Sencilla pero a la vez compleja, Maria de Medeiros enarbola la pasión interpretativa convirtiéndolo en una muestra de comunicación sin parangón. “Pájaros Eternos” contempla estas y otras muchas razones siendo el primer disco donde la propia artista compone por primera vez. Atrás quedaron “A Little More Blue” y “Penínsulas & Continentes” como primeros fragmentos de una historia común entre seres humanos. Ahora “Pájaros Eternos” será la creciente genialidad de música e interpretación. El próximo día 7 de Febrero María de Medeiros actuará en Madrid dentro del Ciclo Madridpresenta 2012. De obligada asistencia.

Maria, este es tu tercer disco pero sin embargo es el primero en el que compones. ¿Estaríamos hablando de un reto personal o de un reto profesional?
Sería un reto tanto personal cómo profesional, porque siempre acabo poniendo mucho de mí en mi actividad profesional. Sin embargo, no sé si se puede hablar de un reto, lo que implicaría que hubiese decidido fijarme un objetivo y hacer todo para llegar a él. Más bien creo que las obras artísticas llegan cómo los niños, por milagro y cuando tienen que llegar.

Normalmente hay quien prefiere cantar (o interpretar) composiciones ajenas por permanecer en una cierta comodidad. ¿Te ha resultado tan complicado como para demorar el tiempo establecido con el trabajo?
Tengo un respeto enorme por los grandes escritores y escritoras de canciones. Una hermosa canción es algo que marca nuestras vidas, se vuelve una referencia. Quizás por eso preferí, con toda la debida modestia, empezar por ser una interprete, que es lo que soy y es algo que me encanta hacer. Creo que en cada intérprete hay una parte de creación y al mismo tiempo es bonito ponerse al servicio de una obra ajena.

Además, supongo, que habrás tenido una presión extra que te intimidaría de alguna forma al tener presente el talento de tu padre (y su figura). Como diría el dicho; “de casta le viene al galgo”.
Es verdad que el hecho de que mi padre, António Victorino D’Almeida, sea un gran compositor y alguien cuyo trabajo admiro profundamente me ha intimidado bastante. Quizás también por eso tardé en lanzarme a la aventura de componer.

Estamos hablando de un título que, según tus palabras, muestra de alguna manera la imagen de un pajarillo ágil que se vuelve vulnerable entre las garras del hombre. ¿Es “Pájaros Eternos” un álbum idealista?
Creo que siempre hay una parte de idealismo en las obras artísticas y quizás más hoy, que la actividad cultural se encuentra tan fragilizada por la crisis. Hacer una película, escribir un libro, pintar un cuadro, grabar un álbum son siempre formas de comunicarse espiritualmente con otros seres humanos, para lo mejor o lo peor.

Y más idealista que la religión no hay nada, ¿verdad? De ahí también que se figure el Espíritu Santo o la paloma de la paz.
Mi convicción es que la religión es algo mucho más práctica que idealista. Es una forma muy terrenal de canalizar las aspiraciones místicas de cada uno y desde mi punto de vista, pertenecen más al dominio íntimo que al colectivo.

La Paloma de la Paz y el Espíritu Santo se me plantean cómo imágenes de lo que serían Pájaros Eternos, o sea algo que sólo puede existir en un terreno de símbolos, de ideas.

Aunque –no sé si por naturaleza- el rencor se erige como algo eterno en el hombre.
Si hay algo de eterno en el “hombre”, que no sea el rencor.

No obstante se trata de un LP muy optimista, al menos así denota el texto de ‘Nace el día en la ciudad’. ¿Es el costumbrismo una manera de ver las cosas desde un punto más optimista habiendo evitado temas más triviales o complejos?
Veo las canciones del disco cómo “fotos”, instantáneas de momentos vividos, unos más diurnos, otros más nocturnos. ‘Nace el día en la ciudad’ es un retrato del amanecer en una de nuestras grandes urbes, en una realidad cotidiana, compleja, contrastada, que se debate con la crisis.

¿Habrá espacio también para el pesimismo?
Más que optimista o pesimista, creo que este conjunto de canciones es un trabajo contemplativo, una forma de mirar el mundo, cómo cuando me sirvo de una cámara.

Pero hay que apuntar que de la canción ‘Nace el día en la ciudad’ (composición de Raimundo Amador a la cual tú pones la letra) sale la idea de “Pájaros Eternos”. Realmente me pregunto si todo el repertorio gira alrededor de esa canción.
La primera canción que compuse para este álbum fue música sobre un poema de la gran poetisa portuguesa Sophia de Mello Breyner, que admiro profundamente desde mi infancia.

El poema se titula “Por delicadeza” y es un homenaje al poeta francés Arthur Rimbaud, que también amo.

La segunda canción, fue un fado intitulado “Se é fado, clama a melancolía”. O sea que, sin decidirlo previamente, de una forma espontánea, empecé por mis orígenes: la lengua y la música portuguesa.

Incluso las dudas me asaltan al pensar en la fragua original de “Pájaros Eternos”. ¿Sin ‘Nace el día en la ciudad’ (u otras canciones) existiría este nuevo disco? De hecho lo hemos hablado, el título es parte de la letra de la canción.
Rápidamente empezaron a surgir homenajes, guiños, referencias a todas las músicas que me gustan: la Bossa Nova, el Flamenco, el Jazz, la Salsa o a un Rock muy minimalista cómo el que hace el Legendary Tigerman con quién he grabado dos temas.

Formulo esta cuestión porque tengo la sensación de que primero nacieron las canciones y después continuaste animada por los frutos del trabajo hasta completar una colección de canciones completa.
Y así llegué a esta colección de canciones, muy diferentes entre si y sin embargo fruto de una misma mirada hacia horizontes distintos.

Antes hemos comentado lo de la composición propia. Hay ocho temas inéditos y dos versiones. Amén de haberte acompañado por Raimundo Amador o por The Legendary Tigerman. ¿Qué has visto en estos dos músicos que te pudiera ayudar en este proyecto?
Admiro mucho tanto a Raimundo Amador cómo a Legendary Tigerman, con quién ya tuve la oportunidad de colaborar en distintos trabajos. Para mí es un honor y un privilegio enorme poder contar con la participación de ambos en este álbum.

Creo que también ha sido un intercambio de aprendizajes con ellos, ¿no?
Sí, de ambos he aprendido muchísimo. Cada cual tiene un universo muy propio y muy original. Y eso es lo que más admiro en un artista: que tenga su universo particular y que sin embargo ese universo sea poroso y generoso, como es el caso de ambos.

Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas ha tenido que conformar mucho del espíritu que vertebra el long-play. ¿Habría soda “Pájaros Eternos” de haberse grabado, tal vez, en París o Nueva York?
Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas fue maravilloso. La ciudad no podía ser más inspirante. Y Fernando es un colaborador precioso.

Con The Legendary Tigerman florece ‘Shadow Girl’, tal vez el corte más minimalista, aunque yo observo cierta carga erótica. ¿En lo más sencillo se encuentra lo más seductor?
Sí, muchas veces es el caso. ‘Less is more’ (“Menos es más”) es una de mis brújulas en la creación artística.

Es más, ¿mostrar al mundo un trabajo tan propio y tan personal es como exponerte desnuda (con sus miedos y sus vértigos?
Sin duda, la exposición es grande. Busco no pensarlo demasiado para no morir de vértigo. Pero para mi lo más bonito en el arte no es tanto contarse a si mismo sino comunicarse con los demás.

Y qué mejor vestido o envoltorio que las ilustraciones de Pascal Rabaté y Javier Mariscal. Me parece algo tan acertado que ahora no sería capaz de concebir tu música sin sus trazos. ¿Querías que en un primer golpe de vista la gente relacionara esos dibujos con el disco?
Para mí la música está íntimamente relacionada a la imagen. Desde pequeña dibujo y casi siempre lo hago con música o pensando en música. Cuando preparo mis películas es igual. Por eso surgió la idea de pedir a varios artistas una ilustración para cada canción. Es un inmenso honor contar ya con un dibujo de Javier Mariscal para ‘Nace el día en la ciudad’ y otro de Pascal Rabaté para ‘Shadow girl’.

A título personal te diré que “Pájaros Eternos” resulta ser una especie de película con distintos pasajes y saltos argumentales. ¿Para interpretar o cantar hay que ponerle mucho de actor?
Gracias por la interpretación. Mi formación es la de una actriz. Estoy aprendiendo mucho, cada día, en la música. Pero claro, intento aportar a cada canción una sensibilidad de actriz.

¡Sin olvidar que hay canciones en varios idiomas! Muy bonito pensar que un hombre italiano (por ejemplo) se sienta identificado con una canción en inglés o en español.
Cambiar de idioma es mi realidad desde la infancia, algo que se ha vuelto muy natural para mí. Así, fue de forma espontánea, surgieron canciones en portugués, en inglés, en castellano… y también en italiano, porque tanto a Legendary Tigerman como a mí nos encanta “24 Mila Baci” de Adriano Celentano.

Todo esto mientras que entre España y Portugal, siendo vecinos, hay poco conocimiento el uno del otro. Bueno, siempre nos quedará el “método contemplativo” frente al ignorado. ¿La música como arma de acción (“A Little More Blue”) o como fomento del sentimiento fraternal?
Las dos cosas, seguramente. Y tengo que agradecer al público español el gran cariño con que acoge a los artistas portugueses. Hay poco conocimiento, es verdad, aunque depende de las áreas. Pero del lado español hay más curiosidad, y eso se agradece.

Finalmente, tras “A Little More Blue”, “Penínsulas & Continentes” y “Pájaros Eternos”… ¿queda siempre algo por contar?
Sí. Y mucho por aprender.

Artista: Alicia Alemán
Título: La Suerte
Sello: Rosevil Producciones
Fecha de publicación: 2011
Más información: http://www.myspace.com/aliciaaleman

Listado de canciones:

Estoy en ello
Los sonidos del agua
Dibujando puertas
La suerte
En el borde
Temblor
Humo
Piedras o flores
Por el aire
Abismo

Russian Red es más que el punch del boxeador crítico. La “máscara” de Lourdes Hernández se encuentra pasando un episodio bastante conciliador con la honestidad, tanto en su música como en su presente. Tras haber editado “Fuerteventura”como segundo LP, Russian Red es ahora el móvil que va de país en país entreteniendo a quienes buscan coherencia.

No sé si felicitarte por “Fuerteventura” o por la gira que ha venido después.
Ten en cuenta que grabar el disco es un proceso precioso, pero al final es una cosa que concluye en cosa de dos o tres meses como mucho. La gira es algo que se prolonga mucho más en el tiempo y que además da muchas más vivencias porque no paras de viajar por un montón de sitios, conocer gente… entonces realmente te encuentras con un estilo de vida totalmente distinto a lo que es otro trabajo y en concreto a lo que es ser un músico. Disfruto mucho de los dos, pero puedo decir que el segundo se acerca más a mi realidad.

¿Serías capaz de hacer giras y giras sin tener que grabar un disco?
Pues sí, la verdad. Aunque eso es lo que hacen la mayor parte de los músicos que van creciendo de a poquito. Hombre, lo que ha sucedido en Asia ha estado muy bien, pero en el resto de territorios vamos haciendo pequeñas incursiones para ir confirmando lugares y demás. Pero en verdad se viaja a pequeña escala. En España sí que se puede hablar de una segunda gira, como la que vamos a hacer ahora de repesca pasando por ciudades en las que hemos estado y en las que no. Además pudiendo vivir de esto, que es una maravilla. Fuera de España ya es de otra manera.

Bueno, no sé si tienes mi misma percepción, pero grupos que en España son de “primera división” fuera se quedan en “segunda división”.
Pero son grupos que en Latinoamérica son bastante grandes. Aquí lo fundamental es el idioma…

Pero te hablo de países de idioma anglosajón…
Entonces sí. Es complicado entrar en ese tipo de mercado porque ellos ya tienen su propia música y sus propios grupos, como nosotros tenemos los nuestros. Habiendo eso es difícil entrar ahí. Mi aspiración nunca ha sido la de ser de esa especie de mitos, sino que mi inspiración ha sido la de poder viajar y tener un público aquí y allá pero sin que sea excesivo.

Por ejemplo, esta gira de Octubre que hicimos entre Europa y Asia se veía muy bien ese contraste. De repente tocabas en Rótterdam una noche con sesenta o setenta personas viéndote en un garito pequeñísimo que estaba enfrente del hotel donde nos quedábamos. No veíamos más calle que esa y el concierto era como un secreto entre nosotros. La manera de experimentar eso es algo que no quiero perder nunca. ¡Ojalá pueda seguir tocando en sitios pequeños donde eso sea el concierto de una noche! Después iba a Japón y tocaba en un sitio más grande generando otro tipo de ánimo. Me gusta tener esas dos cosas y creo que es posible.

De hecho has dicho que no haces cultura, sino entretenimiento.
La cultura pop es algo que está al márgen de la cultura en general. Yo no puedo colocarme a mí misma en ese nivel de cultura. Yo hago canciones desde la importancia de hacer algo con sentimiento. Y ya está. No hago canciones con un background o una pretensión de peso. Por eso creo que la cultura es otra cosa y creo que también hay que ser muy brillante y ser un intelectual en toda regla para poder hablar de esas cosas.

¿En ese sentido no te consideras una intelectual?
En música no. Ni soy intelectual ni tengo pretensiones de serlo. Un intelectual de la música es un tipo que tiene carrera de piano, que sabe escribir música y que tiene un conocimiento amplísimo e histórico. Alguien que domina la música en todas las esferas y en todos sus ambientes. La música que yo consumo y la que hago es puro entretenimiento… aunque me hace sentir feliz. Es que no tiene nada que ver. Un tipo de música u otra te puede elevar, pero ya depende de ti lo mucho que te pueda elevar esa música.

Tal vez la vertiente de pop femenino en España está un poco denostada y hasta manida, diría… No se le tiene el mismo respeto que se le tiene en sus respectivos países a Laura Marling o si prefieres un ejemplo mayor, Joni Mitchell.
No sé, en Reino Unido hay una escena de música de grupos de todo tipo que generan esa escena y ese relevo (dependiendo de la generación). En España hay música, pero es todo como mucho más ecléctico. No hay una escena real; está la música supercomercial o la música más indie. Dentro de la música supercomercial hay muchos tipos de música, pero sí es verdad que dentro de la música indie hay una conexión entre las bandas, aunque no tiene la misma repercusión que en Reino Unido. No creo que se nos respete menos, creo que simplemente aquí la manera de vivir la música es distinta. Eso repercute en la atención que se le pone a cosas como las que podemos hacer La Bien Querida o Alondra Bentley con respecto a lo que hace Laura Marling o grupos de esa escena.

¿Sería entonces mejor el conflicto que la indiferencia?
Sí. Yo soy de las que opinan que resulta más interesante el personaje controvertido que el personaje que me deja indiferente. Me atrae más una persona que genera contenidos porque deja ver que tiene un mundo interno. Además de que así genera también un choque de opiniones.

¿Independientemente de la música?
Te hablo de cualquier tipo, alejado de la música, sea cine, fútbol, literatura o música.

En “Fuerteventura” se puede percibir un aire algo distinto a las demás canciones de este disco o de “I love your glasses”. Te hablo de canciones como ‘January 14th’, ‘Everyday, everynight’ o ‘Mi canción 7’…
¿Dices que si pueden dar la pista para un tercer disco?

Sí. Estas, en concreto, son mucho más movidas.
Bueno, mi música no camina hacia algo más movido. Siempre se va a mantener en unos tempos determinados. Creo que mi canción representa más a ese tipo de música más oscura y que suelo hacer porque también las había en el primer disco, como ‘Hold it inside’ o ‘Walls are tired’. ‘Everyday, everynight’ representa todo lo contrario; canción a medio tiempo, más abierta, muy amable al oído… Pero esos parámetros van a ser los que marquen mi estilo.

¿Y para el tercer disco no hay nada?
De momento sí. Tengo cosas. Estoy trabajando más con el piano y con la guitarra eléctrica. Son dos elementos que no tenía en mis discos anteriores porque siempre lo hacía con las acústicas o estrictamente con la voz. Ahora tengo otros instrumentos y el mismo sonido que desprenden te llevan por melodías distintas.

Si no me equivoco… era Charlie Bautista quien se ocupaba del piano, al menos en “Fuerteventura”.
Sí. Fue fundamental.

Mientras que en “I love your glasses” había cosas que no te gustaron nada.
Básicamente era una cosa que veía como estaba ejecutado aquello. Me cuesta escucharlo, simplemente. Supongo que tampoco correspondía a lo musical, sino que también a lo temporal, como el momento que yo atravesaba o algo. Al final con esas cosas no nos paramos a pensar el calado que tiene todo lo que está sucediendo y todo lo que estás viviendo mientras grabas esas canciones. Luego las escuchas y ya no sientes lo mismo. Sin embargo, con “Fuerteventura”, sí estaba en un momento increíble y muy dispuesta a todo, pues estaba rodeada de gente generosísima con un gusto musical increíble. Todo eso se refleja en el disco, por eso cuando lo escucho lo siento.

Por lo tanto… ¿“I love your glasses” sería como el álbum de fotos del instituto del que uno se avergüenza por las pintas que llevaba?
(Risas) Bueno, es una manera de verlo.

Noto también cierto paralelismo con Nick Drake. Además de que tienes una canción titulada así. Sus letras oscuras lo llevaron a un destino… pero claro, no puedo llamarte la “Nick Drake española”.
Hombre, su música es mucho más elaborada y mucho más oscura, en el buen sentido. Por otro lado, él tenía un lado muy dark que al final se vio por dónde lo llevó. Pero para nada me siento así. Son los elementos de los que te hablaba al principio; hay mucha melancolía y mucha nostalgia pero siempre con una puerta a la esperanza.

Y nada mejor que hacerse fuerte frente a las contrariedades.
Sí, la verdad es que sí. Ha sido algo que siempre he tenido claro desde pequeña y además he crecido buscando la compensación, para bien o para mal. Si sucedía algo bueno esperaba a que sucediera algo malo para que estuviera todo en equilibrio y me pudiera quedar tranquila.

El Karma, ¿eh?
Supongo, sí (carcajada).

Teniendo claro que basas tu forma de trabajar en la coherencia además de en la honestidad.
Pues sí. Son dos grandes valores de la música. La honestidad tiene que ser de verdad, tienes que intentar tener la fuerte necesidad de hacer una canción auténtica, porque, para empezar, la estás haciendo para ti o a las personas a las que vaya dirigida. Y luego está la coherencia, porque si no te lo crees tú no se lo va a creer nadie.

¿Y no te encuentras en conflictos interiores por exigirte cierta coherencia y eliminar canciones que no te creas?
Bueno, al final siempre se puede encontrar el hilo conductor. Al principio en “Fuerteventura” veía que las canciones eran muy diferentes de otras y que aunar todo eso -sónicamente hablando- en un disco iba a ser complicado. Pero al final sí que se puede si empiezas a investigar. En mi caso siempre estaba obsesionada con que fueran las voces habiendo trabajado en las maquetas con todos los coros y las armonías. Ahí fue cuando pensé en que aquello debía ser el hilo conductor del disco.

¿Cómo en una película?
Todo necesita un hilo conductor.

Con las elegantes canciones de Emma-Lee Moss, SON Estrella Galicia, de un fogonazo, abrió las puertas (a lo grande) para iniciar su etapa de exquisitos directos en el remodelado Teatro Lara en el presente año, ahora también ampliando su programación al madrileño Café Berlín. La sensatez en lo ecléctico de su programación reúne a un público muy diverso, siempre atento al grupo presentado y el encanto del recinto. Todos sus interrogantes acerca de lo arriesgado de estos directos se desdoblan en exclamaciones que concierto a concierto siguen sorprendiendo. Y atentos a lo que queda por llegar este año, que no es poquita cosa los artistas que se nos vienen encima. Han pasado por el Teatro Lara, desde Javiera Mena hasta Scott Mathew, ahora quedan Damien Jurado, Tinariwen, Cass McCombs, Robyn Hitchcock y Tindersticks. Ahí es nada. Nacho Vegas lo hará en Galicia. Maika Makovski en Valladolid, Bigott en Ourense y Manos de topo en Valladolid y también en Galicia.

Por eso, el público que se acercó a una desconocida en nuestro país, Emmy the Great, pudo disfrutar de lo que pudo ser y fue: un delicioso concierto, donde esta artista, con sólo dos acompañantes en el escenario, no presentó linealmente las canciones de su último “Virtue” sino que dio un recital de cómo con sólo tres álbumes de estudio (no olvidar su navideño “This is Christmas” publicado en noviembre pasado junto a Tim Wheeler) se puede uno quitar el sombrero, darse la vuelta y reverenciar lo que se le está presentando.

Y a pesar de que los interrogantes surgen de forma inexorable: ¿cuántas cantantes de folk-pop existen en el panorama actual?, ¿en qué se diferencian unas de otras?, ¿cuántas copian un pasado de country-folk, se arriman al antifolk más o menos despojado de adornos instrumentales (cuerda, viento, guitarras,etc), o al folk-pop más arrinconado en versos traviesos, pegadizos o aniñados?, en la distinguida diferencia está la causa de la lógica de un trabajo bien hecho. Y en eso consistió la noche madrileña de Emmy the Great. Todas las preguntas abiertas, las cierra Emma-Lee Moss de un portazo. Entrábamos en el terreno de lo irrefutable; lo acuoso del bajo, la voz aterciopelada y los arreglos estaban en su sitio. Y las canciones estaban medidas con tanta mesura como precisión, sobre todo enfundadas en la voz de esta cantante, con unos tonos agudos que casi cortaban la respiración.

Nada más lejos de la realidad. Huye de los estereotipos que puedan hacer de su folk confesional una filosofía más remarcable que el poder de sus canciones y el magnetismo de su voz. De ahí que si bien, el arranque de su concierto, con la religiosa “Eastern María” pueda esperar un concierto místico, el mapa y el territorio (como diría Michel Houellebecq, no comparto la pasión de la cantante por Jonathan Franzen…) de sus canciones dista mucho de ser trivial y poco destacable. Porque eleva el poder de sugestión de sus canciones mucho más allá de lo que se escucha en sus discos de estudio.

No es de extrañar que ahora mismo se encuentre escuchando las letras del genial Jarvis Cocker y Fever Ray: de lo brillante del pop del primero hacia la oscuridad electrónica de los segundos. O que haya colaborado con Noah and the Whale, Fatboy Slim o el gran Darren Hayman (¡qué espléndido su último álbum, por cierto!), y Simon Raymonde, de Cocteau Twins. Por eso dice escuchar a los artistas pop que llevan las cosas a nuevos lugares en sus momentos más extravagantes, y su música va de lo más sencillo hacia letras pintorescas, que huyen de lo estereotipado.

La compositora hongkonesa de tan sólo 27 años de edad, afincada en Londres y anterior miembro del grupo de Indie-folk Lightspeed Champion, tiene mucho que dar a la escena folk-pop ( o como queráis llamarla) actual y puede darse la mano e ir acompañada a la altura de Kate Nash, Laura Marling, Laura Veirs y tantas otras compañeras de reparto. Y sin que nadie se asuste por las comparaciones.

Las bandas, como muchos noviazgos, se las prometen muy felices al principio. Está bien montar el grupo con los colegas y hacerse un par de galas mal pagadas (si eso) por algún garito para que vayan los familiares y féminas del lugar. Pongamos que, en caso de una subida por un pelotazo one-hit-wonder, la banda toca en lugares un poco más decentes y despuntan un poco más. Puede ir mejor y el auge de la amistad se asemeja a cuando el alcohol hace efecto un viernes cualquiera entre los amigos (y ninguno pilla).

Los grupos nacen, crecen y mueren, pero durante su vida pasan momentos cruciales que marcarán la diferencia entre sus componentes. Para empezar, ¿Cómo se define realmente al líder de una banda si –supuestamente- están todos bajo un mismo nombre siendo iguales (en teoría)? ¿El que canta? ¿El que compone? ¿El más veterano? ¿El más guapo? ¿El que ha fundado el conjunto? ¿El que tiene los derechos del nombre? Hay casos en los que todos esos factores han coincidido, pero en el grueso de conjuntos se deberían preguntar este tipo de cosas. Bien. La banda, al comienzo, vota todo de manera democrática o por un consenso. Por todos es sabido que el sistema democrático es la razón de la mayoría, ergo las minorías tienen que aguantarse y tragar. Tal vez las primeras veces los miembros del conjunto en cuestión aguanten, pero la paciencia tiene un límite y los malos días hacen mucho también. Hay grupos que terminan firmando las canciones de manera conjunta y los hay que cada canción tiene su verdadero compositor. Tras varios EPs, maquetas, singles y un LP de cierto éxito, ciertos músicos miran sus cuentas corrientes y reparan en que no todos ganan lo mismo:

-Oye, ¿por qué yo no gano tanto como tú?
-Fácil; pues porque yo compongo y tú te limitas a tocar.
-¡Pues no es justo!

Por ahí empiezan muchas rupturas y peleas que duran años y años. Los roles entre los músicos de una misma formación están muy marcados y a veces asumidos, pero esto cambia cuando no todos son tan iguales como creían. Realmente una canción nunca va a ser compuesta exacta y escrupulosamente por igual entre todos debido a que siempre hay un pequeño porcentaje más alto que el resto. Uno puede llevar la letra, otro las melodías, el de allá las bases y aquel se encarga de los arreglos. ¡Ojo! Que no tiene que ser así por fuerza, pues en cada canción la forma de composición varía pese a que el porcentaje nunca es el mismo. Habría que añadir también la predisposición al trabajo encontrándose al que se lo toma más en serio y al que después de la gala prefiere estar ligando. Nótese estas actitudes en los ensayos teniendo al que no falta nunca y trabaja cual esclavo contra el que pasa de ir porque prefiere hacer macramé y eso es una pérdida de tiempo. ¿Quién, entonces, debería cobrar más ahí?

Otro punto a tener en cuenta es el trabajo y la evolución. Está el miembro que dicta en las composiciones marcando un estilo sin dejar que los demás aporten ideas por muy buenas que sean. Luego hay quien deja que de vez en cuanto otros compongan y aporten ideas. Pero vuelven las proporciones y porcentajes.

-¿Por qué al final en el track-list sólo hay tres canciones mías de cinco que compuse?
-He decidido que esas queden fuera porque no encajan con el estilo.
-Pero había que darle un giro a nuestro sonido y evolucionar.
-Esto es lo que hay. Hacemos rock and roll, no blues.

Dar el brazo a torcer nunca viene mal en ese sentido. El “compositor-jefe” se levanta de buen humor y decide escuchar las sugerencias e ideas de otro compañero. Este le trae una letra y unos arreglos para montar una canción. Pueden pasar tres cosas:

-Que guste la canción y decidan trabajar sobre la idea.
-Que aunque sea buena no quiere que nadie le pise el liderazgo.
-Que la aportación sea nefasta pero aun así le den varias vueltas para comprobar que es tan mala como parece o que de la sorpresa al dar un giro.

Sea como fuere van a terminar mal sí o sí. Llega el día en el que al que ofrece la idea le sienta mal el rechazo de la misma o que el “compositor-jefe” pasa de escuchar más propuestas que no salgan de su mismísima cabeza. Las influencias son muy dispares y los músicos son cada uno de su madre y de su padre aunque al formar una banda tengan algunos nexos comunes. La evolución es un paso natural que determina el crecimiento de las aptitudes y actitudes por distintos caminos. El primer disco marca mucho la trayectoria del grupo, son las canciones más auténticas, hechas con todo el tiempo del mundo, sin presión de una compañía, pues un sello marca un tiempo determinado para componer, y ahí también se determina bastante la trayectoria que va a seguir la banda, bien por las modas o por “lo que digan desde arriba”. En este caso se verá la personalidad de la banda y la integridad de su obra frente a los intereses comerciales de su disquera. Hay muchos factores que al principio pueden marcar en el futuro… Ese primer paso que sonaba más crudo pasa a ser más pomposo en el segundo dando lugar a una sobreproducción en el tercero que, casualmente, arrasa en las radiofórmulas y da tanto dinero y tan buenos resultados que el siguiente y cuarto plástico es muy similar, provocando que los siguientes trabajos carezcan de personalidad llegando así al estancamiento y una desazón común que al final termina pro ser lo único que una a cuatro tíos que no se aguantan tras más de veinte años de convivencia.

-¡Teníamos que haber seguido por la vertiente blues!
-Pues no, lo mejor era haber echado al productor porque mi bajo ni se escuchaba.
-Yo creo que mi idea de meter más guitarras era lo mejor.
-Ya os dije que las programaciones no iban a funcionar…

Y si la cosa pinta en bastos, se le puede añadir al teatrillo un mánager/colega/novia tocapelotas para hacer leña del árbol caído:

-Esto os pasa por no haber hecho caso a Fulanito, que es mi novio y muy listo y los demás no sois más que una panda de fracasados.
-Oye, aquí el fracasado es tu pagafantas, que por cantar se cree el mejor mientras yo compongo.
-¡Eh! ¿¿Y yo?? Curro como un cabrón con las melodías.

El dinero, los egos, las competencias y el pisarse el terreno conducen a la ruptura. Con este tipo de situaciones pasan cuatro cosas:

-Que el grupo se disuelva y cada mochuelo a su olivo.
-Que el cantante monte una banda por su cuenta y el resto haga su vida en solitario.
-Que uno de los componentes se quede con el nombre y contrate a cuatro mercenarios en un intento de relanzar el grupo.
-Que cambien de cantante directamente.

Es en ese punto donde se demuestra realmente quien tenía talento en esa sociedad. Ya puede ser uno muy guapo y tener mucha presencia que sin talento no se va a ningún lado. Por ejemplo: el cantante se va, bien porque le han echado o porque ha decidido irse por su cuenta y liberarse con otros proyectos. Si es bueno de verdad va a tener una carrera sólida y hasta más larga que la de su banda, aunque siempre tendrá esa cicatriz en su carrera. En cambio se vería también el camino de los demás enseñando que con otro cantante pueden seguir adelante. Los fans, como es lógico, querrán al cantante original y no a un mono titiritero que ni canta igual ni nada. Es evidente que son músicos y aunque uno de los miembros abandone el proyecto común todos tienen derecho a ganarse el pan haciendo lo que hacen, por lo que no debería molestar que sigan caminos diferentes entre el cantante y el resto. Pasa el tiempo y el cantante que dejó atrás a la banda ha triunfado y ha crecido de tal manera que el nombre de aquel grupo ya es agua pasada. Por el contrario, sus antiguos “amigos” no se han comido un colín con el nuevo cantante y aunque mantuvieron un éxito curioso tras la escisión, las ventas han caído en picado y por consiguiente son despedidos de la discográfica dando a parar a otros sitios no tan reconocidos.

Evidentemente se puede dar (que se ha dado) el caso contrario, donde el cantante se ha comido los mocos y el resto ha seguido cosechando un éxito arrollador con otro front-man. Importante es saber llegar al listón anterior y superarlo con creces si no se quiere morder el polvo. ¿De qué sirve haber creado un legado mítico si luego se monta una pseudobanda bajo el mismo nombre pero de inferior calidad? Si el vocalista tiene orgullo pasará de lo que fue su pasado de juventud y aguantará carros y carretas haciendo lo que hace aunque sea de un dudoso gusto.

Y si antes se ha advertido de las intenciones de los A&R, directores y demás fauna discográfica por cambiar el sonido inicial, también sería de menester tener presente que detrás de algunos intereses económicos se esconde el plan de influir negativamente entre los componentes para que terminen peleados, disuelvan el conjunto y el vocalista termine en solitario lanzando un disco con esa mismo sello en un alarde de estrategia comercial.

Pero puede tragarse ese ego y volver con el rabo entre las piernas al redil tras haberse desfogado con una serie de trabajos experimentales que no le han llevado a ningún lado. Es como el amigo que un día se echa novia y se olvida de la pandilla. Tarde o temprano discutirá con su pareja y lo dejará, volviendo así otra vez con sus compadres. Bastante común, ¿verdad?

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Artista: Exxasens
Título: Eleven Miles
Sello: Aloud Music Ltd
Fecha de publicación: 11 de septiembre de 2011
Más información: http://www.exxasens.com

Listado de canciones:

Science will save us
Helios
Constellation
Eleven miles
Baikonur
Eclipse
Rise up
Nebula seven
Casiopea The goodbye song

Reconozco que no soy un fanático ni de sus dos discos de estudio ni mucho menos de sus directos, que me parecen bastante tramposos. Su segundo álbum, “Belong” se me desinfla en cada escucha (sobre todo en su parte final) y lo mismo me ocurre cuando presentan en vivo sus canciones, que me resultan a medio hacer, como si no terminasen de cuajar sus melodías, a pesar de los arañazos de las guitarras y los golpes de efecto en la inmediatez de muchas de sus canciones. Tiran a la manzana pero dan en el tronco. Y sólo saltan astillas en momentos contados de su directo, que no alcanza la altura que se podría exigir a un grupo con un puñado de composiciones que dan para mucho más que esa sensación de dar guerra y quedarse agazapado en la trinchera.

El dream-pop de la voz aniñada de Kip Berman no me lo creo, ni tampoco el noise-pop de lo cristalino y pegadizo que puede llegar a ser un golpe de efecto como “Heart in your heartbreak”. Sueñan a ser grandes en su mundo twee-pop y entregar una fiesta, pero la fiesta es pequeña. Y deseando vestir de largo sus temas se quedan en pantalones cortos.

Pero claro, a las primeras de cambio, cuando suena la canción que abre su último álbum,“Belong”, (de lo mejor que han compuesto hasta la fecha), la gente empieza a menear la cabeza. Y el resto del repertorio, donde no consideran que cambiar las canciones sino pegar el álbum a sus seguidores es su clave de identidad, suena muy evidente; el no querer hacer trampas les delata y el no arriesgarse aún más. No les veo garbo ni gracia y, por esa razón, no me acaban de convencer, lo cual (insisto) no quiere decir que no tengan canciones para hacerlo mucho mejor. Ahí tienen “Come Saturday” para poder demostrarlo. Pero el conjunto suena muy obvio, casi trillado, y sin ganas de sortear ningún escollo. Contaban, además, con la ventaja de jugar con el escenario de la Joy Eslava, donde las voces se escuchan realmente bien. Pero, para su desgracia, aún les queda la mitad de camino, por lo menos, para llegar a ser The pastels.

Para algunos, con sólo dos álbumes de estudio tienen su tierra ganada. Para muchos otros, se han quedado en la Tierra Media, con muchas batallas por ganar y controlar su mundo, y eso que pasean sus canciones por nuestro país cada dos por tres. Pero en directo, a pesar de sus entrenamientos, se quedan muy, muy justos.

Es hora de ponerse sincero. Carlos Tarque, vocalista de M Clan, repasa lo que ha sido el punto de inflexión marcado entre “Memorias de un espantapájaros” (Warner, 2008) y “Para no ver el final” (Warner, 2010). Cambios en la estructura y componentes de la banda, giro del sonido y soldiez en la actual formación. Además de los varapalos varios que han provocado una visión bastante más seria y serena a la vez. El porpio Tarque charla con Charly Hernández sobre estas historias y vicisitudes.

Igual es un poco bruto lo que voy a decir, pero observo que esta “madurez” natural del sonido ha sido un poco “la letra con sangre entra”. Vamos, que habéis aprendido a hostias. También está el fallecimiento de Pascual Saura, aunque él ya no estaba en “Para no ver el final”.
Pues sí, lo de Pascual fue verdaderamente una hostia. Pero el cambio del sonido del disco no tiene que ver con esas “hostias” que dices, sino con una evolución natural de que pasa el tiempo y de que un artista va buscando y encontrando. No se trata de recibir palos. No necesitas ser un bluesman del Mississippi al que le han dado con los látigos en los campos de algodón para tocar un estilo de blues. No creo que todo tenga que ser tan fiel a la realidad. Lo que sí es cierto es que nosotros vamos escuchando música, vamos madurando y creciendo. Somos un grupo que viene de un largo recorrido y al que todavía le queda por recorrer, por lo tanto todavía nos queda tiempo para seguir aprendiendo y para hacer cosas que realmente nos llenen.

Ya sabes, en “Cadillac Records” se decía que Muddy Waters cantaba al dolor mientras que Etta James vivía el dolor. Entonces, tras lo anteriormente comentado me queda la duda de si vosotros le cantáis al dolor más que vivirlo.
Bueno, ya que estamos profundizando en esto… creo que el hecho de cantar ahuyenta a los malos espíritus y exorciza. Es una cosa muy antigua de los ancestros. Nosotros, y en mi caso como cantante, creemos que la música es un bálsamo que está hecho para aliviar. Eso es lo que era el blues al igual que el flamenco o el tango, un montón de músicas que sirven para sacar lo que hay dentro. Una terapia. En nuestro caso ha sido así, aunque no ha sido algo pretencioso, pues no queremos curar el espíritu de nadie, sino simplemente pasar un buen rato y hacer música. Pero si lo conseguimos… pues mira.

Hombre, si curáis alguna vida… mejor.
(Risas)

Pero lo que sí es cierto es que este disco es de vinilo. Es ideal.
Hicimos una tirada de quinientas copias a la salida del disco y al mes se agotaron. También tengo que decir que para el vinilo se hizo una masterización diferente. La verdad es que así suena mucho mejor. Yo lo tengo en vinilo y en CD. Pero ya te digo, se agotó al mes, así que yo creo que hay un interés por la recuperación del vinilo y por el sonido añejo.

Ha pasado muy poco, pero… ¿cómo ves que le ha afectado el tiempo a este disco?
Pues bien. Tiene poco más de un año, por lo que no puedo ver mucho, pero ha funcionado muy bien, bastante bien para como está el tema. Además, tanto en ventas como en directo porque este último ha sido increíble. Toda esa movida de los metales nos ha colocado en un sitio muy interesante porque se ha llegado a la gente que no es melómana y a la gente que lo es mucho. Conseguir eso es muy importante, así al menos lo creo yo. Encontrar un sonido grande y apoteósico.

Indudablemente esto dejaría claro que sois más un grupo de espacio que de volumen.
Sí, totalmente. Y cada vez más, incluso. La diferencia entre el CD y el vinilo es precisamente esa. Es lo que tú dices, el CD está en un mismo plano, es más contundente y está comprimido. En el vinilo se escucha mucho más el aire, lo que hay en una sala de grabación. El bajo es mucho más agradable, la batería es más cálida… se acerca más a la realidad.

No es que sea exacto, pero si tiene esa forma especial de “Un buen momento”. Además se grabó en Memphis contando con los coros de Susan Marshall. Pero a lo que voy, esto no se trata del tópico de volver a lo añejo.
Sí. Todos los discos que hemos grabado se han hecho de la misma manera, o sea, tocando todos a la vez. Aunque luego se han hecho recordings donde se han tocado la batería y el bajo, pero nosotros funcionamos así, vamos al estudio y grabamos todo. “Coliseum” es el disco que más defienden nuestros seguidores de la primera etapa (y que más defiendo yo), pero es el disco más cortado, más editado y más producido que tiene M Clan. El más retocado, vaya, en el que más tomas se ha hecho. Precisamente por ser el segundo.

Aunque actualmente no sean necesarias las metáforas y los arreglos…
Bueno, lo que ocurre con los arreglos es que hay que tenerlos un poco antes de ir al estudio. Yo creo que si el grupo evoluciona se sabe ver la frescura de una toma. Aunque no tiene que ser ni una cosa ni otra, las cosas han de estar bien hechas y lo mejor posible. Es cierto que hay tomas que son más frescas y si no consigues una mejor vas a ir a por la que tenga más acción. Tampoco quiere decir que “esto ya está porque lo hemos hecho así”, no, simplemente se trata de hacerlo mejor. En general hacemos las tomas al ochenta por cien, salvo la voz, que se suele grabar por otro lado. Todo lo demás es en directo.

¿La coherencia por bandera?
No es coherencia, es que nosotros funcionamos así. A la hora de llevarlo al directo es muy fácil que suene tan parecido. Me hace gracia cuando me dicen que sonamos en directo igual que en el disco. ¡Joder, si es que somos nosotros! Tal vez a otros grupos no les pasa, pero nosotros somos así y es como mejor nos sale. Pienso que hay estilos que tienen una manera y otros tienen otra, con cosas enlatadas que consiguen llegar de otra manera. Nuestra propuesta es la de la artesanía.

Con el cambio de músicos (la reestructuración de la banda, mejor dicho), ¿costó más la adaptación del estudio al directo al ser músicos nuevos en M Clan?
No. La verdad es que no, porque esta gente son músicos que han tocado en muchos otros discos y tienen también una cultura musical muy amplia, o sea que no es gente nueva en esto. Son músicos herederos de la música antigua y de la música clásica del pop y del rock, entonces ellos ya sabían como iba el tema. Fue muy fácil con ellos. Hicimos primero unas pruebas, luego unos ensayos y más tarde grabamos. Ellos son grandes músicos, entonces no fue difícil.

Antes de todo esto está (o estaba) “Memorias de un espantapájaros”, que era el disco que ha vaticinado el paso hacia la introspección.
Sí. Fue en un momento en la vida del grupo en el que decidimos buscar por otro lado. Son planteamientos que un músico se hace de vez en cuando. Cuando llegue el momento haremos otro y pensaremos que esto ya ha dado de sí y que habrá que ver hacia donde vamos. Por ahora sí que andamos por ahí y seguimos esa estela porque nos ha gustado, nos sentimos cómodos por todo.

¿Cómo una bifurcación? Me refiero a que el camino se dividía en dos: o M Clan seguía o M Clan se disolvía.
El grupo se pudo haber roto y pudo haber seguido en varias ocasiones en dieciocho años. Después de “Coliseum” se pudo haber roto, por ejemplo. Ha habido altibajos a mogollón. Después de “Retrovisión” hubo otro planteamiento. Pero el grupo no se rompe tan fácilmente porque tiene una raíz muy fuerte, ¿sabes? Ahora mismo M Clan no es algo frágil, sino todo lo contrario, es algo muy sólido. Es como un árbol al que se le caen las hojas, pero ahí sigue. Por eso te decía antes lo del largo recorrido. Es más, incluso ahora es más difícil que se rompa el grupo, comparado con la primera época.

Como una pareja que discute y el reencuentro los hace más fuertes, ¿no?
Sí, sí. Lo bueno es que nosotros ya no discutimos porque sabemos a donde ir para no hacerlo y también que dirección tomar para que funcione todo bien.

Uno de los caminos es, en parte, huir del mainstrean, pero exactamente se basa en saber exactamente donde no hay que tropezar.
Pues hombre, sí. Lo del mainstream es una cosa que… en España es una cosa muy rara. Pero juro que no hay una intención premeditada, es simplemente encontrarte cómodo con una historia. A mí me encantaría que, de repente, un tema de nuestro siguiente disco fuese número uno de todas las emisoras comerciales. Me encantaría, pero creo que no va a ser así porque seguramente no da el perfil. Pero no es porque yo no quisiera vender un millón de discos, porque me encantaría ser mainstream, pero hacerlo yo y que no lo ordenen los medios. Podría ser mainstream como lo son Red Hot Chili Peppers o algo así.

Es lógico que en el mainstream (al igual que en el indie) ni todo es malo pero tampoco es todo bueno.
Sí, aunque la verdad es que las etiquetas del mainstream y del indie me dan un poco igual. La música es música… y lo demás me da igual. Todo lo demás es mentira y prejuicios que están cortando la libertad artística. Hay que preocuparse por hacer una canción lo mejor posible y ya está. Ser auténtico. ¿Qué luego vendes cien mil discos? ¿Qué no vendes ninguno? Pues mira, eso ya depende de cada uno, aunque ahora no se vende. Hay gente que está más preocupada de eso que de hacer una buena canción. Yo ya te digo, según va pasando el tiempo cada vez me va dando más igual porque al final harán cosas que la gente ni se creería.

Haciendo un símil; el mainstream sería el colegio (porque el panorama comercial español es un patio de colegio) o el instituto o Universidad. Parece, bajo mi punto de vista, que os lo habéis saltado y estáis en el momento del estudiante que se encuentra sin trabajo. Vamos, algo más duro.
Pues hombre, no sé. Diría que sí porque las letras fueron cambiando y se llegaron a unos sitios más aceptados. Pero yo creo que la Universidad es esa, la que uno hace. Nosotros hemos ido al colegio, al instituto, a la Universidad… y ahora estamos en tal cátedra y después seguiremos haciendo un máster. Lo de saltarse la Universidad… ¿quién es el que pone esa Universidad?

Yo diría que son las radiofórmulas y las etiques establecidas.
Sí, totalmente. La verdad es que… en fin.

Aun así es complicado llegar de forma sonora y lírica a distintos públicos.
Es que puedes llegar a distintos públicos pero no a todos. Sinceramente, tampoco queremos llegar a todos los públicos. Los seguidores de M Clan salen muy contentos de los conciertos. Pero no deja de ser complicado, pues hay música que entra más fácilmente o más directa que otras. Nuestros últimos discos no son tan directos, por así decirlo.

No son directos pero tienen algo bonito: empatía.
Sí. Me alegro que así sea. Y me alegro porque no queremos hacer un criptograma para que la gente no sepa que cojones estamos diciendo. Ha habido veces en que sí nos hemos metido en letras un poco más densas y hemos tenido que suavizar. Hay que ser muy bueno para ser denso y llegar. Hay grupos que te cuentan muchas cosas y no llegan, tío. Un artista tiene que transmitir y si no transmite… malo.

Posiblemente eso haya provocado la edición de “Sótanos, tierra y montañas rusas”, tu libro de textos junto con fotos de Thomas Canet.
Exacto, aunque eso ha sido una aventura única y novata para mí. Pero estás en lo cierto, tío. Mucha gente lee el libro y ve cositas que luego aparecen en las canciones. Es como una especie de making off de algunas canciones que clarifica o que amplía un poco el mundo “emeclaniano”.

¿Estás componiendo ahora?
Sí, estamos haciendo dos temas nuevos para el disco que saldría en Septiembre del año que viene, al menos eso pretendemos. Pero seré sincero y te diré que nos está costando, aunque es siempre así. Los partos de los discos cuestan aunque hay un momento en el que salen, pero al principio están ahí las contracciones, los vómitos y todas esas movidas. Como un parto cualquiera (risas).

Manteniendo el camino de la música de raíces, Enrique Bunbury edita “Licenciado Cantinas“, un álbum que mira a la música panamericana desde los ojos de la instrumentación norteamericana. Son versiones, sí, pero esto no significa que vaya a perder calidad, todo lo contrario. El ciclo que terminó con “Las Consecuencias” (EMI, 2010) y “Gran Rex” (EMI, 2011) ha dado pie una nueva remesa de canciones lejos de las manos de EMI, pues “Licenciado Cantinas” es una autoedición que lleva el sello de Blanco & Negro. ¡Ojo! No por ser así el músico iba a estar más liberado, todo lo contrario, pues tener una caja de discos bajo la cama lo puede hacer más desdichado.

En lo que al contenido se refiere; el LP (inmejorable) fue grabado en SonicRanch, Tornillo (Texas) con su banda habitual, Los Santos Inocentes, que ya han alcanzado el grado de madurez suficiente junto a Enrique Bunbury. A ellos se les une el versátil percusionista Quino Béjar, culpable del giro sonoro orogándole al conjunto una rica composición de ritmos africanos, caribeños y latinos, tal y como se puede apreciar en piezas como ‘El día de mi suerte‘ (de Willie Colon y Héctor Lavoe) o ‘Chacarera de un triste‘ (de los Hermanos Simón). Francamente, la mayoría de sus seguidores no iban a arrimarse al ballenato o a la cumbia, pero gracias a este revisión, Bunbury ha acercado la familia musical panamericana al pueblo y, de ese modo, mostrar el buen hacer de grandes figuras, como la de Eliades Ochoa haciendo sonar su garganta y guitarra en la tradicional ‘Mi sueño prohibido‘. El single ‘Ódiame‘ (de Federico Barreto y Rafael Otero López) ha funcionado pefectamente como introducción a este viaje que recorre la espina dorsal del continenten americano, un arte de presentación que comparte protagonismo con la instrumental ‘El mar, el cielo y tú‘ (de Agustín Lara), siendo esta última la encargada de abrir el cancionero.

Por momentos suena a tex-mex, como la banda sonora de “Crazy Heart“, interpretada (entre otros) por Jeff Bridges y Ryan Bingham de la mano de T-Bone Burnett. ‘Ánimas, que no amanezca‘ (de Guadalupe Ramos) es la clave que hace de puente con los dos hemisferios. El acordeón de Dave Hidalgo (Los Lobos) rememora lo que también hicieron The Felice Brothers o Bob Dylan en “Together through life” (Columbia, 2009). Dentro de ese traje de terciopelo se encontraría también ‘El Mulato (Licenciado)‘ (de Ricardo Ray & Bobby Cruz) con un exquisito y delirate final que, a base de distorsión, enlaza con la guitarra de Dave Hidalgo dando la salida a ‘El Solitario (Diario de un borracho)‘.

De acuerdo, “Licenciado Cantinas” no es una banda sonora al uso, pero sí es cierto que narra las desventuras de desamor y arraigo del personaje del Licenciado Cantinas. Podría decirse que es un cancionero perfecto para el amor despechado y todas sus fases. Las últimos tragos se antojan tristes con canciones de alto contenido en amor alcoholizado dentro de’Cosas olvidadas‘ (de Antonio Rodio y José María Contursi). Totalmente arrabalero. El drama de los versos acontecidos en ‘La tumba será el final‘ (de Francisco Vidal) fluye con la nostalgia que le da “Flaco” Jiménez (al acordeón) hacia un emocionante y solemne final que, por obra y gracia de Atahualpa Yupanqui, hacen amanecer la tristeza dándo la mano a ‘El cielo está dentro de mi‘ y la armónica de Charlie Musselwhite.

La sangre circula por las “arterias” (así es como se iba a titular este trabajo en primer lugar) llevándose las almas y corazones de los perdidos en la vida con “Licenciado Cantinas“.

Salidos de los buenos tiempos del “Getxo sound”, Zodiacs regresan haciendo borrón y cuenta nueva con un sexto trabajo discográfico. “Radiaciones luminosas” es la manera que han tenido de ponerse serios frente al pasado más inmediato y a lo que manejaba su propia música. Grabado por Paco Loco en El Puerto de Santa María, “Radiaciones luminosas” es la psicodélia salvaje que rememora el pop-rock más olvidado de los años sesenta en España. Además se autoeditan ellos mismos, por lo que manejan absolutamente todo el trabajo. Cambio de banda, cambio de sonido y cambio de aires. No es empezar completamente de cero, pero sí preguntarse que hacer con la vida y con su propio trabajo. Lander (bajo), Ignacio (voz y guitarra), Gurru (batería) y Adrián (teclado) se muestran tal y como son en esta entrevista firmada por Charly Hernández.

Un cambio radical de sonido que… ¿tiene que ver también con el cambio de formación?
[Ignacio]: Sí, evidentemente. El cambio de formación ha influido en el sonido. La verdad es que todos estábamos buscándolo. La vida de la banda se encontraba en un momento raro. Desde que Gurru y yo montamos la banda en 1999 hemos intentado dar con un cambio de aires en general.

[Gurru]: Con el rollo del teclado habíamos pensado llevarlo más al directo. A ver, en nuestros discos siempre había teclado, pero en este último está más presente que nunca. Ahora tenemos a Adrián, que toca de puta madre y maneja muchos sonidos.

[Ignacio]: Sigue estando esa esencia, pero ha habido un cambio la base que había en Zodiacs, ahora hay un toque diferente.

Mientras se mantenga el espíritu inicial…
[Ignacio]: Pues sí, porque las canciones las sigo haciendo yo, aunque también está el curro de la banda, claro. Pero ya te digo, cuando decidimos hacer este disco y seguir con el cambio ya había canciones compuestas, ideas y cosas avanzadas. Cuando entraron los nuevos integrantes al grupo empezamos a darle forma a esas canciones y, evidentemente, cambian.

Haber grabado con Paco Loco también influye.
[Ignacio]: Cierto, también. Pero influye hasta cierto punto porque nunca hemos repetido productor. El primer disco lo produjo Little Fish, el segundo Fernando Pardo, el tercero Nigel Walker, el cuarto Álex Olmedo, el quinto es en directo donde también estaba Rosillo. Este sexto, como bien dices, es Paco Loco, con lo cual no ha habido una repetición. Pero sí que es verdad que ha habido algo más que ha propiciado ese cambio, esto ha sido por la entrada de Lander y Adrián.

[Gurru]: Lo que ha hecho Paco ha sido sacar justo el sonido que queríamos. Tampoco lo hablamos mucho antes de grabar. Él, con la utilización de ciertos instrumentos, ya sabía como hacerte sonar. Además, la producción es antigua, por lo que suena a disco viejo también por la mezcla.

Ahí quería llegar. A mi parecer, el disco suena psicodélico, pero no es psicodélia, digamos, estándar, sino que es tipo pop español de los años sesenta, como Los Gritos, por ejemplo.
[Ignacio]: Sí, tiene un rollo de eso. Hablamos con él de lo que queríamos hacer y dio en el clavo. Se hizo todo con una mesa analógica, en cinta…

[Gurru]: Y que se ha grabado en directo. Eso le ha dado mucho toque también.

[Ignacio]: Está grabado muy en directo. Incluso los teclados. Íbamos con la idea de meter los teclados más tarde, pero Paco dijo que sería mejor en directo.

¿Han cambiado mucho esas canciones desde que eran ideas hasta su resultado final?
[Ignacio]: En cuanto a estructura no ha cambiado nada. Bueno, menos una, la versión de ‘Mi calle’.

Bueno, esa no contaba (risas).
[Ignacio]: En esa llevábamos la misma estructura que la original de Lone Star, pero Paco nos sugirió cambiar algunas cosas y tal. Fue más bien idea suya.

Del palo de Triana, incluso.
[Gurru]: Sí, ¿verdad? (Risas)

[Ignacio]: Es que hay dos versiones; la del CD y la del vinilo. La del vinilo es una ‘jarta’ de puta madre.

[Gurru]: La versión real es la del vinilo. Luego hicimos una “escuchable” y en la masterización la cortamos porque la otra era una ida de olla, más oscura y tal. Mucho fuzz y mucha paranoia.

¿Sería entonces algo que estuviese más cercano del rock progresivo?
[Ignacio]: Pues la verdad es que también nos hemos fijado en eso puesto que Adrián tiene en mente a grupos como Yes, pero yo creo que hasta ahí no llegamos (risas). Nos queda muy grande el rollo del rock sinfónico o del rock progresivo, la verdad.

Pero en ‘Satanás’ hay una “columpiada” de cuerdas bastante interesante.
[Ignacio]: Así es. Esa fue una de las ideas de Paco. La verdad es que nos pareció muy guapa.

[Gurru]: Él la soltó ahí como… bueno, a ver que sale. Llegamos una mañana de baño matinal en la piscina (risas) y nos enseñó lo que hizo. A nosotros nos gustó tanto que nos pareció perfecto. Aunque a decir verdad nos partimos porque pensábamos que estaba chalado (risas). Pero lo quitó, puso la canción sin aquello y ya vimos que realmente le faltaba algo a la canción. Así que se volvió a poner.

Con la sección de metales de ‘Pilotos del aire’ pasa lo mismo, fue una idea de Paco. La oímos y dijimos: “venga, para el disco”.

Y también suena el Omnichord, que entró sí o sí.
[Gurru]: Sí (risas).

Antes he mencionado que el disco suena tipo Los Gritos y demás grupos, pero hay un detalle en ‘Kowalski’ que me ha llamado muchísimo la atención y que además es muy cañí. Dice así: “me sigue muy de cerca la Guardia Civil”. Así un poco Los Chichos y tal…
[Ignacio]: ¡Muy buena! (carcajada). No sé, me gustó. Adrián me preguntaba si no podía rimar con otra cosa, como con policía o algo así… pero no, me gusta decir Guardia Civil (risas).

Hombre, sin un R-5… la cosa cambia.
[Ignacio]: Ya, ya (carcajada).

Y no podían faltar las mujeres, ¡por Dios! ‘María La Serpiente’ tiene una letra con mucha referencia. Aunque el título de ‘Gloria en la azotea’ me suena tan indie-naïf…
[Ignacio]: “María La Serpiente” tiene esa letra porque el tío está destrozado…

…y es el tema lacrimógeno del disco.
[Ignacio]: Correcto, pero los desengaños amorosos siempre han dado buenos temas después del desencanto. La melodía de esa canción, cuando sacamos la melodía, vimos que era un dramón.

¡Y épica!
[Ignacio]: Y épica, eso es. Además con los coros…

[Lander]: Que curiosamente era la que menos le molaba a Paco.

[Gurru]: Bueno, yo creo que no estaba muy convencido del coro, pero la canción si que le gustaba, ¿no? Recuerdo que decía: “yo soy anti-ooohs”. (Risas)

Pero tíos, me decanto por mi favorita, que es ‘Balada de un enterrador’.
[Gurru]: ¡Amigo, ahí te hemos visto! Particularmente también es nuestra favorita.

Quizá destaca más por no ser tan “sixtie” y por tener el ritmo western parecido a ‘Apache’ de The Shadows.
[Ignacio]: Sí, sí. Ahí estuvimos mirando ese rollo porque la canción no nos sonaba así, pero cuando estábamos tocándola con la guitarra, de manera cruda, nos empezaba a recordar. Después, al meterle el fuzz, nos estuvimos fijando en como lo hacían en los ochenta y el modo revival de garaje, como The Cynics o grupos así.

[Gurru]: Y el teclado es brutal, hay momentos en los que casi se rompe.

Sin duda alguna, el teclado es lo que le ha dado mucha fuerza al total de “Radiaciones luminosas” por el protagonismo que tiene.
[Ignacio]: Eso es lo que pensamos en todo momento y no tener el teclado como un colchón para rellenar, sino como una guitarra más. De hecho intentábamos afinar al máximo para que pareciese una guitarra.

[Lander]: Paco pilló ese rollo a la primera y en las mezclas estaba constantemente con eso.

Y la percusión también es la hostia.
[Gurru]: Pero esas cosas también fueron cosa de Paco. Hay cosas muy grandes.

Bueno, dejemos claro que el disco lo habéis grabado vosotros y no Paco Loco (risas).
[Gurru]: Claro, ojo con eso, que la percusión no la grabó Paco (risas). Aunque en alguna si mete él la percusión. Pero aunque haya tocado percusión en algunas canciones, nosotros hemos tocado todo. ¡Que conste en acta! (Risas)

Y siendo este el sexto disco… os autoeditáis ahora. Supongo que estaríais hartos y cansados de tener a una discográfica ahí…
[Ignacio]: Sí. Estábamos cansados y también un poco hartos. Te diría que desde el primero, pero no fue así porque nos lo compraron ya casi hecho, pero desde el segundo hasta este hemos dependido de una compañía independiente que funcionaba a un ritmo que no era el adecuado. Luego pillamos una multi, pero también funcionaba a sus tiempos… Era o “rápido, rápido, que hay que sacar ya un disco” o “espérate, que todavía no hay que sacarlo”.

Siempre hemos dependido de otros para entrar a grabar. Hemos tenido momentos chulos donde las cosas han ido bien, pero ves que no puedes estar así. Una banda desespera, tío. A no ser que sea un bandón que mueva millones…

Bueno, ahí están los Stones.
[Gurru]: También es verdad. Incluso hay bandas españolas que están igual. Lo que queremos es manejar nuestros tiempos porque al final es lo más importante. Pero la autoproducción tiene también un handicap que es currar mucho. Es un trabajo inicial muy grande. Una inversión –no solo a nivel monetario- sino a nivel de tiempo. Pero bueno, la ilusión que tenemos y que mantenemos es algo que ha hecho que esto siga para adelante.

También fíjate como está el rollo de la Industria. Todo es bastante caótico. Lo mejor es manejar tu producto de alguna forma.

[Lander]: Y que nadie te coarte.

¿Os han impuesto un productor durante las etapas pasadas?
[Ignacio]: No, en ningún caso nos lo han impuesto, pero sí los tiempos, ahí si que lo notábamos. Y en ciertas maneras, también. Con el primer disco faltaban temas y tiramos de canciones viejas. Con el segundo ya nos tuvimos que esperar y hasta que entramos a grabar pasaron cinco meses. Todo estaba mirado con lupa. Iba muy lento todo.

Sin embargo parece que el trabajo es más ligero, aunque, como dice Gurru, el curro inicial es bestial. Eso sí, el disco sale totalmente como queríais, haciéndolo para vosotros, ¿no?
[Ignacio]: Claro, eso es: el “cómo” y el “cuándo”. Eso ha sido importante también para el público. ¿Sabes lo que pasa? Que si estás en una compañía te dirigen hacia un sector. También nosotros tenemos la suerte de tener cierto bagaje, pero nos dirigimos a todos.

[Gurru]: En principio, a nosotros mismos porque así hacemos lo que nos da la gana y salen canciones como ‘Kowalsky’, por ejemplo. Nos gustan esos dos rollos ya que tienen puntos en común. El sonido es totalmente distinto al “3, 2, 1…”, es totalmente distinto. Es que es eso, nos mola el sonido de uno y de otro. Puede parecer algo heterogéneo pero no es malo que sea así.

“3, 2, 1…”, comercialmente hablando, significó mucho para Zodiacs.
[Ignacio]: Habíamos entrado en un punto en el que estábamos en un callejón sin salida dentro de una compañía grande. Caímos en unos hábitos un poco insanos. También nos habíamos metido a hacer la música para un anuncio, que fue algo muy bueno pero también fue algo contraproducente porque te empiezan a conocer como “los de el anuncio”. Eso es un arma de doble filo con el que hay que tener mucho cuidado. Te lo ponen desde un punto de vista que es desde el suyo, el de la discográfica, lo miras, analizas la situación, aceptas y lo haces. Pero luego ves que hay opiniones encontradas y de repente te paras a pensar en lo que estás haciendo para terminar mandando todo a la mierda. Esa época pasó, pero pienso que incluso nos ha podido perjudicar. Y no fue una concesión, sino un encargo musical.

[Gurru]: Por eso te decíamos antes lo de la esencia del grupo, porque al final los prejuicios pueden existir desde fuera, mientras que nosotros llevamos tocando muchos años.

Es que… manda huevos, tío. Con cinco discos que teníais por entonces y que os metieran en la saca de los one-hit-wonder por haber puesto música al anuncio…
[Gurru]: Pues sí. Es esas cosas son peligrosas.

[Ignacio]: Hay que analizarlo muy bien y más estando en este país, el cual no tiene una gran cultura musical ni memoria e incluso tampoco hay revisión por parte de cada uno de los grupos. ¡Es que mucha gente no conocía ni nuestros discos anteriores! Aunque hay antes una maqueta.

Pero es un trabajo, al fin y al cabo.
[Gurru]: Es un trabajo, claro. Nos costó lo nuestro hacerla. Lamentablemente todo eso se olvida por una canción en un anuncio. Al final hace que no estés ni en un lado ni en otro. La gente tiende a ubicar a los grupos de una manera muy determinada. Puede ser muy peligroso.

[Ignacio]: Incluso peligroso también para la moral del grupo, porque está tocando como siempre, desde el primer, segundo y tercer disco… pero hay una trayectoria. Yo creo que la nuestra ha ido en ascenso, con sus altibajos, aunque en ascenso. Pero pasa el tiempo y ves como está todo, que la cosa está minada y los ánimos apagados. Y todo por lo que dice Gurru, porque te ubican por una canción de un anuncio. Todo eso fue un punto de inflexión y dijimos: “¡a tomar por culo!”

Artista: Kiza02
Título: Cau
Sello: Petit Indie
Fecha de publicación: Julio 2010
Más información: http://www.myspace.com/kiza02

Listado de canciones:

Gremlin
Sirena
Eko
Treckies
A
Inercialoops1
Akira
TasaB1
Tones
Le Gato
Ca l’Obama
Tarzan
Inercialoops2
Un petit indi?
Dream

La sangre del Rock and Roll corre por las venas de Enrique Bunbury como el combustible lo hace por las arterias de un Ford Mustang del 67. “Licenciado Cantinas” (Blanco Y Negro, 2011) es la nueva entrega discográfica del músico, que observa la música panamericana desde los ojos del Rock a lo largo de quince versiones. Charly Hernández entrevista al músico.

Hemos llegado a un punto donde se ven las cosas desde otra perspectiva respecto a la juventud. ¿Ahora escribes las canciones siendo quien eres o para ser lo que no eres?
El nuevo material que estoy escribiendo, para mi próximo disco, me parece lo más cercano a un encuentro conmigo mismo, después de años de búsqueda y de rechazar a quién definitivamente no soy. Creo que el cerco se estrecha y el camino va quedando claro, definido y concreto.

Es más, ¿es posible que ahora tus canciones (propias como ajenas), y exactamente las de “Licenciado Cantinas”, se deban escuchar más con el corazón que con la entrepierna?
Espero que la entrepierna y el corazón se unan para escuchar este disco, porque tiene que ver mucho con ambos órganos.

Claro, que desde “mi atalaya” no puedo saber exactamente el sentimiento con el que se tocaron y se interpretaron las canciones en Tornillo (Texas), pero en el documental de “Las venas abiertas de Licenciado Cantinas” se deja entrever algo con el título de uno de los actos: “El artesano”. ¿Tal vez el oficio de cantor (y compositor) requiere y/o emite más pasión que el de artista?
Ya no sé muy bien quién es un artista y quién un artesano. Sean quienes sean, nos entregan su oficio para nuestro disfrute y deleite, y somos, cada uno de nosotros, quienes les otorgamos uno u otro título.

Y tan artesano… que “Licenciado Cantinas” ya no se editará con tu antigua disquera, sino que sale con Blanco y Negro. ¿Será mejor centrarse en las canciones y dejar los temas extra a otros? ¿Tal y como está el asunto lo mejor es hacer uno mismo de Juan Palomo?
Creo que existe en estos días una idea equivocada sobre las bondades de la autogestión y las maldades de la industria discográfica. Ningún grupo se convierte en mejor, ni más honesto porque se autogestione. Pregúntale a Paul McCartney qué opina de Apple. Tener cajas de discos debajo de la cama no nos hace más humanos, sino más desdichados. No le deseo a ninguno de mis compañeros que tenga que lidiar con la distribución, el marketing, los shares y los ratings. Pensar que eso es la panacea, es desearle el mal al prójimo.

Esto me recuerda a aquel tango de Horacio Ferrer, ‘Milonga del trovador’: «Vamos a la distancia, sí, que soy el trovador, si la distancia llama, yo jamás veré ponerse el sol. Vamos a la distancia, ya, y si no llego, amor, vos le darás mi alma de argentino y de cantor». En tu caso sería “de todo el mundo”, pero sin duda uno es caminante. ¿Crees que con la edad se hacen mejores canciones o entran ciertas prisas por crear la mejor canción antes de finar?
Quizás me estás situando en una franja de edad que no tengo. No está en mis planes inmediatos finar, ni despedirme de la afición. Creo que ahora empiezan muchas aventuras emocionantes que pueden ser doblemente sorpresivas, al menos para mí. Espero, eso sí, escribir mi mejor canción en el futuro y no haberla escrito ya.

Vamos a centrarnos de lleno en “Licenciado Cantinas”. Como ya se sabe son versiones, pero las quince que aparecen finalmente en el track-list fueron seleccionadas de entre otras sesenta canciones. ¿Fue muy costoso y sesudo hacer ese corte selectivo? ¿De esos quince temas hubo alguna de más que se terminara grabando también? ‘El Arriero’ (de Atahualpa Yupanqui) era una posible, además ya la tocaste en algún medley con Héroes.
Solamente grabamos las quince canciones que seleccioné. ‘El Arriero’, nunca estuvo en entredicho. Es una gran canción y Atahualpa un grande entre los grandes, pero tuve muy claro que ‘El cielo está dentro de mí’ era el cierre del disco y antesala del que estoy preparando.

Y estamos hablando de unas canciones con un nexo común, que no es otro que la historia de un personaje [El Licenciado Cantinas] visto de manera cinematográfica. Fíjate, que por aquello que cuentas de que estas canciones las escuchaste “castigándote” en las cantinas… me lleva a pensar que hay mucho de ti en el personaje, solo que esta vez, en lugar de escribir, interpretas canciones con las que te sientes identificado.
Claro. Cualquier cantinero de vocación y largo recorrido sabe, comprende y se identifica con el contenido de estas canciones. El cancionero latinoamericano es sabio, profundo y humano. El drama del amor, el abandono, la perdición y la muerte están en los surcos de “Licenciado Cantinas” ¡¡y de tantos boleros, tangos, rancheras, chacareras, valses, guaguancós y habaneras!!

Además es un proyecto que ya tenías pensado desde hace unos ocho o diez años. Comprendería las etapas de “Pequeño” y “Flamingos”, por lo que noto cierto paralelismo por los momentos tan personales en los que te encontrabas por entonces. ¿Podría ser que aquellas canciones con las que te sentías identificado por ciertas circunstancias volvieran ahora a reaparecer por ese paralelismo logrando así la edición final de este disco que hoy nos atañe?
Creo que fue durante la gira de “Flamingos” (2002) cuando empecé a darle vueltas a este proyecto, que en principio se iba a llamar “Arterias”. Fui seleccionando canciones desde esos primeros días, pero las que finalmente hemos grabado, no pertenecen a esa época, sino a las conclusiones de los dos últimos años. Aunque el proyecto viviera en mi cabeza, ha tardado mucho en cobrar la forma que puedes escuchar a día de hoy.

Un concepto que se ha ido fraguando durante mucho tiempo pero que ha terminado creciendo a base de la espontaneidad en el estudio sin ensayos previos. Dejándose llevar un poco por el azar, vaya.
Eso tiene que ver con la metodología de grabación. Me gusta cambiar la forma de enfocar cada grabación de un álbum. Desde nuevos prismas y con esquemas de trabajo distintos, se llegan a conclusiones nuevas y sonoridades refrescantes. En esta ocasión, evité los ensayos previos y la preproducción, y quise aprovechar las características del estudio de grabación y las diferentes salas, para ir arreglando y montando los temas sobre la marcha. La verdad es que, eso también fue posible por contar con una banda estable como Los Santos Inocentes que ya ha pasado el período de rodaje y se encuentra en una madurez que hace posible encarar retos como este.

En lo que a artesanal se refiere (como antes comentábamos) reparo en el trabajo técnico llevado a cabo. Para empezar te llevaste a Texas a Jordi Mora, también grabaste muchas de las canciones en directo con la banda y la incursión de nueva instrumentación, como tubas, acordeones, percusión… Si “Las Consecuencias” era un disco Lo-Fi, ¿Este nuevo trabajo es un disco de alta fidelidad pese a su analogía? Creo que ‘Chacarera de un triste’ podría ser un buen ejemplo de todo ello.
Jordi Mora lleva trabajando conmigo desde hace diez años. Empezó como ayudante de ingeniero y se ha convertido en pieza imprescindible de todos mis álbumes desde entonces, sobre todo en “El Viaje a Ninguna Parte” (2004), “Las Consecuencias” (2010) y “Licenciado Cantinas” (2011). También estuvo en el disco que hice con Nacho Vegas: “El Tiempo de las Cerezas” (2006), en las mezclas del directo “Tour 2007” (2007) y en “Hellville de Luxe” (2008); pero cito esos tres porque creo que tienen un hilo conductor que les emparenta. Ni “El Viaje a Ninguna Parte”, ni “Las Consecuencias”, ni “Licenciado Cantinas” son en mi opinión, Lo-Fi, aunque tienen elementos vintage que los alejan de la mayoría de las producciones Fm de hoy en día. A su vez, se alejan claramente del frío sonido Pro-Tools Home Studio que tanto impera a día de hoy y que a mí tanto me disgusta.

Pero no me puedo dejar algo que, aunque no lo parezca, ya forma parte de tu vida. Me refiero a los guiños a Lost. Anteriormente se pudo ver en el video de ‘De todo el mundo’, en la escenografía del concierto en 3D… y muchos otros detalles que aparecen en el video y making off de ‘Ódiame’. ¿Está Enrique Bunbury pasando su etapa post-Lost?
Me encanta que hagas esa mención. Todos los guiños que he hecho a “Lost” en los últimos años los he considerado guiños privados entre Alexis Morante (director de mis últimos clips) y yo. No pretenden tener mayor trascendencia. Aunque sí te puedo decir que fui un seguidor fiel de cada una de las temporadas de la serie. En cuanto a lo de mi etapa post-Lost sólo decirte que la vida era mucho mejor cuando quedaba algún capítulo por ver.

¿Sabes? “Licenciado Cantinas” (y ‘Ódiame’) me recuerdan bastante a “Together through life” de Dylan. Vale, lo suyo eran temas propios, pero ese disco se gestó para ser parte de una banda sonora e incluso tiene mucho blues y tiene mucho de Nueva Orleáns, cosa que también se impregna en tu disco gracias a la harmónica de Charlie Musselwhite. Creo que podría andar cerca del homónimo de The Felice Brothers. No sé si estarás de acuerdo conmigo en esa apreciación.
En todo caso, una banda sonora ficticia. La película sólo existe en mi cabeza. Pero sí, tiene mucho del blues del Delta y de New Orleans. Y me gustan mucho los Felice Brothers, incluso su polémico último álbum (“Celebration, Florida”, 2011), que efectivamente, escuchaba mucho durante mi estancia en Tornillo (Texas).

Además de la instrumentación similar como lap steel, banjos… En tu caso toca el acordeón el mítico “Flaco” Jiménez en ‘Llévame’ y ‘La tumba será el final’, pero en el de Dylan era Dave Hidalgo, que a su vez toca la guitarra en ‘El solitario’ dentro de “Licenciado Cantinas”. ¿Sería entonces un álbum con canciones panamericanas pero musicalizado, en su mayoría, de la manera tradicional norteamericana? De Tierra de Fuego hasta Río Grande, you know.
Sí, esa era la idea. Lecturas del cancionero panamericano desde la perspectiva de un músico de Rock, cuyos intereses actuales se centran en las raíces de la música tradicional. En definitiva, concluyo definiéndome como un tipo que hace “música popular electrificada”.

Aunque, efectivamente, el gran Eliades Ochoa (junto a “Flaco” Jiménez) da el toque más latino, en este caso sería caribeño con ‘Mi sueño prohibido’. No obstante, ¿cómo se lograron estas colaboraciones? ¿Todos sabían de tu buen hacer o para ellos fue “una colaboración más” aunque para ti fuese lo más grande? Mira, ahí queda la relatividad entre lo que es grande para unos y pequeño para otros.
Les escribí, hasta que conseguí que me escucharan, se interesaran por mis discos previos y aceptaran colaborar en mi nuevo proyecto. Para cada uno de ellos había reservado un lugar en el que podían lucir sus increíbles talentos. Mira, a día de hoy, la mayoría de los discos vienen plagados de colaboraciones y duetos forzados. Lo último que quería era pensar en cantantes que llamaran la atención por sus nombres y valores en el mercado. Pensé en Charlie Musselwhite, Eliades Ochoa, Dave Hidalgo y “Flaco” Jiménez porque, en lo que yo quería hacer, ellos eran maestros y podían ayudarme a encontrar el camino que buscaba. Sus conocimientos, sus grabaciones, sus talentos y sus edades les avalan. No hay más que hablar y sólo queda rendirse ante ellos. Y agradecerles en el alma que hayan accedido a participar en un disco de alguien como yo, que no les llega ni a la suela del zapato.

Otro músico que se ha subido a este vuelo es Quino Béjar, donde su percusión es clave en este disco. ¿Qué fue antes, la idea de un álbum protagonizado por percusiones o la inclusión de Quino para que después aparecieran esos ritmos?
Tenía claro que para este álbum (y para el que estoy preparando), un percusionista era imprescindible. Quino es un veterano de la bastardía española. ¡¡¡Sus primeras grabaciones fueron en discos de La Orquesta Platería y de Gato Pérez!!! Creo que Los Santos Inocentes han dado un paso de gigante con la incorporación de Quino.

Pero no se quedan en el estudio, pues en la gira se adaptan temas antiguos a este sonido, como ‘Big Bang’ pasada por el filtro latino y funky con el efecto wah-wah, muy parecido al ritmo que tenía ‘El Anzuelo’ con ‘I ain’t hiding’ de Black Crowes. ¿Serán todas las canciones del repertorio del directo llevadas al sonido que se ha trabajado en “Licenciado Cantinas”?
Ya sabes que en cada gira suelo darle un repaso a los arreglos de las canciones de mis discos anteriores. Algunos son cambios sutiles y otros radicales. En esta ocasión hemos preparado un repertorio muy amplio que iremos desgranando a lo largo de las giras del 2012: España, Suramérica, Centroamérica, Caribe, México y USA. Tenemos tiempo y conciertos por delante para ir, poco a poco mostrando algunas de las sorpresillas.

Si hablo del cambio sonoro en cada etapa hay que destacar el estilístico. Man, bajo mi punto de vista, adoro que hayas vuelto a las llamas y bordados. ¿Es también una forma de homenajear a los músicos de Narcocorridos o a figuras americanas como ZZ Top o Gram Parsons?
He tenido la suerte de toparme con Jaime Castaneda, maestro de los Nudie Suits. Ha trabajado con Wilco, Ben Harper, Bob Dylan, Chris Isaak y ZZ-Top. No podía dejar pasar la oportunidad de llevar uno de sus míticos trajes, así que le encargué el Nudie in flames que llevo en esta gira.

Por cierto, observo que en los set-list de la gira con Zoé los títulos de las canciones elegidas de tu antiguo repertorio tienen un nexo común. Hablo por ‘Big Bang’, ‘Deshacer el mundo’, ‘Que no sepa tu mano izquierda lo que hace la derecha’, ‘El extranjero’… todas conllevan un mensaje urgente y social que incita al movimiento y al cambio. ¿Procuras que siempre quede latente ese lado sociopolítico en los conciertos?
Tienes toda la razón y te agradezco que hayas advertido la intención. Porque, en efecto, hemos rescatado canciones del pasado por el contenido social y político de sus letras. Nunca fue aleatoria la selección, y menos que nunca, en esta gira.

Para ir cerrando… ha saltado a la palestra una serie de declaraciones tuyas donde dejabas la puerta abierta al regreso de Héroes del Silencio. Por otro lado, tus compañeros Joaquín, Juan y Pedro ya hablan hasta de la idea de grabar un disco. Estamos de acuerdo en que fue una etapa, pero, ¿no crees que menear este “cadáver” es algo que acaba siendo algo aburrido y jugoso para otros?
Yo dije lo que dije, y algunos compañeros de la prensa, leyeron entre líneas lo que no ponía. Una cosa es advertir que no puedo adivinar el futuro y otra cosa, interpretar que se avecina lo que ni siquiera se asoma.

Mira que si vuelven Héroes del Silencio con otro cantante… ¿Lo ves factible aunque sea remotamente? (Sinceramente) Cosas más raras se han visto. En fin, ahí lo dejo.
Sí, efectivamente, cosas más raras se han visto. Yo también lo dejo ahí.

Citando a José Alfredo Jiménez (y tal y como dice Calamaro): «entre nubes de algodón haremos nuestro nido». Enrique, pese a la constante búsqueda, ¿te encuentras ahora en un momento en donde lo personal se apoya en lo musical haciendo que te sientas –de algún modo- más pleno que nunca?
Me siento más capacitado que nunca para hacer discos y conciertos, personales, profesionales y plenos.

Este concierto se planteó como un reto, ¡y qué reto!, un grupo instrumental contra todo un Madrid-Barça en el aforo más grande al que se han enfrentado en solitario. El menú constó de los dos largos de la formación, para empezar su disco homónimo, del que omitieron un tema y modificaron el orden. El sonido de su debut es mejorable, y en directo se desquitan mostrando la calidad y fuerza de cortes como ‘Medusa‘.

La segunda parte fue para interpretar (II), su álbum de confirmación, y con la banda mucho más suelta se aprecia que la progresión de secciones en las canciones ganan en coherencia y los cambios de intensidad son más coloristas y sutiles, y si a esto sumamos el empleo de acordes atípicos ya tenemos la configuración básica del sonido Toundra. Varias colaboraciones con guitarra acústica, percusiones o chelo añadieron dinámica al evento.

En una banda de este tipo parece obvio comentarlo, pero hay que destacar que el trabajo de guitarras es apabullante, con Víctor y Esteban dándose réplicas y contrarréplicas con gran capacidad de contraste entre ellas. La sección rítmica también se mostró más resuelta, con más implicación y complejidad de sus intrumentos, en los temas más modernos.

Reto superado con nota, gente llegada de toda la península llenó una sala para apoyar un concierto que, dado su formato, dejó ver claramente la evolución de la banda en los últimos años, y es que todas las virtudes expuestas están mucho más presentes en (II) que en Toundra, por lo que esperamos que continúen con su crecimiento en (III). Sólo nos queda la curiosidad por saber hacia dónde nos llevarán esta vez sus inquietudes creativas.

Vetusta Morla en la primera de sus cinco fechas en La Riviera de Madrid, lo que harán 12.500 personas en total, cantidad para reventar un Palacio de los deportes ellos solitos, ¿cautela?, ¿falta de ambición?, lo que quedó claro a orillas del Manzanares es que habrían puesto a sus pies cualquier recinto de cualquier capacidad que les pusieras por delante.

Durante un par de horas ofrecieron sus dos discos prácticamente al completo, además de la canción nueva ‘Un plan mejor’, incluida en el documental Elige siempre cara, y el rescate de ‘Iglús’, un tema antiguo. Artificios y colaboraciones al mínimo, apenas unos coros y palmas de los componentes de Hola a todo el mundo en ‘En el río’, los tricantinos se bastan ellos solos.

Su maquinaria en directo no deja lugar a dudas, los seis componentes siempre están aportando algo en un grupo sin líder aparente sobre el escenario. Excelente el trabajo de su sección rítmica, bajo, batería y percusiones, colocada sin ningún miedo en primera línea y, entre otros aspectos, una de las razones que les sitúan por encima de otras formaciones del pop-rock nacional. Si bien todavía quedan muchos miles de madrileños por verles en los próximos días y al cantante se le intuye reservón.

Con una masa de público en constante ascenso, se unen amigos de todos los colores para entonar las enigmáticas letras de los “vetustos”, y en los momentos de mayor emoción se abrazan y se entregan al karaoke, ¡que nos las sabemos todas!. Dos conclusiones: a los conciertos de Vetusta se va con todos los colegas, en comandita, y el berreo en comunión de miles de personas abrazadas convierten instantáneamente una canción en un himno. Cuenten, 6 himnos en dos horas, y empezarán a comprender la dimensión de todo esto.

Y es que ahora la cosa parece más clara que nunca, sólo dos discos en el mercado, el primero lleno de estribillos demoledores y el segundo con unos desarrollos y unos arreglos dispuestos para ser interpretados en recintos enormes sin ningún complejo. Tenía que cuajar. Por un momento pensamos que una banda como esta era evidente que acabase triunfando, como si el éxito en el mundo de la música obedeciese a la lógica.

Es clásico y cuidado el folk que da calor en “Break the rules!“, tercer trabajo en solitario del que fuera parte de The Tea Servants (segundo, si es firmado junto a The Miracle Band). Steven Munar configura un LP totalmente madurado y atemperado tras el brillante “The language of the birds“. En una primera escucha se podía llegar a entender como un artefacto folk, pero a medida que crece, la esencia americana queda igualada por un caracter más europeo.

Hay quien gusta de utilizar el adejtivo de artesano para describir a un músico o compositor que elabora muy personalmente su obra. En parte es así, pues canciones como ‘The letter‘ o ‘Morning breeze‘ nadan en la tranquilidad de las mandolinas (más exactamente en esta última nombrada) y el frío transmitido desde la voz y la letra, haciendo de estas piezas algo bastante liviano y trabajado. En cambio, hay otra cara más “seca” que camina por el country incluso. Tal es el caso de ‘Dignity‘ que directamente vive del siempre bienvenido pedal steel. Ya sólo por este tema merece ser reconocido como uno de los discos del año.

Una tercera máscara es la que se llega a ‘Bodies‘ y el hammond acompañado de los magníficos coros profundos, tocando con la punta de los dedos el universo Nick Cave. Es obvio que hay mucho más por descubrir; el tema que da título al álbum es otro pilar base junto con ‘Troubadour‘, añadiendo el detalle de los vientos.

Es fascinante comprobar como las escobillas, hammond, instrumentos acústicos y otros de slide pueden llegar a aglutinar majestuosidad y seriedad a partes iguales.

“Break the rules!” se perfila como el largo que termina por confirmar el talento de Steven Munar.

El próximo Lunes 12 de Diciembre mostrará su arte en el Teatro Lara de Madrid. Un escenario donde el sonido acústico pasa el último exámen final.

Smashing Pumpkins se presentaban en Madrid con la duda de si Billy Corgan convertiría aquello en un auténtico aburrimiento o si por el contrario contentaría a todos aquellos que anoche agotaron todas las localidades en La Riviera.

Realmente hubo división de opiniones. Tal vez la balanza se inclinaba más hacia el punto negativo, pero no lo era tanto como parecía. El hecho de no tocar las archiconocidas ‘1979‘, ‘Stand inside your love‘ o ‘Today‘ y de cerrar el show con ‘Tonight, tonight‘ “olvidándose” de dos temás más que, guiándose por antecedentes, deberían de haber sido ‘Bullet with butterfly wings‘ y ‘Zero‘, la asistencia y en especial los seguidores veteranos, se quedaron con un palmo de narices. Una apuesta arriesgada, la verdad, que no ha sido del gusto de los fans, pero que sí parece serlo de esta especie de review de Smashing Pumpkins. Francamente, no son ya el grupo de James Iha, Melissa Auf der Maur, D’Arcy y Jimmy Chamberlain, sino que realmente es Corgan el único que ahora se mantiene junto a Mike Byrne, Jeff Schroeder y Nicole Fiorentino. ¿Son tan dignos de llamarse Smashing Pumpkins? Hombre, pues sí y no.

Defendieron con muy buenas maneras el comienzo con ‘Quasar‘ y ‘Panopticon‘. Y es que no rebajaron ni un ápice de calidad hasta casi más allá de la mitad del concierto, salvando los enredos sonoros. ¿Pero cual es el problema si empezaron tan bien pero aun así dejaban un mal regusto? Pertenecientes al experimental proyecto “Teargarden by kaleidyscope“, ‘Quasar‘ y ‘Panopticon‘ indicaban la diferencia entre un concierto de grandes éxitos y uno de canciones nuevas y/o menos populares. Starla dejó las fraguas listas para que ‘Geek U.S.A.‘ y Muzzle ardieran entre distorsión y enrevesados solos de guitarra que, por otra parte, eran exactamente iguales a las versiones de estudio. Claro, “Mellon collie and the infinite sadness” y “Siamese dream” eran marcas complicadas de superar y es evidente que el contenido de esos dos grandes discos pudieron haber sonado anoche en la capital, pero no fue así. ¿Arriesgarse y ser criticado? Bueno… lo mismo si repiten puden ser igualmente acribillados. ‘Soma‘ y ‘Siva‘ fueron los últimos lances antes del hundimiento. Un concierto notable que ha encontrado en su mitad la balsa de aceite que ha sosegado el torrente eléctrico, salvado por ‘Pale horse‘ y ‘Thru the eyes of Ruby‘. Preciosas, por cierto.

Un repertorio plagado de b-sides, nuevas e inéditas composiciones, descartes (como ‘Frail and bedazzled‘) y experimentación dejaron algo vació el espíritu principal en la nebulosa noche. ‘Cherub rock‘ era el último latigazo antes de que ‘Tonight, tonight‘ fuese la antesala del final de luces encendidas y colas en el ropero. Bastante decepcionados (o no) quedaron los fans que se encontraron justamente con eso, con un concierto “anti-fans”.

Es posible que dentro de lo malo, algún avispado se quedara con algo de Ringo Deathstarr, la banda telonera, que a modo de masturbación, sirviera como consolación de este coitus interruptus perpetrado por Smashing Pumpkins.

Cuando quedan pocos días para que Toundra den por finalizada su gira con un concierto especial en Madrid, nos reunimos con sus dos guitarristas, Víctor y Esteban, para que nos cuenten las experiencias de una de las bandas referentes del rock instrumental nacional.

Ya queda poco para vuestro concierto en la sala Caracol, habéis escogido una sala grande, ¿llenarla es un reto?
[Esteban]: tocar en Caracol es un capricho nuestro, un regalo a nosotros mismos, el último concierto que vamos a hacer con este disco. Queríamos una sala grande, sólo nosotros tocando los dos discos enteros.

[Víctor]: además se supone que el disco ha ido bien y era el momento de hacerlo.

[E]: siempre hemos ido en ascenso, y ahora hemos llegado al final de una etapa, no sabemos como nos irá en la siguiente a nivel de repercusión, así que lo hacemos ahora, en nuestro punto más alto. ¡El mundo está hecho para los valientes!.

Con la repercusión que ha tenido (II) estaréis muy contentos, ¿no?
[V]: para ser el tipo de grupo que somos estamos muy contentos, nunca piensas que te vayan a hacer mucho más caso que tocar en Madrid para 100 personas. A nosotros lo que nos ha pasado, siempre viéndolo desde la perspectiva del tipo de grupo que somos, me resulta extraño, pero guay, mientras dure…

[E]: hemos tenido cierto éxito, siempre desde la mayor de las humildades.

Además ahora parece que salen más grupos de rock instrumental, se está creando una escena y vosotros estáis despuntando…
[V]: nosotros cuando hicimos el grupo era porque habíamos estado en otros grupos y siempre pasaba que alguien se había ido, había que buscar gente… y buscar batería y cantante es lo más chungo, baterías porque no hay, y cantantes porque no hay buenos. Dijimos, vamos a montar un grupo sin cantante y a ver lo que sale…

Sois uno de los grupos a los que más etiquetas musicales diferentes os han puesto…
[E]: eso es muy bueno

[V]: yo también soy mucho de etiquetar, pero lo bueno que veo en el grupo es que no escuchamos la misma música, siempre nos estamos riendo de la música que le gusta al otro, “cómo puedes escuchar eso”, yo estoy en spotify escuchando música y estos por facebook en plan hijo de puta, “¿qué haces escuchando ese disco?” (risas). Eso se nota un montón.

[E]: nos enriquece y nos gusta eso, así nos complementamos también.

[V]: realmente coincidimos en muy pocas cosas, pero tenemos momentos en cada canción que pueden etiquetarse de muchas maneras, no estamos siempre en el mismo contexto y ayuda a diferenciar un poco.

[E]: sin cantante, tener partes que la gente diferencie es la única manera de que se acuerden de las canciones. Somos de repetir partes y hacer pequeñas progresiones entre ellas, pero la segunda parte de una canción puede que no tenga que ver con la primera en cuanto a estilo.

[V]: la mitad del disco nuevo lo tenemos grabado en el local, se lo he pasado a 3 personas y me han dado 3 opiniones diferentes, uno cree que se parece al primero, otro dice que no tiene nada que ver con nada de lo que hemos hecho, que le parecía super raro, y el otro dice que muy bien, que es rollo Toundra…

Vuestro canción más conocida y escuchada en spotify, vuestro single oficioso, es Magreb, y dura 10:59, ¿qué se siente al tener un single de casi 11 minutos?
[E]: estamos orgullosos de esa canción porque tardamos 5 o 6 meses en componerla…

[V]: nosotros somos así de lentos…

[E]: y estuvimos a punto de acabar con el grupo en el proceso de composición de la canción…

[V]: queríamos ir hacia adelante, que el nuevo disco sonase diferente, que fuese a más. En un punto no veíamos que la cosa fuese para adelante, así que nos tomamos un tiempo, retomamos y terminamos de acabar la canción.

Vuestra discográfica es Aloud Music, que tiene una política de descarga libre de los discos, y sin embargo (II) se ha agotado en todos los formatos, ¿qué tirada tenían?
[V]: creo que fueron 1500 y luego 500 más, además editamos en varios países, es un poco locura, se van uniendo las tiradas de los diferentes sellos… ahora saldrá una tirada del segundo reeditado en otra caja, del vinilo creo que se hicieron tres tiradas…

Parece que estáis muy contentos con Aloud…
[E]: prioriza que la banda esté contenta, eso es muy importante y es extraño en este mundo. Realmente lo que hace Aloud es coger grupos, mimarlos y dejarlos crecer. Ellos creen al mismo nivel que tú en tu proyecto, trabajan con la misma ilusión, ganas y ritmo que tú, siempre respetando al grupo… como no vas a estar contento.

[V]: nosotros siempre tenemos la perspectiva de que somos un poco “mierdas”, no somos nadie, tampoco somos un grupo conocido, y aquí en España cuando un grupo mete 500 personas en una sala ya se cree alguien, aunque sigan siendo la misma mierda. Entonces con Aloud sientes que creen tanto en tu grupo que te dan estima, confianza, en ti mismo y en tu grupo.

El video de Zanzíbar, os quedó muy bien, ¿cómo surgió?, ¿os costó mucho hacerlo?
[V]: quería hacer un video que fuera como la portada del disco, se supone que son la chica y el chico [de la portada], salvo que no están desnudos ni muertos. Quería evitar el rollo typical spanish de vídeo cutre con tu colega de cámara, y había que hacerlo de alguna manera que quedara un poco digno. Lo estuvimos haciendo con Diego de Aloud, que tiene un estudio pequeñito de postproducción. En España tenemos un montón de gente que son unos cracks y se están comiendo los mocos.

[E]: es el rollo de las bandas de que hay que ir a grabar a Los Ángeles con Ross Robinson, o con Steve Albini… oye, tienes a un tío es un estudio enano de Sant Feliú de Guixols, Girona, que puede grabar igual de bien o mejor, pero que le mola vivir en su pueblo comiendo fideuá, grabando los grupos que le molan y que no está en el star system. En España somos tan paletos que creemos que hay que salir fuera, ¡¡no!!, ¡apuesta por la gente de aquí, por el talento de aquí!.

Me decíais que ya tenéis la mitad del (III) hecho…
[V]: primero nosotros armamos el tema, luego empezamos a cambiar partes que nos nos cuadren y luego vemos qué arreglos podemos hacer con instrumentos que no toquemos ninguno de los cuatro. Estamos en ese último punto, ya casi todo lo que toca cada uno de nosotros se quedará, faltan detalles, meter una trompeta por aquí, otra cosa por allá…

Siendo vosotros los dos guitarristas, ¿sois los que más os “pegáis”?
[V y E, a la vez]: Sí (risas).

[V]: ahora lo llevamos mejor que con (II)

[E]: yo llevo una SG, Víctor una Les Paul, el sonido es muy diferente y estoy convencido de que es una de las claves de Toundra. Las guitarras, no sólo el sonido, sino la manera de tocar es muy diferente, nos complementamos. Pero sí que somos los que más discutimos, somos los más mandones, siempre creemos tener la razón… pero bueno, son ya cuatro años con esto, conviviendo, puedes discutir y a los 5 minutos se pasa.

[V]: esas discusiones son parte del trabajo.

Además ahora parece que lo lleváis todo mucho más planificado, sin la improvisación de otras veces…
[E]: es que nos hacemos mayores, cuando Víctor me llamó para entrar en el grupo tenía 19 años, no tenía dinero pero tenía todo el tiempo del mundo. Ahora todos trabajamos, tenemos unas responsabilildades, de esto no vivimos ni queremos vivir…

¿Ni queremos?
[E]: no, porque lo bonito es que no somos profesionales.

[V]: también has dado con un grupo raro, pero a mí no me molaria vivir de esto, de hecho hemos ganado dinero en festivales y siempre lo hemos reinvertido en el grupo para hacer las cosas mejor. Nosotros hemos tocado en grupos de hardcore y hemos mamado eso de, entre comillas, ser auténtico y toda esa chorrada…

[E]: …la gran mentira del rock and roll…

[V]: pero nosotros estamos tan contentos así, dar un concierto y que vaya gente, grabar un disco y que a la gente le interese, o incluso le guste.

[E]: eso es lo principal y no queremos tener nada que lo desvirtue.

[V]: no es algo hipócrita, para mí es mi grupo, es una forma que tengo de divertirme, lo necesito, pero no me veo en la tesitura de vivir de esto, tener que hacer cuentas…

[E]: es honesto, no queremos profesionalizar el grupo pero no cogeríamos un trabajo que no nos permitiese ensayar o tocar. Una cosa es una actitud profesional y otra cosa la profesionalización.

[V]: no decimos que sea lo correcto, es lo que nos funciona a nosotros.