Las bandas, como muchos noviazgos, se las prometen muy felices al principio. Está bien montar el grupo con los colegas y hacerse un par de galas mal pagadas (si eso) por algún garito para que vayan los familiares y féminas del lugar. Pongamos que, en caso de una subida por un pelotazo one-hit-wonder, la banda toca en lugares un poco más decentes y despuntan un poco más. Puede ir mejor y el auge de la amistad se asemeja a cuando el alcohol hace efecto un viernes cualquiera entre los amigos (y ninguno pilla).

Los grupos nacen, crecen y mueren, pero durante su vida pasan momentos cruciales que marcarán la diferencia entre sus componentes. Para empezar, ¿Cómo se define realmente al líder de una banda si –supuestamente- están todos bajo un mismo nombre siendo iguales (en teoría)? ¿El que canta? ¿El que compone? ¿El más veterano? ¿El más guapo? ¿El que ha fundado el conjunto? ¿El que tiene los derechos del nombre? Hay casos en los que todos esos factores han coincidido, pero en el grueso de conjuntos se deberían preguntar este tipo de cosas. Bien. La banda, al comienzo, vota todo de manera democrática o por un consenso. Por todos es sabido que el sistema democrático es la razón de la mayoría, ergo las minorías tienen que aguantarse y tragar. Tal vez las primeras veces los miembros del conjunto en cuestión aguanten, pero la paciencia tiene un límite y los malos días hacen mucho también. Hay grupos que terminan firmando las canciones de manera conjunta y los hay que cada canción tiene su verdadero compositor. Tras varios EPs, maquetas, singles y un LP de cierto éxito, ciertos músicos miran sus cuentas corrientes y reparan en que no todos ganan lo mismo:

-Oye, ¿por qué yo no gano tanto como tú?
-Fácil; pues porque yo compongo y tú te limitas a tocar.
-¡Pues no es justo!

Por ahí empiezan muchas rupturas y peleas que duran años y años. Los roles entre los músicos de una misma formación están muy marcados y a veces asumidos, pero esto cambia cuando no todos son tan iguales como creían. Realmente una canción nunca va a ser compuesta exacta y escrupulosamente por igual entre todos debido a que siempre hay un pequeño porcentaje más alto que el resto. Uno puede llevar la letra, otro las melodías, el de allá las bases y aquel se encarga de los arreglos. ¡Ojo! Que no tiene que ser así por fuerza, pues en cada canción la forma de composición varía pese a que el porcentaje nunca es el mismo. Habría que añadir también la predisposición al trabajo encontrándose al que se lo toma más en serio y al que después de la gala prefiere estar ligando. Nótese estas actitudes en los ensayos teniendo al que no falta nunca y trabaja cual esclavo contra el que pasa de ir porque prefiere hacer macramé y eso es una pérdida de tiempo. ¿Quién, entonces, debería cobrar más ahí?

Otro punto a tener en cuenta es el trabajo y la evolución. Está el miembro que dicta en las composiciones marcando un estilo sin dejar que los demás aporten ideas por muy buenas que sean. Luego hay quien deja que de vez en cuanto otros compongan y aporten ideas. Pero vuelven las proporciones y porcentajes.

-¿Por qué al final en el track-list sólo hay tres canciones mías de cinco que compuse?
-He decidido que esas queden fuera porque no encajan con el estilo.
-Pero había que darle un giro a nuestro sonido y evolucionar.
-Esto es lo que hay. Hacemos rock and roll, no blues.

Dar el brazo a torcer nunca viene mal en ese sentido. El “compositor-jefe” se levanta de buen humor y decide escuchar las sugerencias e ideas de otro compañero. Este le trae una letra y unos arreglos para montar una canción. Pueden pasar tres cosas:

-Que guste la canción y decidan trabajar sobre la idea.
-Que aunque sea buena no quiere que nadie le pise el liderazgo.
-Que la aportación sea nefasta pero aun así le den varias vueltas para comprobar que es tan mala como parece o que de la sorpresa al dar un giro.

Sea como fuere van a terminar mal sí o sí. Llega el día en el que al que ofrece la idea le sienta mal el rechazo de la misma o que el “compositor-jefe” pasa de escuchar más propuestas que no salgan de su mismísima cabeza. Las influencias son muy dispares y los músicos son cada uno de su madre y de su padre aunque al formar una banda tengan algunos nexos comunes. La evolución es un paso natural que determina el crecimiento de las aptitudes y actitudes por distintos caminos. El primer disco marca mucho la trayectoria del grupo, son las canciones más auténticas, hechas con todo el tiempo del mundo, sin presión de una compañía, pues un sello marca un tiempo determinado para componer, y ahí también se determina bastante la trayectoria que va a seguir la banda, bien por las modas o por “lo que digan desde arriba”. En este caso se verá la personalidad de la banda y la integridad de su obra frente a los intereses comerciales de su disquera. Hay muchos factores que al principio pueden marcar en el futuro… Ese primer paso que sonaba más crudo pasa a ser más pomposo en el segundo dando lugar a una sobreproducción en el tercero que, casualmente, arrasa en las radiofórmulas y da tanto dinero y tan buenos resultados que el siguiente y cuarto plástico es muy similar, provocando que los siguientes trabajos carezcan de personalidad llegando así al estancamiento y una desazón común que al final termina pro ser lo único que una a cuatro tíos que no se aguantan tras más de veinte años de convivencia.

-¡Teníamos que haber seguido por la vertiente blues!
-Pues no, lo mejor era haber echado al productor porque mi bajo ni se escuchaba.
-Yo creo que mi idea de meter más guitarras era lo mejor.
-Ya os dije que las programaciones no iban a funcionar…

Y si la cosa pinta en bastos, se le puede añadir al teatrillo un mánager/colega/novia tocapelotas para hacer leña del árbol caído:

-Esto os pasa por no haber hecho caso a Fulanito, que es mi novio y muy listo y los demás no sois más que una panda de fracasados.
-Oye, aquí el fracasado es tu pagafantas, que por cantar se cree el mejor mientras yo compongo.
-¡Eh! ¿¿Y yo?? Curro como un cabrón con las melodías.

El dinero, los egos, las competencias y el pisarse el terreno conducen a la ruptura. Con este tipo de situaciones pasan cuatro cosas:

-Que el grupo se disuelva y cada mochuelo a su olivo.
-Que el cantante monte una banda por su cuenta y el resto haga su vida en solitario.
-Que uno de los componentes se quede con el nombre y contrate a cuatro mercenarios en un intento de relanzar el grupo.
-Que cambien de cantante directamente.

Es en ese punto donde se demuestra realmente quien tenía talento en esa sociedad. Ya puede ser uno muy guapo y tener mucha presencia que sin talento no se va a ningún lado. Por ejemplo: el cantante se va, bien porque le han echado o porque ha decidido irse por su cuenta y liberarse con otros proyectos. Si es bueno de verdad va a tener una carrera sólida y hasta más larga que la de su banda, aunque siempre tendrá esa cicatriz en su carrera. En cambio se vería también el camino de los demás enseñando que con otro cantante pueden seguir adelante. Los fans, como es lógico, querrán al cantante original y no a un mono titiritero que ni canta igual ni nada. Es evidente que son músicos y aunque uno de los miembros abandone el proyecto común todos tienen derecho a ganarse el pan haciendo lo que hacen, por lo que no debería molestar que sigan caminos diferentes entre el cantante y el resto. Pasa el tiempo y el cantante que dejó atrás a la banda ha triunfado y ha crecido de tal manera que el nombre de aquel grupo ya es agua pasada. Por el contrario, sus antiguos “amigos” no se han comido un colín con el nuevo cantante y aunque mantuvieron un éxito curioso tras la escisión, las ventas han caído en picado y por consiguiente son despedidos de la discográfica dando a parar a otros sitios no tan reconocidos.

Evidentemente se puede dar (que se ha dado) el caso contrario, donde el cantante se ha comido los mocos y el resto ha seguido cosechando un éxito arrollador con otro front-man. Importante es saber llegar al listón anterior y superarlo con creces si no se quiere morder el polvo. ¿De qué sirve haber creado un legado mítico si luego se monta una pseudobanda bajo el mismo nombre pero de inferior calidad? Si el vocalista tiene orgullo pasará de lo que fue su pasado de juventud y aguantará carros y carretas haciendo lo que hace aunque sea de un dudoso gusto.

Y si antes se ha advertido de las intenciones de los A&R, directores y demás fauna discográfica por cambiar el sonido inicial, también sería de menester tener presente que detrás de algunos intereses económicos se esconde el plan de influir negativamente entre los componentes para que terminen peleados, disuelvan el conjunto y el vocalista termine en solitario lanzando un disco con esa mismo sello en un alarde de estrategia comercial.

Pero puede tragarse ese ego y volver con el rabo entre las piernas al redil tras haberse desfogado con una serie de trabajos experimentales que no le han llevado a ningún lado. Es como el amigo que un día se echa novia y se olvida de la pandilla. Tarde o temprano discutirá con su pareja y lo dejará, volviendo así otra vez con sus compadres. Bastante común, ¿verdad?

Es hora de ponerse sincero. Carlos Tarque, vocalista de M Clan, repasa lo que ha sido el punto de inflexión marcado entre “Memorias de un espantapájaros” (Warner, 2008) y “Para no ver el final” (Warner, 2010). Cambios en la estructura y componentes de la banda, giro del sonido y soldiez en la actual formación. Además de los varapalos varios que han provocado una visión bastante más seria y serena a la vez. El porpio Tarque charla con Charly Hernández sobre estas historias y vicisitudes.

Igual es un poco bruto lo que voy a decir, pero observo que esta “madurez” natural del sonido ha sido un poco “la letra con sangre entra”. Vamos, que habéis aprendido a hostias. También está el fallecimiento de Pascual Saura, aunque él ya no estaba en “Para no ver el final”.
Pues sí, lo de Pascual fue verdaderamente una hostia. Pero el cambio del sonido del disco no tiene que ver con esas “hostias” que dices, sino con una evolución natural de que pasa el tiempo y de que un artista va buscando y encontrando. No se trata de recibir palos. No necesitas ser un bluesman del Mississippi al que le han dado con los látigos en los campos de algodón para tocar un estilo de blues. No creo que todo tenga que ser tan fiel a la realidad. Lo que sí es cierto es que nosotros vamos escuchando música, vamos madurando y creciendo. Somos un grupo que viene de un largo recorrido y al que todavía le queda por recorrer, por lo tanto todavía nos queda tiempo para seguir aprendiendo y para hacer cosas que realmente nos llenen.

Ya sabes, en “Cadillac Records” se decía que Muddy Waters cantaba al dolor mientras que Etta James vivía el dolor. Entonces, tras lo anteriormente comentado me queda la duda de si vosotros le cantáis al dolor más que vivirlo.
Bueno, ya que estamos profundizando en esto… creo que el hecho de cantar ahuyenta a los malos espíritus y exorciza. Es una cosa muy antigua de los ancestros. Nosotros, y en mi caso como cantante, creemos que la música es un bálsamo que está hecho para aliviar. Eso es lo que era el blues al igual que el flamenco o el tango, un montón de músicas que sirven para sacar lo que hay dentro. Una terapia. En nuestro caso ha sido así, aunque no ha sido algo pretencioso, pues no queremos curar el espíritu de nadie, sino simplemente pasar un buen rato y hacer música. Pero si lo conseguimos… pues mira.

Hombre, si curáis alguna vida… mejor.
(Risas)

Pero lo que sí es cierto es que este disco es de vinilo. Es ideal.
Hicimos una tirada de quinientas copias a la salida del disco y al mes se agotaron. También tengo que decir que para el vinilo se hizo una masterización diferente. La verdad es que así suena mucho mejor. Yo lo tengo en vinilo y en CD. Pero ya te digo, se agotó al mes, así que yo creo que hay un interés por la recuperación del vinilo y por el sonido añejo.

Ha pasado muy poco, pero… ¿cómo ves que le ha afectado el tiempo a este disco?
Pues bien. Tiene poco más de un año, por lo que no puedo ver mucho, pero ha funcionado muy bien, bastante bien para como está el tema. Además, tanto en ventas como en directo porque este último ha sido increíble. Toda esa movida de los metales nos ha colocado en un sitio muy interesante porque se ha llegado a la gente que no es melómana y a la gente que lo es mucho. Conseguir eso es muy importante, así al menos lo creo yo. Encontrar un sonido grande y apoteósico.

Indudablemente esto dejaría claro que sois más un grupo de espacio que de volumen.
Sí, totalmente. Y cada vez más, incluso. La diferencia entre el CD y el vinilo es precisamente esa. Es lo que tú dices, el CD está en un mismo plano, es más contundente y está comprimido. En el vinilo se escucha mucho más el aire, lo que hay en una sala de grabación. El bajo es mucho más agradable, la batería es más cálida… se acerca más a la realidad.

No es que sea exacto, pero si tiene esa forma especial de “Un buen momento”. Además se grabó en Memphis contando con los coros de Susan Marshall. Pero a lo que voy, esto no se trata del tópico de volver a lo añejo.
Sí. Todos los discos que hemos grabado se han hecho de la misma manera, o sea, tocando todos a la vez. Aunque luego se han hecho recordings donde se han tocado la batería y el bajo, pero nosotros funcionamos así, vamos al estudio y grabamos todo. “Coliseum” es el disco que más defienden nuestros seguidores de la primera etapa (y que más defiendo yo), pero es el disco más cortado, más editado y más producido que tiene M Clan. El más retocado, vaya, en el que más tomas se ha hecho. Precisamente por ser el segundo.

Aunque actualmente no sean necesarias las metáforas y los arreglos…
Bueno, lo que ocurre con los arreglos es que hay que tenerlos un poco antes de ir al estudio. Yo creo que si el grupo evoluciona se sabe ver la frescura de una toma. Aunque no tiene que ser ni una cosa ni otra, las cosas han de estar bien hechas y lo mejor posible. Es cierto que hay tomas que son más frescas y si no consigues una mejor vas a ir a por la que tenga más acción. Tampoco quiere decir que “esto ya está porque lo hemos hecho así”, no, simplemente se trata de hacerlo mejor. En general hacemos las tomas al ochenta por cien, salvo la voz, que se suele grabar por otro lado. Todo lo demás es en directo.

¿La coherencia por bandera?
No es coherencia, es que nosotros funcionamos así. A la hora de llevarlo al directo es muy fácil que suene tan parecido. Me hace gracia cuando me dicen que sonamos en directo igual que en el disco. ¡Joder, si es que somos nosotros! Tal vez a otros grupos no les pasa, pero nosotros somos así y es como mejor nos sale. Pienso que hay estilos que tienen una manera y otros tienen otra, con cosas enlatadas que consiguen llegar de otra manera. Nuestra propuesta es la de la artesanía.

Con el cambio de músicos (la reestructuración de la banda, mejor dicho), ¿costó más la adaptación del estudio al directo al ser músicos nuevos en M Clan?
No. La verdad es que no, porque esta gente son músicos que han tocado en muchos otros discos y tienen también una cultura musical muy amplia, o sea que no es gente nueva en esto. Son músicos herederos de la música antigua y de la música clásica del pop y del rock, entonces ellos ya sabían como iba el tema. Fue muy fácil con ellos. Hicimos primero unas pruebas, luego unos ensayos y más tarde grabamos. Ellos son grandes músicos, entonces no fue difícil.

Antes de todo esto está (o estaba) “Memorias de un espantapájaros”, que era el disco que ha vaticinado el paso hacia la introspección.
Sí. Fue en un momento en la vida del grupo en el que decidimos buscar por otro lado. Son planteamientos que un músico se hace de vez en cuando. Cuando llegue el momento haremos otro y pensaremos que esto ya ha dado de sí y que habrá que ver hacia donde vamos. Por ahora sí que andamos por ahí y seguimos esa estela porque nos ha gustado, nos sentimos cómodos por todo.

¿Cómo una bifurcación? Me refiero a que el camino se dividía en dos: o M Clan seguía o M Clan se disolvía.
El grupo se pudo haber roto y pudo haber seguido en varias ocasiones en dieciocho años. Después de “Coliseum” se pudo haber roto, por ejemplo. Ha habido altibajos a mogollón. Después de “Retrovisión” hubo otro planteamiento. Pero el grupo no se rompe tan fácilmente porque tiene una raíz muy fuerte, ¿sabes? Ahora mismo M Clan no es algo frágil, sino todo lo contrario, es algo muy sólido. Es como un árbol al que se le caen las hojas, pero ahí sigue. Por eso te decía antes lo del largo recorrido. Es más, incluso ahora es más difícil que se rompa el grupo, comparado con la primera época.

Como una pareja que discute y el reencuentro los hace más fuertes, ¿no?
Sí, sí. Lo bueno es que nosotros ya no discutimos porque sabemos a donde ir para no hacerlo y también que dirección tomar para que funcione todo bien.

Uno de los caminos es, en parte, huir del mainstrean, pero exactamente se basa en saber exactamente donde no hay que tropezar.
Pues hombre, sí. Lo del mainstream es una cosa que… en España es una cosa muy rara. Pero juro que no hay una intención premeditada, es simplemente encontrarte cómodo con una historia. A mí me encantaría que, de repente, un tema de nuestro siguiente disco fuese número uno de todas las emisoras comerciales. Me encantaría, pero creo que no va a ser así porque seguramente no da el perfil. Pero no es porque yo no quisiera vender un millón de discos, porque me encantaría ser mainstream, pero hacerlo yo y que no lo ordenen los medios. Podría ser mainstream como lo son Red Hot Chili Peppers o algo así.

Es lógico que en el mainstream (al igual que en el indie) ni todo es malo pero tampoco es todo bueno.
Sí, aunque la verdad es que las etiquetas del mainstream y del indie me dan un poco igual. La música es música… y lo demás me da igual. Todo lo demás es mentira y prejuicios que están cortando la libertad artística. Hay que preocuparse por hacer una canción lo mejor posible y ya está. Ser auténtico. ¿Qué luego vendes cien mil discos? ¿Qué no vendes ninguno? Pues mira, eso ya depende de cada uno, aunque ahora no se vende. Hay gente que está más preocupada de eso que de hacer una buena canción. Yo ya te digo, según va pasando el tiempo cada vez me va dando más igual porque al final harán cosas que la gente ni se creería.

Haciendo un símil; el mainstream sería el colegio (porque el panorama comercial español es un patio de colegio) o el instituto o Universidad. Parece, bajo mi punto de vista, que os lo habéis saltado y estáis en el momento del estudiante que se encuentra sin trabajo. Vamos, algo más duro.
Pues hombre, no sé. Diría que sí porque las letras fueron cambiando y se llegaron a unos sitios más aceptados. Pero yo creo que la Universidad es esa, la que uno hace. Nosotros hemos ido al colegio, al instituto, a la Universidad… y ahora estamos en tal cátedra y después seguiremos haciendo un máster. Lo de saltarse la Universidad… ¿quién es el que pone esa Universidad?

Yo diría que son las radiofórmulas y las etiques establecidas.
Sí, totalmente. La verdad es que… en fin.

Aun así es complicado llegar de forma sonora y lírica a distintos públicos.
Es que puedes llegar a distintos públicos pero no a todos. Sinceramente, tampoco queremos llegar a todos los públicos. Los seguidores de M Clan salen muy contentos de los conciertos. Pero no deja de ser complicado, pues hay música que entra más fácilmente o más directa que otras. Nuestros últimos discos no son tan directos, por así decirlo.

No son directos pero tienen algo bonito: empatía.
Sí. Me alegro que así sea. Y me alegro porque no queremos hacer un criptograma para que la gente no sepa que cojones estamos diciendo. Ha habido veces en que sí nos hemos metido en letras un poco más densas y hemos tenido que suavizar. Hay que ser muy bueno para ser denso y llegar. Hay grupos que te cuentan muchas cosas y no llegan, tío. Un artista tiene que transmitir y si no transmite… malo.

Posiblemente eso haya provocado la edición de “Sótanos, tierra y montañas rusas”, tu libro de textos junto con fotos de Thomas Canet.
Exacto, aunque eso ha sido una aventura única y novata para mí. Pero estás en lo cierto, tío. Mucha gente lee el libro y ve cositas que luego aparecen en las canciones. Es como una especie de making off de algunas canciones que clarifica o que amplía un poco el mundo “emeclaniano”.

¿Estás componiendo ahora?
Sí, estamos haciendo dos temas nuevos para el disco que saldría en Septiembre del año que viene, al menos eso pretendemos. Pero seré sincero y te diré que nos está costando, aunque es siempre así. Los partos de los discos cuestan aunque hay un momento en el que salen, pero al principio están ahí las contracciones, los vómitos y todas esas movidas. Como un parto cualquiera (risas).

Salidos de los buenos tiempos del “Getxo sound”, Zodiacs regresan haciendo borrón y cuenta nueva con un sexto trabajo discográfico. “Radiaciones luminosas” es la manera que han tenido de ponerse serios frente al pasado más inmediato y a lo que manejaba su propia música. Grabado por Paco Loco en El Puerto de Santa María, “Radiaciones luminosas” es la psicodélia salvaje que rememora el pop-rock más olvidado de los años sesenta en España. Además se autoeditan ellos mismos, por lo que manejan absolutamente todo el trabajo. Cambio de banda, cambio de sonido y cambio de aires. No es empezar completamente de cero, pero sí preguntarse que hacer con la vida y con su propio trabajo. Lander (bajo), Ignacio (voz y guitarra), Gurru (batería) y Adrián (teclado) se muestran tal y como son en esta entrevista firmada por Charly Hernández.

Un cambio radical de sonido que… ¿tiene que ver también con el cambio de formación?
[Ignacio]: Sí, evidentemente. El cambio de formación ha influido en el sonido. La verdad es que todos estábamos buscándolo. La vida de la banda se encontraba en un momento raro. Desde que Gurru y yo montamos la banda en 1999 hemos intentado dar con un cambio de aires en general.

[Gurru]: Con el rollo del teclado habíamos pensado llevarlo más al directo. A ver, en nuestros discos siempre había teclado, pero en este último está más presente que nunca. Ahora tenemos a Adrián, que toca de puta madre y maneja muchos sonidos.

[Ignacio]: Sigue estando esa esencia, pero ha habido un cambio la base que había en Zodiacs, ahora hay un toque diferente.

Mientras se mantenga el espíritu inicial…
[Ignacio]: Pues sí, porque las canciones las sigo haciendo yo, aunque también está el curro de la banda, claro. Pero ya te digo, cuando decidimos hacer este disco y seguir con el cambio ya había canciones compuestas, ideas y cosas avanzadas. Cuando entraron los nuevos integrantes al grupo empezamos a darle forma a esas canciones y, evidentemente, cambian.

Haber grabado con Paco Loco también influye.
[Ignacio]: Cierto, también. Pero influye hasta cierto punto porque nunca hemos repetido productor. El primer disco lo produjo Little Fish, el segundo Fernando Pardo, el tercero Nigel Walker, el cuarto Álex Olmedo, el quinto es en directo donde también estaba Rosillo. Este sexto, como bien dices, es Paco Loco, con lo cual no ha habido una repetición. Pero sí que es verdad que ha habido algo más que ha propiciado ese cambio, esto ha sido por la entrada de Lander y Adrián.

[Gurru]: Lo que ha hecho Paco ha sido sacar justo el sonido que queríamos. Tampoco lo hablamos mucho antes de grabar. Él, con la utilización de ciertos instrumentos, ya sabía como hacerte sonar. Además, la producción es antigua, por lo que suena a disco viejo también por la mezcla.

Ahí quería llegar. A mi parecer, el disco suena psicodélico, pero no es psicodélia, digamos, estándar, sino que es tipo pop español de los años sesenta, como Los Gritos, por ejemplo.
[Ignacio]: Sí, tiene un rollo de eso. Hablamos con él de lo que queríamos hacer y dio en el clavo. Se hizo todo con una mesa analógica, en cinta…

[Gurru]: Y que se ha grabado en directo. Eso le ha dado mucho toque también.

[Ignacio]: Está grabado muy en directo. Incluso los teclados. Íbamos con la idea de meter los teclados más tarde, pero Paco dijo que sería mejor en directo.

¿Han cambiado mucho esas canciones desde que eran ideas hasta su resultado final?
[Ignacio]: En cuanto a estructura no ha cambiado nada. Bueno, menos una, la versión de ‘Mi calle’.

Bueno, esa no contaba (risas).
[Ignacio]: En esa llevábamos la misma estructura que la original de Lone Star, pero Paco nos sugirió cambiar algunas cosas y tal. Fue más bien idea suya.

Del palo de Triana, incluso.
[Gurru]: Sí, ¿verdad? (Risas)

[Ignacio]: Es que hay dos versiones; la del CD y la del vinilo. La del vinilo es una ‘jarta’ de puta madre.

[Gurru]: La versión real es la del vinilo. Luego hicimos una “escuchable” y en la masterización la cortamos porque la otra era una ida de olla, más oscura y tal. Mucho fuzz y mucha paranoia.

¿Sería entonces algo que estuviese más cercano del rock progresivo?
[Ignacio]: Pues la verdad es que también nos hemos fijado en eso puesto que Adrián tiene en mente a grupos como Yes, pero yo creo que hasta ahí no llegamos (risas). Nos queda muy grande el rollo del rock sinfónico o del rock progresivo, la verdad.

Pero en ‘Satanás’ hay una “columpiada” de cuerdas bastante interesante.
[Ignacio]: Así es. Esa fue una de las ideas de Paco. La verdad es que nos pareció muy guapa.

[Gurru]: Él la soltó ahí como… bueno, a ver que sale. Llegamos una mañana de baño matinal en la piscina (risas) y nos enseñó lo que hizo. A nosotros nos gustó tanto que nos pareció perfecto. Aunque a decir verdad nos partimos porque pensábamos que estaba chalado (risas). Pero lo quitó, puso la canción sin aquello y ya vimos que realmente le faltaba algo a la canción. Así que se volvió a poner.

Con la sección de metales de ‘Pilotos del aire’ pasa lo mismo, fue una idea de Paco. La oímos y dijimos: “venga, para el disco”.

Y también suena el Omnichord, que entró sí o sí.
[Gurru]: Sí (risas).

Antes he mencionado que el disco suena tipo Los Gritos y demás grupos, pero hay un detalle en ‘Kowalski’ que me ha llamado muchísimo la atención y que además es muy cañí. Dice así: “me sigue muy de cerca la Guardia Civil”. Así un poco Los Chichos y tal…
[Ignacio]: ¡Muy buena! (carcajada). No sé, me gustó. Adrián me preguntaba si no podía rimar con otra cosa, como con policía o algo así… pero no, me gusta decir Guardia Civil (risas).

Hombre, sin un R-5… la cosa cambia.
[Ignacio]: Ya, ya (carcajada).

Y no podían faltar las mujeres, ¡por Dios! ‘María La Serpiente’ tiene una letra con mucha referencia. Aunque el título de ‘Gloria en la azotea’ me suena tan indie-naïf…
[Ignacio]: “María La Serpiente” tiene esa letra porque el tío está destrozado…

…y es el tema lacrimógeno del disco.
[Ignacio]: Correcto, pero los desengaños amorosos siempre han dado buenos temas después del desencanto. La melodía de esa canción, cuando sacamos la melodía, vimos que era un dramón.

¡Y épica!
[Ignacio]: Y épica, eso es. Además con los coros…

[Lander]: Que curiosamente era la que menos le molaba a Paco.

[Gurru]: Bueno, yo creo que no estaba muy convencido del coro, pero la canción si que le gustaba, ¿no? Recuerdo que decía: “yo soy anti-ooohs”. (Risas)

Pero tíos, me decanto por mi favorita, que es ‘Balada de un enterrador’.
[Gurru]: ¡Amigo, ahí te hemos visto! Particularmente también es nuestra favorita.

Quizá destaca más por no ser tan “sixtie” y por tener el ritmo western parecido a ‘Apache’ de The Shadows.
[Ignacio]: Sí, sí. Ahí estuvimos mirando ese rollo porque la canción no nos sonaba así, pero cuando estábamos tocándola con la guitarra, de manera cruda, nos empezaba a recordar. Después, al meterle el fuzz, nos estuvimos fijando en como lo hacían en los ochenta y el modo revival de garaje, como The Cynics o grupos así.

[Gurru]: Y el teclado es brutal, hay momentos en los que casi se rompe.

Sin duda alguna, el teclado es lo que le ha dado mucha fuerza al total de “Radiaciones luminosas” por el protagonismo que tiene.
[Ignacio]: Eso es lo que pensamos en todo momento y no tener el teclado como un colchón para rellenar, sino como una guitarra más. De hecho intentábamos afinar al máximo para que pareciese una guitarra.

[Lander]: Paco pilló ese rollo a la primera y en las mezclas estaba constantemente con eso.

Y la percusión también es la hostia.
[Gurru]: Pero esas cosas también fueron cosa de Paco. Hay cosas muy grandes.

Bueno, dejemos claro que el disco lo habéis grabado vosotros y no Paco Loco (risas).
[Gurru]: Claro, ojo con eso, que la percusión no la grabó Paco (risas). Aunque en alguna si mete él la percusión. Pero aunque haya tocado percusión en algunas canciones, nosotros hemos tocado todo. ¡Que conste en acta! (Risas)

Y siendo este el sexto disco… os autoeditáis ahora. Supongo que estaríais hartos y cansados de tener a una discográfica ahí…
[Ignacio]: Sí. Estábamos cansados y también un poco hartos. Te diría que desde el primero, pero no fue así porque nos lo compraron ya casi hecho, pero desde el segundo hasta este hemos dependido de una compañía independiente que funcionaba a un ritmo que no era el adecuado. Luego pillamos una multi, pero también funcionaba a sus tiempos… Era o “rápido, rápido, que hay que sacar ya un disco” o “espérate, que todavía no hay que sacarlo”.

Siempre hemos dependido de otros para entrar a grabar. Hemos tenido momentos chulos donde las cosas han ido bien, pero ves que no puedes estar así. Una banda desespera, tío. A no ser que sea un bandón que mueva millones…

Bueno, ahí están los Stones.
[Gurru]: También es verdad. Incluso hay bandas españolas que están igual. Lo que queremos es manejar nuestros tiempos porque al final es lo más importante. Pero la autoproducción tiene también un handicap que es currar mucho. Es un trabajo inicial muy grande. Una inversión –no solo a nivel monetario- sino a nivel de tiempo. Pero bueno, la ilusión que tenemos y que mantenemos es algo que ha hecho que esto siga para adelante.

También fíjate como está el rollo de la Industria. Todo es bastante caótico. Lo mejor es manejar tu producto de alguna forma.

[Lander]: Y que nadie te coarte.

¿Os han impuesto un productor durante las etapas pasadas?
[Ignacio]: No, en ningún caso nos lo han impuesto, pero sí los tiempos, ahí si que lo notábamos. Y en ciertas maneras, también. Con el primer disco faltaban temas y tiramos de canciones viejas. Con el segundo ya nos tuvimos que esperar y hasta que entramos a grabar pasaron cinco meses. Todo estaba mirado con lupa. Iba muy lento todo.

Sin embargo parece que el trabajo es más ligero, aunque, como dice Gurru, el curro inicial es bestial. Eso sí, el disco sale totalmente como queríais, haciéndolo para vosotros, ¿no?
[Ignacio]: Claro, eso es: el “cómo” y el “cuándo”. Eso ha sido importante también para el público. ¿Sabes lo que pasa? Que si estás en una compañía te dirigen hacia un sector. También nosotros tenemos la suerte de tener cierto bagaje, pero nos dirigimos a todos.

[Gurru]: En principio, a nosotros mismos porque así hacemos lo que nos da la gana y salen canciones como ‘Kowalsky’, por ejemplo. Nos gustan esos dos rollos ya que tienen puntos en común. El sonido es totalmente distinto al “3, 2, 1…”, es totalmente distinto. Es que es eso, nos mola el sonido de uno y de otro. Puede parecer algo heterogéneo pero no es malo que sea así.

“3, 2, 1…”, comercialmente hablando, significó mucho para Zodiacs.
[Ignacio]: Habíamos entrado en un punto en el que estábamos en un callejón sin salida dentro de una compañía grande. Caímos en unos hábitos un poco insanos. También nos habíamos metido a hacer la música para un anuncio, que fue algo muy bueno pero también fue algo contraproducente porque te empiezan a conocer como “los de el anuncio”. Eso es un arma de doble filo con el que hay que tener mucho cuidado. Te lo ponen desde un punto de vista que es desde el suyo, el de la discográfica, lo miras, analizas la situación, aceptas y lo haces. Pero luego ves que hay opiniones encontradas y de repente te paras a pensar en lo que estás haciendo para terminar mandando todo a la mierda. Esa época pasó, pero pienso que incluso nos ha podido perjudicar. Y no fue una concesión, sino un encargo musical.

[Gurru]: Por eso te decíamos antes lo de la esencia del grupo, porque al final los prejuicios pueden existir desde fuera, mientras que nosotros llevamos tocando muchos años.

Es que… manda huevos, tío. Con cinco discos que teníais por entonces y que os metieran en la saca de los one-hit-wonder por haber puesto música al anuncio…
[Gurru]: Pues sí. Es esas cosas son peligrosas.

[Ignacio]: Hay que analizarlo muy bien y más estando en este país, el cual no tiene una gran cultura musical ni memoria e incluso tampoco hay revisión por parte de cada uno de los grupos. ¡Es que mucha gente no conocía ni nuestros discos anteriores! Aunque hay antes una maqueta.

Pero es un trabajo, al fin y al cabo.
[Gurru]: Es un trabajo, claro. Nos costó lo nuestro hacerla. Lamentablemente todo eso se olvida por una canción en un anuncio. Al final hace que no estés ni en un lado ni en otro. La gente tiende a ubicar a los grupos de una manera muy determinada. Puede ser muy peligroso.

[Ignacio]: Incluso peligroso también para la moral del grupo, porque está tocando como siempre, desde el primer, segundo y tercer disco… pero hay una trayectoria. Yo creo que la nuestra ha ido en ascenso, con sus altibajos, aunque en ascenso. Pero pasa el tiempo y ves como está todo, que la cosa está minada y los ánimos apagados. Y todo por lo que dice Gurru, porque te ubican por una canción de un anuncio. Todo eso fue un punto de inflexión y dijimos: “¡a tomar por culo!”

Rihanna nos tiene comprados. Aunque de primeras dudásemos de la valía de un tema tan ramplón como “We found love”, al final nos conquistó como siempre que ponemos en tela de juicio su capacidad para engancharnos de mala manera. El próximo paso era defender tal retahíla de hits en vivo y en directo, tratándose de la primera vez que la chiquilla actuaba en España de manera independiente, ya que aunque formó parte del cartel de Rock in Río 2010, los (escasos) conciertos de divas del pop en festivales suelen más comedidos y menos espectaculares.

Después de una machacona sesión de la mano de Calvin Harris, Rihanna salió a la palestra abriendo fuego con su llena pistas “Only girl (in the world)”, aunque la voz estaba un poco baja quizás ahogada por la contundencia de las bases. “Disturbia” sonó a medio gas y los matices newordeanos de “Shut up and drive” (contiene un sampler de “Blue Monday“) se vieron eclipsados por un guitarreo excesivo y de pose (el guitarrista era todo un personaje, tópicos rockeros incluidos). Por suerte “Man down” subió la media con el toque mordaz de su reggae, donde Rihanna se siente como en casa.

“S&M” incluyó cadenas, cueros y sudor, aunque carecía de la fuerza de la original, y “Skin” y “Raining men” tampoco subieron el listón. Por suerte la parte de ambientación militar, bien de uniformes, coreografías acordes y un par de cañones, trajo las geniales “Breakin’ dishes” y “Hard”, para enlazar con una apañada versión de “The glamorous life” de Sheila E. donde Rihanna se arrancó con la batería (para que viésemos que no sólo canta). La sección terminó con un popurrí de “Run this town” y “Live your life”, dos éxitos internacionales junto a Kanye West y Jay Z y T.I. respectivamente que nunca llegaron a sonar en nuestro país.

La sección de baladas, que en un principio podría llevar al bostezo, se mostró bastante apañada, aunque en “California King Bed” Rihanna prefiriese quedarse en éxtasis y no cantar el estribillo. Dejar en boca de las coristas muchas de estrofas fue uno de los asuntos más cuestionables del show, pero en el mentado tema fue excesivo. La puesta en escena de este paréntesis sosegado fue uno de los más indefinidos del concierto, con detalles de poco gusto como la jaula de fluorescentes donde Rihanna interpretó “Unfaithful”. Y es que aunque es espectáculo en general estaba bien ejecutado y gozaba de bastante espectacularidad, había momentos como éste o detalles que no convencían, como algunos de los vídeos proyectados, que de tan sencillos rozaban el cutrerío. Vamos, que no es Madonna.

Volviendo al setlist, el Palacio de los Deportes se convirtió en una discoteca caribeña a ritmo de “Pon the replay”, “Rude boy” y una sensual “What’s my name”, para acabar antes del bis con “Don’t stop the music”, algo distinta respecto a la versión de estudio (una de las pocas canciones con las que se permitió el lujo). A la vuelta Rihanna interpretó decentemente pero sin emocionar su versión de “Love the way you lie” para continuar con una de las mejores canciones del pop comercial, la enorme “Umbrella”, que por mucho que perdiese su lado synth siguió manteniendo la grandeza del single. Para terminar que mejor que recurrir a su hit actual “We found love”, que no sabemos por qué se convirtió en el temazo de la velada, con una puesta en escena muy buena y una espléndida Rihanna. Broche de oro para una noche que empezó tímidamente y acabó como el rosario de la Aurora (en el mejor de los sentidos). Y es que así es como transcurren las mejores fiestas.

“Hacia lo salvaje” (Antártida, 2011) se ha convertido en un punto y aparte para Juan Aguirre y Eva Amaral. En primer lugar se presentan cambios en la banda. Decidieron enfocar el sonido de otro modo y darle un giro a la instrumentación, de ese modo simplifican la formación y lo llevan al mínimo común divisor. Esto es: guitarra, voz, bajo y batería. Como el estribillo que da título al sexto álbum, Juan Aguirre y Eva Amaral han decidido autoeditarse y caminar… hacia lo salvaje y hacerlo todo por su cuenta con Antártida, el sello propio que han montado ellos mismos. Aunque “Hacia lo salvaje” no es la novedad en este paso, pues con “Gato negro / Dragón rojo” (EMI, 2008) ya se lo montaron por su cuenta. Todo esto y mucho más en la siguiente entrevista que mantuvo Charly Hernández con el dúo de Zaragoza.

Dejando de lado las gilipolleces de Rubalcaba y de “volver a lo indie”, creo que empezaré por el final. He destacado que habéis llevado exactamente el sonido de “Hacia lo salvaje”, cuando lo cómodo sería evolucionar en el estudio pero repetirse en el directo.

[Juan]: Pues me alegra que digas eso porque era exactamente lo que queríamos. Para nosotros el estudio y el directo son dos cosas paralelas. Realidades paralelas y no realidades opuestas. Realmente lo que hemos hecho es basar un poco todo lo que es el directo en bajo, batería y guitarra. Es sencillo.

Llevándolo –efectivamente- al mínimo común divisor, cambiando, además, la formación de la banda. Se incluye a Toni Toledo y a Jaime Gª Soriano (Sexy Sadie), haciendo este último unos coros bien majos. ¿De ese modo respiran mejor las canciones en directo?

[Eva]: Realmente yo creo que muchas veces es mejor quitar elementos para potenciar los que hay. Eso es un poco a donde queríamos ir, tanto en el estudio como en el escenario. Queríamos potenciar el sonido de las guitarras de Juan y convertir la base rítmica en algo mucho más tribal y poderoso. Por otro lado, Jaime tiene una forma de tocar la guitarra que se complementa muy bien con la de Juan por referencias comunes. Además canta y tiene una voz increíble, que es como matar moscas a cañonazos (risas).

[Juan]: Lo esencial es que ya nos conocíamos porque habíamos participado en conciertos de Sexy Sadie y Eva había cantado con él en su proyecto en solitario. Todo viene hilado. Normalmente, cuando llegas a una situación no se llega así de nuevas porque las cosas suelen venir de algo.

[Eva]: De hecho, Chris Taylor (bajista) grabó “Gato negro / Dragón rojo”, entonces vino a grabar en “Hacia lo salvaje” y ya estaba deseando quedarse en España. Tuvimos suerte, todos los planetas se alinearon para que todo saliera bien.

¡Y es raro que ocurra eso! Que tantas cosas coincidan… para bien.

[Eva]: La verdad es que sí (risas).

[Juan]: Es cierto. Ni Eva ni yo somos muy de planificar las cosas. Vienen así y nos adaptamos en el momento. Nosotros vivimos el “aquí” y el “ahora”.

Aunque utilice la etiqueta de “grupo pop”, sois un grupo más cercanos al rock. Si me apuráis diría que hasta al power-pop. Eso tiene que ver con que no volvéis realmente a los inicios, de hecho esto es una evolución más, no una vuelta al inicio.

[Eva]: Es que no tenemos ningún interés en volver a los inicios. Queremos seguir hacia delante. Ya hemos estado allí y sería muy aburrido volver a hacer lo mismo.

[Juan]: Yo creo que entorno a cualquier banda siempre se forma mucha literatura. Respetamos todas las opiniones, sean negativas o positivas, con algunas coincidimos y con otras no, pero al final es literatura. La vida de la banda es mirar adelante y en eso siempre hemos tenido la misma filosofía. No pienso que la ideología del grupo haya cambiado ni tampoco la manera de entender la música. No sé si somos un grupo de pop, rock o de nada. Yo a Eva si que la veo más dependiente de la cultura rock mientras que yo he estado más enraizado con la cultura del folk, aunque sea un folk eléctrico. De la mezcla de esto, creo, sale mucho sonido. ¿Qué lo quieren llamar pop? Me parece muy respetable. ¿Qué lo quieren llamar rock? Pues también. ¿Qué de pronto se enfada alguien porque no hacemos rock? ¡Es que yo no tengo ningún interés en practicar ningún género concreto! Toco lo que me suena en la cabeza. Si oigo a Eva hacer una cosa toco tratando de lanzarme detrás. Las etiquetas son muy respetables pero no seré yo quien las ponga.

Hablamos del sonido. Si hay algo que ya no está tampoco es la Rickenbacker.

[Juan]: No, pero eso no significa que no tenga el disco otras guitarras increíbles. Lo que pasa es que la Rickenbacker necesita ser mezclada con otras. No es una guitarra que suene grande. Es una guitarra con mucha personalidad, la cual voy a seguir usando en el estudio, de hecho, en este disco la he usado como complemento a otra. Pero cuando estamos solamente bajo, batería y dos guitarras prefiero usar guitarras que suenen más anchas. Sacrificar la fuerte personalidad de la Rickenbacker por guitarras que a lo mejor no suenan más anchas pero mantienen más la nota. Eso no quiere decir que no siga flipando con ese tipo de guitarras.

Pienso que ‘Olvido’ y ‘Montaña rusa’ tienen mucho de esto, el sonido más “ancho”.

[Eva]: Sí, es cierto. En el caso de ‘Olvido’ se basa en la guitarra acústica afinada de manera más grave. A mí, personalmente, me gusta mucho ese sonido de acústica que no es timbreante, sino que tiene el brillo un poco más matado.

Y habéis grabado un, digamos, segundo LP en acústico dentro de “Hacia lo salvaje”. Me da la sensación de que es algo que queríais hacer.

[Eva]: Sí. A nosotros nos apetecía mucho hacerlo porque realmente es un bonito ejercicio una vez terminado el disco volverlo a desnudar otra vez.

¿Pensáis que este cambio tiene mucho que ver con Juan de Dios Martín, haciendo olvidar la figura de J.M. Rosillo aunque el productor de anteriores trabajos era Cameron Jenkins?

[Juan]: No. Yo creo que todos los discos suponen un cambio respecto al anterior. Por ejemplo, si tú escuchas el primero respecto al segundo, te darás cuenta de que cambia mucho. Cuando sacamos “Estrella de mar” la gente decía que habíamos cambiado a lo que había con ‘Como hablar’. Cuando hicimos “Pájaros en la cabeza” nos decían que ya no recordaba a ‘Sin ti no soy nada’. Y con “Gato negro / Dragón rojo” igual. Probablemente en el siguiente disco no habrá un “Hacia lo salvaje” ni será del mismo modo. Nunca hemos repetido los esquemas. Rosillo, por ejemplo, es muy buen amigo y hemos aprendido mucho de él.

[Eva]: Rosillo era el técnico de sonido y si tenía que aportar una idea lo hacía. Y esto era así porque estaba en nuestro equipo.

[Juan]: Toda nuestra gente, en nuestro caso, tiene opinión y voz, aunque luego Eva y yo somos los que decidimos hacia donde vamos. En el caos de Juan de Dios su papel ha sido el de hacer de balance entre nuestros caos. Obviamente, en este disco él es muy importante y además es un gran amigo, con lo cual está bien destacar su figura.

[Eva]: Juan de Dios tienen la cualidad de, a pesar de tener muchas ideas, que es lo que tienen que potenciar por encima del grupo y sobre todo tienen máximo respeto por la idea que tenemos en la cabeza. Siempre está preguntando mucho por referencias o sobre lo que nos imaginaríamos en tal canción, a donde queremos llegar… Es una persona que se interesa en potenciar el sonido del grupo, más que disfrazarlo de otra cosa.

Es muy difícil encontrar un productor que se involucre pero que deje trabajar a los músicos entendiéndoles, la verdad.

[Eva]: Para nosotros eso era un punto a favor de currar con Juande. Nos conocíamos de hace un montón y además conoce muy bien nuestra música.

Entonces se puede aplicar aquello de “donde hay confianza, da asco”.

[Eva]: (Carcajada) Bueno, en este caso no da asco.

[Juan]: En este caso hay confianza, hay cariño y hay mucho respeto y admiración. Además de haber mucho talento por su parte.

Sin duda se ve eso a lo largo del disco. Pero voy a ir a las letras, pues hay detalles que he visto bastantes veces. ‘Riazor’ tiene una letra que ideó Juan [Eva lo señala], pero habla sobre el suicidio. No es que lo enfoque, pero sí que lo lleva por ahí.

[Eva]: Es verdad, porque hay mucha gente que nos ha comentado que habla de ese mundo.

[Juan]: Bueno, habla de saltar al vacío, pero no quiere decir que saltes al vacío para eso. Muchas veces las imágenes tienen otras maneras de explicar las cosas, pero tampoco hay que entender las letras de un modo tan literal. También está que todo lo que escribimos es como si lo hiciéramos nosotros dos, porque todas las canciones las solemos terminar entre los dos. O sea que una idea parta de uno o de otro es anecdótico. Normalmente los dos escribimos, arreglamos y componemos. Digamos que somos…

[Eva]: …multitarea. Hay muchas letras que comienza haciendo Juan y que puedo proseguirlas yo.

Aunque también depende del punto de vista que se le de a una letra. ‘Cuando suba la marea’ tiene una historia femenina, por lo que pueden ser letras unisex.

[Eva]: Podrían ser.

[Juan]: Mira, yo la manera que tengo de responderte a esta pregunta es acordándome de la letra de una canción de Fernando Márquez “El Zurdo” que decía: «decidimos no preguntar ni nombre ni estado social». Creo que las letras son un vehículo para transmitir. También para contar pequeñas películas, aunque nosotros no tengamos talento para hacerlas, más bien serían cortometrajes, y para generar estados emocionales y de ánimo. Que utilicemos el género femenino, masculino o neutro… es lo de menos. Tenemos que coincidir los dos en el estado de ánimo que provocan. El resto podría ser cambiable.

¡Vaya, nos encontramos ante las primeras canciones transexuales!

[Eva]: (Carcajada)

[Juan]: Si tú lo quieres llamar así… (Risas).

Pero os movéis muy bien dentro de la temática trágica. Hablo por ejemplo de letras como ‘Concorde’ o ‘El artista del alambre’, de “Gato negro / Dragón rojo”. Valoro que ‘Robin Hood’ anda por ahí y ya no solo por la letra, sino también por el sonido.

[Eva]: Bueno, la verdad es que todo el disco tiene un concepto que se repite en todas las canciones, que es un el paso a otro nivel. La transformación o como quieras llamarlo. Y además no es premeditado, que conste. Nos hemos dado cuenta de ello al terminar de grabarlo. También nos hemos terminado por dar cuenta haciendo entrevistas, que es como hacer una especie de psicoanálisis.

‘Si las calles pudieran hablar’ me recuerda a ‘No sabe donde va’…

[Eva]: Es ir adelante y no recrearte en el pasado. Yo en ese sentido sí que veo que todas las canciones tienen un punto de esperanza. En algunas hay algo aparentemente trágico que envuelve la historia, pero siempre está la esperanza de salir a otro sitio.

‘Antártida’ sería el ejemplo más claro, pues habla de Carol Anne Freeling, la niña protagonista de “Poltergeist”. No hay mejor forma de explicarlo, pues cuando la niña mete la mano en la tele va a otra dimensión o a otro mundo.

[Eva]: Exacto. Y también el miedo que hay de no saber si tiene que ir hacia la luz o si no… sintiéndose un poco confusa.

Bajo la tesitura musical; ¿os habéis sentido confusos?

[Juan]: No. Normalmente no nos sentimos más o menos confusos dentro de una tesitura musical. La música es una parte de nuestra realidad. Si nos sentimos confusos nos sentimos confusos como unos seres humanos más en un mundo en el que a veces reina la confusión. Digamos que no estamos hablando todo el rato de la esfera o de la escena musical. Es más, las canciones no hablan de escenas musicales, sino de escenas personales. Vale, lo explicamos de una forma musical porque somos músicos, pero lo podríamos poner en un libro y estaríamos hablando de lo mismo. No somos nada ombliguistas, no solemos hablar casi nunca del mundo de la música.

[Eva]: El mundo es una gran bola de confusión.

Diría que eso es un punto a vuestro favor…

[Juan]: Es que el mundo musical no nos parece muy interesante. Hacer música si nos parece interesante, pero no el mundo musical. Nos parece un cero coma cero, cero, cero, periodo siete por ciento de nuestra vida. Nuestros amigos, la mayoría, no son músicos, aunque tenemos muy buenos amigos músicos. En nuestras familias no se han dedicado a la música de forma principal. Cuando hablamos entre Eva y yo hablamos de música, pero no de la escena musical.

[Eva]: De hecho las historias que viven amigos tuyos músicos son las mismas historias que puede vivir una persona en otros ámbitos.

El nuevo disco de Roxette ha sido simplemente una excusa para poder reunirse de nuevo, realizar una gira y volver a llenar recintos interpretando sus grandes éxitos. No sabemos si en otros países tendrán el mismo éxito que en España (siempre fuimos uno de sus mercados prioritarios), pero por lo menos en su cita madrileña se vieron arropados por miles de personas berreando esas canciones que todo el mundo conoce gracias a M80 o Kiss FM. Lo que en un principio puede ser un punto a favor para la gente que no sea fan del grupo (novios y novias por doquier), tantos años de escucha en bucle pueden pasar factura y acabar maldiciendo “The look” o “It must have been love”, como en el caso de un servidor. Aún así, a la hora de la verdad disfrutas como si volvieses a la infancia y/o adolescencia cantando en masa todos sus grandes hits.

Sorprende cómo gran parte de los asistentes se conocía los temas de pe a pa, cuando ya sabemos del nivel de inglés de este país y recordando un concierto como el de Madonna donde la gente no pasaba del estribillo incluso de las canciones míticas. Rodearse de un público tan entregado siempre ayuda a integrarse en un concierto que aunque divertido, tuvo sus altibajos. El sonido a veces resultaba algo farragoso; la voz de Marie no estaba en su mejor momento, como su actitud (suponemos que debido al cáncer de hace algunos años); los momentos horteras como juntarse todos los miembros con cuerda en un rincón y hacer el mismo gesto se sucedieron bastante y, para que negarlo, provocaban un poco de vergüenza ajena.

Sin embargo ya sabes a lo que vas, y al final lo das todo. Comenzaron con “Dressed for success” y se fueron sucediendo “Sleeping in my car“, “The big L.” o “Crash! Boom! Bang!”, éxitos, pero no tan queridos como los que guardaban para el final: “Fading like a flower”, “Joyride”, “The look”, “Spending my time” o “Listen to your heart”, que todo el mundo supuso como última, pero que nos sorprendieron con una preciosa versión acústica “Church of your heart“, un single menor del Joyride. Y es que uno de los puntos positivos de la velada fue la recuperación de un buen surtido de temas del que se trata sin duda su mejor álbum. Aparte de los consabidos singles, incluyeron dos baladas interpretadas de manera casi desnuda: “Things will never be the same” y “Perfect day”. Se agradece el gesto para los puristas de la banda, y que no sólo se dejasen llevar por los singles populares. ¿Y Charm School? Un par de temas y a correr. Como anécdota hay que decir que “It must have been love”, supuestamente su gran balada, la interpretaron a la mitad, dejando para el final “Spending my time” y ”Lister to your heart”. Por fin se hace justicia: estas dos son sus grandes baladas, y ellos parece que piensan lo mismo.

La actitud de Per en el escenario es magnífica y desde cierta distancia parecía tratarse de un jovenzuelo; Marie, como se ha dicho, no está en su mejor momento, pero a pesar de cierto resentimiento de la voz en determinados momentos (“Whish I could fly“ fue un poco desastrosa), aprobó con holgura. La complementación entre los dos sigue teniendo la magia del pasado y se nota a la legua que siguen llevándose tan bien como hace veinticinco años, así que la reunión no ha sido para nada forzada, y eso se refleja sobre el escenario. Casi dos hora de máquina del tiempo que aunque no nos cambie la vida, sí que agradecimos en un show tan entretenido como, hay que reconocerlo, intrascendente; pero es que hay veces que hay que vomitar sobre los prejuicios y dejarse llevar.

No se confundan al escuchar que Cyan son un grupo pop-rock. Olvídense de radiofórmulas varias y de letras facilonas, pues lo que hacen estos cinco caballeros de Barcelona es mucho más que eso.

Compuesto por Javi Fernández, Gorka Dresbaj, Jordi Navarro, Sebastian Limongi y Antonio Lara, editan “Historias para no romperse” que, tras la formación en 2006, sirve para clavar la banderita de la búsqueda del estilo propio y personalidad después de un primer LP homónimo que vio la luz en 2008.

Tanto quieren demostrar que saben hacer las cosas a su manera que en este último disco ellos mismos han tomado la dirección de la producción (contando con la ayuda de José Reinoso), propiciando la autodeterminación dentro de las diez canciones que habitan a lo largo del minutaje. “Historias para no romperse” es totalmente accesible a todo tipo de gustos. Tal vez la implicación íntegra de la banda haya dado pie a ello y por lo tanto ya es un punto a favor para atender a canciones como ‘Las cenizas del verano‘ o la sensación térmica que otorga ‘Volando eléctrico‘.

Pero el grueso del cancionero no se sustentaría si no fuese por cortes como ‘Esos niños‘, ‘Estrella mutilada‘, sin dejarse en la cuneta la potente ‘Turistas heridos‘. Precioso single y muy bien elegido, por cierto, para ser la carta de presentación. Un ritmo constante de guitarra rítmica que se ve apuntalado por el punteo de otra más brillante.

Lógicamente (y hablando de manera general) no hay nada inventado, pero el hecho de sonar frescos sin repetirse a otros grupos ya es muy meritorio para los tiempos que corren. Cyan están creciendo muy sanos, se destetaron y pueden retroalimentarse ellos solos.

Louisiana son Luis Cebrián y Ana Muñoz. Si ustedes han sido avispados habrán reparado en el juego de palabras que hay entre el título del dúo y de los nombres. Justamente son eso, un dúo, pero con una banda que respalda todos y cada uno de los movimientos sonoros que hacen. En 2010 fueron premiados como el Grupo con Mayor Proyección de Aragón 2010 en los XII Premios de la Música Aragonesa. Y no es para menos, pues su primer trabajo homónimo es algo, ya no sólo digno de premiar, sino de escuchar y hasta de revisar cada cierto tiempo, pues las canciones valen tanto para un roto como para un descosido. El próximo Jueves 17 de Noviembre estarán enseñando en la sala Costello (Madrid) lo que sus canciones pueden llegar a hacer.

¿Cómo un casquivanillo como tú (Luis) y una poetisa como ella (Ana) acaban juntos de esta manera?
[Luis]: Es sencillo; porque dentro de una aparente…

[Ana]: No, mira. Para empezar me revienta que digan poetisa.

Vaya.
[Luis]: Bueno, en Zaragoza, Ana era conocida como poetisa y yo era un tarambana (risas). Entonces, al unirnos, juntos surgió lo mejor de cada uno. Una vez que empezamos a quedar con las guitarras nos dimos cuenta de que había feeling.

[Ana]: Nos conocimos en un recital de poesía. Él vino cuando concluyó y ahí fue donde nos conocimos en persona, aunque ya teníamos noticias el uno del otro previamente. Nos conocimos, nos caímos bien, estuvimos hablando… y resultaba que éramos vecinos. A lo largo de ese verano que comenzaba quedamos bastantes veces. Luis estaba en un momento complicado con Nubosidad Variable, su grupo. Estaba en un momento de declive, por así decirlo. Yo, por mi parte, estaba tratando de empezar un proyecto musical. Luis me ayudó a preparar algunas de las pruebas, entonces llegó el momento en el que nos preguntamos por qué no montar un grupo. Así que eso hicimos con las canciones que había.

Es curioso que, tras conoceros, se os ocurriera montar un grupo en lugar de salir como pareja.
[Luis]: Porque enseguida vimos que eso no era bueno. Aunque… la primera vez que nos vimos…

[Ana]: …nos dimos un besito.

[Luis]: Fueron dos; uno de ellos fue en la calle Alfonso.

[Ana]: Y que no iba tan borracho como yo pensaba (risas).

Dejando de lado este paréntesis… me resulta curioso y gracioso a la vez que tú, Ana, huyas de los instrumentos amplificados. De hecho, no te gusta oírte así y prefieres el rollo acústico.
[Ana]: No… bueno, no sé.

¿No o no sé?
[Ana]: No, porque cuando me pongo una guitarra eléctrica me pongo superpoderosa. ¿Sabes lo que pasa? Que yo al principio tenía mucho miedo de escucharme amplificada, eso sí que es verdad. Y todavía tengo ese vicio en las pruebas de sonido de pedir menos guitarra porque me gusta oírlo todo cuanto menos amplificado, mejor. Pero porque todo es parte de un proceso, pero todo tiene su tiempo y voy poquito a poquito. Al principio el proyecto era muy pequeño, tocábamos en mi habitación. ¡Incluso con la banda ensayábamos en el salón de mi casa! Y mi casa no es nada grande, es un piso con las paredes de papel. Así que hasta hace muy poco yo no estaba acostumbrada a escucharme amplificada. Yo misma me presionaba mucho, incluso lo hago en el local de ensayo.

[Luis]: Yo creo que es una evolución propia. Al principio, estaba la propia inseguridad de empezar a pelo, cantando y con las acústicas. Luego, a medida de que se cogía la guitarra con soltura, se pasa a banda y se pasa a la guitarra eléctrica… había más confianza. Era el trabajo de estar todos los días trabajándolo.

Hombre, sinceramente veo un buen equilibrio entre la acústica y la eléctrica, pues además es un modelo Gibson SG, un sonido bastante contundente. Está bien así y que no sea el típico grupo de menstrua-pop.
[Ana]: ¿Menstrua-pop? ¡Soy tuya para siempre!

[Luis]: La cosa está en que se va equilibrando. Empezamos haciendo folk electroacústico. Vale, todo evoluciona. Así que de repente vimos que sí existía esa parte, pero con más colores. Está el color más emotivo, con instrumentos acústicos que hemos ido mimando hasta llegar a pasajes, digamos, más post-rock y más eléctricos, también combinados.

[Ana]: También empiezas de una manera diferente cuando te cuelgas una guitarra eléctrica teniendo unos pedales de distorsión. Son elementos que van muy bien para determinadas canciones, como las nuevas.

Las evoluciones son necesarias para que el sonido crezca. Y más si habláis de nuevas canciones.
[Luis]: Igual que las percusiones, porque nos hemos centrado ahí con otro color más percusivo. Eso genera en las canciones instrumentales un motivo más alegre y menos melancólico. Por ello existe la seguridad de que Ana también es muy realista como instrumentista. ¡Somos muy realistas! Porque si no llego a algo no lo voy a hacer. Ana ha mejorado mucho y hace más cosas porque, como bien dice, se siente poderosa y porque suena bien. Antes éramos voces y ahora somos más guitarras. Hay un juego donde yo soy “solista” pero también, a veces, intercambiamos ese rol.

[Ana]: Nosotros teníamos una idea de lo que nos gustaría hacer musicalmente, sabiendo hacia donde queríamos llevar esas canciones. Pero todavía siento que nos queda un pasito. Algunas cosas que hay que cambiar. Ahora los coros y las percusiones tienen más relevancia que antes porque se han ido dando pasos. Vamos poco a poco pero sin haber cambiado la percepción de nuestras canciones y sin haber cambiado la voluntad de cómo queremos que suenen. Es lo que decía Luis, damos pasos seguros en diferentes aspectos.

¡Y hay tres tíos más!
[Luis]: Claro. Es que es tocar con la confianza de tener de una banda. Estamos muy contentos con las aportaciones que hacen.

[Ana]: Son unos músicos que llegaron en el momento clave para armar las canciones de la manera que nosotros queríamos o conducirlas hacia donde queríamos. Igual que antes podíamos decir pop electroacústico o folk, también hay partes que son de rock progresivo.

[Luis]: Ahora los nuevos vienen de The Fractal Sound, un grupo de Zaragoza.

¿Ya no están los anteriores músicos?
[Ana]: No. De hecho empezaremos con esta banda en Costello. Pero es algo que tampoco queremos darle mucha importancia por si dicen que ya no somos los mismos. Louisiana somos Luis y Ana, luego está la banda. Entran y salen músicos, pero es más o menos elegante porque nos ayudan con cierta firmeza y destreza.

[Luis]: Es importante, porque hemos ido buscando a los músicos. Ellos venían a los conciertos y les gustaba, entonces así era más fácil que ellos tuvieran una visión de lo que pudieran aportar. Son músicos que con su grupo pueden estar haciendo algo barroco o lo que sea. Ahora encajan, como músicos que son, sus ideas en Louisiana, por lo tanto saben cuando tienen que estar callados entre las canciones o cuando hacer un arreglo, pero siempre con las ideas de Louisiana.

Ahora que dices de silencios… ¿Qué tipo de pieza es ‘Daddy’? ¿Algo tipo ‘Sal’, como la canción de Héroes del Silencio?
[Ana]: Queríamos que fuera una intro. El tema está en que, lógicamente, mientras canto no puedo tocar el clarinete, así que es una continuidad a ‘Reformulación de Daddy’. También porque hace referencia a un poema de Sylvia Plath.

Destaco dos canciones más, que son ‘Feliz daño nuevo’ y ‘Que me desamor’, las cuales no quieres volver a tocar porque ya no las sientes…
[Ana]: Bueno… ahora es al revés porque desgraciadamente han vuelto. Volvieron en verano o por ahí. Cuando yo las estaba haciendo me venían imágenes, el rostro de aquella persona, pero hubo un momento en el que se olvidó y estábamos todos bien. Vamos, que no sufría por ellos. Pero hasta este verano, porque ha sido curioso que de repente, aunque tenían sentido para mí, aparecían otros rostros distintos. Es la historia del eterno retorno de “siempre lo mismo”. Hacer una canción sobre unos rostros y que tiempo después esa historia sirva para otros.

¿Has pensado en matar gente? Así olvidarías los rostros.
[Ana]: ¿Matar gente?… no, no lo haría (risas). Pero en la escritura te cargas a tus enemigos y juegas a ser sádico…

Pero no hay valor. Como se titula una de vuestras canciones bandera: ‘No hay valor’. Me consta que es la primera canción que tocasteis juntos, digamos el embrión de todo. Ese título me suena a esa frase que siempre obliga a hacer algo por orgullo: “No hay huevos”.
[Ana]: ¡Es que es por eso! No hay huevos… como que no hay cojones.

[Luis]: En ‘No hay valor’ hay partes de Ana en las que yo creo que puede haber dos significados; uno, que es cuando Ana la escribe y piensa a nivel de desamor… por ejemplo. Pero ese mismo significado, y como segundo punto, puede ir a Louisiana, o sea, que también iría a mí, a Luis Cebrián. Yo soy muy caótico, pero Ana es la parte contraria… a veces.

Han sido inteligentes y muy hábiles los muchachos que ahora caminan sobre la cuerda floja. Glazz, desde El Puerto de Santa María (Cádiz), sacan el látigo y chasquean con “Cirquelectric“, un segundo trabajo que supera a “Let’s Glazz” (LoSuyo, 2008), la ópera prima de este trio instrumental formado por Javi Ruibal (batería), Daniel Escortel (bajo) y Jose Recacha (guitarra) que emulsiona el jazz con la electrónica (en pequeñas dosis) y el rock, vestido, este, al igual que Imán Califato Independiente, Weather Report o King Krimson.

Esta entrega vendría a ser el más difícil todavía y ciertamente así lo es. Ellos lo merecen ya por el simple hecho de haber compuesto ‘Triple mortal‘, una acuánime miscelánea de guitarras estiradas y un bajo formidable que dan un poso de calor al final del álbum. Sí, el final… de veintiún ensoñaciones (veintidós si se cuenta el bonus track titulado ‘El hombre bala‘) que han recorrido una noche circense, muy de madrugada y al lado del mar. Una imagen que bien podría haber dibujado Maurits Cornelis Escher o El Bosco.

Tienen esas guitarras y teclados que sólo el rock andaluz supo dar al mundo cuando Gong, Smash, Triana o Guadalquivir eran los monarcas indiscutibles del rock progresivo en España (con el permiso de Máquina). ‘El lanzador de cuchillos‘ ya se hace fuerte en ese tipo de características anteriormente descritas (como también ‘Montando la carpa‘, su predecesora). Es un disco largo y extenso, con melodías muy tranquilas en su mayoría (‘Cuando sea mayor‘ con emocionante violín) pero con una fuerte pegada cuando desarrolla su lado eléctrico (‘Los forzudos‘). Se debe tener en cuenta que anda entre la obra conceptual y la ópera rock, pues su espectro argumental -y también sonoro- crece en una historia circense, muy bien traída, por cierto. Sin olvidar el agradable eco arábico-andaluz que corretea en ‘Saltimbanquis‘.

Pero en esta pista hay leones de peso. ‘Alehop‘ funciona muy bien como trapecio seguro en el que Miguel Ríos (cantando) y Javier Ruibal (en la letra) mantienen el equilibrio ante el respetable. Por otro lado, ‘El trapecista‘ es el aro de fuego con Pedro Perles al frente y sujetando la red, Leda Tres.

Glazz saben lo que se hacen e incluso pretenden editar “Cirquelectric” en Dolby 5.1. Ahí es nada.

Unas canciones bien elaboradas, sin cabos sueltos ni trasquilones. Ideal para amenizar el sueño o dejarse llevar por el alicatamiento. Siempre, por supuesto, en buena compañía.

De entre las filas de grupos madrileños como Orestes, Scandal Sue, Mi venerable gato o Blu Culebra, que durante tantos años han surcado las salas del país, surge ahora Arvol, una formación con ideas renovadas, en las que Félix, Nacho, Luis, Irene y Ernesto, dan una vuelta de tuerca al pop-rock cantado en castellano con “Imagina”, el primer LP de la banda. Un disco que contiene bonitas canciones como ‘Ni tú ni yo’, ‘Miedo a ser felices’ o ‘Estrella’. Además contando con ilustraciones y libreto de la diseñadora Willy Ollero.

Una de las frases que se puede leer en vuestra hoja de promo es: “hacer música que nos apetezca ponernos en nuestra casa”. Joder, ¿hacéis música para abuelas o qué?
[Ernesto]: (Risas) La verdad es que no acabo de creerme la música que me pongo en el coche o que escucho de repente mientras curro. No me la creo del todo porque no le estoy prestando toda la atención. Cuando realmente me siento a gusto es cuando estoy en mi casa, y es ahí donde selección porque tengo tiempo para seleccionar lo que quiero escuchar y la manera.

Pero yo estoy hablando de tu música, no de la de los demás…
[Ernesto]: Sí… verás, cuando escribí esa frase que has citado lo hice porque me encantaría que alguien pusiera mi música mientras está cocinando o en su casa tranquilamente, disfrutándola de esa manera.

Entonces… ¿no lo escucharía de la misma manera una maruja cincuentona en su casa que un modernito en Costello, por ejemplo?
[Ernesto]: Es exactamente lo mismo.

[Félix]: Yo me tomo esa frase del modo en que la música la hacemos para nosotros.

Otra frase que destaco es: “decir y compartir cosas sencillas de la forma más bonita que se nos ocurra”. Un poco diabético, pero queda mejor.
[Ernesto]: Sí, esa queda mejor que la otra…

Pero dejémonos de hostias. Estáis entre el pop-indie y el mainstream. ¿Os quedáis en el medio porque queréis llegar a una cosa cuando todavía no habéis pasado por la otra?
[Félix]: Nuestra búsqueda ha sido natural por la procedencia de cada uno, así es como lo creo. Sí que es verdad que las bases son más rockeras o un poco más indies. Yo, por ejemplo, no me veo nada indie, pero tampoco he escuchado demasiada música de mainstream.

[Ernesto]: Lo que pasa con la génesis de este grupo, o el funcionamiento, es que hay dos personas, que son Félix y Luis, los cuales le imprimen constantemente un rollo más duro y bastante experimental o extraño. Sin embargo, luego estamos Nacho y yo que le damos algo más normal; más armónico, básico o convencional. La cosa está en que cuando mezclas esas dos cosas acaba teniendo dos lados.

Como Nacha Pop, ¿no? Antonio Vega con la característica más interior e íntima y Nacho García Vega optando por el lado más animado. Salvando las distancias, claro. Otro ejemplo sería Lennon y McCartney.
[Ernesto]: Sí, algo así, parecido. En Nacha Pop había mucho de eso.

[Irene]: Realmente todo estaba grabado cuando me metí, por lo que ha sido darle una interpretación a lo que ya estaba hecho. Aportar ideas nuevas. Interpretarlo de una manera distinta con un toque clásico.

¿Cómo de clásico?
[Ernesto]: Irene es la más clásica de todas porque es profesora de piano y música clásica.

[Irene]: Eso es. Siempre me ha gustado la música clásica, de toda la vida. Soy más de conservatorio, de Beethoven, Bach…

Cada uno viene de bandas distintas, así que es lógico que las vías fuesen distintas.
[Ernesto]: Sí, pero no descartamos seguir una evolución. Ya hemos llegado a un punto en el que tenemos un disco, pero esperamos seguir evolucionando. Por ahí irían los tiros.

Un dato importante a valorar es que vosotros, sin ser conocidos como otros grupos, habéis pisoteado bastante el circuito de salas. ¿Os entra miedo al pensar que llegando a un punto más alto esa evolución termine siendo una involución?
[Ernesto]: Bueno, da igual. Nosotros tomamos ese camino componiendo a nuestra manera. No creo que, de repente, nosotros ante el hecho de que la gente quiera escuchar otro tipo de música fuésemos a hacer otra cosa distinta.

Ya, hacer la música para vosotros, como me acabáis de decir…
[Félix]: A día de hoy es complicado, porque ahora no nos ganamos la vida con esto. Si no vas al local para que se te pongan los pelos de punta… Yo voy porque hago esto y me gusta.

[Ernesto]: Quizá, de todos los que somos, yo soy el que tiene más ganas de llegar a todo el mundo. Tengo la obsesión de que mi música sea escuchada por todo el mundo. Los mensajes son sencillos, pero que puedan ayudar a la gente. Lo intento y quiero que llegue. Pero bueno, es cierto que estamos componiendo lo que nos apetece escuchar. Es como el que se está vistiendo y no encuentra ropa con la que se sienta bien, así que como no se encuentra a gusto termina por diseñarse su propia ropa.

[Irene]: Pero es que no es hacer música para nosotros, es hacer música honestamente pero sin traicionarnos. Sí, música honesta, pero que llegue al mayor número posible de gente.

Manteniendo una línea de separación o una frontera…
[Ernesto]: Mira, hoy vi un cartel de un festival con varios grupos mainstream que parece que ahora quieren ser indie. ¿Eso desde cuando? ¿Van ahora de ese palo? Realmente me ha molestado muchísimo que grupos mediáticos de cojones vayan ahora de independientes.

Pero el concepto “indie” o “independiente” es porque se lo montan ellos mismos, no es un puto sonido. De hecho esos grupos que has visto en el cartel pueden ser más independientes que cualquier otro, fíjate.
[Ernesto]: Pero es que cuando tienes un nombre y ya has ganado pasta, ser indie es mucho más sencillo.

Bueno, al fin y al cabo están haciendo lo que ha dicho antes tu compañero Félix, vivir de lo que hacen. ¿No se trata de eso? O sea, estás criticando a alguien que está haciendo lo que tú quieres lograr.
[Ernesto]: No, no se trata de eso. Es que no es lo mismo que estamos haciendo nosotros, en absoluto.

¿No? Seguramente esos grupos empezaron de la forma más humilde hasta que, con mucho esfuerzo y trabajo, llegaron a donde están ahora. Otra cosa es que no te guste la música que hacen.
[Ernesto]: Pero es que eso no me importa. Si yo ahora mismo ficho por una multinacional que me pagase dos discos o tres, que me pusiera en la radio cuarenta o cincuenta veces al día (y en todas partes) para que lo escuchase toda la peña sería perfecto. Pero si luego quisiera volver al principio, a ser independiente, no lo haría de esta manera.

El tema está en hacer las cosas sin pretensiones. Vosotros lo hacéis sin pretensión alguna, aunque hay un objetivo: vivir de ello. ¿Un sueño o una intención?
[Ernesto]: Las dos cosas.

No, tío. No es lo mismo soñarlo que quererlo.
[Félix]: En mi caso, es una pretensión. Quiero dedicarme a esto. Y daría todo por ese sueño, por eso estoy ahí.

[Ernesto]: (Silencio) Pero los pasos son distintos. Voy a intentar vivir de ello, pretendo hacerlo, así que doy pasos… para llegar a ello.

¿Traicionaríais vuestros principios por cumplir ese sueño? Os pongo el ejemplo remoto de que una multinacional llegara con un trato: si grabáis con Bisbal (por ejemplo) eso os aseguraría la carrera. Después puedes seguir haciendo tú música como hasta ahora, pero la condición que he puesto como ejemplo es esa.
[Ernesto]: Es una hipótesis un como extrema…

Pero se puede dar y lo sabes.
[Félix]: Si después de grabar con Bisbal continuáramos haciendo nuestra música, sí.

[Ernesto]: Si sucediese eso yo diría también que sí, porque me encantaría trabajar para poder haciendo cosas. Yo diría que sí a todas, todas. ¿Sabes por qué? Porque creo que el poder estar en una posición de privilegio serviría para poder hacer todo lo que quiero hacer.

Muy bien. Entonces cuando vosotros lleguéis lejos… ¿le damos las gracias a Bisbal porque debido a esa colaboración ahora estáis en lo alto? Es que esto que acabas de decir es lo que antes criticabas.
[Ernesto]: (Silencio y risas después). Si yo tuviese tres discos la gente lo entendería. Ellos dirían: “vale, Arvol se vendió para hacer esto y lo otro”.

[Félix]: Yo tengo un objetivo y es vivir de esto porque me gusta. Tenga que hacer un disco con Bisbal o con quien sea. Para empezar, seguramente sea muy divertido. Además me la suda. Lo haría encantado y me divertiría. Si luego me dicen que voy a dedicarme a grabar con Bisbal durante toda mi vida diría que no. Pero sería divertido.

Es entrar en el juego… posiblemente os funcione una fórmula con la que ganéis éxito, pero luego vais a querer volver a vuestro sonido de siempre. Es como hemos empezado la entrevista.
[Ernesto]: Si grabamos con alguien como Bisbal le imprimiríamos un rollo Arvol.

No, no… pero la pregunta es si tú te aprovecharías de ese tirón.
[Ernesto]: Lo haríamos así, con nuestro sonido, porque no sabemos hacer otra cosa.

Puedes hacerte con “Imagina” en UFI: Unión Fonográfica Independiente (Plaza de Matute, 12 Bajo) o en Cuervo Music (Calle Velarde, 13).

Se dice eso de que segundas partes nunca fueron buenas. También lanzan pedradas contra aquellos que siguen una norma establecida… pero pocos son los que logran hacer una continuación tan buena y merecedora de elogios. Los vigueses Maryland se sienten dichosos con “Get cold feet“, una dignísima hermana de “Surprise” (Ernie Records, 2009) que ha permitido a sus seguidores tener un motivo de orgullo y a ellos mismos para sentirse realizados con tal de seguir hilando más y mejor.

Las canciones de esta segunda parte atrapan y emocionan. Exudan pop (del bueno y del bonito) por cada segundo y encima, para colmo, Jaime Gª Soriano ha sido quien manejaba los mandos de la producción. Podrían sonar un poco a Sexy Sadie, pero esta afirmación sería tirar por el camino sencillo. Lo correcto sería confirmar que Maryland toman el relevo del power-pop sencillo pero potente a la vez, que tantas glorias dio en su tiempo a los mallorquines. Si buscan referentes que no tengan nada que ver con lo nacional, pueden ir al continente americano y dar con Weezer si así lo prefieren. Temas como ‘Red boots‘ y ‘Atom bomb‘ despuntan por encima de los demás, teniendo a ‘25 Springs‘, ‘For me today‘ y ‘Every moment‘ peleando (a base de distorsiones y riffs claros) por llegar al clímax.

Con ‘It works‘ la formación gallega hace saber que controlan lo que hacen y puestos a pedir, buscan la bandera que les conduzca a un tercer eslabón más, dejando las puertas abiertas a la llegada de ‘Little Miss Sunshine‘.

Ojalá (y así sea) que Rubén, Pablo, Iván, Arturo y Jaime sigan proporcionando música -pues al fin y al cabo es lo que hacen- e impolutas guitarras hasta arriba de chorus durante lo que queda y para los restos.

Amén.

Como persona pequeñita en este mundo, Iván Ferreiro trata de escribir sobre lo que ha sido y lo que quiere ser. También su público puede imaginar y sentir con todo eso que escribe, canta, toca o interpreta. “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 2011) viene siendo un conjunto de realidades compartidas entre la figura de Ferreiro y los figurantes anónimos. El propio Iván lo cuenta así en esta entrevista con Charly Hernández.

“Confesiones de un artista de mierda” puede sonar despectivo. De hecho, Eva Amaral espetó «no sé si tomarme eso como un insulto en los días que corren» cuando alguien del público la piropeó con un «¡artista!». Así que parece que lo de artista de mierda está bastante extendido.

Sí, tiene mucho que ver con eso. Yo a un artista lo relacionaba más con Raphael, con la Pantoja o Rocío Jurado, con todo el respeto. Yo creo que llegó un punto en el que el mundo se llenó de artistas autoproclamados. Básicamente un artista debería ser alguien que emocionara a los demás o que consigue expresar algo, y el que alguien crea que se expresa no significa que sea un artista. Creo que son los demás los que definen si eres un artista, entonces cuando te dicen “artista”, despectivamente, es porque no disfrutan realmente con lo que estás haciendo, por lo tanto puede ser que no seas tan artista, porque no has podido emocionar al que tienes delante. Además la palabra es bastante fea en sí misma.

Hay artistas y hay “artistas”…

Yo he sido un artista de mierda toda mi vida. También es cierto que dejé de ser un artista de mierda para algunos cuando años salí en la tele y no porque mi canción les emocionara. Es como todo, existen grados que decide la gente y que son unos grados arbitrarios que tienen ver con factores que no son demasiado importantes. Me refiero, a lo mejor alguien cree que es mucho más artista Alejandro Sanz que los Lori Meyers, cuando para mí los Lori Meyers le meten un repaso a Alejandro Sanz que lo ponen a andar. También se trata de artista a Lady Gaga, pero yo no sé si se la puede considerar artista. Supongo que emocionará a mucha gente, pero veo otro tipo de músicos que hacen cosas mucho más interesantes y que me tocan distintas fibras.

¿Tan “artista de mierda” te consideras?

Lo de “el artista” es subjetivo a morir. Yo quería jugar un poco a eso, a tomármelo un poco de coña y a pensar que en el fondo llevo veinte años haciendo esta mierda. ¿Y qué soy? Pues soy un artista de mierda (risas). Además, el artista de mierda también depende de los múltiples puntos de vista. Hay un momento en el que a la gente que tienes alrededor le toca los huevos que seas artista y que te vaya bien, porque haces toda la vida que nadie puede hacer de alguna manera. Te levantas tarde, estás con chicas, bebes, te puedes meter una raya, dormir la mona… ¿sabes lo qué te quiero decir? Hasta con los malos hábitos tienes un buen hábito después. Te puedes permitir la sanidad después de la insanidad. Y eso, ser un artista de mierda porque sí, porque vives como Dios y porque no tienes que levantarte a las siete de la mañana. Yo en el fondo me enorgullezco y me avergüenzo a la vez porque hay gente que levanta el país, como médicos que curan enfermedades, mientras que yo soy una especie de garrapata social (risas). Soy una puta, cobro a cambio de placer. Básicamente es lo que hago.

Bueno, mejor ser una puta que cobra por placer que no ser un esclavo del dinero o de la hipoteca.

Sí, bueno. A mí me entra todo. Cambio dinero por placer y utilizo ese dinero para construirme una vida, la cual no tiene que ver con la vida de la gente que tiene otros horarios. Mi disposición es otra y cambian muchas cosas. Estoy en un sitio y me doy cuenta de que la manera más honrada que tengo de hacerlo. Y con honrado no me refiero por honestidad, sino por el momento que mejor defina mi humor, mi estado de ánimo, mi ironía, mi cinismo… y esa era la mejor manera de grabar el disco “Confesiones de un artista de mierda”. Cuadraba muy bien con ello. Cuando hago algo realmente es obra menor. Incluso en SGAE, entre los tipos de obra, existe la obra mayor y la obra menor, y lo mío es una obra menor. El pop se cobra como obra menor. Entonces por ello hay gente que hace sinfonías u obras de teatro de dos horas, películas… y salen ahí, como artistas (en mayúsculas). Pero yo soy un tío que hace canciones, cada dos meses me sale una…

Y si no sale… tienes que esperar a que aparezca la inspiración…

…y a que salgan más. No me siento especialmente artístico, siento más bien que he dado mucho el callo porque un artista es alguien al que le vienen las cosas a la cabeza, él solo es puro arte, lo mío es trabajo, trabajo y trabajo… y soy bastante cortito refiriéndome en que no soy técnicamente bueno al piano ni canto especialmente bien. Sé que tengo algo que le gusta a la gente, algo que ni yo mismo puedo definir, ¡pero joder! disfruto de ello. Aun así me doy cuenta de que no soy un tío que tenga la música delante, me pones a unos tíos a tocar delante y me quedo mudo. Es que ni siquiera soy músico, porque un músico hace cualquier tipo de música.

Por lo tanto… ¿serías un mercader?

No… yo sé muy poquito de lo mío y lo hago bien con lo que sé. Soy capaz de empezar y de terminar mi canción de puta madre. Eso es lo que controlo realmente. Puedo meterme en otros tipos de canciones de pop porque lo domino, es un mundo que entiendo. Pero es no es la música, es la música del pop. Luego está el jazz y tantas otras, pero yo ahí no puedo hacer nada.

Como el blues, que son tres acordes. Parece sencillo, pero hay que saber transmitir y para eso hay que valer.

Efectivamente. Yo, por ejemplo, no serviría para el blues. Probablemente, si fuera negro, me iría bien con el soul, porque me va follar y me va cantar (risas).

Hacer y grabar (también preparar) un disco como este es como una película de David Lynch. Hasta se ha montado un escenario simulando una habitación, como un plató. Por lo tanto, con los medios y limitaciones haces algo que recuerda a una película.

Sí, la idea es que fuera como una especie de sitcom. “Twin Peaks” explicaría eso. Lynch está presente en mi carrera y en mi vida desde siempre. Mi hermano y yo tenemos una frase que Amaro leyó en una entrevista a Berlanga (hijo), en la que decía: «la vida es Lynch». Tenía un poco que ver con que la gente se empeña en que David Lynch fotografía los sueños, cuando realmente fotografía la cruda realidad. Y cuando quiere ir a un mundo mágico sólo tiene que poner una tela roja o un entorno un poco extraño y una conversación, entonces ya tiene una escena de realidad. Como la vida es Lynch todo el rato, la idea de NYSU de poner el decorado me pareció cojonuda. Al principio habíamos pensado en hacer algo muy de estudio, como “From the basement”. Pero de repente a NYSU le propusimos el rollo y prefirió vestirlo de una manera particular, rozando lo hortera. Realmente tiene algo de hortera sacar un disco recopilatorio revisando tus temas de siempre. Incluso mi temática y el amor tienen mucho de hortera. Definido soy un artista hortera. No hay mucha diferencia entre lo que yo hago y lo que hace Camilo Sesto. Y digo hortera con todo el respeto porque soy fan del mundo hortera. Así que en esto queríamos hacer algo donde el mal gusto y el buen gusto estuvieran tan mezclados que te resultaran agradables y atrayentes. Esa dosis de realidad era muy buena para explicar de qué iba el disco. Que no fuera muy natural, porque además es una habitación que ya ni siquiera existe.

Me pregunto si las canciones han sido “vestidas” de este modo para lavarles la cara porque quizá no te gustaba como sonaban antes o si lo has hecho para jugar con ellas.

Para jugar con ellas, principalmente. Me gusta mucho tocar, me volví a enamorar de tocar. Nunca dejó de gustarme tocar. De hecho cada día me gusta más, entonces realmente tenía ganas de cambiar repertorio, de volver a revisar temas porque llevaba año y medio con un repertorio y ya me apetecía renovarlo y también revisar canciones. Había letras que se escribieron hace un montón de rato y ahora me sentía de la misma manera para volver a tocarlas. Tampoco quería volver a escribir una canción que ya he escrito. Estoy en ese momento en el que me apetece revisar temas y más temas… mientras estoy escribiendo ya en mi casa. Además escribiendo de una manera más libre porque he estado viendo todas de las que ya he hablado anteriormente.

Para más señas hay dos temas nuevos; “Mi munchausen” y “Canción de amor y muerte”.

Sí. Correcto.

Eres prolífico en ese sentido pero tienes una relación de amor-odio con los directos. Que mejor manera que esta para defender las canciones.

Claro. Además hacía falta poner como un punto de fuga, ir a otros sitios… y una vez más jugué al despiste. Metimos “Mi munchausen” que es un tema muy concreto y también “Canción de amor y muerte” que está en el lado contrario de la balanza. Pero básicamente es lo que llevo haciendo desde hace un montón de tiempo. También me gustaba lo de la habitación para homogeneizar todos esos distintos tipos de canción que hay. En el fondo, en el propio disco, si alguien se pusiera a buscar una verdad sobre lo que pienso se daría cuenta de que me contradigo todo el rato porque unas canciones dicen una cosa y a lo mejor la otra dice lo contrario. Entonces, está la irrealidad y un tema nuevo, como es “Mi munchausen”, una canción muy especial con una estructura especial. “Canción de amor y muerte” es un tema muy clásico de amor, probablemente el mejor que hayamos hecho. Yo creo que queda perfecto.

Rescatas muchas de Los Piratas pero es curioso que otras, como ‘Oh! nena’ se quedaran sin revisar. También es cierto que ya no te sientes como por aquel entonces como para cantarlas ahora.

No, tío. Joder, sería dificilísimo (risas). A mí me gusta –en mis canciones de toda la vida- verme en el momento en el que estaba, como era o como me hubiera gustado ser. Lo veo un poco todo; como era y como me hubiera gustado ser. Realmente yo no siento que empezara a hacer canciones hasta que hice ‘Promesas que no valen nada’. De alguna manera, todo lo anterior era un ejercicio de crecimiento, como la primera comunión, la confirmación… Creo que es en “Manual para los fieles” donde ya nos encontrábamos en un lugar.

¿Un asentamiento?

Sí. Ya éramos un grupo que sabía lo que quería… o si no lo sabíamos hacíamos lo que no queríamos, porque en los dos primeros discos no sabíamos lo que queríamos.

Saber exactamente lo que no quieres sabiendo, de manera aproximada, lo que buscas.

Soy una persona extrovertida, de alguna manera. Una persona que cuenta las cosas y que en verdad, en las canciones desde un principio, ya tenía el sitio para usar mi humor irónico. ‘Oh! nena’ era una canción irónica de alguna manera, lo que pasa es que no sabíamos como decirle a un productor que tenía que notarse que era lo contrario a lo que queríamos decir. Eso pasó con muchos temas. Incluso no están bien escritos, porque si tengo que explicar de que va no estará bien escrito. Por otro lado, hablaba un tío de veintidós, veintitrés años o veinticuatro años.

Y ahora tienes…

Ahora tengo cuarenta y uno. Entonces mis problemas de los veintitrés son de puta madre y me encanta tenerlos ahí (risas), pero están superados desde hace mucho rato. Hay toda una parte de la juventud que es muy lúbrica, sólo pensaba en follar (risas). Pero ahora pienso en otras cosas. Pienso también en follar, lógicamente, pero no es como a los veintitrés, que sólo veía tetas, culos y coños.

Has dicho que antes escribías en las canciones lo que querías ser. ¿Ahora las escribes siendo quien eres o para ser lo que no eres?

Yo ahora estoy buscando ver que coño soy, la verdad. Supongo que hasta hace poco estaba tratando de ser de alguna manera, como todo el mundo, buscando mi lugar. Y creo que realmente esa es la pregunta que tenemos todos en el fondo, si fuéramos escarbando preguntas para ver de donde nace uno. En mi caso he dejado de preguntármelo. No es que haya descubierto quien soy, es que creo que ya no voy a seguir preguntándomelo. Voy a disfrutar de lo que soy porque ya he aceptado todas las cosas que no me gustan de mí, que es probablemente lo peor de crecer. La parte que tiene crecer es que te das cuenta de las cosas que no eres y te hubiera gustado ser. A veces no eres tan noble ni tan generoso.

Eso es muy duro. Que tú mismo te lo veas…

Claro. Son esos momentos en los que te ves como un cobarde. No sabría decir exactamente que cosas son, pero sí es verdad que uno se va decepcionando consigo mismo. Basta con decir que no vas a hacer una cosa para que luego termines haciéndola. Luego ya, como es mi caso, teniendo hijos, eres el ejemplo para alguien. Ahí es cuando ves todas las contradicciones con las que te encuentras. A un niño le hablas como si fuese Forrest Gump, para que te entienda. Yo a mis hijos les cuento las complejidades de la vida y me miran como no entendiendo nada. Son niños y su cerebro no está preparado hasta que tengan veinte años.

Y de hecho hay adultos que ni lo tienen preparado.

¡Efectivamente! Yo tuve una temporada donde no me gustaba especialmente ni a mí mismo…

¿De qué época estamos hablando, perdona?

Pues por el 2006 o por ahí, que tuve mi primer divorcio. Fue muy duro porque los fracasos sentimentales también son fracasos personales. Hay una apuesta fuerte y generalmente, cuando llegas ahí, no estás limpio. Las dos partes llegan manchadas y embarradas, entonces no es un momento cómodo. Y es lo que te decía, que cuando tienes niños, en concreto, realmente la sensación que te queda es de una miserabilidad absoluta. No sé, en mi búsqueda de la metafísica me encontré con la felicidad, más o menos como lo decía Borges. Desde hace tiempo he dejado de preguntarme quien soy y porque me pasan las cosas que me pasan. Refiriéndome a las cosas buenas, porque esas cosas han hecho que me comiera el tarro muchas veces. Se supone que el mundo es justo y esas cosas, ¿sabes? Pero en realidad el mundo no es justo, y la primera injusticia que veo es que a mí me vaya bien. Si yo fuese todopoderoso y viera las prioridades del planeta me quitaría muchas cosas para dárselas a otro. Se supone que tenemos que repartir si nos sobran un huevo de cosas, impartir justicia. A mí en concreto no es que me sobre dinero, de hecho trabajo al día como cualquiera. Pero si noto un montón de afecto, mucho respeto por parte de los demás… una posición muy privilegiada.

¿Y crees que no te la mereces?

Creo que nadie se la merece. Es bastante artificial. Es agradable y muy divertido cuando la atraviesas, pero tiene un punto de artificial y un punto de que a veces miras alrededor y ves a toda esa gente verdaderamente heroica. Todos los días nos cruzaos por la calle con héroes anónimos que no entran directamente en un bar cuando está petada la puerta ni le invitan a copas allí donde va. Tengo mucha suerte y lo agradezco. Y soy muy consciente de que es suerte, puta suerte.

Por lo tanto no querrás que tus hijos pasen por algo así.

Claro. Mis hijos cuando nacieron y eran pequeños tenían todo esto delante. Para ellos era normal estar con Amaia Montero o estar con bandas cuando venían a Vigo, ellos estaban acostumbrados a ese ambiente. No le dan la más mínima importancia porque ni se enteran. Para ellos no hay ninguna diferencia entre el día que vamos a comer con La Oreja de Van Gogh o con Pereza que el día que van a comer con su abuela. Es un día de comida con amigos. Pero hace poco se han empezado a dar cuenta de que lo que ellos conocen lo conoce mucha más gente y que no es lo normal. De alguna manera creían que en las casas de cada niño cantaba su padre, que es hasta lógico (risas). Ahora están más metidos en la música, están en una situación especial y tienen suerte.

¿Les pones tu música a tus hijos?

Yo no, me la piden ellos. No les pongo discos antiguos ni nada. Pero lo que sucede es que yo trabajo en mi salón y en mi estudio, entonces ellos suelen estar ahí jugando. Muchas veces están jugando a la Play Station mientras yo grabo. Desde “Mentiroso mentiroso”, y casi desde todos los discos, han ido oyendo las canciones durante todo el rato, así que hay un momento en el que están por la tarde en el salón y están cantando ‘Fahrenheit 451’, por ejemplo. Ellos oyen primero las maquetas y después, cuando llega, se llevan el disco y lo escuchan. Hace un año o así, de repente, me pidieron todos los discos que había hecho. Querían oír todo.

¿Tus discos en solitario o también con Los Piratas?

También con Los Piratas. Querían todo. Los míos en solitario los controlaban, pero de Los Piratas controlaban canciones, aunque no tenían claro cual. Me lo pidieron todo y se pusieron a escucharlo.

Creo que ese sería el verdadero reconocimiento que necesitaría una persona.

Sí. A mí me gustaría también –y espero- que ellos entiendan el trabajo que supone. Mis hijos me ven trabajar todo el rato. Cuando no me ven es porque estoy trabajando y cuando me ven con ellos y haciendo cosas observan todo lo que he hecho en la semana. Muchas veces estoy con ellos y tengo que escribir algo o grabar una movida. Yo espero que vean más esa parte que la otra. La otra es un accesorio. Lo importante es que vean que su padre trabaja. Les explico que trabajo mucho, pero que también tengo mucha suerte y que yo no tengo que ir a las siete de la mañana a una oficina, que en lugar de eso voy a cantar con Love of Lesbian, por ejemplo. Que por cierto, les encanta Love of Lesbian y Vetusta Morla. Están viendo lo que hay pero también están entendiendo el trabajo que hay detrás. No necesito brillar ante mis hijos como artista, quiero brillar como un padre que trabaja.

Nada mejor que un concierto íntimo, de los de verdad, de los que el músico se siente más persona que artista y prefiere tocar el piando dando media espalda al público mientras interpreta sus canciones; las nuevas y las pasadas. El caso es que toca lo que siente y como le sale. Así hizo el vigués Iván Ferreiro durante tres noches en el ContraClub, coqueta sala de Madrid, muy cercana al Palacio Real.

Lleno absoluto, y es que era algo fácil de conseguir tratándose de un aforo limitado a ochenta personas. El bueno de Ferreiro se sentó al piano con una colección de canciones muy variada, desde viejos temas de Los Piratas hasta las versiones más raras, pasando por su cancionero habitual. Más o menos como hace en el nuevo trabajo que ya presenta por todo el país, “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 2011). Algo sencillo, pues no hacen falta grandes alardes técnicos ni instrumentales para hacer sentir la música en aquellos que te escuchan.

Nada más comenzar el recital, el propio músico decidió que sería mejor si la audiencia se sentaba en el suelo. Cuando sonaban las últimas notas de ‘Paraísos perdidos‘, los huecos que pudieran quedar en el local eran nulos. A decir verdad, los temas eran muy apropiados para este tipo de shows: ‘Jet lag‘, ‘Santadrenalina‘, la clásica y preciosa ‘M‘ o ‘Mrs. P‘ encajaron divinamente en el ambiente que el propio Iván pretendía conseguir. Lo complejo de esta concepción es la dificultad de hacer nuevas las canciones que, en el subconsciente, son distintas a como suenan en el momento. Era el caso de ‘Tio vivo‘, perteneciente a la úlltima entrega de estudio de Los Piratas “Relax” (Warner, 2003), la cual contiene unas armonías más próximas al minimalismo pop que a la serenata nocturna de piano. Igual suerte (y también para bien) corrió ‘Inerte‘, la pieza primera del mismo artefacto.

El momento emotivo de la velada surgió con ‘Años 80‘ y la versión de ‘Una décima de segundo‘, obra del grandísimo Antonio Vega que se vio contrastada con otra versión algo más inusual: ‘One more kiss, dear‘ de Vangelis, extraída de la banda sonora original de “Blade runner“.

Como era de esperar las visitas a la tarima fueron también un aliciente más. Haciendo juego de palabras (aunque de apellidos, en este caso), Álex Ferreira acompañó al gallego durante ‘Ciudadano A‘ y ‘Promesas que no valen nada‘. Como ustedes saben, la letra de esta composición termina con unas pequeñas líneas de ‘Insurreción, de El Último de la Fila, pero esta vez se dejaron llevar hasta completarla desde la primera hasta la última estrofa. Con ‘1999‘, de Love of Lesbian, sucedió parecido pero sin llegar al extremo cuando Iván Ferreiro coló algunas líneas de la archiconocida de Jeanette ‘¿Por qué te vas?‘. También destacable la fugaz aparición de Salva Codinach, voz de Ruidoblanco, en ‘El equilibrio es imosible‘.

Para aproximar el final, el concierto terminaría cerrándose con ‘Turnedo‘, dejando la atmósfera de la sala algo más ligera y con algún que otro entrañable novio esperando la canción favorita de su romance entre gintonics derramados por el suelo.

- Internet acerca miles de personas tanto como para tenerlas a un click de distancia. La revolución tecnológica permite que alguien anónimo logre conectar con cientos de personas en poco tiempo. Algo así le ha ocurrido a Kina Grannis. Ella a logrado atesorar 410.000 suscriptores en su canal de Youtube, convirtiéndose en un nuevo fenómeno de la música en la gran red. Gracias a ello está de gira, gira que la trae a España.

24 de febrero en Music Hall – Barcelona
25 de febrero en la Sala Ramdall – Madrid

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- El grupo zaragozano Tachenko continúan girando en España con Never ending tour. En ella están presentando su último EP llamado Apúntame a mí primero, su LP Os reís porque sois jóvenes y también sus anteriores éxitos. Desde 2002 están creando canciones originales y únicas y parece que es ahora cuando están cosechando un mayor número de seguidores. Si quieres ser uno de los que disfrutaránn en su concierto anota las fechas:

11 de noviembre en CC Imperial Plaza – Zaragoza
19 de noviembre en OCA Fest – Tenerife
21 de noviembre en el Festival de cine – Gijón. La entrada es libre.
24 de noviembre en La caja blanca – Málaga. Entrada anticipada
25 de noviembre en Malandar - Sevilla. Entrada anticipada y en la sala.
26 de noviembre en Planta Baja – Granada . Entrada anticipada y en la sala.
29 de noviembre en la sala Apolo 2 – Barcelona. Entrada anticipada
16 de diciembre en El gran café – León. Entrada anticipada y en la sala.
3 de febrero en el 40 minutes Live Music Festival - Requena (Valencia)

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- Arvol va a presentar en breves su primer álbum, Imagina, y lo hará en directo con sus temas transformados gracias a diversas colaboraciones al chello, clarinete, flauta, coros y alguna sorpresa más. Además el espectáculo está asegurado siendo la puesta en escena en un divertido espectáculo de cabaret. Si te puede la curiosidad tienes cita el viernes 4 de noviembre en la sala Contraclub de Madrid.

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Como quien rompe monigotes de papel, Amparo Sánchez decidió hace casi dos años romper con toda una década de canciones y vida. Dijo adiós a Amparanoia y marchó en búsqueda de sí misma. La voz, la mujer y el fantasma indígena uterino han dado vida a “Tucson-Habana“, un salto viajero como la película de Wim Wenders, “París-Texas“. De hecho, este álbum se masterizó en la capital francesa… La misma Amparo hace cuentas de como ha ido y de como le irá próximamente.

Te gastaste con Amparanoia y después te metiste con “Tucson-Habana”, que cuenta con músicos de uno a otro confín. ¿No te gastó el alma tener que volver a empezar a –ya no sólo componer- sino formar una banda?

Todo lo contrario, asumir retos es lo que me hace crecer. Era todo un desafío que deseaba; vaciar de instrumentos, comunicar de otra manera, buscar otro punto de complicidad con el público… era un álbum que quería hacer para marcar un cambio de rumbo bien diferenciado.

¡Y hablamos de una banda de más de cinco y hasta casi siete músicos, sin contarte a ti! En la variedad está el gusto, vaya. ¿Qué músicos no pudieron formar parte de tu compañía aunque tú lo propusieras?

No fue una cuestión de proponérselo. Algunos se quedaron y otros se fueron a partir de la última gira. Por la grabación de “Tucson-Habana” sabía que necesitaba contrabajo, piano, batería y trompeta, esos eran los instrumentos que tenía claro, excepto el batería, que es un viejo compañero de antes, incluso de Amparanoia. Los otros son los mismos de la anterior banda. Y también la nueva incorporación es la de Cary Rosa Varona al cello, hija de mi trompeta de toda la vida. ¡Así que estamos en familia!

Claro, que también es verdad que en los últimos voleteos de Amparanoia tú ya estabas mascullando el nuevo proyecto. Si no me equivoco muchas de las canciones que componen “Tucson-Habana” estaban grabadas antes de la gira de despedida de Amparanoia. ¿No sentías que era como ponerle los cuernos a tu pareja?

[Risas] Empecé a escribir los temas y veía que realmente no eran para el proyecto de Amparanoia, entonces fue cuando se los enseñé a Joey Burns y él me invitó a ir a Tucson a grabarlos. Después de este viaje tomé la decisión de terminar Amparanoia y empezar una nueva propuesta musical.

Curiosamente, esto que haces ahora me recuerda ligeramente a Amparo & The Gang. Igual son cosas mías, pero ¿de todas las canciones de “Tucson-Habana” hay algo que hayas rescatado o cambiado de aquella primeriza etapa?

Pues no, pero es cierto que de alguna manera vuelvo al origen de mi primer álbum, unas raíces que estaban esperando ser descubiertas de nuevo.

Ya dejando “lo pasado”… ¿es más que gratificante tomar decisiones por voz propia y más siendo algo tan íntimo?

Sí, el paso ha sido muy positivo en todos los sentidos. A nivel de interpretación y de emoción, poder tocar en teatros este repertorio es una maravilla y volver a clubs cerca del público, ver sus caras… y también poder preparar el segundo álbum con total libertad sin pensar en que estilos o que se espera, simplemente creando.

Me pregunto si te resultó vergonzoso (en el sentido de enseñar algo inacabado o muy personal) mostrarle a Joey Burns (Calexico) los primeros retazos de las canciones que tenías grabadas en solitario, propiamente dicho.

No, con Joey tengo una relación preciosa, hay mucho cariño y respeto y sabía que si alguien podía entender lo que estaba haciendo era él, desde luego.

¿Estaríamos ante tu propio “Paris-Texas”? Catorce historias que de tan personales consiguen mimetizarse con el “escuchante”, a modo de película…

Esa era la idea, por eso la foto de la portada estilo road movie, el titulo del álbum… Hay historias dentro muy personales y muy íntimas. La idea era cantarlas al oído del oyente, y no fue casualidad mover toda la segunda parte de la grabación a la Habana para meter a Calexico en toda la película.

A parte de jugar con lo personal que estamos hablando, está la otra cara, que es ese carácter frívolo a la par que entrañable de La Habana y sus gentes. Grabar en los Estudios EGREM fue, como has contado, encontrarse con la historia de la música cubana. Allí grabaste ‘La Parandita de las Santas’ a dúo con Omara Portuondo, entre otras muchas. ¿Este disco habría perdido todo su sentido sin la experiencia de grabar allí? Obviando, además, el título del propio álbum.

Desde luego, grabar en EGREM era un sueño para Calexico y para mí, y si no hubiéramos ido a la Habana no hubiéramos desarrollado el lado latino que esta en los temas y no hubiéramos tenido tampoco la maravillosa colaboración de Omara.

Amén de que Tucson, siempre fronteriza, también ha sido crucial. Primero porque fue allí donde, en 2007, grabaste con Jordi Mestres Gasso. ¿Habría quedado igual un (por ejemplo) “Barcelona-Chicago”?

Creo que no, fue decisivo que Jordi y yo viajáramos hasta allí con las canciones maquetadas y encerrarnos a tocar con John Convertino y Joey en el estudio de ellos. Así que cuando el tema estaba listo lo grabábamos todos tocando al mismo tiempo y luego salíamos a pasear o a ver grupos de allí o estar en un pueblo que no conocíamos y que no nos conocían. Eso nos dio libertad y mucha inspiración para los sonidos más desérticos.

Una pregunta alejada –en parte- de lo musical. Cuba, con su pros y sus contras (políticamente hablando) tiene una gente muy vividora y vivida, al igual que otros países y/o ciudades sumidas en la miseria. ¿Realmente la persona es feliz siendo rico de espíritu, y pobres cuando únicamente ostentan dinero?

Siempre que vuelvo de Cuba pienso en todo esto; ¿cómo teniendo una vida tan dura pueden ser tan felices? Y la respuesta es fácil: lo importante para ellos son las relaciones, hablar, compartir, reír de las alegrías y también de las desgracias, tienen amor por la cultura y practican la solidaridad con el vecino de su cuadra pero también con los vecinos de Tahití. Hay mucha más humanidad que en muchos países desarrollados.

Reparo en que hubo dos cortes que se quedaron fuera aunque aparecieron en la edición digital. Dichas canciones son: ‘Flor del desierto’ (con Mariem Hassan) y ‘Mujeres sin miedo’ (con Tiken Jah Fakoly). ¿No encajaban dentro de la filosofía y fisonomía sonora de “Tucson-Habana”?

Grabamos y mezclamos veinte canciones y fue muy duro elegir cuales irían en el disco. Entre seis personas hicimos una votación dando más puntos a los temas que más encajaban en el concepto del álbum y estas dos se quedaron fuera. Me dio pena porque tanto cantar con Tiken como con Mariem han sido de las cosas mas bonitas que pasaron. Pero no pierdo la esperanza de que algún día sea el doble que siempre soñé: un CD Tucson y otro Habana.

Quizá no estas canciones, pero sí otras parecidas puedan formar parte del nuevo trabajo en el que ya andas embebida y que grabarás en Noviembre. Pero me consta que habrá mucho blues, así que quizás el ejemplo que antes puse de “Barcelona-Chicago” no está tan alejado…

Pues sí, hay blues, country… la preparación esta siendo completamente diferente al primero, vamos tocando ya algunos temas en directo y la respuesta está siendo muy positiva. Este disco lo grabaré con la banda que me acompaña estos dos últimos años y con el productor Mark Plati en New York. Así que sería Barcelona-New York. Es broma [risas].

Por último; también te has embarcado en la escritura, pues pronto presentarás tu primer libro. ¿Se trata de una especie de diario de a bordo relatando lo vivido en estos viajes o contendrá más temática social que otra cosa?

Es una novela basada en hechos reales que yo misma he vivido y también que me han contado. Es un diario de una madre adolescente víctima de la violencia de género, pero la violencia está desde siempre alrededor de la protagonista. Es denuncia y es canto de esperanza, intenta mostrar que es posible salir de situaciones que cuando estás dentro crees imposible superar.

Además, ahora más que nunca es momento de lanzar una ofensiva vocal para pasar a la acción. Nada mejor que distintas voces para hablar en el idioma universal que es la música… o en este caso, la literatura.

Sí, desde luego. Todo lo que pueda servir para sentirnos más unidos y más fuertes. Intentan hacernos creer que no se puede hacer nada con el orden establecido pero creo que se puede y se debe hacer, como dice un cartel que vi por Facebook, algo así como: «no podría mirar a mis hijos cuando sean mayores si no les puedo contar que luché para que tuvieran un mundo mejor». ¡Lo merecemos!