Las bandas, como muchos noviazgos, se las prometen muy felices al principio. Está bien montar el grupo con los colegas y hacerse un par de galas mal pagadas (si eso) por algún garito para que vayan los familiares y féminas del lugar. Pongamos que, en caso de una subida por un pelotazo one-hit-wonder, la banda toca en lugares un poco más decentes y despuntan un poco más. Puede ir mejor y el auge de la amistad se asemeja a cuando el alcohol hace efecto un viernes cualquiera entre los amigos (y ninguno pilla).

Los grupos nacen, crecen y mueren, pero durante su vida pasan momentos cruciales que marcarán la diferencia entre sus componentes. Para empezar, ¿Cómo se define realmente al líder de una banda si –supuestamente- están todos bajo un mismo nombre siendo iguales (en teoría)? ¿El que canta? ¿El que compone? ¿El más veterano? ¿El más guapo? ¿El que ha fundado el conjunto? ¿El que tiene los derechos del nombre? Hay casos en los que todos esos factores han coincidido, pero en el grueso de conjuntos se deberían preguntar este tipo de cosas. Bien. La banda, al comienzo, vota todo de manera democrática o por un consenso. Por todos es sabido que el sistema democrático es la razón de la mayoría, ergo las minorías tienen que aguantarse y tragar. Tal vez las primeras veces los miembros del conjunto en cuestión aguanten, pero la paciencia tiene un límite y los malos días hacen mucho también. Hay grupos que terminan firmando las canciones de manera conjunta y los hay que cada canción tiene su verdadero compositor. Tras varios EPs, maquetas, singles y un LP de cierto éxito, ciertos músicos miran sus cuentas corrientes y reparan en que no todos ganan lo mismo:

-Oye, ¿por qué yo no gano tanto como tú?
-Fácil; pues porque yo compongo y tú te limitas a tocar.
-¡Pues no es justo!

Por ahí empiezan muchas rupturas y peleas que duran años y años. Los roles entre los músicos de una misma formación están muy marcados y a veces asumidos, pero esto cambia cuando no todos son tan iguales como creían. Realmente una canción nunca va a ser compuesta exacta y escrupulosamente por igual entre todos debido a que siempre hay un pequeño porcentaje más alto que el resto. Uno puede llevar la letra, otro las melodías, el de allá las bases y aquel se encarga de los arreglos. ¡Ojo! Que no tiene que ser así por fuerza, pues en cada canción la forma de composición varía pese a que el porcentaje nunca es el mismo. Habría que añadir también la predisposición al trabajo encontrándose al que se lo toma más en serio y al que después de la gala prefiere estar ligando. Nótese estas actitudes en los ensayos teniendo al que no falta nunca y trabaja cual esclavo contra el que pasa de ir porque prefiere hacer macramé y eso es una pérdida de tiempo. ¿Quién, entonces, debería cobrar más ahí?

Otro punto a tener en cuenta es el trabajo y la evolución. Está el miembro que dicta en las composiciones marcando un estilo sin dejar que los demás aporten ideas por muy buenas que sean. Luego hay quien deja que de vez en cuanto otros compongan y aporten ideas. Pero vuelven las proporciones y porcentajes.

-¿Por qué al final en el track-list sólo hay tres canciones mías de cinco que compuse?
-He decidido que esas queden fuera porque no encajan con el estilo.
-Pero había que darle un giro a nuestro sonido y evolucionar.
-Esto es lo que hay. Hacemos rock and roll, no blues.

Dar el brazo a torcer nunca viene mal en ese sentido. El “compositor-jefe” se levanta de buen humor y decide escuchar las sugerencias e ideas de otro compañero. Este le trae una letra y unos arreglos para montar una canción. Pueden pasar tres cosas:

-Que guste la canción y decidan trabajar sobre la idea.
-Que aunque sea buena no quiere que nadie le pise el liderazgo.
-Que la aportación sea nefasta pero aun así le den varias vueltas para comprobar que es tan mala como parece o que de la sorpresa al dar un giro.

Sea como fuere van a terminar mal sí o sí. Llega el día en el que al que ofrece la idea le sienta mal el rechazo de la misma o que el “compositor-jefe” pasa de escuchar más propuestas que no salgan de su mismísima cabeza. Las influencias son muy dispares y los músicos son cada uno de su madre y de su padre aunque al formar una banda tengan algunos nexos comunes. La evolución es un paso natural que determina el crecimiento de las aptitudes y actitudes por distintos caminos. El primer disco marca mucho la trayectoria del grupo, son las canciones más auténticas, hechas con todo el tiempo del mundo, sin presión de una compañía, pues un sello marca un tiempo determinado para componer, y ahí también se determina bastante la trayectoria que va a seguir la banda, bien por las modas o por “lo que digan desde arriba”. En este caso se verá la personalidad de la banda y la integridad de su obra frente a los intereses comerciales de su disquera. Hay muchos factores que al principio pueden marcar en el futuro… Ese primer paso que sonaba más crudo pasa a ser más pomposo en el segundo dando lugar a una sobreproducción en el tercero que, casualmente, arrasa en las radiofórmulas y da tanto dinero y tan buenos resultados que el siguiente y cuarto plástico es muy similar, provocando que los siguientes trabajos carezcan de personalidad llegando así al estancamiento y una desazón común que al final termina pro ser lo único que una a cuatro tíos que no se aguantan tras más de veinte años de convivencia.

-¡Teníamos que haber seguido por la vertiente blues!
-Pues no, lo mejor era haber echado al productor porque mi bajo ni se escuchaba.
-Yo creo que mi idea de meter más guitarras era lo mejor.
-Ya os dije que las programaciones no iban a funcionar…

Y si la cosa pinta en bastos, se le puede añadir al teatrillo un mánager/colega/novia tocapelotas para hacer leña del árbol caído:

-Esto os pasa por no haber hecho caso a Fulanito, que es mi novio y muy listo y los demás no sois más que una panda de fracasados.
-Oye, aquí el fracasado es tu pagafantas, que por cantar se cree el mejor mientras yo compongo.
-¡Eh! ¿¿Y yo?? Curro como un cabrón con las melodías.

El dinero, los egos, las competencias y el pisarse el terreno conducen a la ruptura. Con este tipo de situaciones pasan cuatro cosas:

-Que el grupo se disuelva y cada mochuelo a su olivo.
-Que el cantante monte una banda por su cuenta y el resto haga su vida en solitario.
-Que uno de los componentes se quede con el nombre y contrate a cuatro mercenarios en un intento de relanzar el grupo.
-Que cambien de cantante directamente.

Es en ese punto donde se demuestra realmente quien tenía talento en esa sociedad. Ya puede ser uno muy guapo y tener mucha presencia que sin talento no se va a ningún lado. Por ejemplo: el cantante se va, bien porque le han echado o porque ha decidido irse por su cuenta y liberarse con otros proyectos. Si es bueno de verdad va a tener una carrera sólida y hasta más larga que la de su banda, aunque siempre tendrá esa cicatriz en su carrera. En cambio se vería también el camino de los demás enseñando que con otro cantante pueden seguir adelante. Los fans, como es lógico, querrán al cantante original y no a un mono titiritero que ni canta igual ni nada. Es evidente que son músicos y aunque uno de los miembros abandone el proyecto común todos tienen derecho a ganarse el pan haciendo lo que hacen, por lo que no debería molestar que sigan caminos diferentes entre el cantante y el resto. Pasa el tiempo y el cantante que dejó atrás a la banda ha triunfado y ha crecido de tal manera que el nombre de aquel grupo ya es agua pasada. Por el contrario, sus antiguos “amigos” no se han comido un colín con el nuevo cantante y aunque mantuvieron un éxito curioso tras la escisión, las ventas han caído en picado y por consiguiente son despedidos de la discográfica dando a parar a otros sitios no tan reconocidos.

Evidentemente se puede dar (que se ha dado) el caso contrario, donde el cantante se ha comido los mocos y el resto ha seguido cosechando un éxito arrollador con otro front-man. Importante es saber llegar al listón anterior y superarlo con creces si no se quiere morder el polvo. ¿De qué sirve haber creado un legado mítico si luego se monta una pseudobanda bajo el mismo nombre pero de inferior calidad? Si el vocalista tiene orgullo pasará de lo que fue su pasado de juventud y aguantará carros y carretas haciendo lo que hace aunque sea de un dudoso gusto.

Y si antes se ha advertido de las intenciones de los A&R, directores y demás fauna discográfica por cambiar el sonido inicial, también sería de menester tener presente que detrás de algunos intereses económicos se esconde el plan de influir negativamente entre los componentes para que terminen peleados, disuelvan el conjunto y el vocalista termine en solitario lanzando un disco con esa mismo sello en un alarde de estrategia comercial.

Pero puede tragarse ese ego y volver con el rabo entre las piernas al redil tras haberse desfogado con una serie de trabajos experimentales que no le han llevado a ningún lado. Es como el amigo que un día se echa novia y se olvida de la pandilla. Tarde o temprano discutirá con su pareja y lo dejará, volviendo así otra vez con sus compadres. Bastante común, ¿verdad?

Es hora de ponerse sincero. Carlos Tarque, vocalista de M Clan, repasa lo que ha sido el punto de inflexión marcado entre “Memorias de un espantapájaros” (Warner, 2008) y “Para no ver el final” (Warner, 2010). Cambios en la estructura y componentes de la banda, giro del sonido y soldiez en la actual formación. Además de los varapalos varios que han provocado una visión bastante más seria y serena a la vez. El porpio Tarque charla con Charly Hernández sobre estas historias y vicisitudes.

Igual es un poco bruto lo que voy a decir, pero observo que esta “madurez” natural del sonido ha sido un poco “la letra con sangre entra”. Vamos, que habéis aprendido a hostias. También está el fallecimiento de Pascual Saura, aunque él ya no estaba en “Para no ver el final”.
Pues sí, lo de Pascual fue verdaderamente una hostia. Pero el cambio del sonido del disco no tiene que ver con esas “hostias” que dices, sino con una evolución natural de que pasa el tiempo y de que un artista va buscando y encontrando. No se trata de recibir palos. No necesitas ser un bluesman del Mississippi al que le han dado con los látigos en los campos de algodón para tocar un estilo de blues. No creo que todo tenga que ser tan fiel a la realidad. Lo que sí es cierto es que nosotros vamos escuchando música, vamos madurando y creciendo. Somos un grupo que viene de un largo recorrido y al que todavía le queda por recorrer, por lo tanto todavía nos queda tiempo para seguir aprendiendo y para hacer cosas que realmente nos llenen.

Ya sabes, en “Cadillac Records” se decía que Muddy Waters cantaba al dolor mientras que Etta James vivía el dolor. Entonces, tras lo anteriormente comentado me queda la duda de si vosotros le cantáis al dolor más que vivirlo.
Bueno, ya que estamos profundizando en esto… creo que el hecho de cantar ahuyenta a los malos espíritus y exorciza. Es una cosa muy antigua de los ancestros. Nosotros, y en mi caso como cantante, creemos que la música es un bálsamo que está hecho para aliviar. Eso es lo que era el blues al igual que el flamenco o el tango, un montón de músicas que sirven para sacar lo que hay dentro. Una terapia. En nuestro caso ha sido así, aunque no ha sido algo pretencioso, pues no queremos curar el espíritu de nadie, sino simplemente pasar un buen rato y hacer música. Pero si lo conseguimos… pues mira.

Hombre, si curáis alguna vida… mejor.
(Risas)

Pero lo que sí es cierto es que este disco es de vinilo. Es ideal.
Hicimos una tirada de quinientas copias a la salida del disco y al mes se agotaron. También tengo que decir que para el vinilo se hizo una masterización diferente. La verdad es que así suena mucho mejor. Yo lo tengo en vinilo y en CD. Pero ya te digo, se agotó al mes, así que yo creo que hay un interés por la recuperación del vinilo y por el sonido añejo.

Ha pasado muy poco, pero… ¿cómo ves que le ha afectado el tiempo a este disco?
Pues bien. Tiene poco más de un año, por lo que no puedo ver mucho, pero ha funcionado muy bien, bastante bien para como está el tema. Además, tanto en ventas como en directo porque este último ha sido increíble. Toda esa movida de los metales nos ha colocado en un sitio muy interesante porque se ha llegado a la gente que no es melómana y a la gente que lo es mucho. Conseguir eso es muy importante, así al menos lo creo yo. Encontrar un sonido grande y apoteósico.

Indudablemente esto dejaría claro que sois más un grupo de espacio que de volumen.
Sí, totalmente. Y cada vez más, incluso. La diferencia entre el CD y el vinilo es precisamente esa. Es lo que tú dices, el CD está en un mismo plano, es más contundente y está comprimido. En el vinilo se escucha mucho más el aire, lo que hay en una sala de grabación. El bajo es mucho más agradable, la batería es más cálida… se acerca más a la realidad.

No es que sea exacto, pero si tiene esa forma especial de “Un buen momento”. Además se grabó en Memphis contando con los coros de Susan Marshall. Pero a lo que voy, esto no se trata del tópico de volver a lo añejo.
Sí. Todos los discos que hemos grabado se han hecho de la misma manera, o sea, tocando todos a la vez. Aunque luego se han hecho recordings donde se han tocado la batería y el bajo, pero nosotros funcionamos así, vamos al estudio y grabamos todo. “Coliseum” es el disco que más defienden nuestros seguidores de la primera etapa (y que más defiendo yo), pero es el disco más cortado, más editado y más producido que tiene M Clan. El más retocado, vaya, en el que más tomas se ha hecho. Precisamente por ser el segundo.

Aunque actualmente no sean necesarias las metáforas y los arreglos…
Bueno, lo que ocurre con los arreglos es que hay que tenerlos un poco antes de ir al estudio. Yo creo que si el grupo evoluciona se sabe ver la frescura de una toma. Aunque no tiene que ser ni una cosa ni otra, las cosas han de estar bien hechas y lo mejor posible. Es cierto que hay tomas que son más frescas y si no consigues una mejor vas a ir a por la que tenga más acción. Tampoco quiere decir que “esto ya está porque lo hemos hecho así”, no, simplemente se trata de hacerlo mejor. En general hacemos las tomas al ochenta por cien, salvo la voz, que se suele grabar por otro lado. Todo lo demás es en directo.

¿La coherencia por bandera?
No es coherencia, es que nosotros funcionamos así. A la hora de llevarlo al directo es muy fácil que suene tan parecido. Me hace gracia cuando me dicen que sonamos en directo igual que en el disco. ¡Joder, si es que somos nosotros! Tal vez a otros grupos no les pasa, pero nosotros somos así y es como mejor nos sale. Pienso que hay estilos que tienen una manera y otros tienen otra, con cosas enlatadas que consiguen llegar de otra manera. Nuestra propuesta es la de la artesanía.

Con el cambio de músicos (la reestructuración de la banda, mejor dicho), ¿costó más la adaptación del estudio al directo al ser músicos nuevos en M Clan?
No. La verdad es que no, porque esta gente son músicos que han tocado en muchos otros discos y tienen también una cultura musical muy amplia, o sea que no es gente nueva en esto. Son músicos herederos de la música antigua y de la música clásica del pop y del rock, entonces ellos ya sabían como iba el tema. Fue muy fácil con ellos. Hicimos primero unas pruebas, luego unos ensayos y más tarde grabamos. Ellos son grandes músicos, entonces no fue difícil.

Antes de todo esto está (o estaba) “Memorias de un espantapájaros”, que era el disco que ha vaticinado el paso hacia la introspección.
Sí. Fue en un momento en la vida del grupo en el que decidimos buscar por otro lado. Son planteamientos que un músico se hace de vez en cuando. Cuando llegue el momento haremos otro y pensaremos que esto ya ha dado de sí y que habrá que ver hacia donde vamos. Por ahora sí que andamos por ahí y seguimos esa estela porque nos ha gustado, nos sentimos cómodos por todo.

¿Cómo una bifurcación? Me refiero a que el camino se dividía en dos: o M Clan seguía o M Clan se disolvía.
El grupo se pudo haber roto y pudo haber seguido en varias ocasiones en dieciocho años. Después de “Coliseum” se pudo haber roto, por ejemplo. Ha habido altibajos a mogollón. Después de “Retrovisión” hubo otro planteamiento. Pero el grupo no se rompe tan fácilmente porque tiene una raíz muy fuerte, ¿sabes? Ahora mismo M Clan no es algo frágil, sino todo lo contrario, es algo muy sólido. Es como un árbol al que se le caen las hojas, pero ahí sigue. Por eso te decía antes lo del largo recorrido. Es más, incluso ahora es más difícil que se rompa el grupo, comparado con la primera época.

Como una pareja que discute y el reencuentro los hace más fuertes, ¿no?
Sí, sí. Lo bueno es que nosotros ya no discutimos porque sabemos a donde ir para no hacerlo y también que dirección tomar para que funcione todo bien.

Uno de los caminos es, en parte, huir del mainstrean, pero exactamente se basa en saber exactamente donde no hay que tropezar.
Pues hombre, sí. Lo del mainstream es una cosa que… en España es una cosa muy rara. Pero juro que no hay una intención premeditada, es simplemente encontrarte cómodo con una historia. A mí me encantaría que, de repente, un tema de nuestro siguiente disco fuese número uno de todas las emisoras comerciales. Me encantaría, pero creo que no va a ser así porque seguramente no da el perfil. Pero no es porque yo no quisiera vender un millón de discos, porque me encantaría ser mainstream, pero hacerlo yo y que no lo ordenen los medios. Podría ser mainstream como lo son Red Hot Chili Peppers o algo así.

Es lógico que en el mainstream (al igual que en el indie) ni todo es malo pero tampoco es todo bueno.
Sí, aunque la verdad es que las etiquetas del mainstream y del indie me dan un poco igual. La música es música… y lo demás me da igual. Todo lo demás es mentira y prejuicios que están cortando la libertad artística. Hay que preocuparse por hacer una canción lo mejor posible y ya está. Ser auténtico. ¿Qué luego vendes cien mil discos? ¿Qué no vendes ninguno? Pues mira, eso ya depende de cada uno, aunque ahora no se vende. Hay gente que está más preocupada de eso que de hacer una buena canción. Yo ya te digo, según va pasando el tiempo cada vez me va dando más igual porque al final harán cosas que la gente ni se creería.

Haciendo un símil; el mainstream sería el colegio (porque el panorama comercial español es un patio de colegio) o el instituto o Universidad. Parece, bajo mi punto de vista, que os lo habéis saltado y estáis en el momento del estudiante que se encuentra sin trabajo. Vamos, algo más duro.
Pues hombre, no sé. Diría que sí porque las letras fueron cambiando y se llegaron a unos sitios más aceptados. Pero yo creo que la Universidad es esa, la que uno hace. Nosotros hemos ido al colegio, al instituto, a la Universidad… y ahora estamos en tal cátedra y después seguiremos haciendo un máster. Lo de saltarse la Universidad… ¿quién es el que pone esa Universidad?

Yo diría que son las radiofórmulas y las etiques establecidas.
Sí, totalmente. La verdad es que… en fin.

Aun así es complicado llegar de forma sonora y lírica a distintos públicos.
Es que puedes llegar a distintos públicos pero no a todos. Sinceramente, tampoco queremos llegar a todos los públicos. Los seguidores de M Clan salen muy contentos de los conciertos. Pero no deja de ser complicado, pues hay música que entra más fácilmente o más directa que otras. Nuestros últimos discos no son tan directos, por así decirlo.

No son directos pero tienen algo bonito: empatía.
Sí. Me alegro que así sea. Y me alegro porque no queremos hacer un criptograma para que la gente no sepa que cojones estamos diciendo. Ha habido veces en que sí nos hemos metido en letras un poco más densas y hemos tenido que suavizar. Hay que ser muy bueno para ser denso y llegar. Hay grupos que te cuentan muchas cosas y no llegan, tío. Un artista tiene que transmitir y si no transmite… malo.

Posiblemente eso haya provocado la edición de “Sótanos, tierra y montañas rusas”, tu libro de textos junto con fotos de Thomas Canet.
Exacto, aunque eso ha sido una aventura única y novata para mí. Pero estás en lo cierto, tío. Mucha gente lee el libro y ve cositas que luego aparecen en las canciones. Es como una especie de making off de algunas canciones que clarifica o que amplía un poco el mundo “emeclaniano”.

¿Estás componiendo ahora?
Sí, estamos haciendo dos temas nuevos para el disco que saldría en Septiembre del año que viene, al menos eso pretendemos. Pero seré sincero y te diré que nos está costando, aunque es siempre así. Los partos de los discos cuestan aunque hay un momento en el que salen, pero al principio están ahí las contracciones, los vómitos y todas esas movidas. Como un parto cualquiera (risas).

Manteniendo el camino de la música de raíces, Enrique Bunbury edita “Licenciado Cantinas“, un álbum que mira a la música panamericana desde los ojos de la instrumentación norteamericana. Son versiones, sí, pero esto no significa que vaya a perder calidad, todo lo contrario. El ciclo que terminó con “Las Consecuencias” (EMI, 2010) y “Gran Rex” (EMI, 2011) ha dado pie una nueva remesa de canciones lejos de las manos de EMI, pues “Licenciado Cantinas” es una autoedición que lleva el sello de Blanco & Negro. ¡Ojo! No por ser así el músico iba a estar más liberado, todo lo contrario, pues tener una caja de discos bajo la cama lo puede hacer más desdichado.

En lo que al contenido se refiere; el LP (inmejorable) fue grabado en SonicRanch, Tornillo (Texas) con su banda habitual, Los Santos Inocentes, que ya han alcanzado el grado de madurez suficiente junto a Enrique Bunbury. A ellos se les une el versátil percusionista Quino Béjar, culpable del giro sonoro orogándole al conjunto una rica composición de ritmos africanos, caribeños y latinos, tal y como se puede apreciar en piezas como ‘El día de mi suerte‘ (de Willie Colon y Héctor Lavoe) o ‘Chacarera de un triste‘ (de los Hermanos Simón). Francamente, la mayoría de sus seguidores no iban a arrimarse al ballenato o a la cumbia, pero gracias a este revisión, Bunbury ha acercado la familia musical panamericana al pueblo y, de ese modo, mostrar el buen hacer de grandes figuras, como la de Eliades Ochoa haciendo sonar su garganta y guitarra en la tradicional ‘Mi sueño prohibido‘. El single ‘Ódiame‘ (de Federico Barreto y Rafael Otero López) ha funcionado pefectamente como introducción a este viaje que recorre la espina dorsal del continenten americano, un arte de presentación que comparte protagonismo con la instrumental ‘El mar, el cielo y tú‘ (de Agustín Lara), siendo esta última la encargada de abrir el cancionero.

Por momentos suena a tex-mex, como la banda sonora de “Crazy Heart“, interpretada (entre otros) por Jeff Bridges y Ryan Bingham de la mano de T-Bone Burnett. ‘Ánimas, que no amanezca‘ (de Guadalupe Ramos) es la clave que hace de puente con los dos hemisferios. El acordeón de Dave Hidalgo (Los Lobos) rememora lo que también hicieron The Felice Brothers o Bob Dylan en “Together through life” (Columbia, 2009). Dentro de ese traje de terciopelo se encontraría también ‘El Mulato (Licenciado)‘ (de Ricardo Ray & Bobby Cruz) con un exquisito y delirate final que, a base de distorsión, enlaza con la guitarra de Dave Hidalgo dando la salida a ‘El Solitario (Diario de un borracho)‘.

De acuerdo, “Licenciado Cantinas” no es una banda sonora al uso, pero sí es cierto que narra las desventuras de desamor y arraigo del personaje del Licenciado Cantinas. Podría decirse que es un cancionero perfecto para el amor despechado y todas sus fases. Las últimos tragos se antojan tristes con canciones de alto contenido en amor alcoholizado dentro de’Cosas olvidadas‘ (de Antonio Rodio y José María Contursi). Totalmente arrabalero. El drama de los versos acontecidos en ‘La tumba será el final‘ (de Francisco Vidal) fluye con la nostalgia que le da “Flaco” Jiménez (al acordeón) hacia un emocionante y solemne final que, por obra y gracia de Atahualpa Yupanqui, hacen amanecer la tristeza dándo la mano a ‘El cielo está dentro de mi‘ y la armónica de Charlie Musselwhite.

La sangre circula por las “arterias” (así es como se iba a titular este trabajo en primer lugar) llevándose las almas y corazones de los perdidos en la vida con “Licenciado Cantinas“.

Salidos de los buenos tiempos del “Getxo sound”, Zodiacs regresan haciendo borrón y cuenta nueva con un sexto trabajo discográfico. “Radiaciones luminosas” es la manera que han tenido de ponerse serios frente al pasado más inmediato y a lo que manejaba su propia música. Grabado por Paco Loco en El Puerto de Santa María, “Radiaciones luminosas” es la psicodélia salvaje que rememora el pop-rock más olvidado de los años sesenta en España. Además se autoeditan ellos mismos, por lo que manejan absolutamente todo el trabajo. Cambio de banda, cambio de sonido y cambio de aires. No es empezar completamente de cero, pero sí preguntarse que hacer con la vida y con su propio trabajo. Lander (bajo), Ignacio (voz y guitarra), Gurru (batería) y Adrián (teclado) se muestran tal y como son en esta entrevista firmada por Charly Hernández.

Un cambio radical de sonido que… ¿tiene que ver también con el cambio de formación?
[Ignacio]: Sí, evidentemente. El cambio de formación ha influido en el sonido. La verdad es que todos estábamos buscándolo. La vida de la banda se encontraba en un momento raro. Desde que Gurru y yo montamos la banda en 1999 hemos intentado dar con un cambio de aires en general.

[Gurru]: Con el rollo del teclado habíamos pensado llevarlo más al directo. A ver, en nuestros discos siempre había teclado, pero en este último está más presente que nunca. Ahora tenemos a Adrián, que toca de puta madre y maneja muchos sonidos.

[Ignacio]: Sigue estando esa esencia, pero ha habido un cambio la base que había en Zodiacs, ahora hay un toque diferente.

Mientras se mantenga el espíritu inicial…
[Ignacio]: Pues sí, porque las canciones las sigo haciendo yo, aunque también está el curro de la banda, claro. Pero ya te digo, cuando decidimos hacer este disco y seguir con el cambio ya había canciones compuestas, ideas y cosas avanzadas. Cuando entraron los nuevos integrantes al grupo empezamos a darle forma a esas canciones y, evidentemente, cambian.

Haber grabado con Paco Loco también influye.
[Ignacio]: Cierto, también. Pero influye hasta cierto punto porque nunca hemos repetido productor. El primer disco lo produjo Little Fish, el segundo Fernando Pardo, el tercero Nigel Walker, el cuarto Álex Olmedo, el quinto es en directo donde también estaba Rosillo. Este sexto, como bien dices, es Paco Loco, con lo cual no ha habido una repetición. Pero sí que es verdad que ha habido algo más que ha propiciado ese cambio, esto ha sido por la entrada de Lander y Adrián.

[Gurru]: Lo que ha hecho Paco ha sido sacar justo el sonido que queríamos. Tampoco lo hablamos mucho antes de grabar. Él, con la utilización de ciertos instrumentos, ya sabía como hacerte sonar. Además, la producción es antigua, por lo que suena a disco viejo también por la mezcla.

Ahí quería llegar. A mi parecer, el disco suena psicodélico, pero no es psicodélia, digamos, estándar, sino que es tipo pop español de los años sesenta, como Los Gritos, por ejemplo.
[Ignacio]: Sí, tiene un rollo de eso. Hablamos con él de lo que queríamos hacer y dio en el clavo. Se hizo todo con una mesa analógica, en cinta…

[Gurru]: Y que se ha grabado en directo. Eso le ha dado mucho toque también.

[Ignacio]: Está grabado muy en directo. Incluso los teclados. Íbamos con la idea de meter los teclados más tarde, pero Paco dijo que sería mejor en directo.

¿Han cambiado mucho esas canciones desde que eran ideas hasta su resultado final?
[Ignacio]: En cuanto a estructura no ha cambiado nada. Bueno, menos una, la versión de ‘Mi calle’.

Bueno, esa no contaba (risas).
[Ignacio]: En esa llevábamos la misma estructura que la original de Lone Star, pero Paco nos sugirió cambiar algunas cosas y tal. Fue más bien idea suya.

Del palo de Triana, incluso.
[Gurru]: Sí, ¿verdad? (Risas)

[Ignacio]: Es que hay dos versiones; la del CD y la del vinilo. La del vinilo es una ‘jarta’ de puta madre.

[Gurru]: La versión real es la del vinilo. Luego hicimos una “escuchable” y en la masterización la cortamos porque la otra era una ida de olla, más oscura y tal. Mucho fuzz y mucha paranoia.

¿Sería entonces algo que estuviese más cercano del rock progresivo?
[Ignacio]: Pues la verdad es que también nos hemos fijado en eso puesto que Adrián tiene en mente a grupos como Yes, pero yo creo que hasta ahí no llegamos (risas). Nos queda muy grande el rollo del rock sinfónico o del rock progresivo, la verdad.

Pero en ‘Satanás’ hay una “columpiada” de cuerdas bastante interesante.
[Ignacio]: Así es. Esa fue una de las ideas de Paco. La verdad es que nos pareció muy guapa.

[Gurru]: Él la soltó ahí como… bueno, a ver que sale. Llegamos una mañana de baño matinal en la piscina (risas) y nos enseñó lo que hizo. A nosotros nos gustó tanto que nos pareció perfecto. Aunque a decir verdad nos partimos porque pensábamos que estaba chalado (risas). Pero lo quitó, puso la canción sin aquello y ya vimos que realmente le faltaba algo a la canción. Así que se volvió a poner.

Con la sección de metales de ‘Pilotos del aire’ pasa lo mismo, fue una idea de Paco. La oímos y dijimos: “venga, para el disco”.

Y también suena el Omnichord, que entró sí o sí.
[Gurru]: Sí (risas).

Antes he mencionado que el disco suena tipo Los Gritos y demás grupos, pero hay un detalle en ‘Kowalski’ que me ha llamado muchísimo la atención y que además es muy cañí. Dice así: “me sigue muy de cerca la Guardia Civil”. Así un poco Los Chichos y tal…
[Ignacio]: ¡Muy buena! (carcajada). No sé, me gustó. Adrián me preguntaba si no podía rimar con otra cosa, como con policía o algo así… pero no, me gusta decir Guardia Civil (risas).

Hombre, sin un R-5… la cosa cambia.
[Ignacio]: Ya, ya (carcajada).

Y no podían faltar las mujeres, ¡por Dios! ‘María La Serpiente’ tiene una letra con mucha referencia. Aunque el título de ‘Gloria en la azotea’ me suena tan indie-naïf…
[Ignacio]: “María La Serpiente” tiene esa letra porque el tío está destrozado…

…y es el tema lacrimógeno del disco.
[Ignacio]: Correcto, pero los desengaños amorosos siempre han dado buenos temas después del desencanto. La melodía de esa canción, cuando sacamos la melodía, vimos que era un dramón.

¡Y épica!
[Ignacio]: Y épica, eso es. Además con los coros…

[Lander]: Que curiosamente era la que menos le molaba a Paco.

[Gurru]: Bueno, yo creo que no estaba muy convencido del coro, pero la canción si que le gustaba, ¿no? Recuerdo que decía: “yo soy anti-ooohs”. (Risas)

Pero tíos, me decanto por mi favorita, que es ‘Balada de un enterrador’.
[Gurru]: ¡Amigo, ahí te hemos visto! Particularmente también es nuestra favorita.

Quizá destaca más por no ser tan “sixtie” y por tener el ritmo western parecido a ‘Apache’ de The Shadows.
[Ignacio]: Sí, sí. Ahí estuvimos mirando ese rollo porque la canción no nos sonaba así, pero cuando estábamos tocándola con la guitarra, de manera cruda, nos empezaba a recordar. Después, al meterle el fuzz, nos estuvimos fijando en como lo hacían en los ochenta y el modo revival de garaje, como The Cynics o grupos así.

[Gurru]: Y el teclado es brutal, hay momentos en los que casi se rompe.

Sin duda alguna, el teclado es lo que le ha dado mucha fuerza al total de “Radiaciones luminosas” por el protagonismo que tiene.
[Ignacio]: Eso es lo que pensamos en todo momento y no tener el teclado como un colchón para rellenar, sino como una guitarra más. De hecho intentábamos afinar al máximo para que pareciese una guitarra.

[Lander]: Paco pilló ese rollo a la primera y en las mezclas estaba constantemente con eso.

Y la percusión también es la hostia.
[Gurru]: Pero esas cosas también fueron cosa de Paco. Hay cosas muy grandes.

Bueno, dejemos claro que el disco lo habéis grabado vosotros y no Paco Loco (risas).
[Gurru]: Claro, ojo con eso, que la percusión no la grabó Paco (risas). Aunque en alguna si mete él la percusión. Pero aunque haya tocado percusión en algunas canciones, nosotros hemos tocado todo. ¡Que conste en acta! (Risas)

Y siendo este el sexto disco… os autoeditáis ahora. Supongo que estaríais hartos y cansados de tener a una discográfica ahí…
[Ignacio]: Sí. Estábamos cansados y también un poco hartos. Te diría que desde el primero, pero no fue así porque nos lo compraron ya casi hecho, pero desde el segundo hasta este hemos dependido de una compañía independiente que funcionaba a un ritmo que no era el adecuado. Luego pillamos una multi, pero también funcionaba a sus tiempos… Era o “rápido, rápido, que hay que sacar ya un disco” o “espérate, que todavía no hay que sacarlo”.

Siempre hemos dependido de otros para entrar a grabar. Hemos tenido momentos chulos donde las cosas han ido bien, pero ves que no puedes estar así. Una banda desespera, tío. A no ser que sea un bandón que mueva millones…

Bueno, ahí están los Stones.
[Gurru]: También es verdad. Incluso hay bandas españolas que están igual. Lo que queremos es manejar nuestros tiempos porque al final es lo más importante. Pero la autoproducción tiene también un handicap que es currar mucho. Es un trabajo inicial muy grande. Una inversión –no solo a nivel monetario- sino a nivel de tiempo. Pero bueno, la ilusión que tenemos y que mantenemos es algo que ha hecho que esto siga para adelante.

También fíjate como está el rollo de la Industria. Todo es bastante caótico. Lo mejor es manejar tu producto de alguna forma.

[Lander]: Y que nadie te coarte.

¿Os han impuesto un productor durante las etapas pasadas?
[Ignacio]: No, en ningún caso nos lo han impuesto, pero sí los tiempos, ahí si que lo notábamos. Y en ciertas maneras, también. Con el primer disco faltaban temas y tiramos de canciones viejas. Con el segundo ya nos tuvimos que esperar y hasta que entramos a grabar pasaron cinco meses. Todo estaba mirado con lupa. Iba muy lento todo.

Sin embargo parece que el trabajo es más ligero, aunque, como dice Gurru, el curro inicial es bestial. Eso sí, el disco sale totalmente como queríais, haciéndolo para vosotros, ¿no?
[Ignacio]: Claro, eso es: el “cómo” y el “cuándo”. Eso ha sido importante también para el público. ¿Sabes lo que pasa? Que si estás en una compañía te dirigen hacia un sector. También nosotros tenemos la suerte de tener cierto bagaje, pero nos dirigimos a todos.

[Gurru]: En principio, a nosotros mismos porque así hacemos lo que nos da la gana y salen canciones como ‘Kowalsky’, por ejemplo. Nos gustan esos dos rollos ya que tienen puntos en común. El sonido es totalmente distinto al “3, 2, 1…”, es totalmente distinto. Es que es eso, nos mola el sonido de uno y de otro. Puede parecer algo heterogéneo pero no es malo que sea así.

“3, 2, 1…”, comercialmente hablando, significó mucho para Zodiacs.
[Ignacio]: Habíamos entrado en un punto en el que estábamos en un callejón sin salida dentro de una compañía grande. Caímos en unos hábitos un poco insanos. También nos habíamos metido a hacer la música para un anuncio, que fue algo muy bueno pero también fue algo contraproducente porque te empiezan a conocer como “los de el anuncio”. Eso es un arma de doble filo con el que hay que tener mucho cuidado. Te lo ponen desde un punto de vista que es desde el suyo, el de la discográfica, lo miras, analizas la situación, aceptas y lo haces. Pero luego ves que hay opiniones encontradas y de repente te paras a pensar en lo que estás haciendo para terminar mandando todo a la mierda. Esa época pasó, pero pienso que incluso nos ha podido perjudicar. Y no fue una concesión, sino un encargo musical.

[Gurru]: Por eso te decíamos antes lo de la esencia del grupo, porque al final los prejuicios pueden existir desde fuera, mientras que nosotros llevamos tocando muchos años.

Es que… manda huevos, tío. Con cinco discos que teníais por entonces y que os metieran en la saca de los one-hit-wonder por haber puesto música al anuncio…
[Gurru]: Pues sí. Es esas cosas son peligrosas.

[Ignacio]: Hay que analizarlo muy bien y más estando en este país, el cual no tiene una gran cultura musical ni memoria e incluso tampoco hay revisión por parte de cada uno de los grupos. ¡Es que mucha gente no conocía ni nuestros discos anteriores! Aunque hay antes una maqueta.

Pero es un trabajo, al fin y al cabo.
[Gurru]: Es un trabajo, claro. Nos costó lo nuestro hacerla. Lamentablemente todo eso se olvida por una canción en un anuncio. Al final hace que no estés ni en un lado ni en otro. La gente tiende a ubicar a los grupos de una manera muy determinada. Puede ser muy peligroso.

[Ignacio]: Incluso peligroso también para la moral del grupo, porque está tocando como siempre, desde el primer, segundo y tercer disco… pero hay una trayectoria. Yo creo que la nuestra ha ido en ascenso, con sus altibajos, aunque en ascenso. Pero pasa el tiempo y ves como está todo, que la cosa está minada y los ánimos apagados. Y todo por lo que dice Gurru, porque te ubican por una canción de un anuncio. Todo eso fue un punto de inflexión y dijimos: “¡a tomar por culo!”

La sangre del Rock and Roll corre por las venas de Enrique Bunbury como el combustible lo hace por las arterias de un Ford Mustang del 67. “Licenciado Cantinas” (Blanco Y Negro, 2011) es la nueva entrega discográfica del músico, que observa la música panamericana desde los ojos del Rock a lo largo de quince versiones. Charly Hernández entrevista al músico.

Hemos llegado a un punto donde se ven las cosas desde otra perspectiva respecto a la juventud. ¿Ahora escribes las canciones siendo quien eres o para ser lo que no eres?
El nuevo material que estoy escribiendo, para mi próximo disco, me parece lo más cercano a un encuentro conmigo mismo, después de años de búsqueda y de rechazar a quién definitivamente no soy. Creo que el cerco se estrecha y el camino va quedando claro, definido y concreto.

Es más, ¿es posible que ahora tus canciones (propias como ajenas), y exactamente las de “Licenciado Cantinas”, se deban escuchar más con el corazón que con la entrepierna?
Espero que la entrepierna y el corazón se unan para escuchar este disco, porque tiene que ver mucho con ambos órganos.

Claro, que desde “mi atalaya” no puedo saber exactamente el sentimiento con el que se tocaron y se interpretaron las canciones en Tornillo (Texas), pero en el documental de “Las venas abiertas de Licenciado Cantinas” se deja entrever algo con el título de uno de los actos: “El artesano”. ¿Tal vez el oficio de cantor (y compositor) requiere y/o emite más pasión que el de artista?
Ya no sé muy bien quién es un artista y quién un artesano. Sean quienes sean, nos entregan su oficio para nuestro disfrute y deleite, y somos, cada uno de nosotros, quienes les otorgamos uno u otro título.

Y tan artesano… que “Licenciado Cantinas” ya no se editará con tu antigua disquera, sino que sale con Blanco y Negro. ¿Será mejor centrarse en las canciones y dejar los temas extra a otros? ¿Tal y como está el asunto lo mejor es hacer uno mismo de Juan Palomo?
Creo que existe en estos días una idea equivocada sobre las bondades de la autogestión y las maldades de la industria discográfica. Ningún grupo se convierte en mejor, ni más honesto porque se autogestione. Pregúntale a Paul McCartney qué opina de Apple. Tener cajas de discos debajo de la cama no nos hace más humanos, sino más desdichados. No le deseo a ninguno de mis compañeros que tenga que lidiar con la distribución, el marketing, los shares y los ratings. Pensar que eso es la panacea, es desearle el mal al prójimo.

Esto me recuerda a aquel tango de Horacio Ferrer, ‘Milonga del trovador’: «Vamos a la distancia, sí, que soy el trovador, si la distancia llama, yo jamás veré ponerse el sol. Vamos a la distancia, ya, y si no llego, amor, vos le darás mi alma de argentino y de cantor». En tu caso sería “de todo el mundo”, pero sin duda uno es caminante. ¿Crees que con la edad se hacen mejores canciones o entran ciertas prisas por crear la mejor canción antes de finar?
Quizás me estás situando en una franja de edad que no tengo. No está en mis planes inmediatos finar, ni despedirme de la afición. Creo que ahora empiezan muchas aventuras emocionantes que pueden ser doblemente sorpresivas, al menos para mí. Espero, eso sí, escribir mi mejor canción en el futuro y no haberla escrito ya.

Vamos a centrarnos de lleno en “Licenciado Cantinas”. Como ya se sabe son versiones, pero las quince que aparecen finalmente en el track-list fueron seleccionadas de entre otras sesenta canciones. ¿Fue muy costoso y sesudo hacer ese corte selectivo? ¿De esos quince temas hubo alguna de más que se terminara grabando también? ‘El Arriero’ (de Atahualpa Yupanqui) era una posible, además ya la tocaste en algún medley con Héroes.
Solamente grabamos las quince canciones que seleccioné. ‘El Arriero’, nunca estuvo en entredicho. Es una gran canción y Atahualpa un grande entre los grandes, pero tuve muy claro que ‘El cielo está dentro de mí’ era el cierre del disco y antesala del que estoy preparando.

Y estamos hablando de unas canciones con un nexo común, que no es otro que la historia de un personaje [El Licenciado Cantinas] visto de manera cinematográfica. Fíjate, que por aquello que cuentas de que estas canciones las escuchaste “castigándote” en las cantinas… me lleva a pensar que hay mucho de ti en el personaje, solo que esta vez, en lugar de escribir, interpretas canciones con las que te sientes identificado.
Claro. Cualquier cantinero de vocación y largo recorrido sabe, comprende y se identifica con el contenido de estas canciones. El cancionero latinoamericano es sabio, profundo y humano. El drama del amor, el abandono, la perdición y la muerte están en los surcos de “Licenciado Cantinas” ¡¡y de tantos boleros, tangos, rancheras, chacareras, valses, guaguancós y habaneras!!

Además es un proyecto que ya tenías pensado desde hace unos ocho o diez años. Comprendería las etapas de “Pequeño” y “Flamingos”, por lo que noto cierto paralelismo por los momentos tan personales en los que te encontrabas por entonces. ¿Podría ser que aquellas canciones con las que te sentías identificado por ciertas circunstancias volvieran ahora a reaparecer por ese paralelismo logrando así la edición final de este disco que hoy nos atañe?
Creo que fue durante la gira de “Flamingos” (2002) cuando empecé a darle vueltas a este proyecto, que en principio se iba a llamar “Arterias”. Fui seleccionando canciones desde esos primeros días, pero las que finalmente hemos grabado, no pertenecen a esa época, sino a las conclusiones de los dos últimos años. Aunque el proyecto viviera en mi cabeza, ha tardado mucho en cobrar la forma que puedes escuchar a día de hoy.

Un concepto que se ha ido fraguando durante mucho tiempo pero que ha terminado creciendo a base de la espontaneidad en el estudio sin ensayos previos. Dejándose llevar un poco por el azar, vaya.
Eso tiene que ver con la metodología de grabación. Me gusta cambiar la forma de enfocar cada grabación de un álbum. Desde nuevos prismas y con esquemas de trabajo distintos, se llegan a conclusiones nuevas y sonoridades refrescantes. En esta ocasión, evité los ensayos previos y la preproducción, y quise aprovechar las características del estudio de grabación y las diferentes salas, para ir arreglando y montando los temas sobre la marcha. La verdad es que, eso también fue posible por contar con una banda estable como Los Santos Inocentes que ya ha pasado el período de rodaje y se encuentra en una madurez que hace posible encarar retos como este.

En lo que a artesanal se refiere (como antes comentábamos) reparo en el trabajo técnico llevado a cabo. Para empezar te llevaste a Texas a Jordi Mora, también grabaste muchas de las canciones en directo con la banda y la incursión de nueva instrumentación, como tubas, acordeones, percusión… Si “Las Consecuencias” era un disco Lo-Fi, ¿Este nuevo trabajo es un disco de alta fidelidad pese a su analogía? Creo que ‘Chacarera de un triste’ podría ser un buen ejemplo de todo ello.
Jordi Mora lleva trabajando conmigo desde hace diez años. Empezó como ayudante de ingeniero y se ha convertido en pieza imprescindible de todos mis álbumes desde entonces, sobre todo en “El Viaje a Ninguna Parte” (2004), “Las Consecuencias” (2010) y “Licenciado Cantinas” (2011). También estuvo en el disco que hice con Nacho Vegas: “El Tiempo de las Cerezas” (2006), en las mezclas del directo “Tour 2007” (2007) y en “Hellville de Luxe” (2008); pero cito esos tres porque creo que tienen un hilo conductor que les emparenta. Ni “El Viaje a Ninguna Parte”, ni “Las Consecuencias”, ni “Licenciado Cantinas” son en mi opinión, Lo-Fi, aunque tienen elementos vintage que los alejan de la mayoría de las producciones Fm de hoy en día. A su vez, se alejan claramente del frío sonido Pro-Tools Home Studio que tanto impera a día de hoy y que a mí tanto me disgusta.

Pero no me puedo dejar algo que, aunque no lo parezca, ya forma parte de tu vida. Me refiero a los guiños a Lost. Anteriormente se pudo ver en el video de ‘De todo el mundo’, en la escenografía del concierto en 3D… y muchos otros detalles que aparecen en el video y making off de ‘Ódiame’. ¿Está Enrique Bunbury pasando su etapa post-Lost?
Me encanta que hagas esa mención. Todos los guiños que he hecho a “Lost” en los últimos años los he considerado guiños privados entre Alexis Morante (director de mis últimos clips) y yo. No pretenden tener mayor trascendencia. Aunque sí te puedo decir que fui un seguidor fiel de cada una de las temporadas de la serie. En cuanto a lo de mi etapa post-Lost sólo decirte que la vida era mucho mejor cuando quedaba algún capítulo por ver.

¿Sabes? “Licenciado Cantinas” (y ‘Ódiame’) me recuerdan bastante a “Together through life” de Dylan. Vale, lo suyo eran temas propios, pero ese disco se gestó para ser parte de una banda sonora e incluso tiene mucho blues y tiene mucho de Nueva Orleáns, cosa que también se impregna en tu disco gracias a la harmónica de Charlie Musselwhite. Creo que podría andar cerca del homónimo de The Felice Brothers. No sé si estarás de acuerdo conmigo en esa apreciación.
En todo caso, una banda sonora ficticia. La película sólo existe en mi cabeza. Pero sí, tiene mucho del blues del Delta y de New Orleans. Y me gustan mucho los Felice Brothers, incluso su polémico último álbum (“Celebration, Florida”, 2011), que efectivamente, escuchaba mucho durante mi estancia en Tornillo (Texas).

Además de la instrumentación similar como lap steel, banjos… En tu caso toca el acordeón el mítico “Flaco” Jiménez en ‘Llévame’ y ‘La tumba será el final’, pero en el de Dylan era Dave Hidalgo, que a su vez toca la guitarra en ‘El solitario’ dentro de “Licenciado Cantinas”. ¿Sería entonces un álbum con canciones panamericanas pero musicalizado, en su mayoría, de la manera tradicional norteamericana? De Tierra de Fuego hasta Río Grande, you know.
Sí, esa era la idea. Lecturas del cancionero panamericano desde la perspectiva de un músico de Rock, cuyos intereses actuales se centran en las raíces de la música tradicional. En definitiva, concluyo definiéndome como un tipo que hace “música popular electrificada”.

Aunque, efectivamente, el gran Eliades Ochoa (junto a “Flaco” Jiménez) da el toque más latino, en este caso sería caribeño con ‘Mi sueño prohibido’. No obstante, ¿cómo se lograron estas colaboraciones? ¿Todos sabían de tu buen hacer o para ellos fue “una colaboración más” aunque para ti fuese lo más grande? Mira, ahí queda la relatividad entre lo que es grande para unos y pequeño para otros.
Les escribí, hasta que conseguí que me escucharan, se interesaran por mis discos previos y aceptaran colaborar en mi nuevo proyecto. Para cada uno de ellos había reservado un lugar en el que podían lucir sus increíbles talentos. Mira, a día de hoy, la mayoría de los discos vienen plagados de colaboraciones y duetos forzados. Lo último que quería era pensar en cantantes que llamaran la atención por sus nombres y valores en el mercado. Pensé en Charlie Musselwhite, Eliades Ochoa, Dave Hidalgo y “Flaco” Jiménez porque, en lo que yo quería hacer, ellos eran maestros y podían ayudarme a encontrar el camino que buscaba. Sus conocimientos, sus grabaciones, sus talentos y sus edades les avalan. No hay más que hablar y sólo queda rendirse ante ellos. Y agradecerles en el alma que hayan accedido a participar en un disco de alguien como yo, que no les llega ni a la suela del zapato.

Otro músico que se ha subido a este vuelo es Quino Béjar, donde su percusión es clave en este disco. ¿Qué fue antes, la idea de un álbum protagonizado por percusiones o la inclusión de Quino para que después aparecieran esos ritmos?
Tenía claro que para este álbum (y para el que estoy preparando), un percusionista era imprescindible. Quino es un veterano de la bastardía española. ¡¡¡Sus primeras grabaciones fueron en discos de La Orquesta Platería y de Gato Pérez!!! Creo que Los Santos Inocentes han dado un paso de gigante con la incorporación de Quino.

Pero no se quedan en el estudio, pues en la gira se adaptan temas antiguos a este sonido, como ‘Big Bang’ pasada por el filtro latino y funky con el efecto wah-wah, muy parecido al ritmo que tenía ‘El Anzuelo’ con ‘I ain’t hiding’ de Black Crowes. ¿Serán todas las canciones del repertorio del directo llevadas al sonido que se ha trabajado en “Licenciado Cantinas”?
Ya sabes que en cada gira suelo darle un repaso a los arreglos de las canciones de mis discos anteriores. Algunos son cambios sutiles y otros radicales. En esta ocasión hemos preparado un repertorio muy amplio que iremos desgranando a lo largo de las giras del 2012: España, Suramérica, Centroamérica, Caribe, México y USA. Tenemos tiempo y conciertos por delante para ir, poco a poco mostrando algunas de las sorpresillas.

Si hablo del cambio sonoro en cada etapa hay que destacar el estilístico. Man, bajo mi punto de vista, adoro que hayas vuelto a las llamas y bordados. ¿Es también una forma de homenajear a los músicos de Narcocorridos o a figuras americanas como ZZ Top o Gram Parsons?
He tenido la suerte de toparme con Jaime Castaneda, maestro de los Nudie Suits. Ha trabajado con Wilco, Ben Harper, Bob Dylan, Chris Isaak y ZZ-Top. No podía dejar pasar la oportunidad de llevar uno de sus míticos trajes, así que le encargué el Nudie in flames que llevo en esta gira.

Por cierto, observo que en los set-list de la gira con Zoé los títulos de las canciones elegidas de tu antiguo repertorio tienen un nexo común. Hablo por ‘Big Bang’, ‘Deshacer el mundo’, ‘Que no sepa tu mano izquierda lo que hace la derecha’, ‘El extranjero’… todas conllevan un mensaje urgente y social que incita al movimiento y al cambio. ¿Procuras que siempre quede latente ese lado sociopolítico en los conciertos?
Tienes toda la razón y te agradezco que hayas advertido la intención. Porque, en efecto, hemos rescatado canciones del pasado por el contenido social y político de sus letras. Nunca fue aleatoria la selección, y menos que nunca, en esta gira.

Para ir cerrando… ha saltado a la palestra una serie de declaraciones tuyas donde dejabas la puerta abierta al regreso de Héroes del Silencio. Por otro lado, tus compañeros Joaquín, Juan y Pedro ya hablan hasta de la idea de grabar un disco. Estamos de acuerdo en que fue una etapa, pero, ¿no crees que menear este “cadáver” es algo que acaba siendo algo aburrido y jugoso para otros?
Yo dije lo que dije, y algunos compañeros de la prensa, leyeron entre líneas lo que no ponía. Una cosa es advertir que no puedo adivinar el futuro y otra cosa, interpretar que se avecina lo que ni siquiera se asoma.

Mira que si vuelven Héroes del Silencio con otro cantante… ¿Lo ves factible aunque sea remotamente? (Sinceramente) Cosas más raras se han visto. En fin, ahí lo dejo.
Sí, efectivamente, cosas más raras se han visto. Yo también lo dejo ahí.

Citando a José Alfredo Jiménez (y tal y como dice Calamaro): «entre nubes de algodón haremos nuestro nido». Enrique, pese a la constante búsqueda, ¿te encuentras ahora en un momento en donde lo personal se apoya en lo musical haciendo que te sientas –de algún modo- más pleno que nunca?
Me siento más capacitado que nunca para hacer discos y conciertos, personales, profesionales y plenos.

Smashing Pumpkins se presentaban en Madrid con la duda de si Billy Corgan convertiría aquello en un auténtico aburrimiento o si por el contrario contentaría a todos aquellos que anoche agotaron todas las localidades en La Riviera.

Realmente hubo división de opiniones. Tal vez la balanza se inclinaba más hacia el punto negativo, pero no lo era tanto como parecía. El hecho de no tocar las archiconocidas ‘1979‘, ‘Stand inside your love‘ o ‘Today‘ y de cerrar el show con ‘Tonight, tonight‘ “olvidándose” de dos temás más que, guiándose por antecedentes, deberían de haber sido ‘Bullet with butterfly wings‘ y ‘Zero‘, la asistencia y en especial los seguidores veteranos, se quedaron con un palmo de narices. Una apuesta arriesgada, la verdad, que no ha sido del gusto de los fans, pero que sí parece serlo de esta especie de review de Smashing Pumpkins. Francamente, no son ya el grupo de James Iha, Melissa Auf der Maur, D’Arcy y Jimmy Chamberlain, sino que realmente es Corgan el único que ahora se mantiene junto a Mike Byrne, Jeff Schroeder y Nicole Fiorentino. ¿Son tan dignos de llamarse Smashing Pumpkins? Hombre, pues sí y no.

Defendieron con muy buenas maneras el comienzo con ‘Quasar‘ y ‘Panopticon‘. Y es que no rebajaron ni un ápice de calidad hasta casi más allá de la mitad del concierto, salvando los enredos sonoros. ¿Pero cual es el problema si empezaron tan bien pero aun así dejaban un mal regusto? Pertenecientes al experimental proyecto “Teargarden by kaleidyscope“, ‘Quasar‘ y ‘Panopticon‘ indicaban la diferencia entre un concierto de grandes éxitos y uno de canciones nuevas y/o menos populares. Starla dejó las fraguas listas para que ‘Geek U.S.A.‘ y Muzzle ardieran entre distorsión y enrevesados solos de guitarra que, por otra parte, eran exactamente iguales a las versiones de estudio. Claro, “Mellon collie and the infinite sadness” y “Siamese dream” eran marcas complicadas de superar y es evidente que el contenido de esos dos grandes discos pudieron haber sonado anoche en la capital, pero no fue así. ¿Arriesgarse y ser criticado? Bueno… lo mismo si repiten puden ser igualmente acribillados. ‘Soma‘ y ‘Siva‘ fueron los últimos lances antes del hundimiento. Un concierto notable que ha encontrado en su mitad la balsa de aceite que ha sosegado el torrente eléctrico, salvado por ‘Pale horse‘ y ‘Thru the eyes of Ruby‘. Preciosas, por cierto.

Un repertorio plagado de b-sides, nuevas e inéditas composiciones, descartes (como ‘Frail and bedazzled‘) y experimentación dejaron algo vació el espíritu principal en la nebulosa noche. ‘Cherub rock‘ era el último latigazo antes de que ‘Tonight, tonight‘ fuese la antesala del final de luces encendidas y colas en el ropero. Bastante decepcionados (o no) quedaron los fans que se encontraron justamente con eso, con un concierto “anti-fans”.

Es posible que dentro de lo malo, algún avispado se quedara con algo de Ringo Deathstarr, la banda telonera, que a modo de masturbación, sirviera como consolación de este coitus interruptus perpetrado por Smashing Pumpkins.

“Hacia lo salvaje” (Antártida, 2011) se ha convertido en un punto y aparte para Juan Aguirre y Eva Amaral. En primer lugar se presentan cambios en la banda. Decidieron enfocar el sonido de otro modo y darle un giro a la instrumentación, de ese modo simplifican la formación y lo llevan al mínimo común divisor. Esto es: guitarra, voz, bajo y batería. Como el estribillo que da título al sexto álbum, Juan Aguirre y Eva Amaral han decidido autoeditarse y caminar… hacia lo salvaje y hacerlo todo por su cuenta con Antártida, el sello propio que han montado ellos mismos. Aunque “Hacia lo salvaje” no es la novedad en este paso, pues con “Gato negro / Dragón rojo” (EMI, 2008) ya se lo montaron por su cuenta. Todo esto y mucho más en la siguiente entrevista que mantuvo Charly Hernández con el dúo de Zaragoza.

Dejando de lado las gilipolleces de Rubalcaba y de “volver a lo indie”, creo que empezaré por el final. He destacado que habéis llevado exactamente el sonido de “Hacia lo salvaje”, cuando lo cómodo sería evolucionar en el estudio pero repetirse en el directo.

[Juan]: Pues me alegra que digas eso porque era exactamente lo que queríamos. Para nosotros el estudio y el directo son dos cosas paralelas. Realidades paralelas y no realidades opuestas. Realmente lo que hemos hecho es basar un poco todo lo que es el directo en bajo, batería y guitarra. Es sencillo.

Llevándolo –efectivamente- al mínimo común divisor, cambiando, además, la formación de la banda. Se incluye a Toni Toledo y a Jaime Gª Soriano (Sexy Sadie), haciendo este último unos coros bien majos. ¿De ese modo respiran mejor las canciones en directo?

[Eva]: Realmente yo creo que muchas veces es mejor quitar elementos para potenciar los que hay. Eso es un poco a donde queríamos ir, tanto en el estudio como en el escenario. Queríamos potenciar el sonido de las guitarras de Juan y convertir la base rítmica en algo mucho más tribal y poderoso. Por otro lado, Jaime tiene una forma de tocar la guitarra que se complementa muy bien con la de Juan por referencias comunes. Además canta y tiene una voz increíble, que es como matar moscas a cañonazos (risas).

[Juan]: Lo esencial es que ya nos conocíamos porque habíamos participado en conciertos de Sexy Sadie y Eva había cantado con él en su proyecto en solitario. Todo viene hilado. Normalmente, cuando llegas a una situación no se llega así de nuevas porque las cosas suelen venir de algo.

[Eva]: De hecho, Chris Taylor (bajista) grabó “Gato negro / Dragón rojo”, entonces vino a grabar en “Hacia lo salvaje” y ya estaba deseando quedarse en España. Tuvimos suerte, todos los planetas se alinearon para que todo saliera bien.

¡Y es raro que ocurra eso! Que tantas cosas coincidan… para bien.

[Eva]: La verdad es que sí (risas).

[Juan]: Es cierto. Ni Eva ni yo somos muy de planificar las cosas. Vienen así y nos adaptamos en el momento. Nosotros vivimos el “aquí” y el “ahora”.

Aunque utilice la etiqueta de “grupo pop”, sois un grupo más cercanos al rock. Si me apuráis diría que hasta al power-pop. Eso tiene que ver con que no volvéis realmente a los inicios, de hecho esto es una evolución más, no una vuelta al inicio.

[Eva]: Es que no tenemos ningún interés en volver a los inicios. Queremos seguir hacia delante. Ya hemos estado allí y sería muy aburrido volver a hacer lo mismo.

[Juan]: Yo creo que entorno a cualquier banda siempre se forma mucha literatura. Respetamos todas las opiniones, sean negativas o positivas, con algunas coincidimos y con otras no, pero al final es literatura. La vida de la banda es mirar adelante y en eso siempre hemos tenido la misma filosofía. No pienso que la ideología del grupo haya cambiado ni tampoco la manera de entender la música. No sé si somos un grupo de pop, rock o de nada. Yo a Eva si que la veo más dependiente de la cultura rock mientras que yo he estado más enraizado con la cultura del folk, aunque sea un folk eléctrico. De la mezcla de esto, creo, sale mucho sonido. ¿Qué lo quieren llamar pop? Me parece muy respetable. ¿Qué lo quieren llamar rock? Pues también. ¿Qué de pronto se enfada alguien porque no hacemos rock? ¡Es que yo no tengo ningún interés en practicar ningún género concreto! Toco lo que me suena en la cabeza. Si oigo a Eva hacer una cosa toco tratando de lanzarme detrás. Las etiquetas son muy respetables pero no seré yo quien las ponga.

Hablamos del sonido. Si hay algo que ya no está tampoco es la Rickenbacker.

[Juan]: No, pero eso no significa que no tenga el disco otras guitarras increíbles. Lo que pasa es que la Rickenbacker necesita ser mezclada con otras. No es una guitarra que suene grande. Es una guitarra con mucha personalidad, la cual voy a seguir usando en el estudio, de hecho, en este disco la he usado como complemento a otra. Pero cuando estamos solamente bajo, batería y dos guitarras prefiero usar guitarras que suenen más anchas. Sacrificar la fuerte personalidad de la Rickenbacker por guitarras que a lo mejor no suenan más anchas pero mantienen más la nota. Eso no quiere decir que no siga flipando con ese tipo de guitarras.

Pienso que ‘Olvido’ y ‘Montaña rusa’ tienen mucho de esto, el sonido más “ancho”.

[Eva]: Sí, es cierto. En el caso de ‘Olvido’ se basa en la guitarra acústica afinada de manera más grave. A mí, personalmente, me gusta mucho ese sonido de acústica que no es timbreante, sino que tiene el brillo un poco más matado.

Y habéis grabado un, digamos, segundo LP en acústico dentro de “Hacia lo salvaje”. Me da la sensación de que es algo que queríais hacer.

[Eva]: Sí. A nosotros nos apetecía mucho hacerlo porque realmente es un bonito ejercicio una vez terminado el disco volverlo a desnudar otra vez.

¿Pensáis que este cambio tiene mucho que ver con Juan de Dios Martín, haciendo olvidar la figura de J.M. Rosillo aunque el productor de anteriores trabajos era Cameron Jenkins?

[Juan]: No. Yo creo que todos los discos suponen un cambio respecto al anterior. Por ejemplo, si tú escuchas el primero respecto al segundo, te darás cuenta de que cambia mucho. Cuando sacamos “Estrella de mar” la gente decía que habíamos cambiado a lo que había con ‘Como hablar’. Cuando hicimos “Pájaros en la cabeza” nos decían que ya no recordaba a ‘Sin ti no soy nada’. Y con “Gato negro / Dragón rojo” igual. Probablemente en el siguiente disco no habrá un “Hacia lo salvaje” ni será del mismo modo. Nunca hemos repetido los esquemas. Rosillo, por ejemplo, es muy buen amigo y hemos aprendido mucho de él.

[Eva]: Rosillo era el técnico de sonido y si tenía que aportar una idea lo hacía. Y esto era así porque estaba en nuestro equipo.

[Juan]: Toda nuestra gente, en nuestro caso, tiene opinión y voz, aunque luego Eva y yo somos los que decidimos hacia donde vamos. En el caos de Juan de Dios su papel ha sido el de hacer de balance entre nuestros caos. Obviamente, en este disco él es muy importante y además es un gran amigo, con lo cual está bien destacar su figura.

[Eva]: Juan de Dios tienen la cualidad de, a pesar de tener muchas ideas, que es lo que tienen que potenciar por encima del grupo y sobre todo tienen máximo respeto por la idea que tenemos en la cabeza. Siempre está preguntando mucho por referencias o sobre lo que nos imaginaríamos en tal canción, a donde queremos llegar… Es una persona que se interesa en potenciar el sonido del grupo, más que disfrazarlo de otra cosa.

Es muy difícil encontrar un productor que se involucre pero que deje trabajar a los músicos entendiéndoles, la verdad.

[Eva]: Para nosotros eso era un punto a favor de currar con Juande. Nos conocíamos de hace un montón y además conoce muy bien nuestra música.

Entonces se puede aplicar aquello de “donde hay confianza, da asco”.

[Eva]: (Carcajada) Bueno, en este caso no da asco.

[Juan]: En este caso hay confianza, hay cariño y hay mucho respeto y admiración. Además de haber mucho talento por su parte.

Sin duda se ve eso a lo largo del disco. Pero voy a ir a las letras, pues hay detalles que he visto bastantes veces. ‘Riazor’ tiene una letra que ideó Juan [Eva lo señala], pero habla sobre el suicidio. No es que lo enfoque, pero sí que lo lleva por ahí.

[Eva]: Es verdad, porque hay mucha gente que nos ha comentado que habla de ese mundo.

[Juan]: Bueno, habla de saltar al vacío, pero no quiere decir que saltes al vacío para eso. Muchas veces las imágenes tienen otras maneras de explicar las cosas, pero tampoco hay que entender las letras de un modo tan literal. También está que todo lo que escribimos es como si lo hiciéramos nosotros dos, porque todas las canciones las solemos terminar entre los dos. O sea que una idea parta de uno o de otro es anecdótico. Normalmente los dos escribimos, arreglamos y componemos. Digamos que somos…

[Eva]: …multitarea. Hay muchas letras que comienza haciendo Juan y que puedo proseguirlas yo.

Aunque también depende del punto de vista que se le de a una letra. ‘Cuando suba la marea’ tiene una historia femenina, por lo que pueden ser letras unisex.

[Eva]: Podrían ser.

[Juan]: Mira, yo la manera que tengo de responderte a esta pregunta es acordándome de la letra de una canción de Fernando Márquez “El Zurdo” que decía: «decidimos no preguntar ni nombre ni estado social». Creo que las letras son un vehículo para transmitir. También para contar pequeñas películas, aunque nosotros no tengamos talento para hacerlas, más bien serían cortometrajes, y para generar estados emocionales y de ánimo. Que utilicemos el género femenino, masculino o neutro… es lo de menos. Tenemos que coincidir los dos en el estado de ánimo que provocan. El resto podría ser cambiable.

¡Vaya, nos encontramos ante las primeras canciones transexuales!

[Eva]: (Carcajada)

[Juan]: Si tú lo quieres llamar así… (Risas).

Pero os movéis muy bien dentro de la temática trágica. Hablo por ejemplo de letras como ‘Concorde’ o ‘El artista del alambre’, de “Gato negro / Dragón rojo”. Valoro que ‘Robin Hood’ anda por ahí y ya no solo por la letra, sino también por el sonido.

[Eva]: Bueno, la verdad es que todo el disco tiene un concepto que se repite en todas las canciones, que es un el paso a otro nivel. La transformación o como quieras llamarlo. Y además no es premeditado, que conste. Nos hemos dado cuenta de ello al terminar de grabarlo. También nos hemos terminado por dar cuenta haciendo entrevistas, que es como hacer una especie de psicoanálisis.

‘Si las calles pudieran hablar’ me recuerda a ‘No sabe donde va’…

[Eva]: Es ir adelante y no recrearte en el pasado. Yo en ese sentido sí que veo que todas las canciones tienen un punto de esperanza. En algunas hay algo aparentemente trágico que envuelve la historia, pero siempre está la esperanza de salir a otro sitio.

‘Antártida’ sería el ejemplo más claro, pues habla de Carol Anne Freeling, la niña protagonista de “Poltergeist”. No hay mejor forma de explicarlo, pues cuando la niña mete la mano en la tele va a otra dimensión o a otro mundo.

[Eva]: Exacto. Y también el miedo que hay de no saber si tiene que ir hacia la luz o si no… sintiéndose un poco confusa.

Bajo la tesitura musical; ¿os habéis sentido confusos?

[Juan]: No. Normalmente no nos sentimos más o menos confusos dentro de una tesitura musical. La música es una parte de nuestra realidad. Si nos sentimos confusos nos sentimos confusos como unos seres humanos más en un mundo en el que a veces reina la confusión. Digamos que no estamos hablando todo el rato de la esfera o de la escena musical. Es más, las canciones no hablan de escenas musicales, sino de escenas personales. Vale, lo explicamos de una forma musical porque somos músicos, pero lo podríamos poner en un libro y estaríamos hablando de lo mismo. No somos nada ombliguistas, no solemos hablar casi nunca del mundo de la música.

[Eva]: El mundo es una gran bola de confusión.

Diría que eso es un punto a vuestro favor…

[Juan]: Es que el mundo musical no nos parece muy interesante. Hacer música si nos parece interesante, pero no el mundo musical. Nos parece un cero coma cero, cero, cero, periodo siete por ciento de nuestra vida. Nuestros amigos, la mayoría, no son músicos, aunque tenemos muy buenos amigos músicos. En nuestras familias no se han dedicado a la música de forma principal. Cuando hablamos entre Eva y yo hablamos de música, pero no de la escena musical.

[Eva]: De hecho las historias que viven amigos tuyos músicos son las mismas historias que puede vivir una persona en otros ámbitos.

Louisiana son Luis Cebrián y Ana Muñoz. Si ustedes han sido avispados habrán reparado en el juego de palabras que hay entre el título del dúo y de los nombres. Justamente son eso, un dúo, pero con una banda que respalda todos y cada uno de los movimientos sonoros que hacen. En 2010 fueron premiados como el Grupo con Mayor Proyección de Aragón 2010 en los XII Premios de la Música Aragonesa. Y no es para menos, pues su primer trabajo homónimo es algo, ya no sólo digno de premiar, sino de escuchar y hasta de revisar cada cierto tiempo, pues las canciones valen tanto para un roto como para un descosido. El próximo Jueves 17 de Noviembre estarán enseñando en la sala Costello (Madrid) lo que sus canciones pueden llegar a hacer.

¿Cómo un casquivanillo como tú (Luis) y una poetisa como ella (Ana) acaban juntos de esta manera?
[Luis]: Es sencillo; porque dentro de una aparente…

[Ana]: No, mira. Para empezar me revienta que digan poetisa.

Vaya.
[Luis]: Bueno, en Zaragoza, Ana era conocida como poetisa y yo era un tarambana (risas). Entonces, al unirnos, juntos surgió lo mejor de cada uno. Una vez que empezamos a quedar con las guitarras nos dimos cuenta de que había feeling.

[Ana]: Nos conocimos en un recital de poesía. Él vino cuando concluyó y ahí fue donde nos conocimos en persona, aunque ya teníamos noticias el uno del otro previamente. Nos conocimos, nos caímos bien, estuvimos hablando… y resultaba que éramos vecinos. A lo largo de ese verano que comenzaba quedamos bastantes veces. Luis estaba en un momento complicado con Nubosidad Variable, su grupo. Estaba en un momento de declive, por así decirlo. Yo, por mi parte, estaba tratando de empezar un proyecto musical. Luis me ayudó a preparar algunas de las pruebas, entonces llegó el momento en el que nos preguntamos por qué no montar un grupo. Así que eso hicimos con las canciones que había.

Es curioso que, tras conoceros, se os ocurriera montar un grupo en lugar de salir como pareja.
[Luis]: Porque enseguida vimos que eso no era bueno. Aunque… la primera vez que nos vimos…

[Ana]: …nos dimos un besito.

[Luis]: Fueron dos; uno de ellos fue en la calle Alfonso.

[Ana]: Y que no iba tan borracho como yo pensaba (risas).

Dejando de lado este paréntesis… me resulta curioso y gracioso a la vez que tú, Ana, huyas de los instrumentos amplificados. De hecho, no te gusta oírte así y prefieres el rollo acústico.
[Ana]: No… bueno, no sé.

¿No o no sé?
[Ana]: No, porque cuando me pongo una guitarra eléctrica me pongo superpoderosa. ¿Sabes lo que pasa? Que yo al principio tenía mucho miedo de escucharme amplificada, eso sí que es verdad. Y todavía tengo ese vicio en las pruebas de sonido de pedir menos guitarra porque me gusta oírlo todo cuanto menos amplificado, mejor. Pero porque todo es parte de un proceso, pero todo tiene su tiempo y voy poquito a poquito. Al principio el proyecto era muy pequeño, tocábamos en mi habitación. ¡Incluso con la banda ensayábamos en el salón de mi casa! Y mi casa no es nada grande, es un piso con las paredes de papel. Así que hasta hace muy poco yo no estaba acostumbrada a escucharme amplificada. Yo misma me presionaba mucho, incluso lo hago en el local de ensayo.

[Luis]: Yo creo que es una evolución propia. Al principio, estaba la propia inseguridad de empezar a pelo, cantando y con las acústicas. Luego, a medida de que se cogía la guitarra con soltura, se pasa a banda y se pasa a la guitarra eléctrica… había más confianza. Era el trabajo de estar todos los días trabajándolo.

Hombre, sinceramente veo un buen equilibrio entre la acústica y la eléctrica, pues además es un modelo Gibson SG, un sonido bastante contundente. Está bien así y que no sea el típico grupo de menstrua-pop.
[Ana]: ¿Menstrua-pop? ¡Soy tuya para siempre!

[Luis]: La cosa está en que se va equilibrando. Empezamos haciendo folk electroacústico. Vale, todo evoluciona. Así que de repente vimos que sí existía esa parte, pero con más colores. Está el color más emotivo, con instrumentos acústicos que hemos ido mimando hasta llegar a pasajes, digamos, más post-rock y más eléctricos, también combinados.

[Ana]: También empiezas de una manera diferente cuando te cuelgas una guitarra eléctrica teniendo unos pedales de distorsión. Son elementos que van muy bien para determinadas canciones, como las nuevas.

Las evoluciones son necesarias para que el sonido crezca. Y más si habláis de nuevas canciones.
[Luis]: Igual que las percusiones, porque nos hemos centrado ahí con otro color más percusivo. Eso genera en las canciones instrumentales un motivo más alegre y menos melancólico. Por ello existe la seguridad de que Ana también es muy realista como instrumentista. ¡Somos muy realistas! Porque si no llego a algo no lo voy a hacer. Ana ha mejorado mucho y hace más cosas porque, como bien dice, se siente poderosa y porque suena bien. Antes éramos voces y ahora somos más guitarras. Hay un juego donde yo soy “solista” pero también, a veces, intercambiamos ese rol.

[Ana]: Nosotros teníamos una idea de lo que nos gustaría hacer musicalmente, sabiendo hacia donde queríamos llevar esas canciones. Pero todavía siento que nos queda un pasito. Algunas cosas que hay que cambiar. Ahora los coros y las percusiones tienen más relevancia que antes porque se han ido dando pasos. Vamos poco a poco pero sin haber cambiado la percepción de nuestras canciones y sin haber cambiado la voluntad de cómo queremos que suenen. Es lo que decía Luis, damos pasos seguros en diferentes aspectos.

¡Y hay tres tíos más!
[Luis]: Claro. Es que es tocar con la confianza de tener de una banda. Estamos muy contentos con las aportaciones que hacen.

[Ana]: Son unos músicos que llegaron en el momento clave para armar las canciones de la manera que nosotros queríamos o conducirlas hacia donde queríamos. Igual que antes podíamos decir pop electroacústico o folk, también hay partes que son de rock progresivo.

[Luis]: Ahora los nuevos vienen de The Fractal Sound, un grupo de Zaragoza.

¿Ya no están los anteriores músicos?
[Ana]: No. De hecho empezaremos con esta banda en Costello. Pero es algo que tampoco queremos darle mucha importancia por si dicen que ya no somos los mismos. Louisiana somos Luis y Ana, luego está la banda. Entran y salen músicos, pero es más o menos elegante porque nos ayudan con cierta firmeza y destreza.

[Luis]: Es importante, porque hemos ido buscando a los músicos. Ellos venían a los conciertos y les gustaba, entonces así era más fácil que ellos tuvieran una visión de lo que pudieran aportar. Son músicos que con su grupo pueden estar haciendo algo barroco o lo que sea. Ahora encajan, como músicos que son, sus ideas en Louisiana, por lo tanto saben cuando tienen que estar callados entre las canciones o cuando hacer un arreglo, pero siempre con las ideas de Louisiana.

Ahora que dices de silencios… ¿Qué tipo de pieza es ‘Daddy’? ¿Algo tipo ‘Sal’, como la canción de Héroes del Silencio?
[Ana]: Queríamos que fuera una intro. El tema está en que, lógicamente, mientras canto no puedo tocar el clarinete, así que es una continuidad a ‘Reformulación de Daddy’. También porque hace referencia a un poema de Sylvia Plath.

Destaco dos canciones más, que son ‘Feliz daño nuevo’ y ‘Que me desamor’, las cuales no quieres volver a tocar porque ya no las sientes…
[Ana]: Bueno… ahora es al revés porque desgraciadamente han vuelto. Volvieron en verano o por ahí. Cuando yo las estaba haciendo me venían imágenes, el rostro de aquella persona, pero hubo un momento en el que se olvidó y estábamos todos bien. Vamos, que no sufría por ellos. Pero hasta este verano, porque ha sido curioso que de repente, aunque tenían sentido para mí, aparecían otros rostros distintos. Es la historia del eterno retorno de “siempre lo mismo”. Hacer una canción sobre unos rostros y que tiempo después esa historia sirva para otros.

¿Has pensado en matar gente? Así olvidarías los rostros.
[Ana]: ¿Matar gente?… no, no lo haría (risas). Pero en la escritura te cargas a tus enemigos y juegas a ser sádico…

Pero no hay valor. Como se titula una de vuestras canciones bandera: ‘No hay valor’. Me consta que es la primera canción que tocasteis juntos, digamos el embrión de todo. Ese título me suena a esa frase que siempre obliga a hacer algo por orgullo: “No hay huevos”.
[Ana]: ¡Es que es por eso! No hay huevos… como que no hay cojones.

[Luis]: En ‘No hay valor’ hay partes de Ana en las que yo creo que puede haber dos significados; uno, que es cuando Ana la escribe y piensa a nivel de desamor… por ejemplo. Pero ese mismo significado, y como segundo punto, puede ir a Louisiana, o sea, que también iría a mí, a Luis Cebrián. Yo soy muy caótico, pero Ana es la parte contraria… a veces.

Nada mejor que un concierto íntimo, de los de verdad, de los que el músico se siente más persona que artista y prefiere tocar el piando dando media espalda al público mientras interpreta sus canciones; las nuevas y las pasadas. El caso es que toca lo que siente y como le sale. Así hizo el vigués Iván Ferreiro durante tres noches en el ContraClub, coqueta sala de Madrid, muy cercana al Palacio Real.

Lleno absoluto, y es que era algo fácil de conseguir tratándose de un aforo limitado a ochenta personas. El bueno de Ferreiro se sentó al piano con una colección de canciones muy variada, desde viejos temas de Los Piratas hasta las versiones más raras, pasando por su cancionero habitual. Más o menos como hace en el nuevo trabajo que ya presenta por todo el país, “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 2011). Algo sencillo, pues no hacen falta grandes alardes técnicos ni instrumentales para hacer sentir la música en aquellos que te escuchan.

Nada más comenzar el recital, el propio músico decidió que sería mejor si la audiencia se sentaba en el suelo. Cuando sonaban las últimas notas de ‘Paraísos perdidos‘, los huecos que pudieran quedar en el local eran nulos. A decir verdad, los temas eran muy apropiados para este tipo de shows: ‘Jet lag‘, ‘Santadrenalina‘, la clásica y preciosa ‘M‘ o ‘Mrs. P‘ encajaron divinamente en el ambiente que el propio Iván pretendía conseguir. Lo complejo de esta concepción es la dificultad de hacer nuevas las canciones que, en el subconsciente, son distintas a como suenan en el momento. Era el caso de ‘Tio vivo‘, perteneciente a la úlltima entrega de estudio de Los Piratas “Relax” (Warner, 2003), la cual contiene unas armonías más próximas al minimalismo pop que a la serenata nocturna de piano. Igual suerte (y también para bien) corrió ‘Inerte‘, la pieza primera del mismo artefacto.

El momento emotivo de la velada surgió con ‘Años 80‘ y la versión de ‘Una décima de segundo‘, obra del grandísimo Antonio Vega que se vio contrastada con otra versión algo más inusual: ‘One more kiss, dear‘ de Vangelis, extraída de la banda sonora original de “Blade runner“.

Como era de esperar las visitas a la tarima fueron también un aliciente más. Haciendo juego de palabras (aunque de apellidos, en este caso), Álex Ferreira acompañó al gallego durante ‘Ciudadano A‘ y ‘Promesas que no valen nada‘. Como ustedes saben, la letra de esta composición termina con unas pequeñas líneas de ‘Insurreción, de El Último de la Fila, pero esta vez se dejaron llevar hasta completarla desde la primera hasta la última estrofa. Con ‘1999‘, de Love of Lesbian, sucedió parecido pero sin llegar al extremo cuando Iván Ferreiro coló algunas líneas de la archiconocida de Jeanette ‘¿Por qué te vas?‘. También destacable la fugaz aparición de Salva Codinach, voz de Ruidoblanco, en ‘El equilibrio es imosible‘.

Para aproximar el final, el concierto terminaría cerrándose con ‘Turnedo‘, dejando la atmósfera de la sala algo más ligera y con algún que otro entrañable novio esperando la canción favorita de su romance entre gintonics derramados por el suelo.

Como quien rompe monigotes de papel, Amparo Sánchez decidió hace casi dos años romper con toda una década de canciones y vida. Dijo adiós a Amparanoia y marchó en búsqueda de sí misma. La voz, la mujer y el fantasma indígena uterino han dado vida a “Tucson-Habana“, un salto viajero como la película de Wim Wenders, “París-Texas“. De hecho, este álbum se masterizó en la capital francesa… La misma Amparo hace cuentas de como ha ido y de como le irá próximamente.

Te gastaste con Amparanoia y después te metiste con “Tucson-Habana”, que cuenta con músicos de uno a otro confín. ¿No te gastó el alma tener que volver a empezar a –ya no sólo componer- sino formar una banda?

Todo lo contrario, asumir retos es lo que me hace crecer. Era todo un desafío que deseaba; vaciar de instrumentos, comunicar de otra manera, buscar otro punto de complicidad con el público… era un álbum que quería hacer para marcar un cambio de rumbo bien diferenciado.

¡Y hablamos de una banda de más de cinco y hasta casi siete músicos, sin contarte a ti! En la variedad está el gusto, vaya. ¿Qué músicos no pudieron formar parte de tu compañía aunque tú lo propusieras?

No fue una cuestión de proponérselo. Algunos se quedaron y otros se fueron a partir de la última gira. Por la grabación de “Tucson-Habana” sabía que necesitaba contrabajo, piano, batería y trompeta, esos eran los instrumentos que tenía claro, excepto el batería, que es un viejo compañero de antes, incluso de Amparanoia. Los otros son los mismos de la anterior banda. Y también la nueva incorporación es la de Cary Rosa Varona al cello, hija de mi trompeta de toda la vida. ¡Así que estamos en familia!

Claro, que también es verdad que en los últimos voleteos de Amparanoia tú ya estabas mascullando el nuevo proyecto. Si no me equivoco muchas de las canciones que componen “Tucson-Habana” estaban grabadas antes de la gira de despedida de Amparanoia. ¿No sentías que era como ponerle los cuernos a tu pareja?

[Risas] Empecé a escribir los temas y veía que realmente no eran para el proyecto de Amparanoia, entonces fue cuando se los enseñé a Joey Burns y él me invitó a ir a Tucson a grabarlos. Después de este viaje tomé la decisión de terminar Amparanoia y empezar una nueva propuesta musical.

Curiosamente, esto que haces ahora me recuerda ligeramente a Amparo & The Gang. Igual son cosas mías, pero ¿de todas las canciones de “Tucson-Habana” hay algo que hayas rescatado o cambiado de aquella primeriza etapa?

Pues no, pero es cierto que de alguna manera vuelvo al origen de mi primer álbum, unas raíces que estaban esperando ser descubiertas de nuevo.

Ya dejando “lo pasado”… ¿es más que gratificante tomar decisiones por voz propia y más siendo algo tan íntimo?

Sí, el paso ha sido muy positivo en todos los sentidos. A nivel de interpretación y de emoción, poder tocar en teatros este repertorio es una maravilla y volver a clubs cerca del público, ver sus caras… y también poder preparar el segundo álbum con total libertad sin pensar en que estilos o que se espera, simplemente creando.

Me pregunto si te resultó vergonzoso (en el sentido de enseñar algo inacabado o muy personal) mostrarle a Joey Burns (Calexico) los primeros retazos de las canciones que tenías grabadas en solitario, propiamente dicho.

No, con Joey tengo una relación preciosa, hay mucho cariño y respeto y sabía que si alguien podía entender lo que estaba haciendo era él, desde luego.

¿Estaríamos ante tu propio “Paris-Texas”? Catorce historias que de tan personales consiguen mimetizarse con el “escuchante”, a modo de película…

Esa era la idea, por eso la foto de la portada estilo road movie, el titulo del álbum… Hay historias dentro muy personales y muy íntimas. La idea era cantarlas al oído del oyente, y no fue casualidad mover toda la segunda parte de la grabación a la Habana para meter a Calexico en toda la película.

A parte de jugar con lo personal que estamos hablando, está la otra cara, que es ese carácter frívolo a la par que entrañable de La Habana y sus gentes. Grabar en los Estudios EGREM fue, como has contado, encontrarse con la historia de la música cubana. Allí grabaste ‘La Parandita de las Santas’ a dúo con Omara Portuondo, entre otras muchas. ¿Este disco habría perdido todo su sentido sin la experiencia de grabar allí? Obviando, además, el título del propio álbum.

Desde luego, grabar en EGREM era un sueño para Calexico y para mí, y si no hubiéramos ido a la Habana no hubiéramos desarrollado el lado latino que esta en los temas y no hubiéramos tenido tampoco la maravillosa colaboración de Omara.

Amén de que Tucson, siempre fronteriza, también ha sido crucial. Primero porque fue allí donde, en 2007, grabaste con Jordi Mestres Gasso. ¿Habría quedado igual un (por ejemplo) “Barcelona-Chicago”?

Creo que no, fue decisivo que Jordi y yo viajáramos hasta allí con las canciones maquetadas y encerrarnos a tocar con John Convertino y Joey en el estudio de ellos. Así que cuando el tema estaba listo lo grabábamos todos tocando al mismo tiempo y luego salíamos a pasear o a ver grupos de allí o estar en un pueblo que no conocíamos y que no nos conocían. Eso nos dio libertad y mucha inspiración para los sonidos más desérticos.

Una pregunta alejada –en parte- de lo musical. Cuba, con su pros y sus contras (políticamente hablando) tiene una gente muy vividora y vivida, al igual que otros países y/o ciudades sumidas en la miseria. ¿Realmente la persona es feliz siendo rico de espíritu, y pobres cuando únicamente ostentan dinero?

Siempre que vuelvo de Cuba pienso en todo esto; ¿cómo teniendo una vida tan dura pueden ser tan felices? Y la respuesta es fácil: lo importante para ellos son las relaciones, hablar, compartir, reír de las alegrías y también de las desgracias, tienen amor por la cultura y practican la solidaridad con el vecino de su cuadra pero también con los vecinos de Tahití. Hay mucha más humanidad que en muchos países desarrollados.

Reparo en que hubo dos cortes que se quedaron fuera aunque aparecieron en la edición digital. Dichas canciones son: ‘Flor del desierto’ (con Mariem Hassan) y ‘Mujeres sin miedo’ (con Tiken Jah Fakoly). ¿No encajaban dentro de la filosofía y fisonomía sonora de “Tucson-Habana”?

Grabamos y mezclamos veinte canciones y fue muy duro elegir cuales irían en el disco. Entre seis personas hicimos una votación dando más puntos a los temas que más encajaban en el concepto del álbum y estas dos se quedaron fuera. Me dio pena porque tanto cantar con Tiken como con Mariem han sido de las cosas mas bonitas que pasaron. Pero no pierdo la esperanza de que algún día sea el doble que siempre soñé: un CD Tucson y otro Habana.

Quizá no estas canciones, pero sí otras parecidas puedan formar parte del nuevo trabajo en el que ya andas embebida y que grabarás en Noviembre. Pero me consta que habrá mucho blues, así que quizás el ejemplo que antes puse de “Barcelona-Chicago” no está tan alejado…

Pues sí, hay blues, country… la preparación esta siendo completamente diferente al primero, vamos tocando ya algunos temas en directo y la respuesta está siendo muy positiva. Este disco lo grabaré con la banda que me acompaña estos dos últimos años y con el productor Mark Plati en New York. Así que sería Barcelona-New York. Es broma [risas].

Por último; también te has embarcado en la escritura, pues pronto presentarás tu primer libro. ¿Se trata de una especie de diario de a bordo relatando lo vivido en estos viajes o contendrá más temática social que otra cosa?

Es una novela basada en hechos reales que yo misma he vivido y también que me han contado. Es un diario de una madre adolescente víctima de la violencia de género, pero la violencia está desde siempre alrededor de la protagonista. Es denuncia y es canto de esperanza, intenta mostrar que es posible salir de situaciones que cuando estás dentro crees imposible superar.

Además, ahora más que nunca es momento de lanzar una ofensiva vocal para pasar a la acción. Nada mejor que distintas voces para hablar en el idioma universal que es la música… o en este caso, la literatura.

Sí, desde luego. Todo lo que pueda servir para sentirnos más unidos y más fuertes. Intentan hacernos creer que no se puede hacer nada con el orden establecido pero creo que se puede y se debe hacer, como dice un cartel que vi por Facebook, algo así como: «no podría mirar a mis hijos cuando sean mayores si no les puedo contar que luché para que tuvieran un mundo mejor». ¡Lo merecemos!

¡¡¡Acojonante, Caco Senante!!!

Cumplir años es un acto digno de celebración, pero que un grupo cumpla una década juntos es algo todavía más meritorio y más a día de hoy. Los madrileños Garaje Jack cosecharon en todo este tiempo tres únicos álbumes de estudio que han bastado para afianzar y confirmar que estos chicos, con Laura Rubio a la cabeza, no tienen porqué editar una gran cantidad de discos, sino buenas canciones y llevarlas al directo.

La Joy Eslava presentaba un lleno considerable cuando, a eso de las ocho y media de la tarde-noche, salía Vikxie a calentar el ambiente presentando su segundo largo, titulado “Por arte de magia“. Pasada la media hora se silenciaba la música para que el murmullo de la gente llenara la ya abarrotada sala. Anunciaba -con las luces apagadas y un collage fotógrafico de fondo- ‘With a little help from my friends‘ (la versión de Joe Cocker) el comienzo del aniversario. Poco a poco salían los protagonistas, dejando un márgen de tiempo a la entrada triunfal de la rubia vocalista que vestida con una pequeña camiseta de lentejuelas y un ceñido pantalón aparecía para entonar la primera del set-list; ‘Sin red’, perteneciente a “Todo eran canciones” (BMG, 2010), situando así la punta de un extenso show emotivo que no podía empezar mejor.

Pero aunque las letras son la munición, el sonido es el arma más precisa de los Garaje Jack. Óscar Rama (guitarra) ofrecía un ágil espectáculo para avivar todavía más a las primeras filas que coreaban los estribillos de canciones como ‘Lo que quieras‘ y ‘Valiente‘, dando por finalizada la primera tanda, no sin antes saludar y agradecer al respetable su presencia: «muchas gracias por haber venido a darnos calor hoy, porque el calor nos lo dáis a nosotros», agradecía Laura antes de presentar al próximo invitado; Nico Álvarez, primer guitarra de la banda que para la ocasión rememoró ‘El callejón‘ y ‘Cinco flores‘, ambas del primer LP, “Alma en celo” (Factoría Autor 2001).

El momento álgido de la noche (y no el único) llegó con ‘Seguimos en pie’ y ‘Tú y yo‘. Mucho significado contenían aquellas piezas para la vida de una banda que pese haber vivido momentos complicados, continuaban en la brecha. Le seguiría la primera versión de la velada, ‘Only a fool‘ de The Black Crowes. Aderezado todo ello de manera magistral con arreglos de vientos. Y es que aunque el conjunto oficial de cuatro componentes con Laura, Óscar, Carlos Toja “Trujo” y Jorge sea de lo mejorcito, también tuvieron el respaldo de Dani “Soho” Gónzález (guitarra) y la de Moi Gómez con los teclados.

Como parecía aventurar el ambiente, el evento aglutinó todos los factores para que la noche dejara caer alguna que otra lágrima de emoción entre la gente y hasta de la propia cantante cuando dentro del set acústico llovía la melodía de ‘Vida‘. Por cierto, precioso bloque íntimo con Jorge Galaso dejando el bajo para interpretar algunos de los temas a piano. Además con Joe Eceiza (Le Punk) como siguiente invitado. Hasta que el resto de músicos volvieran a compartir protagonismo con sus compañeros, el momento íntimo resultó ser demoledor, pues Garaje Jack no sólo son una excelente banda de rock and roll injustamente tratada, sino que se defienden sobradamente acelerando el blues o bajando marchas en acústico.

Si a mitad del show explotaron los momentos más enternecedores y aclamados por la audiencia, llegando al final volvieron las luces y las sombras del grieterío con la voz de Aurora Beltrán en ‘Sabor a sal‘, cuarto corte de la segunda entrega, “Traje nuevo” (Factoría autor, 2008). Y así fue, una recta final que se comió cualquier otro evento sucedido esa noche en la capital. ‘Whole lotta love‘ de Led Zeppelin fue un colofón y soberbio final para una celebración que será recordada en un próximo DVD.

¿Significará esto un punto y aparte o un punto y seguido para Garaje Jack?
La historia de Garaje Jack ha convencido y quedará en la memoria de los que tienen esperanzas en el rock madroño.

Ha elegido caminar… hacia lo salvaje. Como el estribillo que da título al sexto álbum, Juan Aguirre y Eva Amaral han decidido autoeditarse y caminar… hacia lo salvaje y hacerlo todo por su cuenta con Antártida, el sello propio que han montado ellos mismos. Aunque “Hacia lo salvaje” no es la novedad en este paso, pues con “Gato negro / Dragón rojo” ya se lo montaron por su cuenta, EMI básicamente era mero distribuidor.

Pero si que es cierto que “Hacia lo salvaje” se ha convertido en un punto y aparte para los chicos de Zaragoza. En primer lugar se presentan cambios en la banda. Decidieron enfocar el sonido de otro modo y darle un giro a la instrumentación, de ese modo simplifican la formación y lo llevan al mínimo común divisor. Esto es: guitarra, voz, bajo y batería. Toni Toledo, batería de Sexy Sadie se ocupa de la batería, aunque también han contado con las manos de Ezequiel Navas. Chris Taylor vuelve a repetir para quedarse de manera definitiva al mando del bajo. Y ya está. Pero hay un componente extra que forma parte del elenco en directo. Este músico no es otro que el también componente de Sexy Sadie y vocalista Jaime Gª Soriano, donde ahora se ocupará de los coros y la guitarra rítmica.

Presentados a los miembros actuales habría que hablar del sonido que recorre el LP de principio a fin. Amaral siempre han sido un grupo más cercano al rock que al pop, incluso al power pop, pese algunas excepciones, pero siempre manteniéndose arrimados a esa vertiende más dura en el caso de ‘Esperando un resplandor‘. Para empezar ya no se escuchará la característica Rickenbacker 660 de Juan Aguirre, sino que predominarán las Gibson SG, Les Paul y Gibson Chet Atkins Country Gentleman. Eso en el apartado eléctrico. En el acústico se mantienen fieles con los modelos de seis y doce cuerdas, como las Gibson J45, Martin D18 o Guild F412. Algunos pueden pensar que son cambios mínimos, pero en el brillo y agudos de muchas de las canciones del plástico se nota ese tipo de detalles. ‘Olvido‘ o ‘Montaña rusa‘ pueden ser ejemplos clarividentes que lo demuestran. De hecho, la edición deluxe contiene un segundo compacto con los doce cortes de “Hacia lo salvaje” en formato acústico. Gran parte del cambio es gracias al trabajo en la producción de Juan de Dios Martín (Deluxe), que ha contribuido al olvido (necesario) de J.M. Rosillo.

Lógicamente, entre los riffs y rasgueos eléctricos se puede disfrutar de momentos tan maravillosos como el comienzo de ‘Riazor‘, una preciosa canción sobre el suicidio que enseña ese lado trágico en los textos del dúo. Pero más allá de la técnica están las letras. Como se acaba de mentar, la tragedia en algunas de las letras son parte importante del decorado sonoro de algunas de las canciones, siguiendo la estela de anteriores composiciones tales como ‘Concorde‘ o ‘El artista del alambre‘. Los chicos se mueven a la perfección dentro de ese campo y de eso no quepa duda cuando -aparte de ‘Riazor‘- corren ‘Robin Hood‘ y ‘Cuando suba la marea‘, dejando el aire atenuado de silencio. Y es que la letra de esta última lo dice todo:

«Y ahora sé que nunca he sido tu princesa. Que no es azul la sangre de mis venas. Y ahora sé que el día que yo me muera me tumbaré sobre la arena y que me lleve lejos cuando suba la marea».

Y francamente, no le sobra ni una sola canción a este excelente último trabajo de Amaral. Las más enérgicas son las bases para que el resto de temas destaquen por igual, aunque siempre haya favoritas. ‘Antártida‘, inspirada en la superación, pero bajo el disfraz de Carol Anne Freeling, la inquietante niña protagonista de “Poltergeist“, convirte así a este corte en otra pieza clave del engranaje que se encuentra entre las mejores del disco. ¿Y qué se puede decir del single ‘Hacia lo salvaje‘? Una llamada a la naturaleza con ritmos casi tribales. ‘Si las calles pudieran hablar‘ es otra de esas letras de personajes en la búsqueda, recordando ligeramente al éxito perpetrado en “Estrella de mar“, titulado ‘No sabe dónde va‘. La canción más oscura corresponde a ‘Como un martillo en la pared‘, de rasgueo constante y crudeza en la letra que va directa a la entrepierna política.

¡Y mucha atención a los coros de Eva Amaral! Se cuelan en casi todos los recovecos si aparecen ‘Van como locos‘ y ‘Hoy es el principio del final‘.

Es, como dicen, el disco de Amaral menos Amaral. Puede ser complicado de digerir para algunos, pero es, de largo, lo mejor que han podido hacer en toda su carrera. Han sabido hacer lo que han querido, lo que las cabezas y el cuerpo les pedía, logrando un grandioso trabajo que ya ha alcanzado el disco de oro.

Tan necesario como el respirar y tan imprescindible como ver a Bob Dylan una vez en la vida, es el primer single del conjunto valenciano The-Go! Freaks, conjunto formado en 2008 que ahora muestra al mundo “Monqui!“.

Oh, wait! ¿otro grupo que saca un LP o un nuevo EP? Nada de eso, amigos. Estos músicos venidos desde el Averno del funk, rhythm and blues, afrobeat, soul y la psicodelía más ácida regresan a lo que parece un viaje muy próximo para la (desastrosa) industria discográfica; el glorioso single en vinilo de 7″.

Pero antes de hablar de los dos cortes que componen este milagro (y de algunos más), habría que presentar debidamente a estos gerifaltes del -como ellos mismos se definen- proletarian funk. Amadeo III (vocalista) es acompañado por una soberbia base rítmica al mando de David Robles (baterista) y de Titín Felpudo (bajo). Por el lado del virtuosismo de las seis cuerdas se encuentran Ricardo Gener y Ernesto García. Pero los cinco magníficos no están solos, pues alguna que otra vez y por algún motivo, por la horror house de The-Go! Freaks han pasado otros bandoleros como Borja Go! Gorostiza (bajo), Marcello J. (hammond), Rafeta (percusión) y Flora & Fauna (voces). ¡Sin olvidarse del senegalés Sidy Gaye, un endemoniado percusionista que actualmente emulsiona el directo del grupo!

Grabado en los Tigruss Studios de Gandía con Richard Edwards en la producción y con Octravio Hidalgo en la masterización, “Monqui!” contiene dos piezas de muy alto nivel. ‘Cannibal‘ por la cara A y ‘Mamma, tell me‘ en la cara B. La primera canción es un incendio de funk con rescoldos de James Brown y el surf-rock garagero de The Chantays o John Barry Seven. Ritmo vertiginoso y sesentero que con enfermizos coros hacen que hasta los más muertos se levanten para partirse los tobillos en el ritual del baile del rhythm and blues. Su contrario, en la otra cara del acetato, se aferra al soul y al rasgueo de las guitarras con el ínclito efecto wah-wah tan característico del funk, cerrando así (y con un espirituoso solo de guitarra) esta presentación que además de ser el inicio de estos groove seniors valencianos, también lo es de Cabanyal Soul Records, sello que edita este single y -seguramente- futuros trabajos, pues el embrujo del polvo zombie de The-Go! Freaks aturdirá con ‘A ton of my love‘ o ‘Asteroid‘, además de otras muchas composiciones.

El vinilo (con el artwork de Luis Demano) tiene una tirada limitada a 500 ejemplares y se puede conseguir por 5€. ¿Cómo? ¿dónde?, ¡¡aquí!!

Tú verás, individuo, si quieres seguir sin este artefacto en tu paupérrima colección de discos.

Not in person but in sound!