reunirse de nuevo, realizar una gira y volver a llenar recintos interpretando sus grandes éxitos. No sabemos si en otros países tendrán el mismo éxito que en España (siempre fuimos uno de sus mercados prioritarios), pero por lo menos en su cita madrileña se vieron arropados por miles de personas berreando esas canciones que todo el mundo conoce gracias a M80 o Kiss FM. Lo que en un principio puede ser un punto a favor para la gente que no sea fan del grupo (novios y novias por doquier), tantos años de escucha en bucle pueden pasar factura y acabar maldiciendo “The look” o “It must have been love”, como en el caso de un servidor. Aún así, a la hora de la verdad disfrutas como si volvieses a la infancia y/o adolescencia cantando en masa todos sus grandes hits.

Sorprende cómo gran parte de los asistentes se conocía los temas de pe a pa, cuando ya sabemos del nivel de inglés de este país y recordando un concierto como el de Madonna donde la gente no pasaba del estribillo incluso de las canciones míticas. Rodearse de un público tan entregado siempre ayuda a integrarse en un concierto que aunque divertido, tuvo sus altibajos. El sonido a veces resultaba algo farragoso; la voz de Marie no estaba en su mejor momento, como su actitud (suponemos que debido al cáncer de hace algunos años); los momentos horteras como juntarse todos los miembros con cuerda en un rincón y hacer el mismo gesto se sucedieron bastante y, para que negarlo, provocaban un poco de vergüenza ajena.

Sin embargo ya sabes a lo que vas, y al final lo das todo. Comenzaron con “Dressed for success” y se fueron sucediendo “Sleeping in my car“, “The big L.” o “Crash! Boom! Bang!”, éxitos, pero no tan queridos como los que guardaban para el final: “Fading like a flower”, “Joyride”, “The look”, “Spending my time” o “Listen to your heart”, que todo el mundo supuso como última, pero que nos sorprendieron con una preciosa versión acústica “Church of your heart“, un single menor del Joyride. Y es que uno de los puntos positivos de la velada fue la recuperación de un buen surtido de temas del que se trata sin duda su mejor álbum. Aparte de los consabidos singles, incluyeron dos baladas interpretadas de manera casi desnuda: “Things will never be the same” y “Perfect day”. Se agradece el gesto para los puristas de la banda, y que no sólo se dejasen llevar por los singles populares. ¿Y Charm School? Un par de temas y a correr. Como anécdota hay que decir que “It must have been love”, supuestamente su gran balada, la interpretaron a la mitad, dejando para el final “Spending my time” y ”Lister to your heart”. Por fin se hace justicia: estas dos son sus grandes baladas, y ellos parece que piensan lo mismo.

La actitud de Per en el escenario es magnífica y desde cierta distancia parecía tratarse de un jovenzuelo; Marie, como se ha dicho, no está en su mejor momento, pero a pesar de cierto resentimiento de la voz en determinados momentos (“Whish I could fly“ fue un poco desastrosa), aprobó con holgura. La complementación entre los dos sigue teniendo la magia del pasado y se nota a la legua que siguen llevándose tan bien como hace veinticinco años, así que la reunión no ha sido para nada forzada, y eso se refleja sobre el escenario. Casi dos hora de máquina del tiempo que aunque no nos cambie la vida, sí que agradecimos en un show tan entretenido como, hay que reconocerlo, intrascendente; pero es que hay veces que hay que vomitar sobre los prejuicios y dejarse llevar.

Louisiana son Luis Cebrián y Ana Muñoz. Si ustedes han sido avispados habrán reparado en el juego de palabras que hay entre el título del dúo y de los nombres. Justamente son eso, un dúo, pero con una banda que respalda todos y cada uno de los movimientos sonoros que hacen. En 2010 fueron premiados como el Grupo con Mayor Proyección de Aragón 2010 en los XII Premios de la Música Aragonesa. Y no es para menos, pues su primer trabajo homónimo es algo, ya no sólo digno de premiar, sino de escuchar y hasta de revisar cada cierto tiempo, pues las canciones valen tanto para un roto como para un descosido. El próximo Jueves 17 de Noviembre estarán enseñando en la sala Costello (Madrid) lo que sus canciones pueden llegar a hacer.

¿Cómo un casquivanillo como tú (Luis) y una poetisa como ella (Ana) acaban juntos de esta manera?
[Luis]: Es sencillo; porque dentro de una aparente…

[Ana]: No, mira. Para empezar me revienta que digan poetisa.

Vaya.
[Luis]: Bueno, en Zaragoza, Ana era conocida como poetisa y yo era un tarambana (risas). Entonces, al unirnos, juntos surgió lo mejor de cada uno. Una vez que empezamos a quedar con las guitarras nos dimos cuenta de que había feeling.

[Ana]: Nos conocimos en un recital de poesía. Él vino cuando concluyó y ahí fue donde nos conocimos en persona, aunque ya teníamos noticias el uno del otro previamente. Nos conocimos, nos caímos bien, estuvimos hablando… y resultaba que éramos vecinos. A lo largo de ese verano que comenzaba quedamos bastantes veces. Luis estaba en un momento complicado con Nubosidad Variable, su grupo. Estaba en un momento de declive, por así decirlo. Yo, por mi parte, estaba tratando de empezar un proyecto musical. Luis me ayudó a preparar algunas de las pruebas, entonces llegó el momento en el que nos preguntamos por qué no montar un grupo. Así que eso hicimos con las canciones que había.

Es curioso que, tras conoceros, se os ocurriera montar un grupo en lugar de salir como pareja.
[Luis]: Porque enseguida vimos que eso no era bueno. Aunque… la primera vez que nos vimos…

[Ana]: …nos dimos un besito.

[Luis]: Fueron dos; uno de ellos fue en la calle Alfonso.

[Ana]: Y que no iba tan borracho como yo pensaba (risas).

Dejando de lado este paréntesis… me resulta curioso y gracioso a la vez que tú, Ana, huyas de los instrumentos amplificados. De hecho, no te gusta oírte así y prefieres el rollo acústico.
[Ana]: No… bueno, no sé.

¿No o no sé?
[Ana]: No, porque cuando me pongo una guitarra eléctrica me pongo superpoderosa. ¿Sabes lo que pasa? Que yo al principio tenía mucho miedo de escucharme amplificada, eso sí que es verdad. Y todavía tengo ese vicio en las pruebas de sonido de pedir menos guitarra porque me gusta oírlo todo cuanto menos amplificado, mejor. Pero porque todo es parte de un proceso, pero todo tiene su tiempo y voy poquito a poquito. Al principio el proyecto era muy pequeño, tocábamos en mi habitación. ¡Incluso con la banda ensayábamos en el salón de mi casa! Y mi casa no es nada grande, es un piso con las paredes de papel. Así que hasta hace muy poco yo no estaba acostumbrada a escucharme amplificada. Yo misma me presionaba mucho, incluso lo hago en el local de ensayo.

[Luis]: Yo creo que es una evolución propia. Al principio, estaba la propia inseguridad de empezar a pelo, cantando y con las acústicas. Luego, a medida de que se cogía la guitarra con soltura, se pasa a banda y se pasa a la guitarra eléctrica… había más confianza. Era el trabajo de estar todos los días trabajándolo.

Hombre, sinceramente veo un buen equilibrio entre la acústica y la eléctrica, pues además es un modelo Gibson SG, un sonido bastante contundente. Está bien así y que no sea el típico grupo de menstrua-pop.
[Ana]: ¿Menstrua-pop? ¡Soy tuya para siempre!

[Luis]: La cosa está en que se va equilibrando. Empezamos haciendo folk electroacústico. Vale, todo evoluciona. Así que de repente vimos que sí existía esa parte, pero con más colores. Está el color más emotivo, con instrumentos acústicos que hemos ido mimando hasta llegar a pasajes, digamos, más post-rock y más eléctricos, también combinados.

[Ana]: También empiezas de una manera diferente cuando te cuelgas una guitarra eléctrica teniendo unos pedales de distorsión. Son elementos que van muy bien para determinadas canciones, como las nuevas.

Las evoluciones son necesarias para que el sonido crezca. Y más si habláis de nuevas canciones.
[Luis]: Igual que las percusiones, porque nos hemos centrado ahí con otro color más percusivo. Eso genera en las canciones instrumentales un motivo más alegre y menos melancólico. Por ello existe la seguridad de que Ana también es muy realista como instrumentista. ¡Somos muy realistas! Porque si no llego a algo no lo voy a hacer. Ana ha mejorado mucho y hace más cosas porque, como bien dice, se siente poderosa y porque suena bien. Antes éramos voces y ahora somos más guitarras. Hay un juego donde yo soy “solista” pero también, a veces, intercambiamos ese rol.

[Ana]: Nosotros teníamos una idea de lo que nos gustaría hacer musicalmente, sabiendo hacia donde queríamos llevar esas canciones. Pero todavía siento que nos queda un pasito. Algunas cosas que hay que cambiar. Ahora los coros y las percusiones tienen más relevancia que antes porque se han ido dando pasos. Vamos poco a poco pero sin haber cambiado la percepción de nuestras canciones y sin haber cambiado la voluntad de cómo queremos que suenen. Es lo que decía Luis, damos pasos seguros en diferentes aspectos.

¡Y hay tres tíos más!
[Luis]: Claro. Es que es tocar con la confianza de tener de una banda. Estamos muy contentos con las aportaciones que hacen.

[Ana]: Son unos músicos que llegaron en el momento clave para armar las canciones de la manera que nosotros queríamos o conducirlas hacia donde queríamos. Igual que antes podíamos decir pop electroacústico o folk, también hay partes que son de rock progresivo.

[Luis]: Ahora los nuevos vienen de The Fractal Sound, un grupo de Zaragoza.

¿Ya no están los anteriores músicos?
[Ana]: No. De hecho empezaremos con esta banda en Costello. Pero es algo que tampoco queremos darle mucha importancia por si dicen que ya no somos los mismos. Louisiana somos Luis y Ana, luego está la banda. Entran y salen músicos, pero es más o menos elegante porque nos ayudan con cierta firmeza y destreza.

[Luis]: Es importante, porque hemos ido buscando a los músicos. Ellos venían a los conciertos y les gustaba, entonces así era más fácil que ellos tuvieran una visión de lo que pudieran aportar. Son músicos que con su grupo pueden estar haciendo algo barroco o lo que sea. Ahora encajan, como músicos que son, sus ideas en Louisiana, por lo tanto saben cuando tienen que estar callados entre las canciones o cuando hacer un arreglo, pero siempre con las ideas de Louisiana.

Ahora que dices de silencios… ¿Qué tipo de pieza es ‘Daddy’? ¿Algo tipo ‘Sal’, como la canción de Héroes del Silencio?
[Ana]: Queríamos que fuera una intro. El tema está en que, lógicamente, mientras canto no puedo tocar el clarinete, así que es una continuidad a ‘Reformulación de Daddy’. También porque hace referencia a un poema de Sylvia Plath.

Destaco dos canciones más, que son ‘Feliz daño nuevo’ y ‘Que me desamor’, las cuales no quieres volver a tocar porque ya no las sientes…
[Ana]: Bueno… ahora es al revés porque desgraciadamente han vuelto. Volvieron en verano o por ahí. Cuando yo las estaba haciendo me venían imágenes, el rostro de aquella persona, pero hubo un momento en el que se olvidó y estábamos todos bien. Vamos, que no sufría por ellos. Pero hasta este verano, porque ha sido curioso que de repente, aunque tenían sentido para mí, aparecían otros rostros distintos. Es la historia del eterno retorno de “siempre lo mismo”. Hacer una canción sobre unos rostros y que tiempo después esa historia sirva para otros.

¿Has pensado en matar gente? Así olvidarías los rostros.
[Ana]: ¿Matar gente?… no, no lo haría (risas). Pero en la escritura te cargas a tus enemigos y juegas a ser sádico…

Pero no hay valor. Como se titula una de vuestras canciones bandera: ‘No hay valor’. Me consta que es la primera canción que tocasteis juntos, digamos el embrión de todo. Ese título me suena a esa frase que siempre obliga a hacer algo por orgullo: “No hay huevos”.
[Ana]: ¡Es que es por eso! No hay huevos… como que no hay cojones.

[Luis]: En ‘No hay valor’ hay partes de Ana en las que yo creo que puede haber dos significados; uno, que es cuando Ana la escribe y piensa a nivel de desamor… por ejemplo. Pero ese mismo significado, y como segundo punto, puede ir a Louisiana, o sea, que también iría a mí, a Luis Cebrián. Yo soy muy caótico, pero Ana es la parte contraria… a veces.

Como niños en su cumpleaños. Tal y como si todos los que llenábamos el Teatro Lara escondiéramos piedras en los bolsillos, para lanzarlas hacia aquellos que nos impidieran entrar. Con las sombras arrimadas a nuestros pies y de ahí, pegadas a los asientos. SON Estrella Galicia cerraba, por el momento, su calendario de conciertos con un portazo espectacular a su exquisita selección de artistas. Aterrizó la segunda visita de John Grant este año, tras el impacto emocional que supuso la presentación de su obra maestra en Madrid, “Queen of Denmark”, en el Día de la Música hace unos meses. Y confiando en repetir el calco de esas canciones que siguen pegadas a nuestros oídos, más unas cuantas nuevas que comenzará a grabar el próximo enero, en el que será su segundo trabajo en solitario; el rey del soft-pop soltó sus lanzagranadas desde el primer centímetro al último de lo largo y ancho de las figuras que tenía delante. E hizo explotar con su fulgor conmovedor de la primera fila a la última los tímpanos afectados con ese lirismo que le han hecho tan característico y carismático, con un piano, sonidos pregrabados y un teclado para dar forma a unas canciones donde alguien le ha encargado un hueco propio y distinguido en la otra parte de lo que puede ser el “crooner” de la nueva era. Aquella donde no se ve atisbo de fingimiento con la sencillez. Y el silencio fue unánime y respetuoso. Tenía delante a su pandilla de incondicionales. La ocasión pintaba clara; el disco estaba rodado y sólo cabía dejarse llevar. Él y su pareja en el escenario se encargarían del resto.

Con su castellano entrañable, saludó a su público con un “¿qué tal?, ¿cómo habéis estado últimamente?”, y de ahí comenzó a caer el granizo de sus estrofas, marcadas por esas melodías pegadizas que producen esa combustión instantánea en cuanto abre la boca. Hay que ver el magnetismo que tiene el hombre.
La primera de su excelso álbum fue “Sigourney Weaver”. Desde ahí en adelante quedábamos entregados a, por una parte, las pocas sorpresas de la noche y, por otra, aquellas que no nos hacía falta escuchar.

Es cierto que hasta ahora, el sonido del Teatro Lara ha sido perfecto. Esta vez, un pitido fastidioso impidió la sobresaliente candidez de algunas canciones. De la malicia se encargaron los comentarios del artista, con su humor revoltoso y cercano. Otras veces, para dedicar una emotiva canción a su abuela fallecida un par de años antes.
Será que en un país tan tibio, el que se acerque a nosotros un señor con tanta presencia, sea una noticia la mar de agradable. A más de uno le hubiese servido de hazaña personal el conocer a este señor. Y si no, así nos luce el pelo.
Sigamos. Tras ellas, impactaron “Marz”, las suaves notas de vocoder con las que iniciaba la crepuscular “Where dreams go to die” y los dos ases del tamaño de un castillo que, en el mismo orden del disco, tocó en esa noche: la que para el que esto suscribe es la mejor canción de su álbum, “It’s easier” y, tras este descomunal canto de cisne, “Outer Space”, otra de sus muestras de lo que puede ser un estribillo que anega toda una canción.
También hubo un espacio para el gancho del pop casi saltarín de la canción más “simpática” de su trabajo; “Chicken bones”, así como para la ensoñación casi espacial de otro acierto, “Caramel”. Antes, también había marcado la pausa firme de la que, quizá, es la pieza más inmutable de su repertorio y la que más caracteriza su estilo: “TC and Honeybear”, que puede afinar el conjunto de sus temas.

Pero esta vez, si tengo que quedarme con una, habría que escoger, por su crescendo que cantó de forma tan dramática como espectacular, ”Queen of Denmark”, que cierra su disco y casi una noche al borde de un abismo donde lanzarse a una incondicional escolta de aquí en adelante.
Tras los encendidos aplausos volvió a salir para entregar, con su declaración de intenciones, “Jesus hates faggots”.

Esperando ansiosos su segundo trabajo nos vuelve a dejar con los brazos en alto.

Como dicen que afirmaba Truman Capote: “Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio”. Aquí se podía cambiar por: “Soy un señor. Soy entrañable. Soy homosexual. Soy otro genio”. El que no lo comparta, allá él. Que siga igual de tibio y sin piedras en los bolsillos.

De entre las filas de grupos madrileños como Orestes, Scandal Sue, Mi venerable gato o Blu Culebra, que durante tantos años han surcado las salas del país, surge ahora Arvol, una formación con ideas renovadas, en las que Félix, Nacho, Luis, Irene y Ernesto, dan una vuelta de tuerca al pop-rock cantado en castellano con “Imagina”, el primer LP de la banda. Un disco que contiene bonitas canciones como ‘Ni tú ni yo’, ‘Miedo a ser felices’ o ‘Estrella’. Además contando con ilustraciones y libreto de la diseñadora Willy Ollero.

Una de las frases que se puede leer en vuestra hoja de promo es: “hacer música que nos apetezca ponernos en nuestra casa”. Joder, ¿hacéis música para abuelas o qué?
[Ernesto]: (Risas) La verdad es que no acabo de creerme la música que me pongo en el coche o que escucho de repente mientras curro. No me la creo del todo porque no le estoy prestando toda la atención. Cuando realmente me siento a gusto es cuando estoy en mi casa, y es ahí donde selección porque tengo tiempo para seleccionar lo que quiero escuchar y la manera.

Pero yo estoy hablando de tu música, no de la de los demás…
[Ernesto]: Sí… verás, cuando escribí esa frase que has citado lo hice porque me encantaría que alguien pusiera mi música mientras está cocinando o en su casa tranquilamente, disfrutándola de esa manera.

Entonces… ¿no lo escucharía de la misma manera una maruja cincuentona en su casa que un modernito en Costello, por ejemplo?
[Ernesto]: Es exactamente lo mismo.

[Félix]: Yo me tomo esa frase del modo en que la música la hacemos para nosotros.

Otra frase que destaco es: “decir y compartir cosas sencillas de la forma más bonita que se nos ocurra”. Un poco diabético, pero queda mejor.
[Ernesto]: Sí, esa queda mejor que la otra…

Pero dejémonos de hostias. Estáis entre el pop-indie y el mainstream. ¿Os quedáis en el medio porque queréis llegar a una cosa cuando todavía no habéis pasado por la otra?
[Félix]: Nuestra búsqueda ha sido natural por la procedencia de cada uno, así es como lo creo. Sí que es verdad que las bases son más rockeras o un poco más indies. Yo, por ejemplo, no me veo nada indie, pero tampoco he escuchado demasiada música de mainstream.

[Ernesto]: Lo que pasa con la génesis de este grupo, o el funcionamiento, es que hay dos personas, que son Félix y Luis, los cuales le imprimen constantemente un rollo más duro y bastante experimental o extraño. Sin embargo, luego estamos Nacho y yo que le damos algo más normal; más armónico, básico o convencional. La cosa está en que cuando mezclas esas dos cosas acaba teniendo dos lados.

Como Nacha Pop, ¿no? Antonio Vega con la característica más interior e íntima y Nacho García Vega optando por el lado más animado. Salvando las distancias, claro. Otro ejemplo sería Lennon y McCartney.
[Ernesto]: Sí, algo así, parecido. En Nacha Pop había mucho de eso.

[Irene]: Realmente todo estaba grabado cuando me metí, por lo que ha sido darle una interpretación a lo que ya estaba hecho. Aportar ideas nuevas. Interpretarlo de una manera distinta con un toque clásico.

¿Cómo de clásico?
[Ernesto]: Irene es la más clásica de todas porque es profesora de piano y música clásica.

[Irene]: Eso es. Siempre me ha gustado la música clásica, de toda la vida. Soy más de conservatorio, de Beethoven, Bach…

Cada uno viene de bandas distintas, así que es lógico que las vías fuesen distintas.
[Ernesto]: Sí, pero no descartamos seguir una evolución. Ya hemos llegado a un punto en el que tenemos un disco, pero esperamos seguir evolucionando. Por ahí irían los tiros.

Un dato importante a valorar es que vosotros, sin ser conocidos como otros grupos, habéis pisoteado bastante el circuito de salas. ¿Os entra miedo al pensar que llegando a un punto más alto esa evolución termine siendo una involución?
[Ernesto]: Bueno, da igual. Nosotros tomamos ese camino componiendo a nuestra manera. No creo que, de repente, nosotros ante el hecho de que la gente quiera escuchar otro tipo de música fuésemos a hacer otra cosa distinta.

Ya, hacer la música para vosotros, como me acabáis de decir…
[Félix]: A día de hoy es complicado, porque ahora no nos ganamos la vida con esto. Si no vas al local para que se te pongan los pelos de punta… Yo voy porque hago esto y me gusta.

[Ernesto]: Quizá, de todos los que somos, yo soy el que tiene más ganas de llegar a todo el mundo. Tengo la obsesión de que mi música sea escuchada por todo el mundo. Los mensajes son sencillos, pero que puedan ayudar a la gente. Lo intento y quiero que llegue. Pero bueno, es cierto que estamos componiendo lo que nos apetece escuchar. Es como el que se está vistiendo y no encuentra ropa con la que se sienta bien, así que como no se encuentra a gusto termina por diseñarse su propia ropa.

[Irene]: Pero es que no es hacer música para nosotros, es hacer música honestamente pero sin traicionarnos. Sí, música honesta, pero que llegue al mayor número posible de gente.

Manteniendo una línea de separación o una frontera…
[Ernesto]: Mira, hoy vi un cartel de un festival con varios grupos mainstream que parece que ahora quieren ser indie. ¿Eso desde cuando? ¿Van ahora de ese palo? Realmente me ha molestado muchísimo que grupos mediáticos de cojones vayan ahora de independientes.

Pero el concepto “indie” o “independiente” es porque se lo montan ellos mismos, no es un puto sonido. De hecho esos grupos que has visto en el cartel pueden ser más independientes que cualquier otro, fíjate.
[Ernesto]: Pero es que cuando tienes un nombre y ya has ganado pasta, ser indie es mucho más sencillo.

Bueno, al fin y al cabo están haciendo lo que ha dicho antes tu compañero Félix, vivir de lo que hacen. ¿No se trata de eso? O sea, estás criticando a alguien que está haciendo lo que tú quieres lograr.
[Ernesto]: No, no se trata de eso. Es que no es lo mismo que estamos haciendo nosotros, en absoluto.

¿No? Seguramente esos grupos empezaron de la forma más humilde hasta que, con mucho esfuerzo y trabajo, llegaron a donde están ahora. Otra cosa es que no te guste la música que hacen.
[Ernesto]: Pero es que eso no me importa. Si yo ahora mismo ficho por una multinacional que me pagase dos discos o tres, que me pusiera en la radio cuarenta o cincuenta veces al día (y en todas partes) para que lo escuchase toda la peña sería perfecto. Pero si luego quisiera volver al principio, a ser independiente, no lo haría de esta manera.

El tema está en hacer las cosas sin pretensiones. Vosotros lo hacéis sin pretensión alguna, aunque hay un objetivo: vivir de ello. ¿Un sueño o una intención?
[Ernesto]: Las dos cosas.

No, tío. No es lo mismo soñarlo que quererlo.
[Félix]: En mi caso, es una pretensión. Quiero dedicarme a esto. Y daría todo por ese sueño, por eso estoy ahí.

[Ernesto]: (Silencio) Pero los pasos son distintos. Voy a intentar vivir de ello, pretendo hacerlo, así que doy pasos… para llegar a ello.

¿Traicionaríais vuestros principios por cumplir ese sueño? Os pongo el ejemplo remoto de que una multinacional llegara con un trato: si grabáis con Bisbal (por ejemplo) eso os aseguraría la carrera. Después puedes seguir haciendo tú música como hasta ahora, pero la condición que he puesto como ejemplo es esa.
[Ernesto]: Es una hipótesis un como extrema…

Pero se puede dar y lo sabes.
[Félix]: Si después de grabar con Bisbal continuáramos haciendo nuestra música, sí.

[Ernesto]: Si sucediese eso yo diría también que sí, porque me encantaría trabajar para poder haciendo cosas. Yo diría que sí a todas, todas. ¿Sabes por qué? Porque creo que el poder estar en una posición de privilegio serviría para poder hacer todo lo que quiero hacer.

Muy bien. Entonces cuando vosotros lleguéis lejos… ¿le damos las gracias a Bisbal porque debido a esa colaboración ahora estáis en lo alto? Es que esto que acabas de decir es lo que antes criticabas.
[Ernesto]: (Silencio y risas después). Si yo tuviese tres discos la gente lo entendería. Ellos dirían: “vale, Arvol se vendió para hacer esto y lo otro”.

[Félix]: Yo tengo un objetivo y es vivir de esto porque me gusta. Tenga que hacer un disco con Bisbal o con quien sea. Para empezar, seguramente sea muy divertido. Además me la suda. Lo haría encantado y me divertiría. Si luego me dicen que voy a dedicarme a grabar con Bisbal durante toda mi vida diría que no. Pero sería divertido.

Es entrar en el juego… posiblemente os funcione una fórmula con la que ganéis éxito, pero luego vais a querer volver a vuestro sonido de siempre. Es como hemos empezado la entrevista.
[Ernesto]: Si grabamos con alguien como Bisbal le imprimiríamos un rollo Arvol.

No, no… pero la pregunta es si tú te aprovecharías de ese tirón.
[Ernesto]: Lo haríamos así, con nuestro sonido, porque no sabemos hacer otra cosa.

Puedes hacerte con “Imagina” en UFI: Unión Fonográfica Independiente (Plaza de Matute, 12 Bajo) o en Cuervo Music (Calle Velarde, 13).

Se dice eso de que segundas partes nunca fueron buenas. También lanzan pedradas contra aquellos que siguen una norma establecida… pero pocos son los que logran hacer una continuación tan buena y merecedora de elogios. Los vigueses Maryland se sienten dichosos con “Get cold feet“, una dignísima hermana de “Surprise” (Ernie Records, 2009) que ha permitido a sus seguidores tener un motivo de orgullo y a ellos mismos para sentirse realizados con tal de seguir hilando más y mejor.

Las canciones de esta segunda parte atrapan y emocionan. Exudan pop (del bueno y del bonito) por cada segundo y encima, para colmo, Jaime Gª Soriano ha sido quien manejaba los mandos de la producción. Podrían sonar un poco a Sexy Sadie, pero esta afirmación sería tirar por el camino sencillo. Lo correcto sería confirmar que Maryland toman el relevo del power-pop sencillo pero potente a la vez, que tantas glorias dio en su tiempo a los mallorquines. Si buscan referentes que no tengan nada que ver con lo nacional, pueden ir al continente americano y dar con Weezer si así lo prefieren. Temas como ‘Red boots‘ y ‘Atom bomb‘ despuntan por encima de los demás, teniendo a ‘25 Springs‘, ‘For me today‘ y ‘Every moment‘ peleando (a base de distorsiones y riffs claros) por llegar al clímax.

Con ‘It works‘ la formación gallega hace saber que controlan lo que hacen y puestos a pedir, buscan la bandera que les conduzca a un tercer eslabón más, dejando las puertas abiertas a la llegada de ‘Little Miss Sunshine‘.

Ojalá (y así sea) que Rubén, Pablo, Iván, Arturo y Jaime sigan proporcionando música -pues al fin y al cabo es lo que hacen- e impolutas guitarras hasta arriba de chorus durante lo que queda y para los restos.

Amén.