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Con un frío importante, pero con un buen sol -al menos desde donde yo escribo- llega el vídeo de “In the Sun”, el último single de She & Him, extraído de su novísimo Volume Two, que tardó dos años en salir después de, como no, su debut Volume One. Se admiten apuestas para el nombre del tercer disco, jeje. El vídeo es muy alegre y combina la melodía popera con coreografías y vestidos ochenteros. “In The Sun” es una canción de las que te alegra el día.

Os recordamos que She & Him darán dos conciertos en España, los días 26 y 27 de abril en Madrid y Barcelona.

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Desde hace veinte años siempre que puedo, que es casi siempre, acudo religiosamente a los conciertos que los navarros dan en Madrid y sus aledaños. Y siempre acabo diciendo lo mismo: insuperable. Porque Barricada, como ocurre con AC/DC o Iron Maiden, siempre superan su propio listón, siempre suben un peldaño más en la escalera del buen gusto. Un 30 de junio de 2006 en el alcarreño pueblo de Alovera nos cantaron las cuarenta (canciones); ayer 6 de marzo, en la madrileña sala La Riviera, superaron esa cifra.

Puntuales como siempre, a las ocho y media de la noche los pamploneses empezaban a descargar las dieciocho canciones de su último disco, “La Tierra Está Sorda” , un trabajo cuya línea argumental está basada en una novela de Dulce Chacón. Sin complejos, sin titubeos ni contemplaciones. Empezaban con “Desfilan” , una introducción mitad canción que también abre el disco, para continuar con “Sotanas” , “Hasta Siempre, Tensi” , “Infierno De Piedra“ y “La Estancia“, un tema en el que la poesía es su principal punto de apoyo – “y volar contigo, y sentir el calor de tus manos en mis alas” -. Enrique Villarreal, El Drogas, nos introducía con breves y tímidas explicaciones en cada canción. Historias de milicianos y milicianas, de presos y presas, de guerrilleros y guerrilleras, de compañeros y compañeras. Españoles todos ellos, personas todas ellas. En la faceta vocal se alternaban El Drogas y Boni, mientras que Alfredo, Ibi e Iker, hijo de Alfredo que fue un puntal seguro para la banda en la guitarra, en el bajo e incluso en los teclados en esta primera parte del show, eran espectadores de lujo de lo que acontecía en el escenario. La banda disfrutaba y hacía disfrutar al respetable.

“22 De Mayo“, canción que hace hincapié en una de tantas fechas, “Llegan Los Cuervos“, “Es Una Carta“, que narra la relación que tenían por carta los represaliados y represaliadas con sus respectivas familias, “Las Siete De La Tarde“,la historia de una mujer que dio a luz en un montículo sola y sin gritos para evitar que los falangistas le quitaran a su bebé o “Matilde Landa“, interpretada en acústico y cantada por El Drogas sentado al borde del escenario, impregnaban el ambiente de emociones y reconocimiento de una sala en la que no cabía ni la respiración.

Siguen su periplo por el particular calvario sufrido por el bando de los perdedores de esa terrible contienda que fue la Guerra Civil con “Suela De Alpargata“, “Casas Viejas“, que narra la matanza llevada a cabo en esa población gaditana “por querer dar fruto a la tierra” , “Agua Estancada“, “Los Maestros” , con pinceladas de piano, “Pétalos“, – “ya no se puede su lucha olvidar, porque sus nombres recorren el tiempo” -, canción que simboliza la resistencia femenina, “Cierra Los Ojos“, “Por La Libertad” – “que difícil es contar los pasos que se dieron por la Libertad” -, y “Una Lágrima En El Suelo“, con la que despiden la primera parte de un emotivo concierto y con la que, después de agradecer a Iker de Dikers e hijo de Alfredo, su participación y según Enrique “explotación filiolaboral” , nos invitan a una segunda entrega que promete ser inolvidable.

Diez minutos más tarde sonaba el himno circense con la que abren la canción “Sean Bienvenidos” , un tema tan cargado de adrenalina como de intenciones. Luego descargarían “Rojo” , del álbum homónimo, “Todos Mirando” , “Contra La Pared” , “Esta Es Una Noche De R’N'R” , cantada a rabiar por el público, “Sofokao” , “Objetivo A Rendir” , “Písale” , “Deja Que Esto No Acabe Nunca” , “Tan Fácil” , la barriobajera “Esperando En Un Billar” , “A Toda Velocidad” , “Víctima” , – con este tema La Riviera casi se viene abajo -, y “Mañana Será Igual” , introducida como si fueran a tocar “No Sé Que Hacer Contigo” , y que tocarían después de interpretar “Tentando A La Suerte” . Luego vendrían “Lentejuelas” , el himno generacional “Okupación” , “Animal Caliente” , cantado como siempre a capella por el respetable, y el himno de himnos “En Blanco Y Negro” , con el que terminarían, a las once y diez de la noche y después de más de dos horas y media de concierto, la primera de esta segunda parte del show. Para los bises reservaron los temas “La Oveja Negra” , “No Hay Tregua” , “Esta Noche” , cantada por un público siempre entregado y bailando al ritmo que le marcaba la banda, y “En La Silla Eléctrica” para terminar con el himno circense con el que empezaron. Tres horas de concierto donde, cuenten ustedes, descargaron más de cuarenta canciones.

Superar lo insuperable es imposible, aunque imposible es una palabra que no se recoge en el diccionario de los navarros. Gora Barricada.

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Terminado ya el teatrillo de los Premios de la Música, no de esta XIV edición en particular sino todas en general, vender como novedad que el premio en esta edición al autor revelación fue para Zahara por su potente canción “Merezco” , que la mejor canción y el mejor álbum rock se fueron a Bilbao en la maleta de Fito & Fitipaldis, o que el mejor álbum de flamenco lo recogió Soledad Morente en nombre de su padre Enrique premiado por el álbum “Morente Flamenco” , sería una falacia. Vender como primicia que el premio a toda una vida se lo dieron a un emocionado Peret, que el premio latino de honor recayó en Bebo Valdés – al que se lo entregó un agradecido Fernando Trueba -, o que el premio al mejor álbum y al mejor álbum de canción española recayeron sobre Miguel Poveda, sería engañar a los lectores.

La presente reseña la escribe un servidor para que ustedes, los lectores, los que no estuvieron allí, sean partícipes de lo que aconteció en la sala de prensa reservada a tal efecto. Por allí pasaron todos los galardonados con su premio. El objetivo de esta reseña es que sean cómplices de primicias y cotilleos que no saldrían a la luz si no fuera por los periodistas que estuvimos allí.

A las ocho en punto hacíamos acto de presencia en la quinta planta del teatro Häagen-Dazs Calderón los más de cincuenta medios acreditados para informar acerca de esta XIV Edición de los Premios de la Música. Una gala muy bien organizada donde cada uno, a pesar de la aglomeración de cables, cámaras, trípodes, micrófonos, ordenadores, grabadoras y personas, teníamos reservado nuestro pequeño espacio vital, y donde se dieron cita muchas caras bonitas vestidas de domingo para la ocasión.

Desde aquí les cuento por ejemplo, que un emocionadísimo Carlos Raya, premio al mejor productor, nos desvelaba que a día de hoy es imposible volver a resucitar a Sangre Azul, grupo que le vio nacer musicalmente hablando. O que unos jovencísimos Dani, David y Chema, El Canto Del Loco, nos contaban sus proyectos de futuro, entre los que hay una gira por Sudamérica y álbumes en solitario, muy distintos de lo que hasta ahora han hecho en El Canto Del Loco: “va a ser diferente a El Canto Del Loco. Creativamente nos viene muy bien a cada uno de nosotros. Nos gusta ir a contracorriente, como Bustamante” . Contarles que hay artistas más allá de las emisoras de radio fórmulas, artistas y autores como Mastretta, Juan De Pablos, SFDK, Zulema De La Cruz y Jordi Savall – estos dos últimos en la categoría de autor e intérprete de música clásica -, Roque Baños, Javier Corcobado, Ruper Ordorika, Dixebra, o Mikel Urdangarin, entre otros.

Porque estos premios, salvo contadas excepciones – quizás la más significativa sea la de Carlos Bau, premio a la mejor canción en gallego quien confesaba que “no tengo compañía importante detrás, ni una agencia de contratación, ni promoción alguna. Solo tengo canciones” -, son los premios de lo comercial, lo mediático y las multinacionales. De las canciones de amor y las canciones pintadas de color rosa. Aquí no tiene cabida la crítica social o la poesía agónica y necesaria que trata como héroes a perdedores rutinarios y anónimos. Por eso en el photocall de los premios de la música nunca verán a Roberto Iniesta.

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El último disco de Los Madison titulado Vendaval “está construido sobre el inmenso solar del mejor pop-rock americano, con materiales nobles y tradicionales: una voz notable, grandes melodías, afiladas guitarras e historias que nos relacionan con el tiempo presente y su crónica agridulce. Vendaval es un gran disco”. Son las palabras siempre sabias de Miguel Ríos. Si quieren saber algo más acerca de este prometedor grupo no dejen de leer la siguiente entrevista.

AMADO STORNI: ¿Quienes forman Los Madison?

LOS MADISON: Pues somos cinco: Txetxu Altube, a la voz y guitarras, Carlos Altube, al bajo, Alfonso Adánez, a la batería, Iñaki Aranda a los teclados y desde hace un año y medio contamos con Jose Luis Martín, como guitarrista.

A. S.: ¿Qué le hace diferente a “Vendaval” de “Días de Vértigo” vuestro anterior trabajo?

L. S.: Pues básicamente la experiencia, tanto a la hora de grabar en el estudio como de componer los temas. Creo que somos más maduros, personal y musicalmente, y creo que ha de notarse.

A. S.: ¿Como ha sido el proceso de grabación de “Vendaval”?

L. S.: Pues gran parte de los temas llegaron bastante claros al estudio. En ese sentido fue bastante fácil. Ya sabíamos lo que era grabar en un estudio y Jose Nortes sabía muy bien que es lo que podía sacar de nosotros, cómo exprimirnos. Siempre es un placer trabajar con Jose.

A. S.: ¿Cómo está siendo la gira de presentación del disco?

L. S.: Toda una experiencia. Estamos tocando en ciudades que nunca habíamos pisado, abriendo camino. El contacto con la gente que nunca te ha visto es fundamental para saber si estás haciendo bien las cosas, si vas por el buen camino. Estamos muy contentos. Ese es el trabajo que tenemos ahora, abrir trecho. Es difícil, pero es en el escenario donde estamos más a gusto.

A. S.: ¿Como se siente uno cuando toca con Miguel Ríos? Me refiero al apoyo que el granadino os brindó en la sala Galileo el pasado día 13.

L. S.: Es difícil de expresar. He tenido la suerte de compartir gira con Miguel el año pasado, y que se preste a colaborar con nosotros el día de nuestra presentación no tiene precio. Es un referente en la música en este país, un pionero, una fuente de aprendizaje, en todos los sentidos. Todo un honor.

A. S.: ¿Cuál es el proceso de creación de vuestras canciones?

L. S.: Pues las canciones surgen en mi habitación, normalmente. Tengo que tener algo que decir, algo que me remueva, que me esté preocupando. El resto es simplemente agarrar la guitarra y dejar que salga. De ahí sale la base. Luego es trabajo de la banda, en el local de ensayo, terminar de darles cuerpo.

A. S.: ¿Cuáles son vuestros referentes musicales?.

L. S.: Casi todos coincidimos en un núcleo base. A todos nos gustan nombres del rock americano como Bruce Springsteen o Tom Petty, y referentes nacionales como Antonio Vega,Los Secretos o Quique González. Pero cada uno también tiene su apartado con nombres que puede que no sean tan conocidos, o incluso algo más apartados de los sonidos clásicos.

A. S.: ¿Qué hay que tener para ser un buen grupo?

L. S.: Buenos temas, intención, capacidad de conectar con tu público, y podrían salir muchas más cosas. Pero tampoco creo que tenga que ser algo concreto, definido. Y tampoco fácil de conseguir. Simplemente el secreto, muchas veces, está en que no hay tal secreto.

A. S.: ¿Qué es lo que más y lo que menos os gusta del mundo de la música?

L. S.: La capacidad de poner los pelos de punta con tus canciones. Conseguir uno mismo lo que ha sentido con las canciones de los demás. Es el objetivo. Siempre soñé con que alguien pudiera identificarse con nuestros temas como yo lo hice con gente como Van Morrison o Quique González por decir algún nombre. Que salgas de tu ciudad y el público coree tus temas es impagable. Hay cosas con las que no estás de acuerdo, o que te gustan menos. Pero también es cierto que te metes en este mundo con todas las consecuencias, y aunque no estés a gusto con algunos planteamientos, solo te queda luchar desde dentro.

A. S.: ¿Qué pensáis acerca de la situación actual de la industria de la música?

L. S.: No corren tiempos fáciles para la industria, creo que es simplemente cuestión de adaptarse a las circunstancias, saber aprovechar los cambios y sacarles partido. Estamos en un momento difícil pero no por eso vamos a quedarnos en casa. Estamos haciendo lo que nos gusta, y aunque las cosas hayan cambiado o estén cambiando, vamos a seguir adelante.

A. S.: La música, ¿es más negocio que pasión?

L. S.: Nosotros lo vemos como pasión. Como te decía antes, es cuestión de poner los pelos de punta, de hacer saltar las lágrimas. No lo vemos como negocio.

A. S.: ¿Lo comercial está reñido con la calidad?

L. S.: No tiene por qué. Pero también habría que definir exactamente qué es lo que es comercial y qué no. Nosotros apostamos por hacer las cosas bien, o por lo menos, intentarlo. Nuestro trabajo es ir haciendo las cosas poco a poco, con paso firme, y que luego sea el público el que decida.

A. S.: Si tuvierais que elegir una canción vuestra, ¿cuál elegiríais?

L. S.: Es difícil elegir una canción y más si es uno mismo el que las compone, cada una tiene su propia carga personal. Todas tienen su sentido, su historia, y elegir una no es fácil. Quizás “Vendaval” , al dar título al nuevo disco, y por el sentido que le estamos dando en esta presentación, podría ser la elegida.

A. S.: ¿Y una canción de otro grupo?

L. S.: Quizás “Lo Mejor De Nuestra Vida” de Antonio Vega. Antonio ha sido fundamental para la música española. Estamos haciendo un humilde homenaje en nuestros directos con una versión de este tema, creo que es lo menos que podríamos hacer.

A. S.: Por último, ¿que consejo daríais a los grupos que están empezando?

L. S.: Espíritu de sacrificio y estar preparados para una carrera de fondo. Ese es nuestro espíritu. Estamos abriendo camino y no va a ser fácil. Son muchas horas de local de ensayo, de darle vueltas y vueltas a los temas, etc. Hay que trabajar duro. Estamos en ello.

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¡Vuelven Gorillaz! Por todo lo alto, con una canción que gana tras sucesivas escuchas y con un invitado en el videoclip de “Stylo” que deja a la colaboración de Nadal y Shakira en un punto bastante ridículo. Se trata de nada menos que de Bruce Willis, que hace de malote en una persecución motorizada con los monos que conforman Gorillaz. Un lujo de vídeo en el que como siempre se integran el 3D y que sirve para promocionar su nuevo disco Plastic Beach, para el cual el grupo de Damon Albarn se ha agenciado el arte de Lou Reed, Mos Def, Snoop Dogg, etc.

Website: Gorillaz

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Adam Green está como un cencerro; eso ya lo sabíamos. No nos sorprendía demasiado su alocada puesta en escena a los que ya le habíamos visto un par de veces en directo; viendo como no para quieto, utilizando el pie del micro como bastón para sujetar sus idas y venidas en una escena que él sabe crear, con esa mezcla de ironía e insolencia que ya quisieran para sí muchos de los llamados “frescos grupos de rock actuales” (véanse los aburridos a su lado The pains of being pure at heart, gran disco, no tan buenos en directo).

Si se llega a caer hubiera dado lo mismo. Se hubiese levantado y hubiera seguido brincando como si el escenario fuera una cama elástica, que en eso lo convirtió en pocos segundos. Saltando sin venir a cuento, bailando aún peor que mi sobrino de cuatro años; lanzándose por tres veces al público y….divirtiendo, divirtiendo mucho al público que tiene en frente. Adam Green es un canalla que nos encanta y en hora y media puede provocar el delirio, la simpatía y la cara más entrañable de sus canciones más sosegadas. Fachada que vemos en su último disco y que se traduce en directo en una serie de cañonazos que el cantante refleja con ese esplendor de cara dura que tanto nos gusta.

Si estuvo quieto tres minutos, fue para cantar “Jessica”, transformándola en su final en un griterío donde apareció nada menos que Bryan Adams y su “(Everything I do) I do it for you”. Impresionante el chico. Te ríes a rabiar con él, bailas, coreas sus canciones y observas cómo disfruta de la brevedad de sus temas (¿para qué alargarlos más?), con esas ganas de saber contagiar lo vibrante que puede extraer de sus canciones; de ahí lo bien que supo cambiar, desde el pop más vibrante hacia el punk más dislocado, su magnífica “Emily”, que viene siendo una de sus banderas más aplaudidas de su repertorio. Porque la excusa para muchos de nosotros era que presentaba nuevo disco; la reconciliación de su lado más afectuoso nos llega con éste “Minor love”, que son otro puñado de concisas (por lo breve y sobrio del conjunto) llamaradas de Indie-folk, que Adam Green viste con esplendor en directo y dispara a nuestros oídos al calor de una imagen más rockera que lo enaltece para conseguir que sea uno de nuestros héroes favoritos; le das una capa y te juro que se hubiese puesto a volar por toda la sala sin ningún reparo. A saber si algún día termina alguna de sus canciones coreando a Bonnie Tyler. Al tiempo.

Pues eso. Da la vuelta al carácter diletante de sus grandes canciones de estudio para mostrar su lado punk, dando rabia a través de lo exaltado de sus meneos en concierto que se hace inmensamente corto, entre la enorme e infecciosa muestra de talento que más que tratarle como un joven y aventajado revelador de imágenes áridas y sucias en vivo, nos hace justificarle como un sacrílego profanador de sonidos que ha madurado, adherido y ha sabido (sobre todo esto último) entregar en directo a su público. Más grande que Bono. Vuelva señor Green, que la próxima vez llenamos el Palacio de Deportes. Vuelva pronto a visitarnos. Ni que decir tiene que es un firme candidato a concierto divertido del año.

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Artista: El Canto Del Loco
Album: Por Mi Y Por Todos Mis Compañeros
Sello: Sony
Fecha de publicación: 24 de Noviembre de 2009
Más información: www.elcantodelloco.com/

Listado de canciones:

1.El Garrotín
2.Años 80
3.Aunque Tú No Lo Sepas
4.No Puedo Vivir Sin Ti
5.Aquellas Pequeñas Cosas
6.La Casa De La Bomba
7.Mejor
8.María La Portuguesa
9.Feo, Fuerte Y Formal
10.Nada De Nada
11.Se Acabó

“Por Mi Y Por Todos Mis Compañeros” es el título del disco de versiones de canciones cantadas y tocadas bajo el prisma personal y particular de El Canto Del Loco. Una apuesta atrevida aunque muy repetida últimamente.

De las once canciones que contiene el disco hay que hacer puntual hincapié en unas cuantas versiones que se salen de la horma rockera que ha moldeado al grupo durante toda su carrera. Estos son: “Aquellas Pequeñas Cosas” , versión magistral del tema de Joan Manuel Serrat, que no mejoran pero que sigue emocionando, “María La Portuguesa” , entrañable canción de Carlos Cano que en la voz de éste gana en nostalgia y sentimiento pero que el grupo complementa instrumentalmente bastante bien, “Nada De Nada”, de la cantautora Cecilia, la rumbera y flamenca “El Garrotín” , que el grupo envuelve en un halo rockero muy peculiar y pegadizo, con partes de la canción cantadas en inglés, y “Se Acabó” , el éxito de María Jiménez, que llevan al terreno del rock para ganar en fuerza pero perder en credibilidad. Será porque igualar la voz y el genio interpretativo de María es tarea muy difícil. Por lo demás más de lo mismo: mucho rock n´roll que aporta más bien poco a los temas originales. Encantadora la versión que hacen del tema de Loquillo Y Los Trogloditas, “Feo, Fuerte Y Formal” , que sin ser el más representativo de la banda es un tema de una fuerza interpretativa y una complicidad generacional difícil de igualar.

Otros temas son “Años 80” , “Aunque Tú No Lo Sepas” , de Quique González y Enrique Urquijo, “No Puedo Vivir Sin Ti” , de Los Ronaldos, popularizada por un anuncio de televisión, “La Casa De La Bomba” y “Mejor” , de Los Brincos.

Preciosa la portada que nos presenta a una niña jugando al escondite, y precioso el título, pegadizo y directo, que refleja con palabras el pequeño gran homenaje que nos vamos a encontrar. Esperamos que el próximo trabajo del grupo contenga temas originales y de su autoría. Hasta entonces nada más que decir.

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Artista: Luz Casal
Título: La Pasión
Sello: Emi
Fecha de publicación: 29 de septiembre de 2009
Más información: www.luzcasal.es/

Listado de canciones:

01 Con Mil Desengaños
02 Alma Mía
03 Historia De Un Amor
04 Cenizas
05 A Donde Va Nuestro Amor
06 Nieblas
07 Mar Y Cielo
08 No, No Y No
09 Sombras
10 Que Quieres Tú De Mi
11 Como La Cigarra

“Con Mil Desengaños” es la carta de presentación de este disco titulado “La Pasión”, título que refleja claramente lo que nos vamos a encontrar en su interior: once canciones apasionadas, cantadas por una Luz apasionada. “Con Mil Desengaños”, en cuyo video clip intervienen Sara Baras y José Serrano, es un precioso bolero que se viste de domingo con el poderío vocal de la gallega.

“La Pasión” es un disco que transmite, que puede que guste o no pero que trasmite. Once canciones en las que el romanticismo toma las riendas de los sentimientos, donde el corazón se abre de par en par y el alma descose nuestras vidas e hilvana nuestros recuerdos. Desde la mencionada “Con Mil Desengaños”, que abre el disco hasta “Como La Cigarra”, canción que lo cierra, de puntillas, sin querer, porque aunque el disco acaba las canciones siguen presentes en nuestra cabeza.

En el disco se dan cita clásicos que enamoran, boleros que al escucharlos uno los hace suyos desde la primera nota, desde la primera letra. “Alma Mía”, el omnipresente y siempre bello “Historia De Un Amor”, la elegante impotencia de “Cenizas”, – “por la amargura de un amor igual al que me diste tu” -, la emotividad de “Nieblas”, – “si tu vuelves no habrá nieblas nunca más” -, la pureza de “Mar Y Cielo”, o el esplendor de “A Donde Va Nuestro Amor”. Letras que se empapan de poesía, – “aunque me digas te quiero, aunque me llames mi vida, no, no y no, no te lo puedo creer”, extraída de la canción ”No, No Y No” – de una poesía escrita con mayúsculas que hace divinos los sentimientos más cotidianos.

Este es un disco intimista que empapa de gloria al bolero, que lo impregna de sonrisas y lágrimas, que lo despierta de su letargo y lo hace caminar, como a Lázaro, para llenarlo de luz. De Luz Casal.

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Artista: Peret
Título: De Los Cobardes Nunca Se Ha Escrito Nada
Sello: Universal
Fecha de publicación: 26 de octubre de 2009
Más información: http://www.peretonline.com/

Listado de canciones:

01.Rascayú
02.La Chabola
03.El Muerto Vivo
04.Por Que La Quise Tanto
05.La Medallona
06.Malevaje
07.Maria De La O
08.La Otra Casa
09.Apaga O Candil
10.Un Tiempo Para Todo
11.Amor Amore
12.El Muerto Vivo (Bonus Track)

“De Los Cobardes Nunca Se Ha Escrito Nada” es el disco en el que Peret versiona las canciones que más le influyeron durante su vida. Las doce canciones del álbum son adaptadas a la rumba que es el estilo en el que este catalán universal se encuentra más a gusto. Un trabajo arriesgado y valiente, de ahí el título, con el que el rumbero vuelve a reinventarse.

El disco arranca con el clásico de Bonet De San Pedro, “Rascayú”. Quién no ha tarareado alguna vez la letra directa y sin concesiones de este tema: “Rascayú cuando mueras qué harás tú”. “La Chabola”, una samba derrotista que rumberiza y canta junto a La Mari de Chambao, descubre a un nuevo Peret, el que ha parido la sabiduría de tantos años de escenario y carretera. “Por Qué La Quise Tanto“ y “Malevaje”, sumergen a Peret en las aguas siempre gélidas del tango de las que sale indemne y a flote. Porque los amores no correspondidos, a los que también canta en “Medallota”, dan siempre muchas y muy buenas canciones.

Para cantar “El Muerto Vivo”, primer single del disco, se asocia con Marina, vocalista de Ojos De Brujo. La adaptación de la canción compuesta por el colombiano Guillermo González Arenas y que popularizó Benny Moré, es toda una joya. El bonus track incluye esta misma canción en formato directo y hace alusión a Serrat y Sabina ya que en la gira Dos Pájaros A Tiro los maestros la llevaban en su repertorio: “que se fue pa la Argentina con Serrat y el primo Sabina”. Con la canción “María De La O”, siempre visceral y apasionante, Peret se atreve con la copla, como también lo hace con el cuplé con “La Otra Casa“, que canta junto a Maribel “La Canija” de D´Callaos, con el bolero con “Un Tiempo Para Todo“, y con la canción italiana con “Amor Amore”. Incluso la portada es atrevida. En ella aparece Peret con todo el rostro cubierto de versos y en medio de la frente la frase del título del disco. ¡Preciosa! Aunque el atrevimiento en grado superlativo queda reflejado en la canción “Apago O Candil“, una canción popular gallega cantada por el rumbero en su lengua vernácula.

Un disco muy personal, actual, atrevido pero sobre todo sorprendente. Enhorabuena maestro. “No estaba muerto, estaba tomando cañas”.

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Guitarras con distorsión, redobles de platillos y un piano el cuál tocan hasta tumbados, y no es un decir. The Blue Van es una formación danesa que no tienen miedo a experimentar con los nuevos sonidos del Indie Británico, y lo demuestran en su asombrosa puesta en escena donde les importa más bien poco tanto la integridad de ellos mismos, como la de sus instrumentos; lo que nos recuerda a las primeras actuaciones de The Who, donde Pete Townsend aporreaba con fuerza la guitarra contra todo lo que tenia cerca, o de Wolfmother que aporreaban el piano hasta desmontarlo.

Pero realmente, sus influencias más notables, son cercanas a los grupos que van surgiendo en estos últimos años de Inglaterra, como Franz Ferdinand, Jet o Artic Monkeys, lo contrario a lo que nos podríamos encontrar en su primer disco The Art of Rolling dónde oíamos sus primeras influencias: The Small Faces, Cream y Pretty Things.

Tuvimos la ocasión de escucharles en directo en la sala Ramdall y desde luego que no decepcionaron. La ovación se hizo con el silencio de la sala en cuanto Steffen Westmark pisó el escenario. Nos deleitaron con canciones como Silly Boy que sirvió como banda sonora a un anuncio de Samsung o Man Up (homónima del nombre de su segundo disco). Fue una hora y media de intenso rock aliñado con un poco de folk americano de su primer álbum, en la que pudimos saltar y cantar gracias a la complicidad que creaban con el público.

Sin duda nos dejó un buen sabor de boca este reciente grupo, aunque llevan reunidos desde los 10 años.

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Superada la dichosa cuesta de enero, y con la primavera prácticamente asomando a la vuelta de la esquina, febrero ha venido, pese a tratarse del típico mes de transición entre unas cosas y otras, bien cargado de actividad y novedades en lo que a música se refiere. Y en Musicopolis, por supuesto, hemos estado bien atentos para traértelo todo.

Para empezar, dimos buen cuenta de la gran cantidad de giras que pasaron por nuestro país, acercándote puntualmente y antes que nadie las crónicas de lo ocurrido en los conciertos de Europe, Cracker, Giant Sand, Artic Monkeys, Evile, Backyard Babies, Rhino Bucket, Gamma Ray, Saint Vitus, Fu Manchu, Biffy Clyro y muchos más. ¡No nos perdemos ni uno!

Fue febrero también un mes de numerosos encuentros con algunos de tus artistas favoritos. Tuvimos ocasión de charlar con la gente de Backyard Babies, Europe, Epica, Barricada, Gamma Ray, Blaze Bayley o Marc Ford, todos ellos con muchas e interesantes cosas que contarnos.

No fueron pocas las novedades discográficas que reseñamos, analizando al detalle para ti los últimos lanzamientos de High On Fire, HIM, Soziedad Alkoholika, Obús, The Peacocks, Campillo, Baby Woodrose…

Y todo ello sin olvidarnos de nuestras secciones habituales con las últimas Noticias, los mejores vídeos musicales, las curiosidades más sorprendentes y divertidas y la agenda de conciertos más completa.

Si el mes más corto del año ha dado para todo esto… ¡imagínate lo que nos queda por delante! Que no se te escape nada: no dejes de visitarnos para estar al tanto de nuestras actualizaciones diarias, suscríbete a nuestro boletín por RSS o correo electrónico o sigue nuestras noticias más detacadas y participa en atractivos concursos en nuestro grupo de Facebook.

Y claro, no nos cansaremos de recordártelo: si lo tuyo es la música, en Musicopolis la tienes TODA.

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¡Qué gracia!. Cornershop le tenían colocada una mesita, cubierta con una alfombra persa a su sitar, instrumento que les ha caracterizado a lo largo de todos estos años (entre la mezcla de indie psicodélico, sonidos asiáticos y soul inequívocamente ochentero) para que fuera interpretado por un funambulista, que entre la guitarra eléctrica y su instrumento, -descalzo de un pie- (ver foto 2, no tiene desperdicio), se encontrara a riesgo de caer electrocutado entre el baile de cables del escenario, antes de que su alfombra no saliera disparada con él cual Aladino; sitar y mesita incluidas.
El grupo británico (desde que lanzó su primer ep en un ya lejano 1993), lástima, se mostró muy frío sobre el escenario; y mira si tienen canciones para hacer moverse al más paleto. A las voces de “sonríe” por parte del público hacia su cantante, contestó que nunca lo hace. No hacía falta jurarlo. A Tjinder Singh parece que le sobra cantar sus canciones con esa voz india tan obvia y las melodías vibrantes que están escondidas en sus aceptables trabajos de estudio.

“Brimful of Asha”, carne de cañón en un pasado lejano de lista de éxitos, tiene ya trece años y, sin tener otro hit a la altura comercial de este precedente, se pueden encontrar sabias canciones de pop y psicodelia electrónica entre sus mejores hallazgos. Pero como no hay un estribillo tan pegadizo como éste, el grupo ha preferido serpentear su suerte hacia caminos más esquivos, haciendo gala de un carácter independiente que le hace presentar su directo en salas pequeñas, como en el caso de una prácticamente llena sala madrileña, que les vio presentar su último y esforzado trabajo.

Sus discos últimos han pasado desapercibidos por estos lares, pero siguen siendo una dada desdeñable colección de contagiosas, bailables y simpáticas canciones, que en directo, muchas veces, no han sabido sacar el jugo ácido y juguetón que tienen en los discos. Y esa distancia con el público afecta al resultado del conjunto.

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El atípico grupo, que en directo suena mucho más guitarrero (con cuatro guitarras en juego, batería, teclados y el omnipresente sitar), matiza la nombrada psicodelia de sus temas. Dieron, así, una mayor guerra al rock (también psicodélico, como no) que se traduce en una consistente propuesta de sus canciones en vivo, que van desgranando con un sentimiento homogéneo (como si no quisieran dar prioridad a ninguna de sus canciones especialmente). Clasificaron esos temas entre el pop de letras dulces y voces pregrabadas (coros y sonidos), donde “Who fingered Rock ‘n’ roll” podría haber sido mucho más juerguista en vivo y “Judy sucks a lemon for breakfast”, que sonó bastante atrayente, si no es la mejor banda sonora para un anuncio de “choco krispies”, lo sería para un ajuste de cuentas entre el pasado y el mejor presente que esta banda pueda ofrecer en directo.

Les faltaba un pelín para, por una parte ganarse al público y por otra, los argumentos suficientes que justificaban lo escuchado en sus discos. Pero no terminaron de cuajar sus canciones en vivo, aunque sí se les notaba sobradamente competentes sobre el escenario (a destacar la labor de teclados) a la hora de defender con justicia unas canciones que les han hecho diferentes, sugerentes y suficientemente curtidos a la vez que originales en unos trabajos de estudio que han merecido mejor suerte.

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Martes. Frío y lluvia incesantes en el foro. Tal como pinta lo menos apetecible es salir de casa para ir a un concierto. Siempre he sido de la opinión de que nunca hay que poner peros a ciertas situaciones, da igual que sea entre semana y al día siguiente haya que trabajar. Si tu cuerpo te pide un mínimo de acción, aprovéchalo! Ya habrá tiempo para descansar y rendir cuentas; además, si la ocasión lo merece la recuperación llega mucho antes.

Ante esta “terrible” diatriba me presenté en la Sala Siroco para ver -y después redactar- mi primera crónica para todos los que gusten de estos ritmos tropicales, calurosos y sensuales como ya sabéis, aunque Beatdown sean de Canadá y Upsttemians de Majadahonda -ya me diréis el clima tropical que encontramos por esas latitudes…-. Es lo más bonito del reggae y del ska, su calor traspasa todo tipo de fronteras e inunda de sudor pegajoso todos los rincones.

Por problemas de tiempo de unos de los miembros de los madrileños -¡Ay Javi, el trabajo es un sin vivir!-, comenzaron primero los canadienses Beatdown

Era la segunda vez que se dejaban caer por aquí. El año pasado vinieron con su alter ego One Night Band, cuyo disco Hit & Run fue de lo mejor que se pudo escuchar en el 2009. El concierto fue tremendo. La verdad es que no encuentro la diferencia entre un grupo y otro, me comentan que ahora machacan más con el reggae pero la única distinción que encuentro es que ayer no llevaban vientos. Sin duda para hacer este tipo de música, sobre todo ska, hay veces que no son imprescindibles, basta con tener buen gusto. Asunto fácil de decir pero difícil de conseguir.

Siempre desde su base reggae, algo más sucio (término acuñado por los grandiosos Aggrolites) y crudo que el tocado por ONB, se subieron a las tablas para presentar las canciones de su nuevo maxi cd, titulado también como el nombre del grupo. Tras unos primeros temas de reggae machacones y garajeros – para que nos entendamos todos- y con un sonido bastante bueno , llegaron los calores directamente desde Jamaica, sobre todo al guitarra de bajos, el pequeño Pascal Lesieur, que no paraba de moverse ni un instante. Sin abandonar nunca la isla se trasladaron al lejano Oeste para tocar una de las canciones que más me gustaron de su actuación, Some Say, Western Surf de tablas y pistolas que guardarían por algún bolsillo del bañador. Con Get Ready y su riff del equipo A (¡qué importante es tener dos guitarras!), ya tenían a todo el público metido en el bolsillo – ¿donde las pistolas quizás?-. Al estilo Ramones fueron vomitando sin parar todos sus temas nuevos, intercalados con buenas versiones como Police & Thieves de Junior Murvin e inmortalizada por The Clash y el archiconocido Shame & Skandal. A diferencia del año pasado, la voz del cantante y guitarra Alex Giguere era más rota y desgarrada -con ONB la voz tenía similitudes con las del mismísimo Víctor Ruggiero de Slackers-, que junto al uso de la armónica, a veces excesiva, eran los principales contrastes respecto a su actuación anterior. Con un temazo rozando el reggae-punk y otro al estilo Clash profundo- canción tranquilota con toques balada dub- se llegó al final de la actuación con una versión de Shanty Town de Desmond Dekker y el principal tema del disco de One Night Band, Wait a Minute -motivo por el que quedé prendado de este grupo cuando lo escuché por primera vez-, un reggae soul macarra con una guitarra espectacular.

Llegó el momento de Upsttemians. Lo de estos chicos no tiene nombre, cada vez tienen más seguidores y, a pesar de los constantes cambios de formación -presentaban cantante y trombón nuevos- su calidad no deja lugar a dudas. Era una noche especial para ellos porque, aparte de sus nuevos componentes, también estrenaban canciones.

Los muchachos están abandonando las raíces skatalíticas para ceñirse cada vez más al universo del reggae y del rocksteady. Sin problemas, porque aparte de su nueva, potente y soulera voz también está Adolfo, con su peculiar voz desgarrada y algo cazallera, y Puras, una gran voz pero al que le falta algo de potencia. Empezaron con un ska clásico y con gusto de cosecha propia –Life is a Good- de su maravilloso segundo trabajo, Turn It Up. Los de Majadahonda saben lo que se hacen, siendo, en mi modesta opinión, de lo mejorcito del panorama nacional. La actuación, por problemas de tiempo, fue algo corta pero intensa. Con la tirada de sus temas nuevos, alguno con influencias souleras, tanto en la voz como los estribillos, llegó el turno de sus hits como la preciosa y sensual So Easy (juraría haber visto a los Aggrolites por la sala…) y la única canción que tienen en castellano, Sin Vos, un bonito rocksteady con una letra maravillosa (todo recuerda a algo…). Llegó el momento de la locura con Adolfo cantando Summer y I Need You Baby, ambos de su primer compacto titulado Upsttemians. Estas dos canciones son verdaderos himnos para todos sus fieles y cada vez que suenan se vuelven locos. Normal por otro lado.

El final de fiesta fue espectacular, con versiones de Alton Ellis, Bob Marley –Waiting in Vain- y de los inigualables Blues Busters con su clásico temazo a ritmo de ska Soon You’ll Be Gone. Buenos compositores, buenos letristas, buenos músicos (Culebra, de los mejores guitarras de bajo que he escuchado en mucho tiempo y Micky, siempre dándolo todo con la percusión) y, sobre todo, buenos tipos. La combinación perfecta para llegar a lo más alto! Seguid así!

Había dejado de llover, perfecto para irse a casa con una gran sonrisa en la cara y olvidando que al día siguiente había que madrugar. Y todo esto por 5 ecus con cerveza! Siento los que no fueron, seguro que su madrugón ha sido menos llevadero y más malhumorado que el mío. Las ocasiones nunca hay que dejarlas pasar, chavales!

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Cada vez más estrellas de Hollywood, sedientas de abarcar todas las variantes artísticas posibles e impulsadas por su gran autoestima, se lanzan al mundo de la canción. Desde Bruce Willis, a Shane West (actualmente en The Germs), o Scarlett Johansson y su pop intimista. Y por supuesto, Kevin Costner y Modern West. Cuando tienes fama y fortuna a partes iguales, es sencillo rodearse de buenos músicos y conseguir bolos y para el señor Costner, a pesar de que no sea precisamente su talento el que lo ha puesto en escena, no ha sido difícil labrarse una discreta carrera musical. Esta fue la primera vez que la versión cinematográfica Eliot Ness viniera a nuestro país para mostrarnos su faceta como cantante y ya de paso, presentar su último disco Turn It On. Y lo que nos ofreció fue un peculiar conglomerado de momentos bastante dignos y otros tantos algo sonrojantes.

Kevin Costner sabe que si logra llenar auditorios es gracias a su fama delante de las cámaras y la curiosidad del público por verle de cerca. Es consciente de que un porcentaje mínimo ha escuchado sus canciones pero no le importa. En realidad, da igual el motivo, lo importante es que le vayan a ver. Y en vista de los resultados, puede darse con canto en los dientes. El Palacio de Congresos de Madrid estaba prácticamente lleno, y teniendo en cuenta el precio de las entradas, desde 36 hasta 150 euros, está claro que es un éxito.

 

La encargada de telonearle fue Sara Beck, una cantante de Tennesse que desde el primer momento me recordó a una Taylor Swift en su versión más sobria. Con un vestido rojo, larga melena rubia y una guitarra acústica se presentó tímida pero sonriente a un auditorio que se iba llenando poco a poco. Sencillez expresada con una voz dulce y melodiosa en forma de canciones como “What do You Want from Me”, “You Let Me” o “Maybe There’s More”. Básicamente, Pop con influencias Country ejecutado con gran sentimiento y pulcritud. Pero convenció, y mucho. Según pudimos ver al finalizar el concierto ella misma se encargó de vender su último trabajo, Music For Lovers & Fighters, y la gente le compró más a ella que a Kevin y Modern West.
Con gran simpatía habló al público en perfecto español, como resultado del año que vivió en Madrid mientras estudió en la Universidad Complutense, y finalmente se despidió con una fantástica versión de la tediosa “Billy Jean”, de Michael Jackson.

 

 

 

Acabada la breve actuación de Sara, se iluminó la sala y comenzó el preludio de Costner y los Modern West. No tardaron en proyectar el currículum cinematográfico de la estrella a modo de introducción. Un video épico, formado por multitud de escenas de las películas más famosas del actor, estuvo acompañado de una banda sonora heroica y apasionada que inundó el Palacio de Congresos. Desde Bailando Con Lobos a JFK o aquel despropósito llamado Waterworld. Caracterizando a un vaquero, a un galán o a un policía. Daban ganas de subirse encima de la butaca y gritar “qué grande es el cine”. Después los focos de luz blanca comenzaron a rasgar el aire como en la entradilla de la 20th Century Fox y una aureola dorada enfocó a un Kevin Costner pletórico. Muy hollywoodiense todo. Tanto que la emoción del momento se entremezclaba con las ganas de echar la raba. Y descendiendo por las escaleras en medio de la aclamación popular y escoltado por un par de gorilas, llegó al escenario, donde pacientemente le estaba esperando su banda. Y comenzó el show. Nunca mejor dicho.

 

Kevin Costner comenzó en esto de la música con un grupo llamado Roving Wood. Desde entonces Robin Hood estuvo acompañado por John Coinman y Blair Forward. Y hasta hoy, porque también forman parte del elenco de Modern West. Desde el primer momento tuvo una flor bajo su respingón trasero y es que uno de sus singles logró incluso llegar a ser número 1 en Japón. Dónde sino. Una de sus canciones se utilizó para un anuncio y el Kevin Rockero triunfó en el país nipón. Estuvo a punto de abandonar la música por culpa de unas cuantas malas críticas, pero su mujer le animó a que continuara. Y así fue.

 

Comenzó el concierto con “Red River”, uno de los singles de su segundo disco, Turn It On. Su música es simplona, como su sonrisa, pero he de reconocer que da bastante el pego. Rock americano clásico con claras influencias de los storytellers sureños, el sonido folk y algo de country. A Costner le gustaría ser John Fogerty o Steve Earle, claro. A mí Michael Jordan. Y la verdad es que quizá sería un poco cruel decir que canta para el cuello de su camisa de modo que no lo diré. Pero está claro que es bastante limitado aunque las voces de acompañamiento le hacen bien la cobertura y el resultado final es bastante compacto.

 

 

 

Mientras tanto el público, mayoritariamente femenino, más contento que unas pascuas. Entre canción y canción se oía a alguna señora gritar “guapo, guapo” y alguna otra, vestida de gala, agitaba convulsamente sus caderas sin importarle lo que estuviera sonando. A la tercera canción el Guardaespaldas de Whitney Houston animó a la gente a ponerse en pie y eso fue suficiente para que hordas de féminas corrieran a la primera fila para ver de cerca al actor. Digo, al cantante.

 

Uno de los mejores momentos de la noche fue cuando Sara Beck, telonera y mujer de uno de los guitarristas, Park Chisolm, saliera para cantar a dúo con Costner “Let Me Be The One”, aunque a su vez la señorita Beck pusiera un poco en evidencia las aptitudes vocales de su compañero de balada. En cualquier caso, éste se esforzó en todo momento por suplirlas con una gran simpatía y derroche de agradecimientos, tanto por la acogida recibida como por “ir a ver sus películas durante todos estos años”. Lo mismo lanzaba besos al público que subía a niñas al escenario para que bailaran con él. Y las madres encantadas, cómo no.

 

 

 

Los Modern West muy correctos. En un segundo plano todos ellos, a excepción del amanerado violinista, Bobby Yang, que pudo lucirse bastante gracias a su destreza y finura con el violín. El resto, a pesar de ser cuatro guitarras, no hacen gala de mucho virtuosismo que digamos, pero dominan claramente la materia. A caballo entre Robbie Robertson y John Mellencamp, consiguen un sonido amable y muy cuidado.

 

Lo que está claro es que algo tuvo el concierto para que la hora y media que duró no se hiciera pesada. Ojo, que tampoco es que se pasara volando, pero la combinación de americana de mediana edad, el desparpajo de Kevin Costner y el peculiar ambiente añejo, a la par que hormonado, lograron amenizar una velada más espectacular, en el sentido menos asombroso de la palabra, que rockera pero muy agradable, al fin y al cabo. No deja de ser un actor interpretando, aunque en esta ocasión lo haga con una guitarra, pero si vuelve puede que vaya a verle de nuevo, por qué no. Eso sí, sólo si promete no volver a versionar “Mr. Tambourine Man“.

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Grupo: Maranges
Título: El baile de los cangrejos
Distribución: Hello cultura
Fecha publicación: 1 marzo 2010
Web: Maranges

Jordi Maranges, ahora en solitario, tras dejar plasmada sus cualidades musicales en anteriores proyectos como “El diablo en el ojo”, del que fue líder, se enfrasca ahora en un proyecto donde la canción de autor bebe de diferentes fuentes, desde el cabaret (“Nostalgia 2” o el catalán apesadumbrado de la magníficamente cantada “La revenja de d’ una estrelle”) hasta el western saltarín de “El baile de los cangrejos”, donde parece acercarse peligrosamente a Enrique Bunbury, para definitivamente alejarse de modelos preestablecidos, donde las melodías cambian para no desfallecer y hacer vibrar un conjunto que pueda lucir con igual esplendor que lo entregado por otros tantos de los cantautores nacionales. Porque no existe comparación posible que haga desfallecer el nuevo proyecto del catalán y marcha por senderos más complejos en cuanto a arreglos y el tono contrariado de lo que dirige la narración de su voz, siempre cercana a la sensación de estar contando un cuento, a veces desconsolado y otras más positivo, dando eficacia al conjunto de sus composiciones, armadas siempre de una carga de amarga ironía.

Destacan las rimas de muchas de sus canciones, notables muestras de talento a la hora de transmitir sensaciones que acompañen su voz, unas veces melancólica (“No queda luz por encender ni dardos que seguir lanzando”, canta en “Mi corazón no es un motel”, arropada por una bruma de ecos en las voces y letras que hablan del abandono y las promesas incumplidas: “todo está igual pero cambiado, como una habitación de hotel”) o reflejadas por unas letras con mayor carga de luz. Utilizando también el susurro para hacer cambiar el tono, Maranges tantea diversos géneros que engarzan sus canciones, llevadas todas por un halo de decaimiento que se deja conducir por la orquestación que estalla en varios de sus temas. Sin abusar en esconder los instrumentos en una voz que quiere contar el peso de la memoria y los personajes trascendentales y carismáticos (Lili Marleen, Clark Gable), arropa lo que narra con cálidas notas que hablan de sombreros de plumas, de luces que no quedan por encender y sueños pasados: todo encendido por la imagen del recuerdo, que planea como constante en todo el álbum.
También ha dejado un hueco para el pop juguetón de “El rey de los disfraces”, donde habla de colores, de anchos mares de dudas y frías palabras, en la que, para el que esto firma, es la mejor canción del disco.

Magos que roban el corazón, anuncios de neón, lunas, ilusionistas y reinos de sirenas pueblan como habitantes inciertos las letras de este trabajo.

Es cierto que, a veces, no consigue rimar sus frases con igual éxito o lo que cuenta confunde (“yo volveré a darte mi vida y tú a coserte otro botón” o “sabes que a mi modo te he querido, niña de pelo blanco y naufragios consentidos”) o desconciertan sus cambios de ritmo, pero lo saca a flote con un esfuerzo creativo digno; ocurre en la citada “El baile de los cangrejos”, salvada por un poderoso final.
Y atentos a cómo en directo puede presentar todas estas canciones; que se puede hacer mucho con lo que Maranges ha desenterrado de sus cuentos mágicos. Como dijo Jacques Brel, « Le talent, c’est d’avoir l’envie de faire quelque chose », es decir, « El talento son las ganas de hacer algo ».

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