«¿Quiénes son los sordos?». La pregunta y duda embadurnó la sala semivacía durante el recital de cierta cantante. La joven, en el escenario, venía de Estados Unidos siendo allí un referente de la canción. ¿Da eso garantías de algo? Las mismas que una carrera universitaria en España, o sea, ninguna… al menos viendo el panorama y la facundia bella vista que se le otorga al pueblo. La muchacha terminó (sin perder la sonrisa) y agradeció su atención a los pocos que allí se encontraban.

Hace unas largas semanas se celebraba el Record Store Day, que es algo así como el día de las tiendas de discos pero sin descuentos aparentes. Un certero ejemplo pudo vivirse en Madrid. Varias tiendas programaron actividades y pequeños shows en sus calles, algo muy necesario en los tiempos que corren. En el Espacio UFI concurrían, desde primera hora de la mañana, bandas y músicos de diverso pelaje. Es una zona con bares y terrazas, por lo que la situación estratégica iba a funcionar a las mil maravillas. Y así fue, no sólo aglutinaron una gran cantidad de asistentes a eso de la hora del vermouth sino que además doblaron el número cuando las cinco de la tarde llegaba a los relojes. Los músicos no eran grandes estrellas, pero desbordaban talento, cosa que los hace todavía más estrellas, por cierto.

La organización perfecta, controlando a cada momento los tiempos que había entre las bandas para no pisarse las unas a las otras. Y al igual que en otros espacios, en su interior albergaba una rica oferta en material sonoro, del mismo modo que también sucede en otros establecimientos como Radio City, por ejemplo. Uno podía estar escuchando una canción en directo y después preguntar en la tienda por el disco del compositor y/o cantante de turno. Un bonito encuentro en donde todos salían ganando. Incluso los hosteleros de los aledaños. ¿Se le dio bombo a aquella proeza (porque lo es)? Poco o nada. Alguna cadena estuvo allí, pero es como si uno tiene tos y se rasca sus partes pudendas.

Una verdadera lástima, puesto que estos eventos forman parte de la cultura. Pero ya se sabe, la cultura hispanistaní consiste en ir de lado a lado de la sala de turno con dos vasos hasta arriba de cerveza (mojando a su paso) sin parar de hablar, importunando así a los asistentes y grupo que toca en el escenario. ¡Muchachada, estar callado en los conciertos es mainstream, lo que mola es incordiar siempre que uno tenga la más mínima oportunidad!

Dedicarse a esto de la farándula en un país tan ignaro es como buscar el verdadero amor en una prostituta. No obstante, igual a base de meter tan regio miembro en las carnosas cavidades cortesanas, aparece Cupido disparando una flecha con forma de venérea. Es posible que ese amor llenito de herpes lleve el nombre de una radio o de una revista donde esparcir tan infecto virus con la intención de contagiar la promoción del próximo concierto. Bien. Eso está bien pensado, pero… ¿se le hará el mismo caso si en lugar de publicitarse Radio 3 se hace en otra de menor repercusión pero no de inferior calidad? Permitan que un servidor desate una estridente risotada. Sucede que, en este terruño de iluminados, los grupos neonatos que despuntan en el “underground” tienen que alimentarse de bahorrina durante muchísimo tiempo mientras fanzineros de pro y bloggers pajilleros (musicalmente hablando) les dan coba y repercusión… hasta que -¡oh! milagro- un medio mayor logra darle algunas migajas de su importante tiempo. Es entonces cuando los pechos se hinchan y ensanchan, las medallas cuelgan y tintinean, y un gatito muere en otra parte del mundo. «¡Nosotros hemos descubierto a (inserte su grupo aquí) y os ofrecemos su nuevo disco!». Y colorín colorado… ustedes saben.

La ignorancia encubierta se rearma en esos instantes. Ese grupo que antes era obviado por los más versados es ahora alzado por esos mismos. Como es de esperar, sus respectivos adláteres empiezan a hablar, conocedores ellos, de lo mucho que suena ese chorus o de cómo el cantante enarbola la voz rozando lo (atención: palabra odiosa) sublime. Todos son muy guapos y muy bonitos. Sus giras logran llenos donde antes no iba ni la abuela del batería y logran grabar un honroso long-play producido por el “manitas” de moda. Para alegría de la inteligencia y del arte, ese conjunto que ha trabajado a pico y a pala al fin ve recompensado su duro esfuerzo. El problema es -como antes se ha explicado con las enfermedades venéreas- que tendrán fans que más que fans son verdaderas gonorreas. Amén de sus odiosas grupies, las cuales también ostentan unas dilatadas cavidades íntimas por las que han pasado desde técnicos hasta pipas. Si esta pútrida mentira no fuese una azucarada función de pacotilla, se podría decir que los chavales han entrado en eso que los especialistas en marketing llaman “sexo, drogas y rock and roll”. Los enterados que aplauden (tarde) a la ya explotada banda serían como estos progres de salón que sonríen a las glorias de la multiculturalidad sin reparar en los ghettos de los barrios obreros que, evidentemente, no disfrutan ellos, reliables pusilánimes.

Pero pasará el tiempo, y aunque un segundo y prometedor disco sea doble platino, aquellos que se enorgullecían hipócritamente de sus logros lapidarán a sus falsos ídolos por vendidos. Sin olvidar la ya común cantinela de “yo los he visto cuando en sus conciertos había cuatro gatos”. ¿Qué sucede entonces? Pues que el cuento del “sexo, drogas y rock and roll” se esfuma y todo se estabiliza. Y aunque hay excepciones, lo común es disolverse y dedicarse a la prostitución (en España se gana más así) o continuar como antes, tocando, que al fin y al cabo es para lo que están hechos. En otros casos puede uno finar (si es a los veintisiete queda hasta mejor) para ser mitificado de manera excesiva, como sucede actualmente con el pobre Antonio Vega. Décadas semi-olvidado para ser ahora el icono del adocenamiento borreguil que se ha escuchado a última hora “Anatomía de una ola” o “3000 Noches con Marga”, no vaya a ser que se queden sin conversación.

¿Por qué esa falta de criterio en aquellos infraseres que creen poseerlo? A decir verdad no se sabe para qué existen ciertas radiofórmulas y ni mucho menos se entenderá por los siglos de los siglos lo que suelen pinchar. Unos, los que van de líderes del pedantismo, sientan cátedra desvirtuando el objetivo de difundir músicos y artistas desconocidos. Otros, los que van de modernos, emborrachan (¡bendita payola!) a los “escuchantes” de auténtico garrafón sonoro. Éstos y éstas (no se me enfaden, feminazis), claro, mueven el delantal y las zapatillas de felpa al son de la aflamencada y recauchutada gritona de turno.

¿El objetivo de las radios y demás medios musicales es la de educar? Pues hombre, podría ser, pero también la duda de si la gente escucha lo que les ponen o si ponen lo que demandan deja en jaque cualquier cabeza pensante.

La poesía es de quién la siente. O, como dijo el poeta mexicano Octavio Paz, la poesía no se siente: se dice. Tal vez con la música ocurra lo mismo… se supone.

Ignorance is strength!

Estamos ante el que será seguramente uno de los lanzamientos que más ruido harán este año. Si durante los últimos meses los vídeos que han ido apareciendo de la banda ya hacían a muchos deshacerse en elogios ante estos jóvenes, ahora con el disco ya entre manos parece bastante claro que van a ser el grupo de moda del año, o al menos uno de ellos. Y no parece desmesurada la atención recibida porque, aunque Boys & Girls funciona a la primera, gana bastante con las siguientes escuchas.

En 2011 comenzaron a tener bastante repercusión gracia a la gira que hicieron con Drive By Truckers, una banda a la que se asemejan a la hora de tomar los años 60 y 70 como referente. Alabama Shakes van directamente hacia ese rock & roll de T. Rex y Creedence Clearwater Revival, el R&B de Janis Joplin y algo del soul de Otis Redding. Todo ello lo encontramos en el magnífico inicio con Hold On y I Found You, dos temas de esos que calan desde la primera escucha. Hang Loose y Rise To The Sun aportan más momentos enormemente pegadizos antes de dar paso a la parte más tranquila con You Ain’t Alone, Goin’ To The Party, Heartbreaker y la que da nombre al disco. En este punto es difícil no caer rendido ante ellos y especialmente a la magnífica voz de Brittany Howard, que parece reservarnos lo mejor para el final, cuando se explaya en temas como On Your Way o I Ain’t The Same.

El reto que tienen por delante es conseguir la atención del público más allá de la moda pasajera, porque no sería el primer caso de una banda que recibe una desmesurada atención para después verse relegada a aparecer en algunos pocos medios de menor impacto. Añadamos a esto la curiosa fiebre por lo vintage que padecemos desde hace algunos años, que fagocita cada nuevo grupo que aparece con un sonido más o menos retro. ¿Os acordáis del revuelo que levantó el primer disco de Kitty, Daisy & Lewis y otros tantos? Pues esto se parece mucho.

Alabama Shakes – Boys & Girls en Spotify

Artista: Joan Colomo
Título: Producto Interior Bruto Vol.2
Sello: BCore Disc
Fecha de publicación: 20 de Marzo de 2012
Más información: http://http://www.joancolomo.com/

Listado de canciones:

Atarab Aincetorip
Ego Sum
El fong I el llangardaix
En Re
De luz y color
El xiprer
Ebri
Ya ves Andrés
Productor interior bruto
Perdut
Bar y montaña
Mart
Els destil•lats i la Constitució (Segona part)
Mans buides

En el concierto participarán otros dos conocidos DJ: Michael Calfan y Dani Moreno “El Gallo Máximo”. Sin duda un día especial para compartir con tus amigos, con Bob Sinclar y con Peugeot.

“Let Your Body Drive” sintetiza emocionalmente las 5 vertientes de la REGENERACIÓN 208, que suponen una ruptura con lo establecido hasta ahora en el segmento de los utilitarios. Peugeot siempre ha marcado la referencia en el sector de los vehículos orientados a gente como tú, dinámica, joven y que le gusta moverse por sentimientos y corazón y no solo por la frialdad de la mente. Por eso “deja que tu cuerpo te conduzca”.

Venga, anímate ya y consigue tus entradas que podrás adquirir a partir de 15 € en Ticketea.com y Ticketmaster.es

Todos los estilos musicales tienden a desarrollarse, a mutar, y parece que hasta la fecha no se libra ninguno. No, debe ser que no calan las cosas originales, ahora la gracia que tiene todo es lograr venderlo pintado con varios colores que disimulen su estado primario. Que les puede gustar a muchos, por supuesto, aunque también hay gente a la que de vez en cuando nos apetecería seguir disfrutando de la esencia. Y bueno, The Slackers no hacen más que demostrar a algunos incrédulos que todavía se puede recordar a la vieja guardia sin tener que pedir disculpas.

Estos seis instrumentistas consiguen aunar fuerzas y desarrollar con soltura cuatro corrientes como son el ska, el calypso, el dub y el reggae. Su estilo les permite moverse con rapidez y efectividad entre dichos parámetros, para al final lograr un resultado más que aceptable. Sólo hay que fijarse ‘Old Dog’, hacedme caso; en su concierto madrileño del pasado domingo apareció en el tercer puesto de su lista de elegidos para encandilar en las primeras ráfagas. Hay un claro juego de palabras, ya que “dog” significa perro pero también se utiliza en jerga como “tipo” o “colega”. Aquí tenemos al protagonista, ya sea canino o humano, recordando en sus últimas horas aquellos días de gloria cuando aún era el rey de las calles («si pudiera tener otra oportunidad para aullar a la luna, perseguir prostitutas bajo el calor y tener el mundo a mis pies»). La mezcla de calypso con vaivenes de vals en los estribillos, con toda la agrupación balanceándose como si tocasen sobre la cubierta del Titanic, termina por conformar una canción para el recuerdo.

Habían comenzado la velada haciendo honor al día escogido para pisar nuestra ciudad (‘Every Day Is Sunday’), e igual de osados y para nada melindrosos lucen estos Slackers cuando se arrancan en una de sus reinvenciones, en este caso de un clásico del punk de calaveras. El ‘Attitude’ de los Misfits también suena avasallador en clave de ska, algo que no sucederá con el ‘Like A Virgin’ de Madonna, que se presta a las galas del medio tiempo y a los juegos humorísticos con los arreglos de viento. ‘Feed My Girl’, ‘Crazy’ o ‘Keep It Simple’ contentan tanto al rude boy como al melómano de autopistas sin fronteras, mientras el deje tradicionalista de ‘Manuel’ pone a danzar a toda la Caracol con movimientos suaves, rítmicos, girando brazos y doblando rodillas al compás.

Los bises, que se presentan en doble sesión, en dos tandas rebosantes de piezas musicales, traen los aires de la fiesta sin fin, de la noche que se hermana con el amanecer siguiente. ‘Game Of Love’, la tonadilla que popularizase con suprema gracia Wayne Montana And The Mindbenders (original de Clint Ballard, Jr.) en el 65 del milenio pasado, sale en las rondas extras con el impulso de la píldora que te insufla la energía necesaria para subir al Kilimanjaro a la pata coja. ‘The Same Everyday’ machaca en la cesta contraria obteniendo los ansiados dos puntos sobre el tiempo de final de partido, para algunas zancadas después recordar a Bill Withers con un ‘Ain’t No Sunshine’ instrumental donde el teclado Korg toma el bastón de mando gracias al impetuoso Vic Ruggiero. Esencia de Skatalites, Specials, Alton Ellis, Madness, Desmond Dekker, Prince Buster o Hopeton Lewis.

Y no es que manifieste que tal vez no sea más sencillo de vender para la nueva hornada un ska rockero, algo frenético y con ciertas pizcas de rebeldía, con esos guiños con los que el complaciente comprador puede creer que logrará salvar el mundo desde el sofá de su casa. Pero, y eso bien lo demuestran The Slackers, todavía hay sitio para las figuras primeras y para las composiciones que te devuelven a la Jamaica idílica. Una pena que el verano soñado termine tan pronto.

En la industria musical hay dos vertientes, la comercial y la indie. Dejando a un lado el tema del contenido (¿qué encuadrar en cada categoría?: el debate podría ser eterno), estas dos líneas están marcadas por los medios, que por un lado o por otro escogen a los artistas que quieren aupar. Después tenemos a los que se encuentran en tierra de nadie, que no suelen tener la presencia mediática de unos Maldita Nerea o unos Triángulo de Amor Bizarro (cada uno en su ámbito, claro), pero que por el boca a boca se hacen un hueco en la escena nacional y pueden acabar obteniendo más éxito que el sector indie y a veces hasta que el comercial. En este grupo podría encuadrarse Freedonia, formación especialista en soul que poco a poco se han ido ganando un público fiel que agota las entradas de sus conciertos.

Así sucedió el martes en el Sol en Madrid, con la sala hasta arriba de un público que durante todo el concierto lo dio todo y más. Es curioso, por no decir extraño, ver a una audiencia tan entregada y más sin haber lanzado aún un primer álbum. Ahí es donde radica la magia de la banda: aparte de su profesionalidad sobre el escenario, saben generar como pocos un ambiente cercano, hasta familiar, y sobre todo buenrollista. Efectivamente, su soul tiene alma, además de un envoltorio digno de mención. A la llamativa sección de viento se le une la percusión con bongoes y bateria, bajo, guitarra y teclado, con armónica y flauta en determinados temas. Un conjunto muy completo en donde no falta ni sobra nada, y en directo la compenetración es concisa y funciona a las mil maravillas para acompañar a la potente interpretación de Aurora. La chica tiene la fuerza vocal y la actitud de cualquier cantante negra de los sesenta; un torbellino que alenta al público a entregarse al 100%.

El setlist iba entre temas que los que hayan asistido a otros shows de la banda ya conocerán, los nuevos temas y versiones como “Under my zumb” de los Rolling Stones en clave soul o “25.000 miles” de Edwin Starr para acabar la velada. Hay que destacar highlights como el momento en el que Aurora se lanzó al público para hacer una especie de groove espontánea con los que se atrevieran a acompañarla (un chico que se animó parecía salido de Fama).

No pudo haber sido un mejor regalo para los trabajadores y los que no tienen la suerte de tenerlo, ya que además el directo tenía como título Working Class Show y las entradas estaban a precio especial. Porque ellos son los primeros trabajadores que intentan salir adelante en un entorno cada vez menos propicio para ello. En septiembre comprobaremos su talento en estudio con la publicación de su debut (financiado a través de goteo.org), y quién sabe, puede que sea otro de los grupos (cada vez hay más) que coronen la lista de ventas sin el apoyo mediático con el que otros cuentan; porque un nuevo modelo es posible.

Artista: Los Esclavos
Título: El gran apagón
Sello: AutoEditados, Distribución Independiente de Música y Cine
Fecha de publicación: Noviembre de 2011
Más información: https://losesclavos.net/

Listado de canciones:

Nada que deshacer
El día que estuvimos por ahí
Me muero
Ella no lo sabe
Tiene
Yoko y yo
Videos de Maradona
Culpable
Brigitte Bardot
Momentum
El gran apagón
Momentum musical
Me vuelvo al pueblo
Llegando hasta el final

Artista: Dulce Pájara de Juventud
Título: Dulce pájara de juventud
Sello: BCore Disc
Fecha de publicación: 20 de Enero de 2012
Más información: https://www.facebook.com/pages/Dulce-Pájara-de-Juventud/

Listado de canciones:

Feel
Gigalove
Dear Bruno
Nacer3
The Fear
Junior vs Death
Dulce Pájara
Ani
We’ll Fight Them on the Peaches
Nebosky

El reloj no había alcanzado las diez de la noche cuando la música que precede a la salida a escenario de Niños Mutantes comenzó a sonar. Al instante ya estaban los granadinos sobre él y Juan Alberto Martínez, vocalista de la banda, saludó con un bona nit al público asistente. Poco más de media entrada en una noche perjudicada por la lluvia para contemplar a una de las grandes bandas estatales del panorama pop independiente del siglo XXI.

Teatralidad en grandes dosis juxtapuestas con evolución lógica. Después de la cosecha recogida con “Bed & Breakfast” (Discmedi, 09), Els Amics De Les Arts no se duermen en los laureles (algo fácil) presentando un trabajo algo más complejo y nutrido a base de arreglos de viento y otras triquiñuelas bien avenidas conformadas -en gran parte- por Jaume Peña (trompeta y flugel), Santi de la Rubia (saxo) y Josep Tutusaus (trombón). “Espècies per catalogar” continúa una efervescencia dentro de la música catalana que, inexplicablemente, no ha llegado a entenderse fuera.

No obstante, y sin seguir la estela dejada por Manel y su “Els Millors Professors Europeus”, el conjunto crece en consecuencia dejando para el recuerdo un bonito disco más reposado.

Sin perder la ya reconocible y grácil ironía de canciones como ‘L’home que dobla en Bruce Willis‘ o ‘L’affaire Sofia‘ (espectacular rima entre “Schopenhauer” y “after hour”), los coros a lo Beach Boys siguen resaltando por encima de todo fraguando armonías de hermosa factura encontradas en ‘Louisiana o els camps de cotó‘, una de las mejores partes del largo, seguida de muy cerca por ‘Miracle‘ y ‘Monsieur Cousteau‘, la ingensiosa pieza etiquetada como single por antonomasia y sabiduría del “nuevo” sonido que otorgan los vientos y la mano de Ferran Conangla en la producción.

Es muy posible que entre “Castafiore Cabaret” y “Espècies per catalogar“, sin “Bed & Breakfast“, no se entendería el paso de uno a otro. Y a buen seguro también que en el siguiente disco que hagan, sin estos trabajos ya citados, tampoco se entendería. Es una evolución constante el hecho de buscar cosas y descubrir.

Tal vez sea un álbum extenso, como su predecesor, pero eso no quita que se trate de una obra entretenida que incluso alegre el día a más de uno. Fábulas y cuentos armados por personajes de ficción en una realidad paralela.

Si en tu próxima escapada vacacional te apetece de disfrutar de una temperatura agradable y de días de sol y playa, lo mejor es que pases unas vacaciones en Gran Canaria.

Después de diez años y cuatro álbumes trabajando en una misma línea, Norah Jones ha decidido ahora darle una vuelta de tuerca a su música y para ello se ha buscado a uno de esos productores que parece que nunca falla: Danger Mouse, el tipo que ha dado forma a discos de gente como Gnarls Barkley, The Black Keys o Gorillaz, entre otros. Si la decisión ha sido acertada o no ya lo veremos con el tiempo, pero de momento es de agradecer no encontrarse de nuevo con otro disco igual. Porque la señorita Jones, que ha mantenido el nivel en estos años, también abrió la puerta para que llegaran masivamente al público Diana Krall, Melody Gardot y tantas otras, lo que ha provocado cierto hastío de este sonido pop-jazz suave.

Little Broken Hearts no engaña con el título, porque este disco nos trae precisamente eso: historias de corazones rotos en los que encontramos dudas, angustia y cierta recreación en esos momentos de desazón y tristeza. Eso sí, la óptica desde la que nos cuenta esas historias es luminosa y con un cierto optimismo que llega a ser casi reconfortante. Y todo eso es lo que encontramos en el comienzo con Good Morning y Say Goodbye, donde también comprobamos que Norah Jones amplía su registro vocal para adaptarse a un tono mucho más pop que antes.

Por momentos uno tiene la sensación que Jones pugna continuamente por hacerse un hueco entre la creatividad de Danger Mouse, que ha coescrito gran parte del disco, y darle a canciones como Happy Pills, After The Fall o Take It Back su propio sello. No siempre lo consigue, pero al menos nos brinda un digno intento por hacer las cosas de una forma diferente y salir de la confortable situación que tenía. Aún así, tenemos también algo de temas como Feelin’ The Same Way o Those Sweet Words en la estupenda Out On The Road o en Travellin’ On.

Mientras que The Fall, a pesar de ser un gran disco, jugaba sobre seguro amparándose en un sonido ya establecido, este nuevo álbum se arriesga a perder muchos oídos complacientes. Lo que sí puede ganar es una nueva hornada de aficionados más afines a sonidos indies y poperos, siempre y cuando reciban este trabajo con los brazos abiertos y libres de prejuicios. Porque desde luego, para escuchar los frugales intentos de originalidad de tantos que andan por ahí sueltos, es mucho mejor dejarse llevar, aunque sólo sean un par de semanas, por esta pequeña apuesta de Norah Jones.

Norah Jones – Little Broken Hearts en Soundcloud

¿Quién es Izal? ¿Es una banda o un mismo cantante? Bueno, más bien un poco de las dos. Mikel Izal (cantante) empezó con una guitarra en solitario junto a Emanuel Pérez “Gato” hace unos años. Tras varios virajes en el camino, Izal pasó a ser una banda conformada por el propio Mikel, Alejandro Jordá (batería, percusiones), Alberto Pérez (guitarras), el mismo “Gato” (bajos), e Iván Mella a los teclados. Después del EP de éxito titulado “Teletransporte” aparece “Magia y efectos especiales”, el primer largo de un conjunto compacto muy prometedor.

Este disco lleva por título “Magia y efectos especiales”, mientras que el EP se llamaba “Teletransporte”. Curiosamente hablan de cosas virtuales complicadas de diferenciar.
[Mikel]: Es como vivir de la música. Creo que son imágenes y conceptos muy abiertos que cada uno puede tomar por el lado que quiera. “Teletransporte” es un poco mi vida, por ahí se puede tomar una primera interpretación. Pero yo creo que estamos rodeados de cosas que te puedan parecer magia y efectos especiales. No sé, es una forma de crear una imagen para que cada uno la interprete como quiera. Queríamos que también cuadrara con lo que hay en el disco, incluso coincide con una canción del mismo, curiosamente la que más nos gusta.

¿‘Prueba y error’ sería un alegato al ser constante?
[Mikel]: Sí, es tropezar siempre con la misma piedra… sabiéndolo. Incluso lo repites conscientemente aunque te lo digan.

[Álex]: Nos gusta mucho ese tema, pero hemos visto que al público no le ha llamado tanto la atención. Nosotros lo planteamos como single e hicimos un sondeo para ver cual era la primera opción. Es más, enviamos una pre-producción de los temas a la gente más cercana para que opinasen, y ‘Prueba y error’ fue uno de los temas que más se movió. Sin embargo, ahora que se ha grabado el disco y se han cambiado cosas, se ha quedado en un tercer lugar.

¡Vaya!
[Mikel]: Aunque a todos nos gustaba ‘Tu continente’, nos ponía muy cachondos. No nos gusta decir lo que significan los temas, pero ‘Prueba y error’ se puede interpretar por ahí. Además, está bastante claro.

Otra que os gusta y es favorita es ‘Sueños lentos, aviones y veloces’. Incluso se ha remasterizado especialmente para el LP habiendo estado en el EP anterior.
[Mikel]: Sí, esa canción nos gustaba mucho del EP anterior. Es, digamos, la balada del nuevo disco. Pero creo que ahora mismo nos pone mucho más brutos otras más. Aunque hay una chica que nos sigue desde hace tiempo que dice que le sigue pareciendo la mejor canción del disco.

[Álex]: Es un tema que ha funcionado muy bien en directo y que ha movido mucho a la gente en diferentes formatos. También es la novedad.

¿No es un poco putada que un tema de un trabajo anterior sea mejor que el nuevo material?
[Mikel]: ¡Pero la putada es que fuera una versión! (Risas). Ha sido una opinión de muchísima gente, pero en general, la opinión es que este disco es mucho más rico que lo anterior.

[Álex]: También es verdad que hacía falta un tema un poco más lento porque en general el disco se nos ha ido de fiesta, aunque hay de todo. ‘Qué bien’ y ‘Conclusión en Do para ukelele’ son canciones a medio tiempo.

Yo diría que es un disco bipolar.
[Mikel]: Y lo es. Nosotros nos aburrimos si hacemos el mismo sonido en todos los temas. Eso es algo que llevamos marcados. Lo importante es que haya un sello coherente, el nuestro, y que nuestra marca sea que hacemos de todo en el primer disco. Incluso se ve que nos vamos por muchos lugares hasta en un mismo tema.

‘Ajam’ iría por ese palo, ¿no?
[Mikel]: Exacto. Pero escuchas el disco entero y no choca tanto. Al menos nadie nos ha dicho que choque tanto. Hay algo coherente entre todos, que es lo que pretendíamos, y eso es lo que hace que un grupo esté totalmente sólido. Toque lo que se toque suena a ellos. Por ejemplo, nos encantan Two Door Cinema Club. Tienen algunas cositas interesantes, como las formas de tocar el bajo… pero, sin embargo, el disco de Two Door Cinema Club tienen un sonido demasiado marcado. Está en el mismo registro todo el disco y eso es otra forma de ver las cosas.

Suele pasar que un grupo que se ha hecho famoso por su sonido termine cambiando en el siguiente, por lo que deja de gustar. Aunque también puede hacerse repetitivo…
[Mikel]: Eso es. Yo prefiero que me digan que ‘Extraño regalo’ no pinta nada en el disco a que los once temas suenan igual. Lo tengo clarísimo. Es un disco con el que nos venimos arriba. Intentar que el disco se escuche y te tenga atento. Es un disco para escuchar en cualquier lado. A mí me flipaba cuando cogía un disco y me tiraba tres semanas escuchándolo. Me encantaría que la gente hiciera eso con este trabajo. Es el culmen y lo máximo que puedes conseguir con una persona porque yo era muy feliz con algo que me volvía loco.

[Álex]: El problema está en que de ahí a hacer todos los temas iguales hay un paso. No digo que se cambie drásticamente, pero sí que se le de una vuela.

Mikel, ¿es cierto que no querías que el grupo se llamara Izal (tu apellido)?
[Mikel]: Sí. Lo del nombre en un principio se pensó porque era una buena forma de no perder al público que yo tenía en solitario y para que supieran de qué iba el tema. Aunque yo tenía muchas ganas de cambiar de tercio completamente y eso pasa por haber cambiado el nombre.

¿Qué nombres se barajaron?
[Mikel]: El Último Hombre de Europa… quedaba rollo cinematográfico, pero no lo veía. Pero es que Izal es mi apellido y lo veo raro. Aunque hay gente que no saben mi apellido ni que yo soy el cantante. Con el paso del tiempo se verá y convencerá. A mí me cuesta.

[Álex]: Bueno, tú lo ves raro, pero desde fuera hay mucha gente que te ve así. Los hay que llevan tanto tiempo escuchándonos que relacionan Izal con el nombre del grupo. Son cuatro letras y es fácil de recordar. Es posible que también se haga complicada la idea de que no es una banda.

Veo que esto es un adelanto, además.
[Mikel]: Para mí, lo que hacemos hoy en día, comparado con lo que hacía yo hace cinco años… es un paso brutal. Hacía algo mucho más sencillo y menos trabajado, quieras que no… no tenía las herramientas que tengo ahora, ni la experiencia. Conforme fui componiendo cosas me iba conformando con más.

Tal vez te diste cuenta, mientras componías, que esas canciones iban a sonar mejor con banda.
[Mikel]: Sí. También las referencias que tenía por entonces y por las que me nutría no son las mismas que tengo hoy. Yo lo veo como algo muy rico… aunque hay gente que no entendió el cambio.

[Álex]: Bueno, es que es normal. La putada es que ahora más difícil mantener unas canciones con sólo una guitarra.

Pero al fin y al acabo sois un grupo.
[Mikel]: Exacto. Queríamos dar la sensación de que fuéramos un grupo tocando y no una banda con un tipo cantando.

[Álex]: Y es una música que tiene muchísimas capas. Luca Petriccia y Karim Burkhaler fliparon (risas).

[Mikel]: Es verdad (risas). Karim cogió un día la mezcla y dijo: “¿¿¿pero cómo coño habéis grabado tanto???”.

[Álex]: ¡Y en tan poco tiempo! El tema está en que yo he grabado discos en muchos días de una forma muy básica con una pista por persona. Pero aquí eran no sé cuantas guitarras, percusión, arreglos…

Mientras se entienda…
[Mikel]: Lo llevamos muy claro. Luca, cuando vio la pre-producción que hice en mi casa dijo que eso era hacerlo bien aquí.

[Álex]: Tampoco nos podían permitir crear mucho más de lo que había porque no se podía.

Artista: Verónica Ferreiro
Título: Laio
Sello: Autoproducido
Fecha de publicación: 2011
Más información: http://www.veronicaferreiro.com

Listado de canciones:

Laio
Non quero crer (con Carmen Rey)
Riverside
Floating lovers
Stop your step!
Please, don’t fall in love
20
Instante
Lares
Auf Wiedersehen

Si en tu próxima escapada vacacional te apetece de disfrutar de una temperatura agradable y de días de sol y playa, lo mejor es que pases unas vacaciones Menorca.

Grupo: Wilhelm and the dancing animals
Título: The war of the species
Discográfica: Origami Records
Publicación del disco: abril de 2012

Si no supiéramos que son de Pamplona tampoco nos importaría que intentaran plantar trigo encima de los adoquines. La banda Wilhem and the dancing animals, publican su brillante “The war of the especies” llamando la atención sobre aquellos disparos que parecen rebotar en bandas como unos “The go! team” menos eléctricos y sintéticos, otro poco de dar más velocidad a “Those dancing days”, unas menos sucias “Bikini kill” o el punk más rabioso que arranca a gritos de la, por ejemplo, reluciente y personal “Elephants”, donde simulan ser un grupo de riot-girrrl bajo la sombra de marcar la pauta en querer entregar un cincuenta por ciento de ganas de rabia, equilibrio y explosión de batería, guitarras y voces. Todo esto a doscientos por hora. Un pastel nada empalagoso de punk-rock escondido en ritmos de pop en estribillos femeninos para “Finisterre”, donde las intenciones de querer epatar un gran hit se pega a un dni de “lalalas” contagiosos que dejan sus pretensiones en listón muy alto. No hay nada marca de la casa ni falta que hace. Sus referencias son tan explícitas que no engañan a nadie; pero seguramente no sea éste el motivo de sus canciones.

Las claves para una canción más fácil de querer pegar un “do it yourself” de ritmos a medio grito quedan tan claras como fáciles de asimilar en “All along”, igual de infecciosa, por sus cambios y sus ganas de apostar por esas intenciones (con ese final de esquemas tan evidente que les delata).

Quizá no terminen de cuajar algunos temas, a pesar de que la ruptura de estos compases y el querer romper la casualidad de los esquemas preestablecidos les haga parecer nada intencionados. Esto les pasa en “Ten go”; pero remontan con una “Bulls revenge” donde las cuerdas caminan mejor que las voces y los ritmos tribales de su comienzo se hacen mucho más inmediatos y nada oscuros cuando rompe la canción.
Pero sus mejores frutos los extraen de la combinación de compaginar la irónica dulzura de las voces femeninas con la aspereza de su contrario, donde cortan y pegan la repetición de letras que Guille y Helen saben combinar como si de un ácido estado de folk se tratara, aderezado, como cuento, por esa dirección que adoptan las guitarras en sus cambios de dirección. El camino se allana en términos tan consecuentes como relucientes; de ahí que “The fall” sea tan veloz como precisa.

En definitiva, un álbum donde su urgencia queda igual de plasmada que sus ganas de querer hacer bien las cosas. Nada más y nada menos que un suspiro de nueve canciones que sirven como un soplo de aire fresco (a veces este querer ir en contra de las normas establecidas de frases hechas es tan manido que parece querer diferenciarles a marchas forzadas) para un necesitado panorama nacional de un vendaval de descaradas canciones. Y no confundirlo con frivolidad. Esto lo ofrecen Wilhelm and the dancing animals. No busquen en ellos ningún punto y aparte sino ganas, fuerza, resolución y ritmo; mucho y buen ritmo.