Sencilla pero a la vez compleja, Maria de Medeiros enarbola la pasión interpretativa convirtiéndolo en una muestra de comunicación sin parangón. “Pájaros Eternos” contempla estas y otras muchas razones siendo el primer disco donde la propia artista compone por primera vez. Atrás quedaron “A Little More Blue” y “Penínsulas & Continentes” como primeros fragmentos de una historia común entre seres humanos. Ahora “Pájaros Eternos” será la creciente genialidad de música e interpretación. El próximo día 7 de Febrero María de Medeiros actuará en Madrid dentro del Ciclo Madridpresenta 2012. De obligada asistencia.

Maria, este es tu tercer disco pero sin embargo es el primero en el que compones. ¿Estaríamos hablando de un reto personal o de un reto profesional?
Sería un reto tanto personal cómo profesional, porque siempre acabo poniendo mucho de mí en mi actividad profesional. Sin embargo, no sé si se puede hablar de un reto, lo que implicaría que hubiese decidido fijarme un objetivo y hacer todo para llegar a él. Más bien creo que las obras artísticas llegan cómo los niños, por milagro y cuando tienen que llegar.

Normalmente hay quien prefiere cantar (o interpretar) composiciones ajenas por permanecer en una cierta comodidad. ¿Te ha resultado tan complicado como para demorar el tiempo establecido con el trabajo?
Tengo un respeto enorme por los grandes escritores y escritoras de canciones. Una hermosa canción es algo que marca nuestras vidas, se vuelve una referencia. Quizás por eso preferí, con toda la debida modestia, empezar por ser una interprete, que es lo que soy y es algo que me encanta hacer. Creo que en cada intérprete hay una parte de creación y al mismo tiempo es bonito ponerse al servicio de una obra ajena.

Además, supongo, que habrás tenido una presión extra que te intimidaría de alguna forma al tener presente el talento de tu padre (y su figura). Como diría el dicho; “de casta le viene al galgo”.
Es verdad que el hecho de que mi padre, António Victorino D’Almeida, sea un gran compositor y alguien cuyo trabajo admiro profundamente me ha intimidado bastante. Quizás también por eso tardé en lanzarme a la aventura de componer.

Estamos hablando de un título que, según tus palabras, muestra de alguna manera la imagen de un pajarillo ágil que se vuelve vulnerable entre las garras del hombre. ¿Es “Pájaros Eternos” un álbum idealista?
Creo que siempre hay una parte de idealismo en las obras artísticas y quizás más hoy, que la actividad cultural se encuentra tan fragilizada por la crisis. Hacer una película, escribir un libro, pintar un cuadro, grabar un álbum son siempre formas de comunicarse espiritualmente con otros seres humanos, para lo mejor o lo peor.

Y más idealista que la religión no hay nada, ¿verdad? De ahí también que se figure el Espíritu Santo o la paloma de la paz.
Mi convicción es que la religión es algo mucho más práctica que idealista. Es una forma muy terrenal de canalizar las aspiraciones místicas de cada uno y desde mi punto de vista, pertenecen más al dominio íntimo que al colectivo.

La Paloma de la Paz y el Espíritu Santo se me plantean cómo imágenes de lo que serían Pájaros Eternos, o sea algo que sólo puede existir en un terreno de símbolos, de ideas.

Aunque –no sé si por naturaleza- el rencor se erige como algo eterno en el hombre.
Si hay algo de eterno en el “hombre”, que no sea el rencor.

No obstante se trata de un LP muy optimista, al menos así denota el texto de ‘Nace el día en la ciudad’. ¿Es el costumbrismo una manera de ver las cosas desde un punto más optimista habiendo evitado temas más triviales o complejos?
Veo las canciones del disco cómo “fotos”, instantáneas de momentos vividos, unos más diurnos, otros más nocturnos. ‘Nace el día en la ciudad’ es un retrato del amanecer en una de nuestras grandes urbes, en una realidad cotidiana, compleja, contrastada, que se debate con la crisis.

¿Habrá espacio también para el pesimismo?
Más que optimista o pesimista, creo que este conjunto de canciones es un trabajo contemplativo, una forma de mirar el mundo, cómo cuando me sirvo de una cámara.

Pero hay que apuntar que de la canción ‘Nace el día en la ciudad’ (composición de Raimundo Amador a la cual tú pones la letra) sale la idea de “Pájaros Eternos”. Realmente me pregunto si todo el repertorio gira alrededor de esa canción.
La primera canción que compuse para este álbum fue música sobre un poema de la gran poetisa portuguesa Sophia de Mello Breyner, que admiro profundamente desde mi infancia.

El poema se titula “Por delicadeza” y es un homenaje al poeta francés Arthur Rimbaud, que también amo.

La segunda canción, fue un fado intitulado “Se é fado, clama a melancolía”. O sea que, sin decidirlo previamente, de una forma espontánea, empecé por mis orígenes: la lengua y la música portuguesa.

Incluso las dudas me asaltan al pensar en la fragua original de “Pájaros Eternos”. ¿Sin ‘Nace el día en la ciudad’ (u otras canciones) existiría este nuevo disco? De hecho lo hemos hablado, el título es parte de la letra de la canción.
Rápidamente empezaron a surgir homenajes, guiños, referencias a todas las músicas que me gustan: la Bossa Nova, el Flamenco, el Jazz, la Salsa o a un Rock muy minimalista cómo el que hace el Legendary Tigerman con quién he grabado dos temas.

Formulo esta cuestión porque tengo la sensación de que primero nacieron las canciones y después continuaste animada por los frutos del trabajo hasta completar una colección de canciones completa.
Y así llegué a esta colección de canciones, muy diferentes entre si y sin embargo fruto de una misma mirada hacia horizontes distintos.

Antes hemos comentado lo de la composición propia. Hay ocho temas inéditos y dos versiones. Amén de haberte acompañado por Raimundo Amador o por The Legendary Tigerman. ¿Qué has visto en estos dos músicos que te pudiera ayudar en este proyecto?
Admiro mucho tanto a Raimundo Amador cómo a Legendary Tigerman, con quién ya tuve la oportunidad de colaborar en distintos trabajos. Para mí es un honor y un privilegio enorme poder contar con la participación de ambos en este álbum.

Creo que también ha sido un intercambio de aprendizajes con ellos, ¿no?
Sí, de ambos he aprendido muchísimo. Cada cual tiene un universo muy propio y muy original. Y eso es lo que más admiro en un artista: que tenga su universo particular y que sin embargo ese universo sea poroso y generoso, como es el caso de ambos.

Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas ha tenido que conformar mucho del espíritu que vertebra el long-play. ¿Habría soda “Pájaros Eternos” de haberse grabado, tal vez, en París o Nueva York?
Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas fue maravilloso. La ciudad no podía ser más inspirante. Y Fernando es un colaborador precioso.

Con The Legendary Tigerman florece ‘Shadow Girl’, tal vez el corte más minimalista, aunque yo observo cierta carga erótica. ¿En lo más sencillo se encuentra lo más seductor?
Sí, muchas veces es el caso. ‘Less is more’ (“Menos es más”) es una de mis brújulas en la creación artística.

Es más, ¿mostrar al mundo un trabajo tan propio y tan personal es como exponerte desnuda (con sus miedos y sus vértigos?
Sin duda, la exposición es grande. Busco no pensarlo demasiado para no morir de vértigo. Pero para mi lo más bonito en el arte no es tanto contarse a si mismo sino comunicarse con los demás.

Y qué mejor vestido o envoltorio que las ilustraciones de Pascal Rabaté y Javier Mariscal. Me parece algo tan acertado que ahora no sería capaz de concebir tu música sin sus trazos. ¿Querías que en un primer golpe de vista la gente relacionara esos dibujos con el disco?
Para mí la música está íntimamente relacionada a la imagen. Desde pequeña dibujo y casi siempre lo hago con música o pensando en música. Cuando preparo mis películas es igual. Por eso surgió la idea de pedir a varios artistas una ilustración para cada canción. Es un inmenso honor contar ya con un dibujo de Javier Mariscal para ‘Nace el día en la ciudad’ y otro de Pascal Rabaté para ‘Shadow girl’.

A título personal te diré que “Pájaros Eternos” resulta ser una especie de película con distintos pasajes y saltos argumentales. ¿Para interpretar o cantar hay que ponerle mucho de actor?
Gracias por la interpretación. Mi formación es la de una actriz. Estoy aprendiendo mucho, cada día, en la música. Pero claro, intento aportar a cada canción una sensibilidad de actriz.

¡Sin olvidar que hay canciones en varios idiomas! Muy bonito pensar que un hombre italiano (por ejemplo) se sienta identificado con una canción en inglés o en español.
Cambiar de idioma es mi realidad desde la infancia, algo que se ha vuelto muy natural para mí. Así, fue de forma espontánea, surgieron canciones en portugués, en inglés, en castellano… y también en italiano, porque tanto a Legendary Tigerman como a mí nos encanta “24 Mila Baci” de Adriano Celentano.

Todo esto mientras que entre España y Portugal, siendo vecinos, hay poco conocimiento el uno del otro. Bueno, siempre nos quedará el “método contemplativo” frente al ignorado. ¿La música como arma de acción (“A Little More Blue”) o como fomento del sentimiento fraternal?
Las dos cosas, seguramente. Y tengo que agradecer al público español el gran cariño con que acoge a los artistas portugueses. Hay poco conocimiento, es verdad, aunque depende de las áreas. Pero del lado español hay más curiosidad, y eso se agradece.

Finalmente, tras “A Little More Blue”, “Penínsulas & Continentes” y “Pájaros Eternos”… ¿queda siempre algo por contar?
Sí. Y mucho por aprender.

Manteniendo el camino de la música de raíces, Enrique Bunbury edita “Licenciado Cantinas“, un álbum que mira a la música panamericana desde los ojos de la instrumentación norteamericana. Son versiones, sí, pero esto no significa que vaya a perder calidad, todo lo contrario. El ciclo que terminó con “Las Consecuencias” (EMI, 2010) y “Gran Rex” (EMI, 2011) ha dado pie una nueva remesa de canciones lejos de las manos de EMI, pues “Licenciado Cantinas” es una autoedición que lleva el sello de Blanco & Negro. ¡Ojo! No por ser así el músico iba a estar más liberado, todo lo contrario, pues tener una caja de discos bajo la cama lo puede hacer más desdichado.

En lo que al contenido se refiere; el LP (inmejorable) fue grabado en SonicRanch, Tornillo (Texas) con su banda habitual, Los Santos Inocentes, que ya han alcanzado el grado de madurez suficiente junto a Enrique Bunbury. A ellos se les une el versátil percusionista Quino Béjar, culpable del giro sonoro orogándole al conjunto una rica composición de ritmos africanos, caribeños y latinos, tal y como se puede apreciar en piezas como ‘El día de mi suerte‘ (de Willie Colon y Héctor Lavoe) o ‘Chacarera de un triste‘ (de los Hermanos Simón). Francamente, la mayoría de sus seguidores no iban a arrimarse al ballenato o a la cumbia, pero gracias a este revisión, Bunbury ha acercado la familia musical panamericana al pueblo y, de ese modo, mostrar el buen hacer de grandes figuras, como la de Eliades Ochoa haciendo sonar su garganta y guitarra en la tradicional ‘Mi sueño prohibido‘. El single ‘Ódiame‘ (de Federico Barreto y Rafael Otero López) ha funcionado pefectamente como introducción a este viaje que recorre la espina dorsal del continenten americano, un arte de presentación que comparte protagonismo con la instrumental ‘El mar, el cielo y tú‘ (de Agustín Lara), siendo esta última la encargada de abrir el cancionero.

Por momentos suena a tex-mex, como la banda sonora de “Crazy Heart“, interpretada (entre otros) por Jeff Bridges y Ryan Bingham de la mano de T-Bone Burnett. ‘Ánimas, que no amanezca‘ (de Guadalupe Ramos) es la clave que hace de puente con los dos hemisferios. El acordeón de Dave Hidalgo (Los Lobos) rememora lo que también hicieron The Felice Brothers o Bob Dylan en “Together through life” (Columbia, 2009). Dentro de ese traje de terciopelo se encontraría también ‘El Mulato (Licenciado)‘ (de Ricardo Ray & Bobby Cruz) con un exquisito y delirate final que, a base de distorsión, enlaza con la guitarra de Dave Hidalgo dando la salida a ‘El Solitario (Diario de un borracho)‘.

De acuerdo, “Licenciado Cantinas” no es una banda sonora al uso, pero sí es cierto que narra las desventuras de desamor y arraigo del personaje del Licenciado Cantinas. Podría decirse que es un cancionero perfecto para el amor despechado y todas sus fases. Las últimos tragos se antojan tristes con canciones de alto contenido en amor alcoholizado dentro de’Cosas olvidadas‘ (de Antonio Rodio y José María Contursi). Totalmente arrabalero. El drama de los versos acontecidos en ‘La tumba será el final‘ (de Francisco Vidal) fluye con la nostalgia que le da “Flaco” Jiménez (al acordeón) hacia un emocionante y solemne final que, por obra y gracia de Atahualpa Yupanqui, hacen amanecer la tristeza dándo la mano a ‘El cielo está dentro de mi‘ y la armónica de Charlie Musselwhite.

La sangre circula por las “arterias” (así es como se iba a titular este trabajo en primer lugar) llevándose las almas y corazones de los perdidos en la vida con “Licenciado Cantinas“.

La sangre del Rock and Roll corre por las venas de Enrique Bunbury como el combustible lo hace por las arterias de un Ford Mustang del 67. “Licenciado Cantinas” (Blanco Y Negro, 2011) es la nueva entrega discográfica del músico, que observa la música panamericana desde los ojos del Rock a lo largo de quince versiones. Charly Hernández entrevista al músico.

Hemos llegado a un punto donde se ven las cosas desde otra perspectiva respecto a la juventud. ¿Ahora escribes las canciones siendo quien eres o para ser lo que no eres?
El nuevo material que estoy escribiendo, para mi próximo disco, me parece lo más cercano a un encuentro conmigo mismo, después de años de búsqueda y de rechazar a quién definitivamente no soy. Creo que el cerco se estrecha y el camino va quedando claro, definido y concreto.

Es más, ¿es posible que ahora tus canciones (propias como ajenas), y exactamente las de “Licenciado Cantinas”, se deban escuchar más con el corazón que con la entrepierna?
Espero que la entrepierna y el corazón se unan para escuchar este disco, porque tiene que ver mucho con ambos órganos.

Claro, que desde “mi atalaya” no puedo saber exactamente el sentimiento con el que se tocaron y se interpretaron las canciones en Tornillo (Texas), pero en el documental de “Las venas abiertas de Licenciado Cantinas” se deja entrever algo con el título de uno de los actos: “El artesano”. ¿Tal vez el oficio de cantor (y compositor) requiere y/o emite más pasión que el de artista?
Ya no sé muy bien quién es un artista y quién un artesano. Sean quienes sean, nos entregan su oficio para nuestro disfrute y deleite, y somos, cada uno de nosotros, quienes les otorgamos uno u otro título.

Y tan artesano… que “Licenciado Cantinas” ya no se editará con tu antigua disquera, sino que sale con Blanco y Negro. ¿Será mejor centrarse en las canciones y dejar los temas extra a otros? ¿Tal y como está el asunto lo mejor es hacer uno mismo de Juan Palomo?
Creo que existe en estos días una idea equivocada sobre las bondades de la autogestión y las maldades de la industria discográfica. Ningún grupo se convierte en mejor, ni más honesto porque se autogestione. Pregúntale a Paul McCartney qué opina de Apple. Tener cajas de discos debajo de la cama no nos hace más humanos, sino más desdichados. No le deseo a ninguno de mis compañeros que tenga que lidiar con la distribución, el marketing, los shares y los ratings. Pensar que eso es la panacea, es desearle el mal al prójimo.

Esto me recuerda a aquel tango de Horacio Ferrer, ‘Milonga del trovador’: «Vamos a la distancia, sí, que soy el trovador, si la distancia llama, yo jamás veré ponerse el sol. Vamos a la distancia, ya, y si no llego, amor, vos le darás mi alma de argentino y de cantor». En tu caso sería “de todo el mundo”, pero sin duda uno es caminante. ¿Crees que con la edad se hacen mejores canciones o entran ciertas prisas por crear la mejor canción antes de finar?
Quizás me estás situando en una franja de edad que no tengo. No está en mis planes inmediatos finar, ni despedirme de la afición. Creo que ahora empiezan muchas aventuras emocionantes que pueden ser doblemente sorpresivas, al menos para mí. Espero, eso sí, escribir mi mejor canción en el futuro y no haberla escrito ya.

Vamos a centrarnos de lleno en “Licenciado Cantinas”. Como ya se sabe son versiones, pero las quince que aparecen finalmente en el track-list fueron seleccionadas de entre otras sesenta canciones. ¿Fue muy costoso y sesudo hacer ese corte selectivo? ¿De esos quince temas hubo alguna de más que se terminara grabando también? ‘El Arriero’ (de Atahualpa Yupanqui) era una posible, además ya la tocaste en algún medley con Héroes.
Solamente grabamos las quince canciones que seleccioné. ‘El Arriero’, nunca estuvo en entredicho. Es una gran canción y Atahualpa un grande entre los grandes, pero tuve muy claro que ‘El cielo está dentro de mí’ era el cierre del disco y antesala del que estoy preparando.

Y estamos hablando de unas canciones con un nexo común, que no es otro que la historia de un personaje [El Licenciado Cantinas] visto de manera cinematográfica. Fíjate, que por aquello que cuentas de que estas canciones las escuchaste “castigándote” en las cantinas… me lleva a pensar que hay mucho de ti en el personaje, solo que esta vez, en lugar de escribir, interpretas canciones con las que te sientes identificado.
Claro. Cualquier cantinero de vocación y largo recorrido sabe, comprende y se identifica con el contenido de estas canciones. El cancionero latinoamericano es sabio, profundo y humano. El drama del amor, el abandono, la perdición y la muerte están en los surcos de “Licenciado Cantinas” ¡¡y de tantos boleros, tangos, rancheras, chacareras, valses, guaguancós y habaneras!!

Además es un proyecto que ya tenías pensado desde hace unos ocho o diez años. Comprendería las etapas de “Pequeño” y “Flamingos”, por lo que noto cierto paralelismo por los momentos tan personales en los que te encontrabas por entonces. ¿Podría ser que aquellas canciones con las que te sentías identificado por ciertas circunstancias volvieran ahora a reaparecer por ese paralelismo logrando así la edición final de este disco que hoy nos atañe?
Creo que fue durante la gira de “Flamingos” (2002) cuando empecé a darle vueltas a este proyecto, que en principio se iba a llamar “Arterias”. Fui seleccionando canciones desde esos primeros días, pero las que finalmente hemos grabado, no pertenecen a esa época, sino a las conclusiones de los dos últimos años. Aunque el proyecto viviera en mi cabeza, ha tardado mucho en cobrar la forma que puedes escuchar a día de hoy.

Un concepto que se ha ido fraguando durante mucho tiempo pero que ha terminado creciendo a base de la espontaneidad en el estudio sin ensayos previos. Dejándose llevar un poco por el azar, vaya.
Eso tiene que ver con la metodología de grabación. Me gusta cambiar la forma de enfocar cada grabación de un álbum. Desde nuevos prismas y con esquemas de trabajo distintos, se llegan a conclusiones nuevas y sonoridades refrescantes. En esta ocasión, evité los ensayos previos y la preproducción, y quise aprovechar las características del estudio de grabación y las diferentes salas, para ir arreglando y montando los temas sobre la marcha. La verdad es que, eso también fue posible por contar con una banda estable como Los Santos Inocentes que ya ha pasado el período de rodaje y se encuentra en una madurez que hace posible encarar retos como este.

En lo que a artesanal se refiere (como antes comentábamos) reparo en el trabajo técnico llevado a cabo. Para empezar te llevaste a Texas a Jordi Mora, también grabaste muchas de las canciones en directo con la banda y la incursión de nueva instrumentación, como tubas, acordeones, percusión… Si “Las Consecuencias” era un disco Lo-Fi, ¿Este nuevo trabajo es un disco de alta fidelidad pese a su analogía? Creo que ‘Chacarera de un triste’ podría ser un buen ejemplo de todo ello.
Jordi Mora lleva trabajando conmigo desde hace diez años. Empezó como ayudante de ingeniero y se ha convertido en pieza imprescindible de todos mis álbumes desde entonces, sobre todo en “El Viaje a Ninguna Parte” (2004), “Las Consecuencias” (2010) y “Licenciado Cantinas” (2011). También estuvo en el disco que hice con Nacho Vegas: “El Tiempo de las Cerezas” (2006), en las mezclas del directo “Tour 2007” (2007) y en “Hellville de Luxe” (2008); pero cito esos tres porque creo que tienen un hilo conductor que les emparenta. Ni “El Viaje a Ninguna Parte”, ni “Las Consecuencias”, ni “Licenciado Cantinas” son en mi opinión, Lo-Fi, aunque tienen elementos vintage que los alejan de la mayoría de las producciones Fm de hoy en día. A su vez, se alejan claramente del frío sonido Pro-Tools Home Studio que tanto impera a día de hoy y que a mí tanto me disgusta.

Pero no me puedo dejar algo que, aunque no lo parezca, ya forma parte de tu vida. Me refiero a los guiños a Lost. Anteriormente se pudo ver en el video de ‘De todo el mundo’, en la escenografía del concierto en 3D… y muchos otros detalles que aparecen en el video y making off de ‘Ódiame’. ¿Está Enrique Bunbury pasando su etapa post-Lost?
Me encanta que hagas esa mención. Todos los guiños que he hecho a “Lost” en los últimos años los he considerado guiños privados entre Alexis Morante (director de mis últimos clips) y yo. No pretenden tener mayor trascendencia. Aunque sí te puedo decir que fui un seguidor fiel de cada una de las temporadas de la serie. En cuanto a lo de mi etapa post-Lost sólo decirte que la vida era mucho mejor cuando quedaba algún capítulo por ver.

¿Sabes? “Licenciado Cantinas” (y ‘Ódiame’) me recuerdan bastante a “Together through life” de Dylan. Vale, lo suyo eran temas propios, pero ese disco se gestó para ser parte de una banda sonora e incluso tiene mucho blues y tiene mucho de Nueva Orleáns, cosa que también se impregna en tu disco gracias a la harmónica de Charlie Musselwhite. Creo que podría andar cerca del homónimo de The Felice Brothers. No sé si estarás de acuerdo conmigo en esa apreciación.
En todo caso, una banda sonora ficticia. La película sólo existe en mi cabeza. Pero sí, tiene mucho del blues del Delta y de New Orleans. Y me gustan mucho los Felice Brothers, incluso su polémico último álbum (“Celebration, Florida”, 2011), que efectivamente, escuchaba mucho durante mi estancia en Tornillo (Texas).

Además de la instrumentación similar como lap steel, banjos… En tu caso toca el acordeón el mítico “Flaco” Jiménez en ‘Llévame’ y ‘La tumba será el final’, pero en el de Dylan era Dave Hidalgo, que a su vez toca la guitarra en ‘El solitario’ dentro de “Licenciado Cantinas”. ¿Sería entonces un álbum con canciones panamericanas pero musicalizado, en su mayoría, de la manera tradicional norteamericana? De Tierra de Fuego hasta Río Grande, you know.
Sí, esa era la idea. Lecturas del cancionero panamericano desde la perspectiva de un músico de Rock, cuyos intereses actuales se centran en las raíces de la música tradicional. En definitiva, concluyo definiéndome como un tipo que hace “música popular electrificada”.

Aunque, efectivamente, el gran Eliades Ochoa (junto a “Flaco” Jiménez) da el toque más latino, en este caso sería caribeño con ‘Mi sueño prohibido’. No obstante, ¿cómo se lograron estas colaboraciones? ¿Todos sabían de tu buen hacer o para ellos fue “una colaboración más” aunque para ti fuese lo más grande? Mira, ahí queda la relatividad entre lo que es grande para unos y pequeño para otros.
Les escribí, hasta que conseguí que me escucharan, se interesaran por mis discos previos y aceptaran colaborar en mi nuevo proyecto. Para cada uno de ellos había reservado un lugar en el que podían lucir sus increíbles talentos. Mira, a día de hoy, la mayoría de los discos vienen plagados de colaboraciones y duetos forzados. Lo último que quería era pensar en cantantes que llamaran la atención por sus nombres y valores en el mercado. Pensé en Charlie Musselwhite, Eliades Ochoa, Dave Hidalgo y “Flaco” Jiménez porque, en lo que yo quería hacer, ellos eran maestros y podían ayudarme a encontrar el camino que buscaba. Sus conocimientos, sus grabaciones, sus talentos y sus edades les avalan. No hay más que hablar y sólo queda rendirse ante ellos. Y agradecerles en el alma que hayan accedido a participar en un disco de alguien como yo, que no les llega ni a la suela del zapato.

Otro músico que se ha subido a este vuelo es Quino Béjar, donde su percusión es clave en este disco. ¿Qué fue antes, la idea de un álbum protagonizado por percusiones o la inclusión de Quino para que después aparecieran esos ritmos?
Tenía claro que para este álbum (y para el que estoy preparando), un percusionista era imprescindible. Quino es un veterano de la bastardía española. ¡¡¡Sus primeras grabaciones fueron en discos de La Orquesta Platería y de Gato Pérez!!! Creo que Los Santos Inocentes han dado un paso de gigante con la incorporación de Quino.

Pero no se quedan en el estudio, pues en la gira se adaptan temas antiguos a este sonido, como ‘Big Bang’ pasada por el filtro latino y funky con el efecto wah-wah, muy parecido al ritmo que tenía ‘El Anzuelo’ con ‘I ain’t hiding’ de Black Crowes. ¿Serán todas las canciones del repertorio del directo llevadas al sonido que se ha trabajado en “Licenciado Cantinas”?
Ya sabes que en cada gira suelo darle un repaso a los arreglos de las canciones de mis discos anteriores. Algunos son cambios sutiles y otros radicales. En esta ocasión hemos preparado un repertorio muy amplio que iremos desgranando a lo largo de las giras del 2012: España, Suramérica, Centroamérica, Caribe, México y USA. Tenemos tiempo y conciertos por delante para ir, poco a poco mostrando algunas de las sorpresillas.

Si hablo del cambio sonoro en cada etapa hay que destacar el estilístico. Man, bajo mi punto de vista, adoro que hayas vuelto a las llamas y bordados. ¿Es también una forma de homenajear a los músicos de Narcocorridos o a figuras americanas como ZZ Top o Gram Parsons?
He tenido la suerte de toparme con Jaime Castaneda, maestro de los Nudie Suits. Ha trabajado con Wilco, Ben Harper, Bob Dylan, Chris Isaak y ZZ-Top. No podía dejar pasar la oportunidad de llevar uno de sus míticos trajes, así que le encargué el Nudie in flames que llevo en esta gira.

Por cierto, observo que en los set-list de la gira con Zoé los títulos de las canciones elegidas de tu antiguo repertorio tienen un nexo común. Hablo por ‘Big Bang’, ‘Deshacer el mundo’, ‘Que no sepa tu mano izquierda lo que hace la derecha’, ‘El extranjero’… todas conllevan un mensaje urgente y social que incita al movimiento y al cambio. ¿Procuras que siempre quede latente ese lado sociopolítico en los conciertos?
Tienes toda la razón y te agradezco que hayas advertido la intención. Porque, en efecto, hemos rescatado canciones del pasado por el contenido social y político de sus letras. Nunca fue aleatoria la selección, y menos que nunca, en esta gira.

Para ir cerrando… ha saltado a la palestra una serie de declaraciones tuyas donde dejabas la puerta abierta al regreso de Héroes del Silencio. Por otro lado, tus compañeros Joaquín, Juan y Pedro ya hablan hasta de la idea de grabar un disco. Estamos de acuerdo en que fue una etapa, pero, ¿no crees que menear este “cadáver” es algo que acaba siendo algo aburrido y jugoso para otros?
Yo dije lo que dije, y algunos compañeros de la prensa, leyeron entre líneas lo que no ponía. Una cosa es advertir que no puedo adivinar el futuro y otra cosa, interpretar que se avecina lo que ni siquiera se asoma.

Mira que si vuelven Héroes del Silencio con otro cantante… ¿Lo ves factible aunque sea remotamente? (Sinceramente) Cosas más raras se han visto. En fin, ahí lo dejo.
Sí, efectivamente, cosas más raras se han visto. Yo también lo dejo ahí.

Citando a José Alfredo Jiménez (y tal y como dice Calamaro): «entre nubes de algodón haremos nuestro nido». Enrique, pese a la constante búsqueda, ¿te encuentras ahora en un momento en donde lo personal se apoya en lo musical haciendo que te sientas –de algún modo- más pleno que nunca?
Me siento más capacitado que nunca para hacer discos y conciertos, personales, profesionales y plenos.

Desde la apertura de su herida deja ver Javier Corcobado las entrañas de terciopelo rojo que todo crooner lleva en su interior. Y es que el nuevo trabajo de Corcobado es de etiquea y de whisky on the rocks. En él rinde homenaje a la figura de músicos que marcaron y moldearon su carrera. Y es que tratóse de un compilado de versiones, muy bien traídas y francamente bien entintadas de esa tonalidad que brinda, como acostumbra, Javier Corcobado.

Frank Sinatra, Serge Gainsbourg, Agustín Lara, José Alfredo Jiménez, Fred Astaire, Manuel Alejandro o Spacemen 3 avivaron la llama que hoy prende en elegantes momentos transformistas con ‘The shadow of your smile’, ‘Coraçao vagabundo’, ‘The world we knew’, ‘Te estoy queriendo tanto’, ‘Noche de ronda’, ‘Le poinçonneur des lilas’, ‘El rey’ ‘Carioca’ y ‘Losing touch with my mind’. Llevadas al lado poético (sí, más todavía) y al oscuro del humo en la luz, las interpretaciones de “Luna que se quiebra sobre la tiniebla de mi soledad” alardean de ser clavos ardiendo sobre mantequilla.

A trompicones y con algunos problemas por el cinismo de la Industria, este álbum ha sido grabado a caballo entre Barcelona o Bilbao gracias a Carlos Ann y Raúl Lomas.

Por supuesto es de menester mentar a los músicos que se han servido de los licores que el buen señor ofrecía en forma de canción. Susana Cáncer (piano y órgano), Jesús Alonso (batería y percusión), Fino Oyonarte (bajo) y Juan Pérez Marina (guitarras) (junto a Mariona Aupí y Gonzalo Lasheras) han fraguado las cenizas de un nuevo trabajo que será elogio para lo más sibaritas y totalmente atemporal.

Nada mejor que un concierto íntimo, de los de verdad, de los que el músico se siente más persona que artista y prefiere tocar el piando dando media espalda al público mientras interpreta sus canciones; las nuevas y las pasadas. El caso es que toca lo que siente y como le sale. Así hizo el vigués Iván Ferreiro durante tres noches en el ContraClub, coqueta sala de Madrid, muy cercana al Palacio Real.

Lleno absoluto, y es que era algo fácil de conseguir tratándose de un aforo limitado a ochenta personas. El bueno de Ferreiro se sentó al piano con una colección de canciones muy variada, desde viejos temas de Los Piratas hasta las versiones más raras, pasando por su cancionero habitual. Más o menos como hace en el nuevo trabajo que ya presenta por todo el país, “Confesiones de un artista de mierda” (Warner, 2011). Algo sencillo, pues no hacen falta grandes alardes técnicos ni instrumentales para hacer sentir la música en aquellos que te escuchan.

Nada más comenzar el recital, el propio músico decidió que sería mejor si la audiencia se sentaba en el suelo. Cuando sonaban las últimas notas de ‘Paraísos perdidos‘, los huecos que pudieran quedar en el local eran nulos. A decir verdad, los temas eran muy apropiados para este tipo de shows: ‘Jet lag‘, ‘Santadrenalina‘, la clásica y preciosa ‘M‘ o ‘Mrs. P‘ encajaron divinamente en el ambiente que el propio Iván pretendía conseguir. Lo complejo de esta concepción es la dificultad de hacer nuevas las canciones que, en el subconsciente, son distintas a como suenan en el momento. Era el caso de ‘Tio vivo‘, perteneciente a la úlltima entrega de estudio de Los Piratas “Relax” (Warner, 2003), la cual contiene unas armonías más próximas al minimalismo pop que a la serenata nocturna de piano. Igual suerte (y también para bien) corrió ‘Inerte‘, la pieza primera del mismo artefacto.

El momento emotivo de la velada surgió con ‘Años 80‘ y la versión de ‘Una décima de segundo‘, obra del grandísimo Antonio Vega que se vio contrastada con otra versión algo más inusual: ‘One more kiss, dear‘ de Vangelis, extraída de la banda sonora original de “Blade runner“.

Como era de esperar las visitas a la tarima fueron también un aliciente más. Haciendo juego de palabras (aunque de apellidos, en este caso), Álex Ferreira acompañó al gallego durante ‘Ciudadano A‘ y ‘Promesas que no valen nada‘. Como ustedes saben, la letra de esta composición termina con unas pequeñas líneas de ‘Insurreción, de El Último de la Fila, pero esta vez se dejaron llevar hasta completarla desde la primera hasta la última estrofa. Con ‘1999‘, de Love of Lesbian, sucedió parecido pero sin llegar al extremo cuando Iván Ferreiro coló algunas líneas de la archiconocida de Jeanette ‘¿Por qué te vas?‘. También destacable la fugaz aparición de Salva Codinach, voz de Ruidoblanco, en ‘El equilibrio es imosible‘.

Para aproximar el final, el concierto terminaría cerrándose con ‘Turnedo‘, dejando la atmósfera de la sala algo más ligera y con algún que otro entrañable novio esperando la canción favorita de su romance entre gintonics derramados por el suelo.