Es hora de ponerse sincero. Carlos Tarque, vocalista de M Clan, repasa lo que ha sido el punto de inflexión marcado entre “Memorias de un espantapájaros” (Warner, 2008) y “Para no ver el final” (Warner, 2010). Cambios en la estructura y componentes de la banda, giro del sonido y soldiez en la actual formación. Además de los varapalos varios que han provocado una visión bastante más seria y serena a la vez. El porpio Tarque charla con Charly Hernández sobre estas historias y vicisitudes.

Igual es un poco bruto lo que voy a decir, pero observo que esta “madurez” natural del sonido ha sido un poco “la letra con sangre entra”. Vamos, que habéis aprendido a hostias. También está el fallecimiento de Pascual Saura, aunque él ya no estaba en “Para no ver el final”.
Pues sí, lo de Pascual fue verdaderamente una hostia. Pero el cambio del sonido del disco no tiene que ver con esas “hostias” que dices, sino con una evolución natural de que pasa el tiempo y de que un artista va buscando y encontrando. No se trata de recibir palos. No necesitas ser un bluesman del Mississippi al que le han dado con los látigos en los campos de algodón para tocar un estilo de blues. No creo que todo tenga que ser tan fiel a la realidad. Lo que sí es cierto es que nosotros vamos escuchando música, vamos madurando y creciendo. Somos un grupo que viene de un largo recorrido y al que todavía le queda por recorrer, por lo tanto todavía nos queda tiempo para seguir aprendiendo y para hacer cosas que realmente nos llenen.

Ya sabes, en “Cadillac Records” se decía que Muddy Waters cantaba al dolor mientras que Etta James vivía el dolor. Entonces, tras lo anteriormente comentado me queda la duda de si vosotros le cantáis al dolor más que vivirlo.
Bueno, ya que estamos profundizando en esto… creo que el hecho de cantar ahuyenta a los malos espíritus y exorciza. Es una cosa muy antigua de los ancestros. Nosotros, y en mi caso como cantante, creemos que la música es un bálsamo que está hecho para aliviar. Eso es lo que era el blues al igual que el flamenco o el tango, un montón de músicas que sirven para sacar lo que hay dentro. Una terapia. En nuestro caso ha sido así, aunque no ha sido algo pretencioso, pues no queremos curar el espíritu de nadie, sino simplemente pasar un buen rato y hacer música. Pero si lo conseguimos… pues mira.

Hombre, si curáis alguna vida… mejor.
(Risas)

Pero lo que sí es cierto es que este disco es de vinilo. Es ideal.
Hicimos una tirada de quinientas copias a la salida del disco y al mes se agotaron. También tengo que decir que para el vinilo se hizo una masterización diferente. La verdad es que así suena mucho mejor. Yo lo tengo en vinilo y en CD. Pero ya te digo, se agotó al mes, así que yo creo que hay un interés por la recuperación del vinilo y por el sonido añejo.

Ha pasado muy poco, pero… ¿cómo ves que le ha afectado el tiempo a este disco?
Pues bien. Tiene poco más de un año, por lo que no puedo ver mucho, pero ha funcionado muy bien, bastante bien para como está el tema. Además, tanto en ventas como en directo porque este último ha sido increíble. Toda esa movida de los metales nos ha colocado en un sitio muy interesante porque se ha llegado a la gente que no es melómana y a la gente que lo es mucho. Conseguir eso es muy importante, así al menos lo creo yo. Encontrar un sonido grande y apoteósico.

Indudablemente esto dejaría claro que sois más un grupo de espacio que de volumen.
Sí, totalmente. Y cada vez más, incluso. La diferencia entre el CD y el vinilo es precisamente esa. Es lo que tú dices, el CD está en un mismo plano, es más contundente y está comprimido. En el vinilo se escucha mucho más el aire, lo que hay en una sala de grabación. El bajo es mucho más agradable, la batería es más cálida… se acerca más a la realidad.

No es que sea exacto, pero si tiene esa forma especial de “Un buen momento”. Además se grabó en Memphis contando con los coros de Susan Marshall. Pero a lo que voy, esto no se trata del tópico de volver a lo añejo.
Sí. Todos los discos que hemos grabado se han hecho de la misma manera, o sea, tocando todos a la vez. Aunque luego se han hecho recordings donde se han tocado la batería y el bajo, pero nosotros funcionamos así, vamos al estudio y grabamos todo. “Coliseum” es el disco que más defienden nuestros seguidores de la primera etapa (y que más defiendo yo), pero es el disco más cortado, más editado y más producido que tiene M Clan. El más retocado, vaya, en el que más tomas se ha hecho. Precisamente por ser el segundo.

Aunque actualmente no sean necesarias las metáforas y los arreglos…
Bueno, lo que ocurre con los arreglos es que hay que tenerlos un poco antes de ir al estudio. Yo creo que si el grupo evoluciona se sabe ver la frescura de una toma. Aunque no tiene que ser ni una cosa ni otra, las cosas han de estar bien hechas y lo mejor posible. Es cierto que hay tomas que son más frescas y si no consigues una mejor vas a ir a por la que tenga más acción. Tampoco quiere decir que “esto ya está porque lo hemos hecho así”, no, simplemente se trata de hacerlo mejor. En general hacemos las tomas al ochenta por cien, salvo la voz, que se suele grabar por otro lado. Todo lo demás es en directo.

¿La coherencia por bandera?
No es coherencia, es que nosotros funcionamos así. A la hora de llevarlo al directo es muy fácil que suene tan parecido. Me hace gracia cuando me dicen que sonamos en directo igual que en el disco. ¡Joder, si es que somos nosotros! Tal vez a otros grupos no les pasa, pero nosotros somos así y es como mejor nos sale. Pienso que hay estilos que tienen una manera y otros tienen otra, con cosas enlatadas que consiguen llegar de otra manera. Nuestra propuesta es la de la artesanía.

Con el cambio de músicos (la reestructuración de la banda, mejor dicho), ¿costó más la adaptación del estudio al directo al ser músicos nuevos en M Clan?
No. La verdad es que no, porque esta gente son músicos que han tocado en muchos otros discos y tienen también una cultura musical muy amplia, o sea que no es gente nueva en esto. Son músicos herederos de la música antigua y de la música clásica del pop y del rock, entonces ellos ya sabían como iba el tema. Fue muy fácil con ellos. Hicimos primero unas pruebas, luego unos ensayos y más tarde grabamos. Ellos son grandes músicos, entonces no fue difícil.

Antes de todo esto está (o estaba) “Memorias de un espantapájaros”, que era el disco que ha vaticinado el paso hacia la introspección.
Sí. Fue en un momento en la vida del grupo en el que decidimos buscar por otro lado. Son planteamientos que un músico se hace de vez en cuando. Cuando llegue el momento haremos otro y pensaremos que esto ya ha dado de sí y que habrá que ver hacia donde vamos. Por ahora sí que andamos por ahí y seguimos esa estela porque nos ha gustado, nos sentimos cómodos por todo.

¿Cómo una bifurcación? Me refiero a que el camino se dividía en dos: o M Clan seguía o M Clan se disolvía.
El grupo se pudo haber roto y pudo haber seguido en varias ocasiones en dieciocho años. Después de “Coliseum” se pudo haber roto, por ejemplo. Ha habido altibajos a mogollón. Después de “Retrovisión” hubo otro planteamiento. Pero el grupo no se rompe tan fácilmente porque tiene una raíz muy fuerte, ¿sabes? Ahora mismo M Clan no es algo frágil, sino todo lo contrario, es algo muy sólido. Es como un árbol al que se le caen las hojas, pero ahí sigue. Por eso te decía antes lo del largo recorrido. Es más, incluso ahora es más difícil que se rompa el grupo, comparado con la primera época.

Como una pareja que discute y el reencuentro los hace más fuertes, ¿no?
Sí, sí. Lo bueno es que nosotros ya no discutimos porque sabemos a donde ir para no hacerlo y también que dirección tomar para que funcione todo bien.

Uno de los caminos es, en parte, huir del mainstrean, pero exactamente se basa en saber exactamente donde no hay que tropezar.
Pues hombre, sí. Lo del mainstream es una cosa que… en España es una cosa muy rara. Pero juro que no hay una intención premeditada, es simplemente encontrarte cómodo con una historia. A mí me encantaría que, de repente, un tema de nuestro siguiente disco fuese número uno de todas las emisoras comerciales. Me encantaría, pero creo que no va a ser así porque seguramente no da el perfil. Pero no es porque yo no quisiera vender un millón de discos, porque me encantaría ser mainstream, pero hacerlo yo y que no lo ordenen los medios. Podría ser mainstream como lo son Red Hot Chili Peppers o algo así.

Es lógico que en el mainstream (al igual que en el indie) ni todo es malo pero tampoco es todo bueno.
Sí, aunque la verdad es que las etiquetas del mainstream y del indie me dan un poco igual. La música es música… y lo demás me da igual. Todo lo demás es mentira y prejuicios que están cortando la libertad artística. Hay que preocuparse por hacer una canción lo mejor posible y ya está. Ser auténtico. ¿Qué luego vendes cien mil discos? ¿Qué no vendes ninguno? Pues mira, eso ya depende de cada uno, aunque ahora no se vende. Hay gente que está más preocupada de eso que de hacer una buena canción. Yo ya te digo, según va pasando el tiempo cada vez me va dando más igual porque al final harán cosas que la gente ni se creería.

Haciendo un símil; el mainstream sería el colegio (porque el panorama comercial español es un patio de colegio) o el instituto o Universidad. Parece, bajo mi punto de vista, que os lo habéis saltado y estáis en el momento del estudiante que se encuentra sin trabajo. Vamos, algo más duro.
Pues hombre, no sé. Diría que sí porque las letras fueron cambiando y se llegaron a unos sitios más aceptados. Pero yo creo que la Universidad es esa, la que uno hace. Nosotros hemos ido al colegio, al instituto, a la Universidad… y ahora estamos en tal cátedra y después seguiremos haciendo un máster. Lo de saltarse la Universidad… ¿quién es el que pone esa Universidad?

Yo diría que son las radiofórmulas y las etiques establecidas.
Sí, totalmente. La verdad es que… en fin.

Aun así es complicado llegar de forma sonora y lírica a distintos públicos.
Es que puedes llegar a distintos públicos pero no a todos. Sinceramente, tampoco queremos llegar a todos los públicos. Los seguidores de M Clan salen muy contentos de los conciertos. Pero no deja de ser complicado, pues hay música que entra más fácilmente o más directa que otras. Nuestros últimos discos no son tan directos, por así decirlo.

No son directos pero tienen algo bonito: empatía.
Sí. Me alegro que así sea. Y me alegro porque no queremos hacer un criptograma para que la gente no sepa que cojones estamos diciendo. Ha habido veces en que sí nos hemos metido en letras un poco más densas y hemos tenido que suavizar. Hay que ser muy bueno para ser denso y llegar. Hay grupos que te cuentan muchas cosas y no llegan, tío. Un artista tiene que transmitir y si no transmite… malo.

Posiblemente eso haya provocado la edición de “Sótanos, tierra y montañas rusas”, tu libro de textos junto con fotos de Thomas Canet.
Exacto, aunque eso ha sido una aventura única y novata para mí. Pero estás en lo cierto, tío. Mucha gente lee el libro y ve cositas que luego aparecen en las canciones. Es como una especie de making off de algunas canciones que clarifica o que amplía un poco el mundo “emeclaniano”.

¿Estás componiendo ahora?
Sí, estamos haciendo dos temas nuevos para el disco que saldría en Septiembre del año que viene, al menos eso pretendemos. Pero seré sincero y te diré que nos está costando, aunque es siempre así. Los partos de los discos cuestan aunque hay un momento en el que salen, pero al principio están ahí las contracciones, los vómitos y todas esas movidas. Como un parto cualquiera (risas).

Manteniendo el camino de la música de raíces, Enrique Bunbury edita “Licenciado Cantinas“, un álbum que mira a la música panamericana desde los ojos de la instrumentación norteamericana. Son versiones, sí, pero esto no significa que vaya a perder calidad, todo lo contrario. El ciclo que terminó con “Las Consecuencias” (EMI, 2010) y “Gran Rex” (EMI, 2011) ha dado pie una nueva remesa de canciones lejos de las manos de EMI, pues “Licenciado Cantinas” es una autoedición que lleva el sello de Blanco & Negro. ¡Ojo! No por ser así el músico iba a estar más liberado, todo lo contrario, pues tener una caja de discos bajo la cama lo puede hacer más desdichado.

En lo que al contenido se refiere; el LP (inmejorable) fue grabado en SonicRanch, Tornillo (Texas) con su banda habitual, Los Santos Inocentes, que ya han alcanzado el grado de madurez suficiente junto a Enrique Bunbury. A ellos se les une el versátil percusionista Quino Béjar, culpable del giro sonoro orogándole al conjunto una rica composición de ritmos africanos, caribeños y latinos, tal y como se puede apreciar en piezas como ‘El día de mi suerte‘ (de Willie Colon y Héctor Lavoe) o ‘Chacarera de un triste‘ (de los Hermanos Simón). Francamente, la mayoría de sus seguidores no iban a arrimarse al ballenato o a la cumbia, pero gracias a este revisión, Bunbury ha acercado la familia musical panamericana al pueblo y, de ese modo, mostrar el buen hacer de grandes figuras, como la de Eliades Ochoa haciendo sonar su garganta y guitarra en la tradicional ‘Mi sueño prohibido‘. El single ‘Ódiame‘ (de Federico Barreto y Rafael Otero López) ha funcionado pefectamente como introducción a este viaje que recorre la espina dorsal del continenten americano, un arte de presentación que comparte protagonismo con la instrumental ‘El mar, el cielo y tú‘ (de Agustín Lara), siendo esta última la encargada de abrir el cancionero.

Por momentos suena a tex-mex, como la banda sonora de “Crazy Heart“, interpretada (entre otros) por Jeff Bridges y Ryan Bingham de la mano de T-Bone Burnett. ‘Ánimas, que no amanezca‘ (de Guadalupe Ramos) es la clave que hace de puente con los dos hemisferios. El acordeón de Dave Hidalgo (Los Lobos) rememora lo que también hicieron The Felice Brothers o Bob Dylan en “Together through life” (Columbia, 2009). Dentro de ese traje de terciopelo se encontraría también ‘El Mulato (Licenciado)‘ (de Ricardo Ray & Bobby Cruz) con un exquisito y delirate final que, a base de distorsión, enlaza con la guitarra de Dave Hidalgo dando la salida a ‘El Solitario (Diario de un borracho)‘.

De acuerdo, “Licenciado Cantinas” no es una banda sonora al uso, pero sí es cierto que narra las desventuras de desamor y arraigo del personaje del Licenciado Cantinas. Podría decirse que es un cancionero perfecto para el amor despechado y todas sus fases. Las últimos tragos se antojan tristes con canciones de alto contenido en amor alcoholizado dentro de’Cosas olvidadas‘ (de Antonio Rodio y José María Contursi). Totalmente arrabalero. El drama de los versos acontecidos en ‘La tumba será el final‘ (de Francisco Vidal) fluye con la nostalgia que le da “Flaco” Jiménez (al acordeón) hacia un emocionante y solemne final que, por obra y gracia de Atahualpa Yupanqui, hacen amanecer la tristeza dándo la mano a ‘El cielo está dentro de mi‘ y la armónica de Charlie Musselwhite.

La sangre circula por las “arterias” (así es como se iba a titular este trabajo en primer lugar) llevándose las almas y corazones de los perdidos en la vida con “Licenciado Cantinas“.

La sangre del Rock and Roll corre por las venas de Enrique Bunbury como el combustible lo hace por las arterias de un Ford Mustang del 67. “Licenciado Cantinas” (Blanco Y Negro, 2011) es la nueva entrega discográfica del músico, que observa la música panamericana desde los ojos del Rock a lo largo de quince versiones. Charly Hernández entrevista al músico.

Hemos llegado a un punto donde se ven las cosas desde otra perspectiva respecto a la juventud. ¿Ahora escribes las canciones siendo quien eres o para ser lo que no eres?
El nuevo material que estoy escribiendo, para mi próximo disco, me parece lo más cercano a un encuentro conmigo mismo, después de años de búsqueda y de rechazar a quién definitivamente no soy. Creo que el cerco se estrecha y el camino va quedando claro, definido y concreto.

Es más, ¿es posible que ahora tus canciones (propias como ajenas), y exactamente las de “Licenciado Cantinas”, se deban escuchar más con el corazón que con la entrepierna?
Espero que la entrepierna y el corazón se unan para escuchar este disco, porque tiene que ver mucho con ambos órganos.

Claro, que desde “mi atalaya” no puedo saber exactamente el sentimiento con el que se tocaron y se interpretaron las canciones en Tornillo (Texas), pero en el documental de “Las venas abiertas de Licenciado Cantinas” se deja entrever algo con el título de uno de los actos: “El artesano”. ¿Tal vez el oficio de cantor (y compositor) requiere y/o emite más pasión que el de artista?
Ya no sé muy bien quién es un artista y quién un artesano. Sean quienes sean, nos entregan su oficio para nuestro disfrute y deleite, y somos, cada uno de nosotros, quienes les otorgamos uno u otro título.

Y tan artesano… que “Licenciado Cantinas” ya no se editará con tu antigua disquera, sino que sale con Blanco y Negro. ¿Será mejor centrarse en las canciones y dejar los temas extra a otros? ¿Tal y como está el asunto lo mejor es hacer uno mismo de Juan Palomo?
Creo que existe en estos días una idea equivocada sobre las bondades de la autogestión y las maldades de la industria discográfica. Ningún grupo se convierte en mejor, ni más honesto porque se autogestione. Pregúntale a Paul McCartney qué opina de Apple. Tener cajas de discos debajo de la cama no nos hace más humanos, sino más desdichados. No le deseo a ninguno de mis compañeros que tenga que lidiar con la distribución, el marketing, los shares y los ratings. Pensar que eso es la panacea, es desearle el mal al prójimo.

Esto me recuerda a aquel tango de Horacio Ferrer, ‘Milonga del trovador’: «Vamos a la distancia, sí, que soy el trovador, si la distancia llama, yo jamás veré ponerse el sol. Vamos a la distancia, ya, y si no llego, amor, vos le darás mi alma de argentino y de cantor». En tu caso sería “de todo el mundo”, pero sin duda uno es caminante. ¿Crees que con la edad se hacen mejores canciones o entran ciertas prisas por crear la mejor canción antes de finar?
Quizás me estás situando en una franja de edad que no tengo. No está en mis planes inmediatos finar, ni despedirme de la afición. Creo que ahora empiezan muchas aventuras emocionantes que pueden ser doblemente sorpresivas, al menos para mí. Espero, eso sí, escribir mi mejor canción en el futuro y no haberla escrito ya.

Vamos a centrarnos de lleno en “Licenciado Cantinas”. Como ya se sabe son versiones, pero las quince que aparecen finalmente en el track-list fueron seleccionadas de entre otras sesenta canciones. ¿Fue muy costoso y sesudo hacer ese corte selectivo? ¿De esos quince temas hubo alguna de más que se terminara grabando también? ‘El Arriero’ (de Atahualpa Yupanqui) era una posible, además ya la tocaste en algún medley con Héroes.
Solamente grabamos las quince canciones que seleccioné. ‘El Arriero’, nunca estuvo en entredicho. Es una gran canción y Atahualpa un grande entre los grandes, pero tuve muy claro que ‘El cielo está dentro de mí’ era el cierre del disco y antesala del que estoy preparando.

Y estamos hablando de unas canciones con un nexo común, que no es otro que la historia de un personaje [El Licenciado Cantinas] visto de manera cinematográfica. Fíjate, que por aquello que cuentas de que estas canciones las escuchaste “castigándote” en las cantinas… me lleva a pensar que hay mucho de ti en el personaje, solo que esta vez, en lugar de escribir, interpretas canciones con las que te sientes identificado.
Claro. Cualquier cantinero de vocación y largo recorrido sabe, comprende y se identifica con el contenido de estas canciones. El cancionero latinoamericano es sabio, profundo y humano. El drama del amor, el abandono, la perdición y la muerte están en los surcos de “Licenciado Cantinas” ¡¡y de tantos boleros, tangos, rancheras, chacareras, valses, guaguancós y habaneras!!

Además es un proyecto que ya tenías pensado desde hace unos ocho o diez años. Comprendería las etapas de “Pequeño” y “Flamingos”, por lo que noto cierto paralelismo por los momentos tan personales en los que te encontrabas por entonces. ¿Podría ser que aquellas canciones con las que te sentías identificado por ciertas circunstancias volvieran ahora a reaparecer por ese paralelismo logrando así la edición final de este disco que hoy nos atañe?
Creo que fue durante la gira de “Flamingos” (2002) cuando empecé a darle vueltas a este proyecto, que en principio se iba a llamar “Arterias”. Fui seleccionando canciones desde esos primeros días, pero las que finalmente hemos grabado, no pertenecen a esa época, sino a las conclusiones de los dos últimos años. Aunque el proyecto viviera en mi cabeza, ha tardado mucho en cobrar la forma que puedes escuchar a día de hoy.

Un concepto que se ha ido fraguando durante mucho tiempo pero que ha terminado creciendo a base de la espontaneidad en el estudio sin ensayos previos. Dejándose llevar un poco por el azar, vaya.
Eso tiene que ver con la metodología de grabación. Me gusta cambiar la forma de enfocar cada grabación de un álbum. Desde nuevos prismas y con esquemas de trabajo distintos, se llegan a conclusiones nuevas y sonoridades refrescantes. En esta ocasión, evité los ensayos previos y la preproducción, y quise aprovechar las características del estudio de grabación y las diferentes salas, para ir arreglando y montando los temas sobre la marcha. La verdad es que, eso también fue posible por contar con una banda estable como Los Santos Inocentes que ya ha pasado el período de rodaje y se encuentra en una madurez que hace posible encarar retos como este.

En lo que a artesanal se refiere (como antes comentábamos) reparo en el trabajo técnico llevado a cabo. Para empezar te llevaste a Texas a Jordi Mora, también grabaste muchas de las canciones en directo con la banda y la incursión de nueva instrumentación, como tubas, acordeones, percusión… Si “Las Consecuencias” era un disco Lo-Fi, ¿Este nuevo trabajo es un disco de alta fidelidad pese a su analogía? Creo que ‘Chacarera de un triste’ podría ser un buen ejemplo de todo ello.
Jordi Mora lleva trabajando conmigo desde hace diez años. Empezó como ayudante de ingeniero y se ha convertido en pieza imprescindible de todos mis álbumes desde entonces, sobre todo en “El Viaje a Ninguna Parte” (2004), “Las Consecuencias” (2010) y “Licenciado Cantinas” (2011). También estuvo en el disco que hice con Nacho Vegas: “El Tiempo de las Cerezas” (2006), en las mezclas del directo “Tour 2007” (2007) y en “Hellville de Luxe” (2008); pero cito esos tres porque creo que tienen un hilo conductor que les emparenta. Ni “El Viaje a Ninguna Parte”, ni “Las Consecuencias”, ni “Licenciado Cantinas” son en mi opinión, Lo-Fi, aunque tienen elementos vintage que los alejan de la mayoría de las producciones Fm de hoy en día. A su vez, se alejan claramente del frío sonido Pro-Tools Home Studio que tanto impera a día de hoy y que a mí tanto me disgusta.

Pero no me puedo dejar algo que, aunque no lo parezca, ya forma parte de tu vida. Me refiero a los guiños a Lost. Anteriormente se pudo ver en el video de ‘De todo el mundo’, en la escenografía del concierto en 3D… y muchos otros detalles que aparecen en el video y making off de ‘Ódiame’. ¿Está Enrique Bunbury pasando su etapa post-Lost?
Me encanta que hagas esa mención. Todos los guiños que he hecho a “Lost” en los últimos años los he considerado guiños privados entre Alexis Morante (director de mis últimos clips) y yo. No pretenden tener mayor trascendencia. Aunque sí te puedo decir que fui un seguidor fiel de cada una de las temporadas de la serie. En cuanto a lo de mi etapa post-Lost sólo decirte que la vida era mucho mejor cuando quedaba algún capítulo por ver.

¿Sabes? “Licenciado Cantinas” (y ‘Ódiame’) me recuerdan bastante a “Together through life” de Dylan. Vale, lo suyo eran temas propios, pero ese disco se gestó para ser parte de una banda sonora e incluso tiene mucho blues y tiene mucho de Nueva Orleáns, cosa que también se impregna en tu disco gracias a la harmónica de Charlie Musselwhite. Creo que podría andar cerca del homónimo de The Felice Brothers. No sé si estarás de acuerdo conmigo en esa apreciación.
En todo caso, una banda sonora ficticia. La película sólo existe en mi cabeza. Pero sí, tiene mucho del blues del Delta y de New Orleans. Y me gustan mucho los Felice Brothers, incluso su polémico último álbum (“Celebration, Florida”, 2011), que efectivamente, escuchaba mucho durante mi estancia en Tornillo (Texas).

Además de la instrumentación similar como lap steel, banjos… En tu caso toca el acordeón el mítico “Flaco” Jiménez en ‘Llévame’ y ‘La tumba será el final’, pero en el de Dylan era Dave Hidalgo, que a su vez toca la guitarra en ‘El solitario’ dentro de “Licenciado Cantinas”. ¿Sería entonces un álbum con canciones panamericanas pero musicalizado, en su mayoría, de la manera tradicional norteamericana? De Tierra de Fuego hasta Río Grande, you know.
Sí, esa era la idea. Lecturas del cancionero panamericano desde la perspectiva de un músico de Rock, cuyos intereses actuales se centran en las raíces de la música tradicional. En definitiva, concluyo definiéndome como un tipo que hace “música popular electrificada”.

Aunque, efectivamente, el gran Eliades Ochoa (junto a “Flaco” Jiménez) da el toque más latino, en este caso sería caribeño con ‘Mi sueño prohibido’. No obstante, ¿cómo se lograron estas colaboraciones? ¿Todos sabían de tu buen hacer o para ellos fue “una colaboración más” aunque para ti fuese lo más grande? Mira, ahí queda la relatividad entre lo que es grande para unos y pequeño para otros.
Les escribí, hasta que conseguí que me escucharan, se interesaran por mis discos previos y aceptaran colaborar en mi nuevo proyecto. Para cada uno de ellos había reservado un lugar en el que podían lucir sus increíbles talentos. Mira, a día de hoy, la mayoría de los discos vienen plagados de colaboraciones y duetos forzados. Lo último que quería era pensar en cantantes que llamaran la atención por sus nombres y valores en el mercado. Pensé en Charlie Musselwhite, Eliades Ochoa, Dave Hidalgo y “Flaco” Jiménez porque, en lo que yo quería hacer, ellos eran maestros y podían ayudarme a encontrar el camino que buscaba. Sus conocimientos, sus grabaciones, sus talentos y sus edades les avalan. No hay más que hablar y sólo queda rendirse ante ellos. Y agradecerles en el alma que hayan accedido a participar en un disco de alguien como yo, que no les llega ni a la suela del zapato.

Otro músico que se ha subido a este vuelo es Quino Béjar, donde su percusión es clave en este disco. ¿Qué fue antes, la idea de un álbum protagonizado por percusiones o la inclusión de Quino para que después aparecieran esos ritmos?
Tenía claro que para este álbum (y para el que estoy preparando), un percusionista era imprescindible. Quino es un veterano de la bastardía española. ¡¡¡Sus primeras grabaciones fueron en discos de La Orquesta Platería y de Gato Pérez!!! Creo que Los Santos Inocentes han dado un paso de gigante con la incorporación de Quino.

Pero no se quedan en el estudio, pues en la gira se adaptan temas antiguos a este sonido, como ‘Big Bang’ pasada por el filtro latino y funky con el efecto wah-wah, muy parecido al ritmo que tenía ‘El Anzuelo’ con ‘I ain’t hiding’ de Black Crowes. ¿Serán todas las canciones del repertorio del directo llevadas al sonido que se ha trabajado en “Licenciado Cantinas”?
Ya sabes que en cada gira suelo darle un repaso a los arreglos de las canciones de mis discos anteriores. Algunos son cambios sutiles y otros radicales. En esta ocasión hemos preparado un repertorio muy amplio que iremos desgranando a lo largo de las giras del 2012: España, Suramérica, Centroamérica, Caribe, México y USA. Tenemos tiempo y conciertos por delante para ir, poco a poco mostrando algunas de las sorpresillas.

Si hablo del cambio sonoro en cada etapa hay que destacar el estilístico. Man, bajo mi punto de vista, adoro que hayas vuelto a las llamas y bordados. ¿Es también una forma de homenajear a los músicos de Narcocorridos o a figuras americanas como ZZ Top o Gram Parsons?
He tenido la suerte de toparme con Jaime Castaneda, maestro de los Nudie Suits. Ha trabajado con Wilco, Ben Harper, Bob Dylan, Chris Isaak y ZZ-Top. No podía dejar pasar la oportunidad de llevar uno de sus míticos trajes, así que le encargué el Nudie in flames que llevo en esta gira.

Por cierto, observo que en los set-list de la gira con Zoé los títulos de las canciones elegidas de tu antiguo repertorio tienen un nexo común. Hablo por ‘Big Bang’, ‘Deshacer el mundo’, ‘Que no sepa tu mano izquierda lo que hace la derecha’, ‘El extranjero’… todas conllevan un mensaje urgente y social que incita al movimiento y al cambio. ¿Procuras que siempre quede latente ese lado sociopolítico en los conciertos?
Tienes toda la razón y te agradezco que hayas advertido la intención. Porque, en efecto, hemos rescatado canciones del pasado por el contenido social y político de sus letras. Nunca fue aleatoria la selección, y menos que nunca, en esta gira.

Para ir cerrando… ha saltado a la palestra una serie de declaraciones tuyas donde dejabas la puerta abierta al regreso de Héroes del Silencio. Por otro lado, tus compañeros Joaquín, Juan y Pedro ya hablan hasta de la idea de grabar un disco. Estamos de acuerdo en que fue una etapa, pero, ¿no crees que menear este “cadáver” es algo que acaba siendo algo aburrido y jugoso para otros?
Yo dije lo que dije, y algunos compañeros de la prensa, leyeron entre líneas lo que no ponía. Una cosa es advertir que no puedo adivinar el futuro y otra cosa, interpretar que se avecina lo que ni siquiera se asoma.

Mira que si vuelven Héroes del Silencio con otro cantante… ¿Lo ves factible aunque sea remotamente? (Sinceramente) Cosas más raras se han visto. En fin, ahí lo dejo.
Sí, efectivamente, cosas más raras se han visto. Yo también lo dejo ahí.

Citando a José Alfredo Jiménez (y tal y como dice Calamaro): «entre nubes de algodón haremos nuestro nido». Enrique, pese a la constante búsqueda, ¿te encuentras ahora en un momento en donde lo personal se apoya en lo musical haciendo que te sientas –de algún modo- más pleno que nunca?
Me siento más capacitado que nunca para hacer discos y conciertos, personales, profesionales y plenos.

Rihanna nos tiene comprados. Aunque de primeras dudásemos de la valía de un tema tan ramplón como “We found love”, al final nos conquistó como siempre que ponemos en tela de juicio su capacidad para engancharnos de mala manera. El próximo paso era defender tal retahíla de hits en vivo y en directo, tratándose de la primera vez que la chiquilla actuaba en España de manera independiente, ya que aunque formó parte del cartel de Rock in Río 2010, los (escasos) conciertos de divas del pop en festivales suelen más comedidos y menos espectaculares.

Después de una machacona sesión de la mano de Calvin Harris, Rihanna salió a la palestra abriendo fuego con su llena pistas “Only girl (in the world)”, aunque la voz estaba un poco baja quizás ahogada por la contundencia de las bases. “Disturbia” sonó a medio gas y los matices newordeanos de “Shut up and drive” (contiene un sampler de “Blue Monday“) se vieron eclipsados por un guitarreo excesivo y de pose (el guitarrista era todo un personaje, tópicos rockeros incluidos). Por suerte “Man down” subió la media con el toque mordaz de su reggae, donde Rihanna se siente como en casa.

“S&M” incluyó cadenas, cueros y sudor, aunque carecía de la fuerza de la original, y “Skin” y “Raining men” tampoco subieron el listón. Por suerte la parte de ambientación militar, bien de uniformes, coreografías acordes y un par de cañones, trajo las geniales “Breakin’ dishes” y “Hard”, para enlazar con una apañada versión de “The glamorous life” de Sheila E. donde Rihanna se arrancó con la batería (para que viésemos que no sólo canta). La sección terminó con un popurrí de “Run this town” y “Live your life”, dos éxitos internacionales junto a Kanye West y Jay Z y T.I. respectivamente que nunca llegaron a sonar en nuestro país.

La sección de baladas, que en un principio podría llevar al bostezo, se mostró bastante apañada, aunque en “California King Bed” Rihanna prefiriese quedarse en éxtasis y no cantar el estribillo. Dejar en boca de las coristas muchas de estrofas fue uno de los asuntos más cuestionables del show, pero en el mentado tema fue excesivo. La puesta en escena de este paréntesis sosegado fue uno de los más indefinidos del concierto, con detalles de poco gusto como la jaula de fluorescentes donde Rihanna interpretó “Unfaithful”. Y es que aunque es espectáculo en general estaba bien ejecutado y gozaba de bastante espectacularidad, había momentos como éste o detalles que no convencían, como algunos de los vídeos proyectados, que de tan sencillos rozaban el cutrerío. Vamos, que no es Madonna.

Volviendo al setlist, el Palacio de los Deportes se convirtió en una discoteca caribeña a ritmo de “Pon the replay”, “Rude boy” y una sensual “What’s my name”, para acabar antes del bis con “Don’t stop the music”, algo distinta respecto a la versión de estudio (una de las pocas canciones con las que se permitió el lujo). A la vuelta Rihanna interpretó decentemente pero sin emocionar su versión de “Love the way you lie” para continuar con una de las mejores canciones del pop comercial, la enorme “Umbrella”, que por mucho que perdiese su lado synth siguió manteniendo la grandeza del single. Para terminar que mejor que recurrir a su hit actual “We found love”, que no sabemos por qué se convirtió en el temazo de la velada, con una puesta en escena muy buena y una espléndida Rihanna. Broche de oro para una noche que empezó tímidamente y acabó como el rosario de la Aurora (en el mejor de los sentidos). Y es que así es como transcurren las mejores fiestas.

Tan necesario como el respirar y tan imprescindible como ver a Bob Dylan una vez en la vida, es el primer single del conjunto valenciano The-Go! Freaks, conjunto formado en 2008 que ahora muestra al mundo “Monqui!“.

Oh, wait! ¿otro grupo que saca un LP o un nuevo EP? Nada de eso, amigos. Estos músicos venidos desde el Averno del funk, rhythm and blues, afrobeat, soul y la psicodelía más ácida regresan a lo que parece un viaje muy próximo para la (desastrosa) industria discográfica; el glorioso single en vinilo de 7″.

Pero antes de hablar de los dos cortes que componen este milagro (y de algunos más), habría que presentar debidamente a estos gerifaltes del -como ellos mismos se definen- proletarian funk. Amadeo III (vocalista) es acompañado por una soberbia base rítmica al mando de David Robles (baterista) y de Titín Felpudo (bajo). Por el lado del virtuosismo de las seis cuerdas se encuentran Ricardo Gener y Ernesto García. Pero los cinco magníficos no están solos, pues alguna que otra vez y por algún motivo, por la horror house de The-Go! Freaks han pasado otros bandoleros como Borja Go! Gorostiza (bajo), Marcello J. (hammond), Rafeta (percusión) y Flora & Fauna (voces). ¡Sin olvidarse del senegalés Sidy Gaye, un endemoniado percusionista que actualmente emulsiona el directo del grupo!

Grabado en los Tigruss Studios de Gandía con Richard Edwards en la producción y con Octravio Hidalgo en la masterización, “Monqui!” contiene dos piezas de muy alto nivel. ‘Cannibal‘ por la cara A y ‘Mamma, tell me‘ en la cara B. La primera canción es un incendio de funk con rescoldos de James Brown y el surf-rock garagero de The Chantays o John Barry Seven. Ritmo vertiginoso y sesentero que con enfermizos coros hacen que hasta los más muertos se levanten para partirse los tobillos en el ritual del baile del rhythm and blues. Su contrario, en la otra cara del acetato, se aferra al soul y al rasgueo de las guitarras con el ínclito efecto wah-wah tan característico del funk, cerrando así (y con un espirituoso solo de guitarra) esta presentación que además de ser el inicio de estos groove seniors valencianos, también lo es de Cabanyal Soul Records, sello que edita este single y -seguramente- futuros trabajos, pues el embrujo del polvo zombie de The-Go! Freaks aturdirá con ‘A ton of my love‘ o ‘Asteroid‘, además de otras muchas composiciones.

El vinilo (con el artwork de Luis Demano) tiene una tirada limitada a 500 ejemplares y se puede conseguir por 5€. ¿Cómo? ¿dónde?, ¡¡aquí!!

Tú verás, individuo, si quieres seguir sin este artefacto en tu paupérrima colección de discos.

Not in person but in sound!

- The Bright tienen ya su álbum más deseado, su primer trabajo. Soundtrack for a winter´s tale encierra doce canciones, en las que la batería siempre presente se deja arropar por los demás instrumentos de Aníbal Sánchez. Y por encima de ellos la voz de Miryam Gutiérrez, que acapara gran parte de la expectación. Y ahora estos leoneses se ponen en ruta para presentarnos sus canciones en muchos puntos de nuestra geografía, fechas:

30 de abril en el Teatro El Albeitar de la Universidad de León – León
1 de mayo en la Sala Caracol – Madrid. Abrirán el escenario para Sexy Sadie
6 de mayo en FNAC – A Coruña
12 de mayo en el Museo Hidráulico Ciclo River Sounds – Murcia
14 de mayo en FNAC San Agustín – Valencia
18 de mayo en FNAC – Donostia
19 de mayo en FNAC – Bilbao
21 de mayo en el Centro Cultural – Alicante
26 de mayo en la Sala Manuel de Falla (SGAE) Ciclo Off Arteria – Madrid
27 de mayo en la Sala Pícaro – Toledo
28 de mayo en Caja de la Música – Madrid
31 de mayo en FNAC Diagonal – Barcelona
25 de junio en Dcode Festival – Madrid
21 de julio – Low Cost festival – Benidorm (Alicante)

MySpace

- The Jim Jones Revue es una banda británica cuyo líder es el ex-cantante de Thee Hypnotics. Este quinteto sigue la senda del garage-rock aunque algunas de sus influencias vienen del punk-rock y del rock and roll. Su mayor éxito lo alcanzaron en los 90. Este próximo mes de mayo tienen seis citas en directo en nuestro país:

10 de mayo en La [2] de Apolo – Barcelona. Junto con Schizophrenic Spacers
11 de mayo en la Sala El Sol – Madrid
12 de mayo en el Kafé Antzokia – Bilbao. Junto con Las Culebras
13 de mayo en La Casa del Loco – Zaragoza
14 de mayo en la Sala Stereo – Alicante
15 de mayo en Four Seasons – Castellón

Puedes comprar las entradas anticipadas en Ticketmaster

Web / MySpace

- Desde el blues hasta el rock and roll abarca Dan Sartain. Tras cinco discos en el mercado acaba de lanzar Live, grabado en el conocido estudio de Liam Watson, Toe Rag, en Londres. Como no podía ser menos, las mezclas siguen presentes en sus composiciones, sonidos garage, blues o country. Y lo presentará en Barcelona y Madrid:

18 de mayo en Sidecar – Barcelona
19 de mayo en Wurlitzer – Madrid

El precio de la entrada anticipada es de 14 € y en taquilla de 17 €

MySpace

Información alojamientos: HOTELES BARATOS

Ahí va el nuevo single de Rihanna, titulado “Hard” (so hard) y alojado en su cuarto disco Rated R. Viene a llenar el hueco dejado por “Russian Roulette” y en él cuenta con la colaboración del rapero Young Jeezy. El vídeo es un poema, aparece Rihanna en mil poses erótico-R&B y entre las diversas escenas militares destaca una con Rihanna llevando unas orejas de Micky Mouse subida en un tanque rosa. Sip, rosa. Pink Thank, Think Thank, qué más dará.

Necesito unas vacaciones, está claro. Menos mal que ya he reservado en los Hoteles en Panticosa. En cuanto me vaya, no quiero que me llaméis. Estaré disfrutando de lo lindo lejos de todo. ¡Hasta la vuelta!

El día 7 de julio de 2009 el planeta vivía de una manera u otra el funeral de Michael Jackson, en la tele varias cadenas retransmitían el memorial, en la radio también, te parabas en el semáforo y los coches que te rodeaban iban escuchando alguna temazo de Michael Jackson que no te dejaba oír bien ese disco de Kool and the Gang que llevabas puesto en el tuyo…y es que en esta perdida parte del planeta llamada Madrid ayer tocó una de las bandas de funk más aplaudidas de los 70 y, por desgracia, una de las más exitosas bandas de baladas soul-jazzeras de los 80.

Cuando llegas al nuevo escenario de Puerta del Ángel de los Veranos de la Villa, te das cuenta de por qué mucha gente de la que estuvo el día anterior viendo el concierto de George Benson se acordaba mejor de la imagen de la luna cayendo al lado del Palacio Real que de la música del guitarrista; es cierto que la estampa es preciosa, además la gente andaba a escasos minutos de empezar el concierto muy sensibilizada con lo de Michael Jackson, todos comentaban el discurso de Brooke Shields o la actuación de Stevie y por supuesto la espera del concierto se amenizaba desde la mesa de mezclas con el “Off the Wall” de MJ.

¿Pero esto es una crónica de un concierto de Kool and the Gang, no?. Pocos minutos después de las 21:30 marcadas como inicio del bolo, los de Nueva Jersey salían al escenario con sus trajes blancos impecables cantando uno de sus éxitos ochenteros, “Fresh”, para “celebrar” en Madrid lo que prometía ser una noche de baile divertidísima. Los primeros temas del concierto siguieron la línea que la banda marcó a principios y mediados de los 80 y al público no acababa de moverle mucho del asiento. Éramos unos pocos los que nos atrevíamos a bailar con los primeros acordes del concierto, un show dicho sea de paso que la banda dedicó por completo a… Michael Jackson.

Entre el frío del respetable, que no del ambiente, y tras su primera tanda de temas vino lo que sin duda fue lo mejor de la noche. Los Kool and the Gang avisaron viaje a los años 70 y cumplieron su palabra; una detrás de otra tocaron sus mejores temas del que probablemente sea su disco más redondo, “Wild and peaceful”. La primera en caer fue “Hollywood swinging”, seguida de la que se ha convertido en su canción más famosa para las nuevas generaciones tarantinianas, “Jungle Boggie”, y terminaron la minifiesta funkera con el clásico “Funky Stuff”. La gente cantó y bailó pero no se levantó del asiento (nota mental: ¿Cómo te puedes quedar sentado escuchando “Jungle Boggie”?).

Tras este lapsus de temazos, y cuando empezaban a aburrir con sus baladas, la banda se puso a tocar ritmos tropicales, incluso algún intento de reggae, para comenzar un show de interacción entre ellos y el público en el cual los miembros de la banda hacían alguna gracia y bailaban un poco, más o menos lo que se conoce como “vamos a comernos 20 minutos de concierto sin hacer nada”. Increíblemente después de este “truquillo artificial” todo el mundo se puso de pie para bailar, momento perfecto para que sonase la primera de sus dos canciones más exitosas, “Get down on it” y tras un breve paréntesis, y otro “truquillo” en forma de solo de batería los Kool and the Gang se despidiesen del respetable con su “Celebration”. Qué temón. Una pena que los de sonido volviesen a pinchar a Michael Jackson tras el concierto, es la primera vez en mi vida que veo al público pedir otro tema a los de la mesa en vez de a la banda que acaba de dejar el escenario.

Y por cierto, ayer tocaron los Kool and the Gang en Madrid, con esto de Michael Jackson lo mismo se me ha olvidado comentarlo…

Texto: Ladyizabella

Fotos: Almudena Eced

Más información sobre los negativos aquí