Entre lo obvio y la sorpresa. El primero de los impactos “sónicos” (el mes que viene será Sonic Youth en el mismo lugar, esperemos que con mejor sonido) se nos cayó encima a través de la buena forma del trío de Hoboken.
Yo la tengo se plantaron en el escenario sin disimular el esquema tradicional de grupo de rock (guitarra, bajo y batería), escondiendo la fuerza de su propuesta con una inicial presentación vaporosa, como la bruma que empaña dos de sus últimos grandes discos; “And then nothing turned itself inside-out” y su última maravilla, “Popular songs”, donde se muestra sin reparo y titubeos la elegancia nada sofisticada del mítico grupo.

Pero tras este saludo inicial, haciendo honor a la discográfica a la cual pertenecen, mataron el tiempo y congelaron a la multitud que prácticamente llenaba la sala con más de diez minutos de distorsión “noise-pop”, donde dieron portazo a las dudas sobre el titubeo de discos regulares y de un soplo desapareció la bruma melancólica hacia el indie-rock crepuscular donde la Velvet Underground parece sacada de un campechano trío de simpáticos músicos.

En el directo de Yo la tengo existen dos partes muy diferentes. El ruido potente de sus guitarras (acompañado por la excelente batería comandada por una Georgia Hubley soberbia) y el pop entre las baladas donde la voz femenina es parte fundamental y el ritmo afable de sus melodías, que parecen sacadas de un grupo novel. Así sonaron “Periodically double or triple” y “If it’s true”, donde el grupo sabe arrancar partido de su vena más contagiosa y abordable.

La madurez se agarraba y quedaba fuera de toda duda, desde las cuerdas que iban desde los extremos de las guitarras hasta los oídos entumecidos de los fans de siempre, aquellos que no se asustan si el grupo es capaz de cuestionar la paciencia de esos seguidores más tímidos.

Parecía que entre la multitud había muchos amantes del lado más peleón del grupo (entre los que no me encontraba) pero no es impedimento para defender el tormento que produce su infalible muro de guitarras. El peligro está en que, si eres seguidor de la parte menos tormentosa, te quedas irremediablemente con el lado pop, el más asequible y el que se ha quedado pegado a la mente de muchos de los amantes de las últimas grandes canciones de este grupo tan singular, a pesar de que en varios momentos del concierto puedan pisar cerca de la raya que supera la paciencia.

Prácticamente fueron dos horas y quince minutos de no saber dónde inclinar la balanza y, por lo tanto, encender la duda de cómo situar a este grupo. Pero todo esto se escapa hacia posicionarla sobre una base mucho más consistente: en la que se apoyan los grandes grupos de rock actuales y donde se aplaude a los maestros (que también han cortado y pegado aspectos de un pasado honorable) que han dado herencia a muchos de los sonidos que se siguen escuchando en grupos mucho más jóvenes. En definitiva, Yo la tengo siguen iluminados por la inspiración. Soplando fuerte.

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La Roux se convirtió en la sensación electro pop del año (con permiso de Gaga, que está por encima de géneros y estilos), con sus sonidos retro, flequillos imposibles y un tono de voz en ocasiones atacante. Por supuesto, la gira resultaba inevitable, aunque las dudas respecto a la calidad de su directo también lo eran después de ciertas críticas de publicaciones extranjeras y algún que otro video en youtube que tampoco convencía demasiado. Así que las expectativas no eran muy altas, pero para mi sorpresa el resultado fue bastante satisfactorio.

Los teloneros De Vito abrieron su show con guitarras afiladas para ir adentrándose en los terrenos del electro-rock y acabar en una electrónica muy en la línea de Chemical Brothers y demás bandas de los noventa. El toque Glam y de La Movida también estaban presentes, y finalmente cumplieron su cometido de ir calentando al publico para la estrella de la noche. Y por fin salió a escena Elly y su banda. Más simpática de lo que vende normalmente en sus videos y apariciones, comentó al público que era su cumpleaños, que le corearon (coreamos) un caótico “Happy birthday”, creando un ambiente distendido y divertido. Hasta se puso un delantal y unas gafas enormes que un par de fans le lanzaron, entre risas del público y ella misma.

Pero hablando del ámbito musical, abrió fuego con “Tigerlily”, con unos bajos algo distorsionados que por suerte no perduraron demasiado. Continuó con el resto del repertorio de su primer disco, excluyendo las ultimas canciones de éste, lo que propició que el concierto durase unos escasos cincuenta minutos, sin duda el mayor pero de la noche, porque nos quedamos un poco a medias. A pesar de ello, lo que vimos fue un más que interesante ejercicio de electro-pop con tintes ochentenos, donde la batería sintetizada y las programaciones eran los grandes protagonistas, junto a la cantidad de registros vocales de Elly, sin duda uno de sus puntos fuertes. Como opinión propia, casi disfruté más de canciones que no han sido singles, como “Fascination” o “As if by magic”, que de sus grandes éxitos. “Bulletproof” sonó algo enlatada y en “In fot the kill” se le olvidó parte de la letra, lo que deslució bastante el resultado. También nos regalo una versión de los Rolling Stones, “Under my thumb”, que se desvaneció entre tanta electrónica. Al final disfrutamos de un concierto muy ameno, pero da la sensación que debido a su escasa duración y que debido a que solo presenta un único disco, un festival seria un lugar más idóneo para presentar sus canciones en vivo.

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Maga saltó de Limbo Starr a Mushroom Pillow en 2008, así que llevan dos años trabajando en una nueva etapa que culminan con la presentación de su cuarto disco A la hora del sol, a la venta desde principios de este mes. El grupo de indie pop español decidió que “Sal y otras historias” fuese su primer single oficial, aunque como gran opción podéis escuchar el disco enterito desde este enlace, aconsejable puesto que muchos de sus fans están divididos en las críticas. Sea como fuere, en directo Maga funciona siempre bien, así que os dejo las fechas de sus próximos conciertos:

17/04 Mirador Pop – Cádiz
07/05 Sala Studio 54 – León
08/05 Sala La Vaca – Ponferrada, León
21/05 Sala el Sol – Madrid
30/05 Zaragoza – Zaragoza

MySpace: Maga

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Nuevo episodio en la vida de Delafé y las Flores Azules luego de la marcha de Facto (Marc Barrachina) del grupo. Dentro de una semana se pone a la venta su nuevo disco vs. Las trompetas de la Muerte y a modo de promoción han sacado el videoclip de su primer single “Espíritu Santo”, que podéis ver sobre estas líneas. Como podemos comprobar, la ausencia de Marc no ha penalizado el estilo alegre que se asentó en las canciones del último disco de los catalanes, en la Luz de la Mañana, aunque parece que cada vez hay menos base rapera (tendencia comercial peligrosa).

Delafé y las Flores Azules os regala además la descarga del tema “Ainanara” si os registráis en su boletín de correo. Si os hacéis con el disco podréis asistir a sus presentaciones en la FNAC de Barcelona y Valencia los días 23 y 27 de marzo.

MySpace: Delafé y las Flores Azules

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Foto: Trigger

Foto: The Bleach

Foto: Idealipsticks

Foto: Digital 21

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Toda la energía que nos hizo temblar cuando, sorprendidos, escuchamos hace prácticamente un año su disco de debut, suscitó que “Romancero” se paseara con la memoria puesta en la natural desenvoltura que tenía este trabajo de La bien querida.

El día que conocimos su música, que nos hizo pensar en grandes grupos y cosas musicales que habían sucedido en los últimos años en nuestro país, agrupamos las influencias de sus sonidos y, aflamencados, quedamos servidos de letras llanas y melodías contagiosas.

Comenzando con “Ya no”, tambor en mano, a Ana Fernández-Villaverde quizá le falte aún soltura sobre el escenario pero sabe defender con seriedad el firme repertorio que se conoce a la perfección su público. La bien querida ha hecho honor a su nombre y el peso de sus temas aguantará el paso del tiempo a través de las esperadas nuevas canciones de la bilbaína y compañía. Una de ellas sonó en el bis, “Me quedo por ahí” y otra, formará parte del inminente nuevo trabajo de Los planetas: ¿a qué está esperando Sr. Chinarro para hacer lo mismo?. Y como no se sabe nada de Nosoträsh (desgraciadamente), muchos ya se han apuntado al jardín de las delicias del grupo, que trae de golpe un montón de sensibles canciones, que balancean entre la suspicacia y la inmediatez. Candor que se puede apreciar también en el nuevo trabajo de Pauline en la playa, no nos olvidemos.

La bien querida -dos guitarras, David Rodríguez, como no, a su derecha, teclados, flauta travesera y batería-, es un grupo que , pasado el tiempo, se muestra como un grupo que va creciendo paso a paso en sus conciertos. Sobre todo, en la medida en que el acompañamiento de guitarras y batería suena tan bien como ocurrió en la sala Heineken (que ha mejorado considerablemente el sonido, ¡muy bien!), para poder engalanar el final de alguna de sus canciones a través del sonido de las guitarras, como ocurrió en “Santa Fe”. El esquema de hace un año, cuando la novedad rozaba el asombro, es el mismo, sólo que ahora se aprecia mayor empaque.

A pesar de que, en otras canciones el sonido de guitarras saturaba las voces (a Joe Crespúsculo,-bonito jersey-, a penas se le oía en “A.D.N.”), La bien querida tiene como escolta a un conjunto de excelentes músicos a los que se esperaba hagan grandes cosas, en estudio y directo. Son muchos los que quedan aguardando que el grupo saque la cabeza por nuevos huecos donde ver la luz, como la que ha conseguido cegar los ojos encandilados de aquellos que tararean las infecciosas “De momento abril” y “Corpus Christi”, dos de las grandes canciones que el pop ha podido escuchar en los últimos años. Con permiso de Nosoträsh, claro.

Lo de Joe Crepúsculo fue de miedo. Parece mentira el poder rítmico que refuerzan sus canciones, de amor, de cuchillos, serpientes y rayos. Entre el dadaísmo de esas letras y el sonido de bajo del tecno festivalero, a Joe Crespúsculo y Sergio Pérez García les sobran fuerzas para dar y tomar; pueden ganar la Champions y además en Barcelona tienen playa. Hacen canciones de bellas melodías, donde se dejan llevar por fuertes sonidos de baile que hicieron rendirse a todos aquellos que pudimos disfrutar de su música, entre los himnos que, uno tras uno, desfilaron como bombas pregrabadas hacia las piernas de la gente que tenían en frente.

Parece que, siempre queriendo estar felices con lo que hacen, lo saben transmitir con sonidos repetitivos dando fuerza a lo delirante de sus letras, que vienen desde Aviador Dro hacia el infinito de un futuro que es suyo. Sonaron brillantes y son, junto con Hidrogenesse, de los mejores de su clase. Si ya lo dicen ellos: “Lo más fácil es saber decir Hakuna Matata”. No te angusties y aprende a zebrear. Sí, sonaron brillantes; pero también invencibles.

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Con un frío importante, pero con un buen sol -al menos desde donde yo escribo- llega el vídeo de “In the Sun”, el último single de She & Him, extraído de su novísimo Volume Two, que tardó dos años en salir después de, como no, su debut Volume One. Se admiten apuestas para el nombre del tercer disco, jeje. El vídeo es muy alegre y combina la melodía popera con coreografías y vestidos ochenteros. “In The Sun” es una canción de las que te alegra el día.

Os recordamos que She & Him darán dos conciertos en España, los días 26 y 27 de abril en Madrid y Barcelona.

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Desde hace veinte años siempre que puedo, que es casi siempre, acudo religiosamente a los conciertos que los navarros dan en Madrid y sus aledaños. Y siempre acabo diciendo lo mismo: insuperable. Porque Barricada, como ocurre con AC/DC o Iron Maiden, siempre superan su propio listón, siempre suben un peldaño más en la escalera del buen gusto. Un 30 de junio de 2006 en el alcarreño pueblo de Alovera nos cantaron las cuarenta (canciones); ayer 6 de marzo, en la madrileña sala La Riviera, superaron esa cifra.

Puntuales como siempre, a las ocho y media de la noche los pamploneses empezaban a descargar las dieciocho canciones de su último disco, “La Tierra Está Sorda” , un trabajo cuya línea argumental está basada en una novela de Dulce Chacón. Sin complejos, sin titubeos ni contemplaciones. Empezaban con “Desfilan” , una introducción mitad canción que también abre el disco, para continuar con “Sotanas” , “Hasta Siempre, Tensi” , “Infierno De Piedra“ y “La Estancia“, un tema en el que la poesía es su principal punto de apoyo – “y volar contigo, y sentir el calor de tus manos en mis alas” -. Enrique Villarreal, El Drogas, nos introducía con breves y tímidas explicaciones en cada canción. Historias de milicianos y milicianas, de presos y presas, de guerrilleros y guerrilleras, de compañeros y compañeras. Españoles todos ellos, personas todas ellas. En la faceta vocal se alternaban El Drogas y Boni, mientras que Alfredo, Ibi e Iker, hijo de Alfredo que fue un puntal seguro para la banda en la guitarra, en el bajo e incluso en los teclados en esta primera parte del show, eran espectadores de lujo de lo que acontecía en el escenario. La banda disfrutaba y hacía disfrutar al respetable.

“22 De Mayo“, canción que hace hincapié en una de tantas fechas, “Llegan Los Cuervos“, “Es Una Carta“, que narra la relación que tenían por carta los represaliados y represaliadas con sus respectivas familias, “Las Siete De La Tarde“,la historia de una mujer que dio a luz en un montículo sola y sin gritos para evitar que los falangistas le quitaran a su bebé o “Matilde Landa“, interpretada en acústico y cantada por El Drogas sentado al borde del escenario, impregnaban el ambiente de emociones y reconocimiento de una sala en la que no cabía ni la respiración.

Siguen su periplo por el particular calvario sufrido por el bando de los perdedores de esa terrible contienda que fue la Guerra Civil con “Suela De Alpargata“, “Casas Viejas“, que narra la matanza llevada a cabo en esa población gaditana “por querer dar fruto a la tierra” , “Agua Estancada“, “Los Maestros” , con pinceladas de piano, “Pétalos“, – “ya no se puede su lucha olvidar, porque sus nombres recorren el tiempo” -, canción que simboliza la resistencia femenina, “Cierra Los Ojos“, “Por La Libertad” – “que difícil es contar los pasos que se dieron por la Libertad” -, y “Una Lágrima En El Suelo“, con la que despiden la primera parte de un emotivo concierto y con la que, después de agradecer a Iker de Dikers e hijo de Alfredo, su participación y según Enrique “explotación filiolaboral” , nos invitan a una segunda entrega que promete ser inolvidable.

Diez minutos más tarde sonaba el himno circense con la que abren la canción “Sean Bienvenidos” , un tema tan cargado de adrenalina como de intenciones. Luego descargarían “Rojo” , del álbum homónimo, “Todos Mirando” , “Contra La Pared” , “Esta Es Una Noche De R’N'R” , cantada a rabiar por el público, “Sofokao” , “Objetivo A Rendir” , “Písale” , “Deja Que Esto No Acabe Nunca” , “Tan Fácil” , la barriobajera “Esperando En Un Billar” , “A Toda Velocidad” , “Víctima” , – con este tema La Riviera casi se viene abajo -, y “Mañana Será Igual” , introducida como si fueran a tocar “No Sé Que Hacer Contigo” , y que tocarían después de interpretar “Tentando A La Suerte” . Luego vendrían “Lentejuelas” , el himno generacional “Okupación” , “Animal Caliente” , cantado como siempre a capella por el respetable, y el himno de himnos “En Blanco Y Negro” , con el que terminarían, a las once y diez de la noche y después de más de dos horas y media de concierto, la primera de esta segunda parte del show. Para los bises reservaron los temas “La Oveja Negra” , “No Hay Tregua” , “Esta Noche” , cantada por un público siempre entregado y bailando al ritmo que le marcaba la banda, y “En La Silla Eléctrica” para terminar con el himno circense con el que empezaron. Tres horas de concierto donde, cuenten ustedes, descargaron más de cuarenta canciones.

Superar lo insuperable es imposible, aunque imposible es una palabra que no se recoge en el diccionario de los navarros. Gora Barricada.

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Terminado ya el teatrillo de los Premios de la Música, no de esta XIV edición en particular sino todas en general, vender como novedad que el premio en esta edición al autor revelación fue para Zahara por su potente canción “Merezco” , que la mejor canción y el mejor álbum rock se fueron a Bilbao en la maleta de Fito & Fitipaldis, o que el mejor álbum de flamenco lo recogió Soledad Morente en nombre de su padre Enrique premiado por el álbum “Morente Flamenco” , sería una falacia. Vender como primicia que el premio a toda una vida se lo dieron a un emocionado Peret, que el premio latino de honor recayó en Bebo Valdés – al que se lo entregó un agradecido Fernando Trueba -, o que el premio al mejor álbum y al mejor álbum de canción española recayeron sobre Miguel Poveda, sería engañar a los lectores.

La presente reseña la escribe un servidor para que ustedes, los lectores, los que no estuvieron allí, sean partícipes de lo que aconteció en la sala de prensa reservada a tal efecto. Por allí pasaron todos los galardonados con su premio. El objetivo de esta reseña es que sean cómplices de primicias y cotilleos que no saldrían a la luz si no fuera por los periodistas que estuvimos allí.

A las ocho en punto hacíamos acto de presencia en la quinta planta del teatro Häagen-Dazs Calderón los más de cincuenta medios acreditados para informar acerca de esta XIV Edición de los Premios de la Música. Una gala muy bien organizada donde cada uno, a pesar de la aglomeración de cables, cámaras, trípodes, micrófonos, ordenadores, grabadoras y personas, teníamos reservado nuestro pequeño espacio vital, y donde se dieron cita muchas caras bonitas vestidas de domingo para la ocasión.

Desde aquí les cuento por ejemplo, que un emocionadísimo Carlos Raya, premio al mejor productor, nos desvelaba que a día de hoy es imposible volver a resucitar a Sangre Azul, grupo que le vio nacer musicalmente hablando. O que unos jovencísimos Dani, David y Chema, El Canto Del Loco, nos contaban sus proyectos de futuro, entre los que hay una gira por Sudamérica y álbumes en solitario, muy distintos de lo que hasta ahora han hecho en El Canto Del Loco: “va a ser diferente a El Canto Del Loco. Creativamente nos viene muy bien a cada uno de nosotros. Nos gusta ir a contracorriente, como Bustamante” . Contarles que hay artistas más allá de las emisoras de radio fórmulas, artistas y autores como Mastretta, Juan De Pablos, SFDK, Zulema De La Cruz y Jordi Savall – estos dos últimos en la categoría de autor e intérprete de música clásica -, Roque Baños, Javier Corcobado, Ruper Ordorika, Dixebra, o Mikel Urdangarin, entre otros.

Porque estos premios, salvo contadas excepciones – quizás la más significativa sea la de Carlos Bau, premio a la mejor canción en gallego quien confesaba que “no tengo compañía importante detrás, ni una agencia de contratación, ni promoción alguna. Solo tengo canciones” -, son los premios de lo comercial, lo mediático y las multinacionales. De las canciones de amor y las canciones pintadas de color rosa. Aquí no tiene cabida la crítica social o la poesía agónica y necesaria que trata como héroes a perdedores rutinarios y anónimos. Por eso en el photocall de los premios de la música nunca verán a Roberto Iniesta.

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El último disco de Los Madison titulado Vendaval “está construido sobre el inmenso solar del mejor pop-rock americano, con materiales nobles y tradicionales: una voz notable, grandes melodías, afiladas guitarras e historias que nos relacionan con el tiempo presente y su crónica agridulce. Vendaval es un gran disco”. Son las palabras siempre sabias de Miguel Ríos. Si quieren saber algo más acerca de este prometedor grupo no dejen de leer la siguiente entrevista.

AMADO STORNI: ¿Quienes forman Los Madison?

LOS MADISON: Pues somos cinco: Txetxu Altube, a la voz y guitarras, Carlos Altube, al bajo, Alfonso Adánez, a la batería, Iñaki Aranda a los teclados y desde hace un año y medio contamos con Jose Luis Martín, como guitarrista.

A. S.: ¿Qué le hace diferente a “Vendaval” de “Días de Vértigo” vuestro anterior trabajo?

L. S.: Pues básicamente la experiencia, tanto a la hora de grabar en el estudio como de componer los temas. Creo que somos más maduros, personal y musicalmente, y creo que ha de notarse.

A. S.: ¿Como ha sido el proceso de grabación de “Vendaval”?

L. S.: Pues gran parte de los temas llegaron bastante claros al estudio. En ese sentido fue bastante fácil. Ya sabíamos lo que era grabar en un estudio y Jose Nortes sabía muy bien que es lo que podía sacar de nosotros, cómo exprimirnos. Siempre es un placer trabajar con Jose.

A. S.: ¿Cómo está siendo la gira de presentación del disco?

L. S.: Toda una experiencia. Estamos tocando en ciudades que nunca habíamos pisado, abriendo camino. El contacto con la gente que nunca te ha visto es fundamental para saber si estás haciendo bien las cosas, si vas por el buen camino. Estamos muy contentos. Ese es el trabajo que tenemos ahora, abrir trecho. Es difícil, pero es en el escenario donde estamos más a gusto.

A. S.: ¿Como se siente uno cuando toca con Miguel Ríos? Me refiero al apoyo que el granadino os brindó en la sala Galileo el pasado día 13.

L. S.: Es difícil de expresar. He tenido la suerte de compartir gira con Miguel el año pasado, y que se preste a colaborar con nosotros el día de nuestra presentación no tiene precio. Es un referente en la música en este país, un pionero, una fuente de aprendizaje, en todos los sentidos. Todo un honor.

A. S.: ¿Cuál es el proceso de creación de vuestras canciones?

L. S.: Pues las canciones surgen en mi habitación, normalmente. Tengo que tener algo que decir, algo que me remueva, que me esté preocupando. El resto es simplemente agarrar la guitarra y dejar que salga. De ahí sale la base. Luego es trabajo de la banda, en el local de ensayo, terminar de darles cuerpo.

A. S.: ¿Cuáles son vuestros referentes musicales?.

L. S.: Casi todos coincidimos en un núcleo base. A todos nos gustan nombres del rock americano como Bruce Springsteen o Tom Petty, y referentes nacionales como Antonio Vega,Los Secretos o Quique González. Pero cada uno también tiene su apartado con nombres que puede que no sean tan conocidos, o incluso algo más apartados de los sonidos clásicos.

A. S.: ¿Qué hay que tener para ser un buen grupo?

L. S.: Buenos temas, intención, capacidad de conectar con tu público, y podrían salir muchas más cosas. Pero tampoco creo que tenga que ser algo concreto, definido. Y tampoco fácil de conseguir. Simplemente el secreto, muchas veces, está en que no hay tal secreto.

A. S.: ¿Qué es lo que más y lo que menos os gusta del mundo de la música?

L. S.: La capacidad de poner los pelos de punta con tus canciones. Conseguir uno mismo lo que ha sentido con las canciones de los demás. Es el objetivo. Siempre soñé con que alguien pudiera identificarse con nuestros temas como yo lo hice con gente como Van Morrison o Quique González por decir algún nombre. Que salgas de tu ciudad y el público coree tus temas es impagable. Hay cosas con las que no estás de acuerdo, o que te gustan menos. Pero también es cierto que te metes en este mundo con todas las consecuencias, y aunque no estés a gusto con algunos planteamientos, solo te queda luchar desde dentro.

A. S.: ¿Qué pensáis acerca de la situación actual de la industria de la música?

L. S.: No corren tiempos fáciles para la industria, creo que es simplemente cuestión de adaptarse a las circunstancias, saber aprovechar los cambios y sacarles partido. Estamos en un momento difícil pero no por eso vamos a quedarnos en casa. Estamos haciendo lo que nos gusta, y aunque las cosas hayan cambiado o estén cambiando, vamos a seguir adelante.

A. S.: La música, ¿es más negocio que pasión?

L. S.: Nosotros lo vemos como pasión. Como te decía antes, es cuestión de poner los pelos de punta, de hacer saltar las lágrimas. No lo vemos como negocio.

A. S.: ¿Lo comercial está reñido con la calidad?

L. S.: No tiene por qué. Pero también habría que definir exactamente qué es lo que es comercial y qué no. Nosotros apostamos por hacer las cosas bien, o por lo menos, intentarlo. Nuestro trabajo es ir haciendo las cosas poco a poco, con paso firme, y que luego sea el público el que decida.

A. S.: Si tuvierais que elegir una canción vuestra, ¿cuál elegiríais?

L. S.: Es difícil elegir una canción y más si es uno mismo el que las compone, cada una tiene su propia carga personal. Todas tienen su sentido, su historia, y elegir una no es fácil. Quizás “Vendaval” , al dar título al nuevo disco, y por el sentido que le estamos dando en esta presentación, podría ser la elegida.

A. S.: ¿Y una canción de otro grupo?

L. S.: Quizás “Lo Mejor De Nuestra Vida” de Antonio Vega. Antonio ha sido fundamental para la música española. Estamos haciendo un humilde homenaje en nuestros directos con una versión de este tema, creo que es lo menos que podríamos hacer.

A. S.: Por último, ¿que consejo daríais a los grupos que están empezando?

L. S.: Espíritu de sacrificio y estar preparados para una carrera de fondo. Ese es nuestro espíritu. Estamos abriendo camino y no va a ser fácil. Son muchas horas de local de ensayo, de darle vueltas y vueltas a los temas, etc. Hay que trabajar duro. Estamos en ello.

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¡Vuelven Gorillaz! Por todo lo alto, con una canción que gana tras sucesivas escuchas y con un invitado en el videoclip de “Stylo” que deja a la colaboración de Nadal y Shakira en un punto bastante ridículo. Se trata de nada menos que de Bruce Willis, que hace de malote en una persecución motorizada con los monos que conforman Gorillaz. Un lujo de vídeo en el que como siempre se integran el 3D y que sirve para promocionar su nuevo disco Plastic Beach, para el cual el grupo de Damon Albarn se ha agenciado el arte de Lou Reed, Mos Def, Snoop Dogg, etc.

Website: Gorillaz

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Adam Green está como un cencerro; eso ya lo sabíamos. No nos sorprendía demasiado su alocada puesta en escena a los que ya le habíamos visto un par de veces en directo; viendo como no para quieto, utilizando el pie del micro como bastón para sujetar sus idas y venidas en una escena que él sabe crear, con esa mezcla de ironía e insolencia que ya quisieran para sí muchos de los llamados “frescos grupos de rock actuales” (véanse los aburridos a su lado The pains of being pure at heart, gran disco, no tan buenos en directo).

Si se llega a caer hubiera dado lo mismo. Se hubiese levantado y hubiera seguido brincando como si el escenario fuera una cama elástica, que en eso lo convirtió en pocos segundos. Saltando sin venir a cuento, bailando aún peor que mi sobrino de cuatro años; lanzándose por tres veces al público y….divirtiendo, divirtiendo mucho al público que tiene en frente. Adam Green es un canalla que nos encanta y en hora y media puede provocar el delirio, la simpatía y la cara más entrañable de sus canciones más sosegadas. Fachada que vemos en su último disco y que se traduce en directo en una serie de cañonazos que el cantante refleja con ese esplendor de cara dura que tanto nos gusta.

Si estuvo quieto tres minutos, fue para cantar “Jessica”, transformándola en su final en un griterío donde apareció nada menos que Bryan Adams y su “(Everything I do) I do it for you”. Impresionante el chico. Te ríes a rabiar con él, bailas, coreas sus canciones y observas cómo disfruta de la brevedad de sus temas (¿para qué alargarlos más?), con esas ganas de saber contagiar lo vibrante que puede extraer de sus canciones; de ahí lo bien que supo cambiar, desde el pop más vibrante hacia el punk más dislocado, su magnífica “Emily”, que viene siendo una de sus banderas más aplaudidas de su repertorio. Porque la excusa para muchos de nosotros era que presentaba nuevo disco; la reconciliación de su lado más afectuoso nos llega con éste “Minor love”, que son otro puñado de concisas (por lo breve y sobrio del conjunto) llamaradas de Indie-folk, que Adam Green viste con esplendor en directo y dispara a nuestros oídos al calor de una imagen más rockera que lo enaltece para conseguir que sea uno de nuestros héroes favoritos; le das una capa y te juro que se hubiese puesto a volar por toda la sala sin ningún reparo. A saber si algún día termina alguna de sus canciones coreando a Bonnie Tyler. Al tiempo.

Pues eso. Da la vuelta al carácter diletante de sus grandes canciones de estudio para mostrar su lado punk, dando rabia a través de lo exaltado de sus meneos en concierto que se hace inmensamente corto, entre la enorme e infecciosa muestra de talento que más que tratarle como un joven y aventajado revelador de imágenes áridas y sucias en vivo, nos hace justificarle como un sacrílego profanador de sonidos que ha madurado, adherido y ha sabido (sobre todo esto último) entregar en directo a su público. Más grande que Bono. Vuelva señor Green, que la próxima vez llenamos el Palacio de Deportes. Vuelva pronto a visitarnos. Ni que decir tiene que es un firme candidato a concierto divertido del año.

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Artista: El Canto Del Loco
Album: Por Mi Y Por Todos Mis Compañeros
Sello: Sony
Fecha de publicación: 24 de Noviembre de 2009
Más información: www.elcantodelloco.com/

Listado de canciones:

1.El Garrotín
2.Años 80
3.Aunque Tú No Lo Sepas
4.No Puedo Vivir Sin Ti
5.Aquellas Pequeñas Cosas
6.La Casa De La Bomba
7.Mejor
8.María La Portuguesa
9.Feo, Fuerte Y Formal
10.Nada De Nada
11.Se Acabó

“Por Mi Y Por Todos Mis Compañeros” es el título del disco de versiones de canciones cantadas y tocadas bajo el prisma personal y particular de El Canto Del Loco. Una apuesta atrevida aunque muy repetida últimamente.

De las once canciones que contiene el disco hay que hacer puntual hincapié en unas cuantas versiones que se salen de la horma rockera que ha moldeado al grupo durante toda su carrera. Estos son: “Aquellas Pequeñas Cosas” , versión magistral del tema de Joan Manuel Serrat, que no mejoran pero que sigue emocionando, “María La Portuguesa” , entrañable canción de Carlos Cano que en la voz de éste gana en nostalgia y sentimiento pero que el grupo complementa instrumentalmente bastante bien, “Nada De Nada”, de la cantautora Cecilia, la rumbera y flamenca “El Garrotín” , que el grupo envuelve en un halo rockero muy peculiar y pegadizo, con partes de la canción cantadas en inglés, y “Se Acabó” , el éxito de María Jiménez, que llevan al terreno del rock para ganar en fuerza pero perder en credibilidad. Será porque igualar la voz y el genio interpretativo de María es tarea muy difícil. Por lo demás más de lo mismo: mucho rock n´roll que aporta más bien poco a los temas originales. Encantadora la versión que hacen del tema de Loquillo Y Los Trogloditas, “Feo, Fuerte Y Formal” , que sin ser el más representativo de la banda es un tema de una fuerza interpretativa y una complicidad generacional difícil de igualar.

Otros temas son “Años 80” , “Aunque Tú No Lo Sepas” , de Quique González y Enrique Urquijo, “No Puedo Vivir Sin Ti” , de Los Ronaldos, popularizada por un anuncio de televisión, “La Casa De La Bomba” y “Mejor” , de Los Brincos.

Preciosa la portada que nos presenta a una niña jugando al escondite, y precioso el título, pegadizo y directo, que refleja con palabras el pequeño gran homenaje que nos vamos a encontrar. Esperamos que el próximo trabajo del grupo contenga temas originales y de su autoría. Hasta entonces nada más que decir.

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Artista: Luz Casal
Título: La Pasión
Sello: Emi
Fecha de publicación: 29 de septiembre de 2009
Más información: www.luzcasal.es/

Listado de canciones:

01 Con Mil Desengaños
02 Alma Mía
03 Historia De Un Amor
04 Cenizas
05 A Donde Va Nuestro Amor
06 Nieblas
07 Mar Y Cielo
08 No, No Y No
09 Sombras
10 Que Quieres Tú De Mi
11 Como La Cigarra

“Con Mil Desengaños” es la carta de presentación de este disco titulado “La Pasión”, título que refleja claramente lo que nos vamos a encontrar en su interior: once canciones apasionadas, cantadas por una Luz apasionada. “Con Mil Desengaños”, en cuyo video clip intervienen Sara Baras y José Serrano, es un precioso bolero que se viste de domingo con el poderío vocal de la gallega.

“La Pasión” es un disco que transmite, que puede que guste o no pero que trasmite. Once canciones en las que el romanticismo toma las riendas de los sentimientos, donde el corazón se abre de par en par y el alma descose nuestras vidas e hilvana nuestros recuerdos. Desde la mencionada “Con Mil Desengaños”, que abre el disco hasta “Como La Cigarra”, canción que lo cierra, de puntillas, sin querer, porque aunque el disco acaba las canciones siguen presentes en nuestra cabeza.

En el disco se dan cita clásicos que enamoran, boleros que al escucharlos uno los hace suyos desde la primera nota, desde la primera letra. “Alma Mía”, el omnipresente y siempre bello “Historia De Un Amor”, la elegante impotencia de “Cenizas”, – “por la amargura de un amor igual al que me diste tu” -, la emotividad de “Nieblas”, – “si tu vuelves no habrá nieblas nunca más” -, la pureza de “Mar Y Cielo”, o el esplendor de “A Donde Va Nuestro Amor”. Letras que se empapan de poesía, – “aunque me digas te quiero, aunque me llames mi vida, no, no y no, no te lo puedo creer”, extraída de la canción ”No, No Y No” – de una poesía escrita con mayúsculas que hace divinos los sentimientos más cotidianos.

Este es un disco intimista que empapa de gloria al bolero, que lo impregna de sonrisas y lágrimas, que lo despierta de su letargo y lo hace caminar, como a Lázaro, para llenarlo de luz. De Luz Casal.

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