Artista: Eli ‘Paperboy’ Reed
Álbum: Come And Get It
Sello: Parlophone
País: Estados Unidos
Fecha de publicación: 10 de mayo de 2010

Más información: Web/Myspace/Facebook

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Tracklist:

01. Young Girl
02. Name Calling
03. Help Me
04. Just Like Me
05. Come And Get It
06. Pick A Number
07. I Found You Out
08. Tell Me What I Wanna Hear
09. Time Will Tell
10. You Can Run On
11. Pick Your Battles
12. Explosion

A veces es imposible sentirse mal. Y escuchando a Eli ‘Paperboy’ Reed and The True Lovers me pasa eso. No puedo sentirme mal. Este chico de Massachusetts representa la alegría y su música es un paseo por el lado optimista de la vida. Tan sólo hay que escuchar la canción que da título al álbum, y que ha sido elegido como primer single, “Explosion”, “Tell Me What I Wanna Hear” o “You Can Run On” para darte cuenta de la alegría que transmite. Pero también, Come and Get It [Parlophone, 2010] presenta esos temas de bailar pegados o, como dice un buen amigo mío, de soul ‘baja-bragas’, como “Pick Your Battles”, “Name Calling”, “Just Like Me” y muy especialmente, “Pick a Number”.

Su soul, el ritmo de sus canciones, la sección de viento, sus gritos -de los que en mi opinión abusa demasiado y termina cargando-, y el feeling que desprende Come and Get It hacen imposible que te sientas mal al escuchar la docena de canciones que componen su esperada nueva entrega.

Con la anterior, Roll with You [Q Division, 2008], Eli ‘Paperboy’ Reed se convirtió en la gran esperanza blanca masculina del soul. Curiosamente, en los últimos años, son los blancos los que llevan la voz cantante en el soul y en el r&b de vieja escuela, retro si prefieren llamarlo. Y, en lo personal, ha sido Eli ‘Paperboy’ Reed el que más me ha impresionado.

Por eso mismo, por la impresión que me causó su segundo larga duración -el primero que conocimos la gran mayoría de nosotros- se hizo difícil la espera de la llegada del segundo. Si encima, después del éxito llega la firma con una multinacional, la espera viene acompañada de cierta inquietud y sí, uno es un mal pensado y considera que las grandes compañías discográficos son el diablo.

Sin embargo, después de escuchar Come and Get It se puede decir que Eli ‘Paperboy’ Reed sale bien parado. El de Boston se ha marcado un disco que sigue la senda de Roll with You. Derrochando buen, simpático y agradable soul, aunque haciendo algunas concesiones a la comercialidad. Sobre todo por esa producción al estilo Phil Spector y por algunos cortes como “Name Calling” o “Pick Your Battles”, con una orquestación tan preciosa como ñoña.

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Valoración: 6

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Texto: Carlos A.S.

 

 

 

 

 

Todo el mundo tiene en boca a la nueva sensación: son cuatro, vienen de Londres, se llaman The XX y todos rondan los veinte años cumplidos. Cuando escuché esa presentación me eché a temblar: la verdad es que este tipo de “fenómenos publicitarios” me suelen dar bastante repelús. La cosa es que por una vez no hice caso a mis prejuicios y me atreví a pegar una buena escucha a su disco… y me he llevado una enorme sorpresa.

Lo primero que llama la atención de este grupo es que no suena como uno espera que unos chavales tan jóvenes deberían sonar. El disco suena limpio, cristalino. Lo primero que me sugirió es que se trataba de soul hecho por y para replicantes que solo viven de noche. En sus canciones apenas encontramos algo más que un dúo de voces sensuales que canta prácticamente a capella sobre frases de guitarra reducidas a la mínima expresión y tenues juegos entre sintetizadores y cajas de ritmo. The XX han llevado a cabo un ejercicio de depuración, de eliminar todo lo que sobra hasta reducir el sonido a la mínima expresión. Y, todo hay que decirlo, se trata de un sonido inesperadamente maduro.

Y es que, como decía más arriba, aunque sea un grupo de chavales, aquí no termina de aparecer casi nada de lo que se lleva entre la chavalada del 2009. Bueno, quizá esto último tampoco sea del todo cierto. Aquí sí que hay R&B, pero suena tan contenido que se encuentra en las antípodas de las producciones histriónicas que suenan a todas horas en la MTV. Y lo mismo puede decirse de el resto de elementos que nos sugiere su música: en sus guitarras reconocemos a un Robert Smith de The Cure reducido al esquematismo, o el dubstep que se manifiesta en la atmósfera fantasmagórico. Quizás también haya pistas que nos recuerden a la indietrónica, e incluso la forma de cantar de Oliver Sim y de Romy Madley Croft recuerde ligeramente a lo que en los noventa hicieron la pareja Tricky y Martina Mapple Thorpe…

Pero no estamos aquí para jugar a descubrir si el grupo se parece más papá o a mamá, sino para comprobar el grado de satisfacción que “XX” nos puede aportar. Y esta es muy alta. Este es uno de los debuts más emocionantes que he escuchado últimamente, y me atrevo a decir que el disco huele a lista de lo mejor del 2009 desde que lo sacas del plástico. Se trata de un trabajo íntimo, sexual e hipnótico, pequeño de sonido pero inmenso de espíritu.
Me parece injusto destacar alguna canción sobre el resto ya que el nivel general es altísimo. Pero si tuviera que quedarme con alguna, además de “Crystalized” (el primer single) me quedaría con “Infinity” (una especie de falsa versión del “Wicked Game” de Chris Isaak), la animada “Islands” o la delicada “Shelter”.

Lo dicho. Merece la pena abandonar los prejuicios y dar una oportunidad para que este disco te seduzca. Creo que no he escuchado este año muchas novedades que me hayan cautivado por tantos motivos como este. Y pensar que estuve a punto de pasar de largo ante él…

Artista: The XX
Disco: XX
Discográfica: Young Turks – Pop Stock!
País: Inglaterra
Año: 2009
http://www.myspace.com/thexx
http://thexx.info/

 

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Carlos Caneda

Tan variado como impecable en su programación, el ciclo de conciertos de los Veranos de la Villa madrileño contiene a grandes figuras en su imprescindible cartel. El día 6 de julio le tocó el turno al jazz fusionado con el soul, con el pop y con la soltura de unos músicos, que al mando del majestuoso George Benson, llenaron el recinto habilitado en la Casa de Campo de Madrid. En hora y cuarenta minutos este equipo de virtuosos hizo vibrar con ese tono atemporal a unos asistentes agradecidos a esas notas tan templadas como románticas y dulces del equipo que tenía pegado a sus retinas.
No todo lo suave tiene que ver con lo romántico, con lo cautivador y con lo dócil. Las notas pacíficas de un George Benson que apareció en escena con un negro tan serio como informal, nada tienen que ver con lo manido, lo rayado y con la copia. De hacerlo, lo realiza con tanta clase que parece salido naturalmente de su voz, sin haber nacido antes.

 

 

Sale a tocar y la guitarra se le pega a la mano, como si fuera la escoba a Harry Potter. Y vuela, vaya si vuela. Diecisiete primeros minutos sin abrir la boca para acompañar las notas de una primera parte del concierto orientada al jazz. Improvisando las notas más que sorprendiendo por el conjunto de los temas, sus cinco músicos pueden hacer alarde, por ejemplo, de un piano procaz, al que cede protagonismo en varios momentos su maestro de ceremonias, que se dedica en la mayor parte del acompañamiento a puntear su guitarra en los tonos más agudos. O seguir los caminos jazzísticos de su “frontman” con las dos guitarras, los teclados y la batería sin mostrar atisbo de vacilar.
Músicos que han tocado con Britney Spears, Barbra Streisand, su bajista con la cantante de funk Chaka Khan ó con Stevie Wonder; curriculum señorial que demuestra lo obvio que transmiten: el que sus canciones, realizadas de forma tan matemática como intachable, salgan así de resolutivas.

 

 

No parecen pesarle a George Benson los diez premios Grammy que lleva colgados a sus espaldas. Ni el revisitar con tanta clase su “Nothing´s gonna change my love for you”, veinticinco años después. O cambiar el ritmo en otro de sus grandes clásicos, “Turn you love around” para hacer que los primeros seguidores se levantaran de sus asientos. Llegados a esta segunda parte del concierto, con bases claramente más enfocadas a sus éxitos soul-pop, le bastó poco para justificar su categoría con autoridad, en temas de claras influencias ochenteras: “Give me the night” sonaba tanto a clásico que hacía sonreír a aquellos que la estaban esperando una hora antes. De igual manera, “In your eyes”, a pesar de que no la module como antaño, sigue teniendo el mismo temperamento que cuando se creó.

 

 

Tras el bis, se atrevió con una versión instrumental de The Beatles llevada a su terreno, por si alguien dudaba de que con lo clásico no se juega.
George Benson tiene tanta clase como soltura en el escenario, a pesar de no ser muy comunicativo con el público; aquel que añora los éxitos de un artista como quedan pocos. Clase, mucha y elegante clase.

 

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Texto: Ángel Del Olmo

31/5/2009
Velódromo de Anoeta (San Sebastián)

Para los adictos al canadiense, su gira del año pasado nos resultó bastante frustrante. El hecho de que su única fecha en España estuviera incluida en aquel circo infame que resultó ser el festival Rock in Rio hizo que la mayoría optase por verle en la nefasta retransmisión que hicieron del evento por La 2 de TVE o, como fue mi caso, que emigráramos a Portugal para mostrarle devoción ante un escenario más sostenible, el del festival Optimus Alive de Lisboa. Así que la noticia de que las dos primeras fechas de su gira europea del 2009 serían en el festival Primavera Sound de Barcelona y en el Velódromo de Anoeta en Donosti nos llenó de gozo. Tocaba volver a encontrarnos con el canadiense, y ahora mucho más cerca de casa.

La encargada de calentar el escenario fue la madrileña Rebeca Jiménez. Su música, pop rock solvente pero bastante edulcorado, cumplió con el cometido de servir de sonido de fondo mientras el respetable accedía al recinto, aunque tampoco podremos decir que resultara especialmente excitante ni que vaya a quedar grabado en nuestra memoria.

A eso de las 21:45 noche saltó al escenario Neil Young y su banda actual, formada por su esposa Pegy Young (coros y piano), Ben Keith (pedal stell y guitarra), Chad Cromwell (batería), Rick Rosas (bajo) y Anthony Crawford (guitarra), junto a Larry Craig, el encargado de que todos los instrumentos sonaran como tienen que sonar. El montaje del escenario era semejante al que trajo el año pasado, con un escenario repleto de cachivaches: un teléfono rojo que servía para convocar al grupo a escena, un enorme lienzo que se fue pintando durante la actuación, una talla de madera de un jefe indio, un teclado encajado en una paloma de la paz de madera, un enorme ventilador industrial, además de una montaña de guitarras, pianos, órganos y amplificadores destartalados que parecían sacados más de la colección de un anticuario que de lo que del equipo que utliliza una estrella del rock al uso.

En los últimos años el canadiense se ha reafirmado en su papel de el último hippy, y ha hecho manifiesta su cruzada contra la demencial deriva de la sociedad tecnológica; de hecho en su último LP el mensaje crítico hacia el abuso de las fuentes de energía y de las descargas digitales es bastante claro. Y esos trastos parecen ser su respuesta a todo esto. En una época en que en las grandes giras la música -y el ser humano- suelen quedar enterrados bajo toneladas de artificios digitales, sonidos prefabricados y pirotecnia circense, el abuelo apuesta por una puesta en escena austera, cuya única ornamentación es un sencillo pero eficaz juego de iluminación.

El concierto arrancó con un terremoto. Primero, “Mansion On the Hill”, una de mis debilidades. A continuación, su visión del apocalipsis eléctrico con “Hey Hey, My My”, sacando de las guitarras un sonido seco y abrasivo como pocas veces hemos escuchado, y que deja en evidencia a bastantes generaciones posteriores de supuestos rockeros aguerridos. Para el que escribe esto, sólo estas dos canciones habrían justificado los kilómetros de carretera y el precio de la entrada. Haciendo justiica a la camiseta con la cara de Emiliano Zapata que llevaba puesta, una vez más Neil Yong venía guerrillero.

A partir de ahí, la estructura del show fue bastante parecida a la que trajo el verano pasado, aunque con un repertorio remozado, con más hits y más redondo. La primera parte continuó con interpretaciones gloriosas de clásicos como “Pocahontas“, “Cinnamon Girl” o la desgarradora “Cortez de Killer”. A continuación, un descanso -en cuanto a decibelios, no en cuanto a intensidad- en el interludio acústico con un “Mother Earth” interpetado al órgano o el pequeño repaso al “Harvest“ con “The Needle and the Damage Done”, “Heart of Gold” y “Old Man”. Después, vuelta a la electricidad en una recta final en la que, entre otros temas rotundos como “Down by the River” o “Keep On Rockin’ in the Free World”, cayeron las únicas canciones que interpretó de su último disco, “Fork In the Road”: “Get Behind the Wheel” y “Just Singing a Song”. Y, para rematar, una versión incontestable de “Like a Hurricane“.

Como pegas, podríamos apuntar que se pudo echar en falta un final tan explosivo como el de los shows del verano anterior, y que el sonido, si bien no fue malo, sí que resultó algo bajo, sobre todo en las partes más contundentes. Pero esto no debe ser motivo suficiente para que dejemos de recordar este concierto como uno de los momentos más grandes que el rock nos ha brindado. Y es que, como decía Eduardo Ranedo en la revista Ruta 66, “Neil Young, ahora mismo, en directo no es inferior a ninguna de sus encarnaciones pretéritas. Ir a verle hoy es igual de gratificante que lo que pudo ser en el pasado”.

Una vez más, el canadiense se reencarna en chamán del rock, en el sabio hombre viejo que maneja a su antojo los elementos y las fuerzas hasta hacer que su concierto se convierta en ritual mágico, donde la intuición, lo irracional y lo inexpiclable son elementos fundamentales, capaces de hacernos entrar casi en un estado de trance, de ponernos en contacto con lo absoluto. En esas dos horas fue capaz de conjurar los elementos, el amor, el ruido, la electricidad, el fuego, la vida y la muerte. El derroche físico y espiritual es enorme, tanto que cuando al final de “Like a Hurricane” callan las guitarras parece que ya no puede haber nada más allá.

Acostumbrados a que los llamados dinosaurios del rock vuelvan a la carga una y otra vez con circos mastodónticos en los que la pirotecnia visual y la parafernalia propagandística sólo sirvan para ocultar que su propuesta sólo tiene vigencia como mero ejercicio de nostalgia, lo de Neil Young tiene algo de épico. Hombre viejo y encorvado, despeinado y vistiendo una nada glamorosa camisa a cuadros, a sus 64 años mantiene intactas su voz y su habilidad como guitarrista, y sigue echando sobre su espalda lastimada la práctica totalidad de las dos horas de concierto con una energía impropia no ya de un hombre de su edad, sino de un rockero de cualquier generación. Parece que el canadiense es de los pocos que todavía tienen algo que merezca ser escuchado en esto del rock. Como cantó en “Just Singing a Song”, “Cantar una canción no cambiará el mundo”. Puede que no vaya a cambiar el mundo entero, pero una de Neil Young sí que puede transformar tu alma.

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Carlos Caneda Fernández

 

Parece que el 2009 va a ser un buen año para los amantes de la cultura sixties. Se publican libros, entrevistas y artículos de prensa recordando la movida mod ibérica de los ochenta. Grandes figuras como Cooper o Dr. Explosion publican nuevos albums. Y junto a todo esto, encontramos la noticia de que Los Negativos sacan nuevo disco a la calle. Y eso nadie se lo esperaba.

Para ponernos en situación, tenemos que decir que este grupo barcelonés irrumpió en la escena musical con la publicación en 1986 con el LP “Piknik Caleidóscópico”, disco que sintetizaba toda la cultura pop de la década de los 60 como ningún otro grupo español lo había hecho hasta la fecha. Al año siguiente publicaron “18º sábado amarillo”, un album en el que se acercaron a un pop rock con un sonido que se alejaba del espíritu de su debut; un trabajo mucho más convencional, que no satisfizo ni las ansias de música de colores de sus fans, ni las pretensiones creativas del grupo. Y después de esto, el silencio. El grupo se desvaneció de la escena musical, y no fue hasta una década más tarde cuando se publicaron un par de recopilatorios con caras b, tomas en directo y maquetas del grupo. Con esto, Aquel album de debut de la banda quedó en el imaginario musical ibérico como un hito, un trabajo de culto a cargo de una banda maravillosa cuya carrera se truncó antes de tiempo. Sólo sus paisanos Brighton 64 y los leoneses Los Flechazos pudieron acercarse a su nivel, sin alcanzarles.

En los últimos tiempos, Los Negativos empezaron a dejarse ver de nuevo como banda de directo. Pero a todos nos ha cogido por sorpresa la salida a la calle de este “Dandies entre basura”, tras dos décadas sin novedades. Este nuevo trabajo lo conforman viejas composiciones rescatadas de la época de “Piknik Caleidoscópico” pero que nunca llegaron a ser grabadas, a las que se unen algunos temas nuevos. Así que al escuchar estas canciones nos sentimos casi como si el tiempo se hubiera detenido cuando revivíamos los sesenta en 1986.

Aquí nos reencontramos con el rythm’n’blues guitarrero como en “Madre Lucía” o “Overdrive”, el pop preciosista con arreglos de clavicordio en “Parque portugués” o en la casi aflamencada “Fotos de ayer”, la lisergia en “Polaroid nocturna y personal” o “Creación instantánea”, melancolía decadente como en “Dandies entre basura” o “La buhardilla del lirón”, puras fantasías pop como en “Capitán Escarlata”…

Un disco aparecido en 2009, pero que se empeña en renunciar a sonar actual, si eso supone someterse a cualquiera de las tendencias de moda. Es un trabajo que creado para volver a vivir en la era pop, entre música de colores y películas de la nouvelle vague. Los Beatles, los Who, la psicodelia. Los trajes, los botines, los flequillos. Esa época dorada que se fue y nos dejó “aburridos en un mundo sin Brian Jones”. Y es que el título del disco no miente: escuchando el nuevo trabajo de Los Negativos, la mayoría del resto de la música que se produce hoy en día suena vacía y gris. Hacía tiempo que no sentíamos que el retorno de un grupo no era tan necesario para ayudarnos a tomar perspectiva, a separar el grano de la paja. A volver a encontrar maravillas enterradas entre tanta basura.

 

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Carlos Caneda