Sencilla pero a la vez compleja, Maria de Medeiros enarbola la pasión interpretativa convirtiéndolo en una muestra de comunicación sin parangón. “Pájaros Eternos” contempla estas y otras muchas razones siendo el primer disco donde la propia artista compone por primera vez. Atrás quedaron “A Little More Blue” y “Penínsulas & Continentes” como primeros fragmentos de una historia común entre seres humanos. Ahora “Pájaros Eternos” será la creciente genialidad de música e interpretación. El próximo día 7 de Febrero María de Medeiros actuará en Madrid dentro del Ciclo Madridpresenta 2012. De obligada asistencia.

Maria, este es tu tercer disco pero sin embargo es el primero en el que compones. ¿Estaríamos hablando de un reto personal o de un reto profesional?
Sería un reto tanto personal cómo profesional, porque siempre acabo poniendo mucho de mí en mi actividad profesional. Sin embargo, no sé si se puede hablar de un reto, lo que implicaría que hubiese decidido fijarme un objetivo y hacer todo para llegar a él. Más bien creo que las obras artísticas llegan cómo los niños, por milagro y cuando tienen que llegar.

Normalmente hay quien prefiere cantar (o interpretar) composiciones ajenas por permanecer en una cierta comodidad. ¿Te ha resultado tan complicado como para demorar el tiempo establecido con el trabajo?
Tengo un respeto enorme por los grandes escritores y escritoras de canciones. Una hermosa canción es algo que marca nuestras vidas, se vuelve una referencia. Quizás por eso preferí, con toda la debida modestia, empezar por ser una interprete, que es lo que soy y es algo que me encanta hacer. Creo que en cada intérprete hay una parte de creación y al mismo tiempo es bonito ponerse al servicio de una obra ajena.

Además, supongo, que habrás tenido una presión extra que te intimidaría de alguna forma al tener presente el talento de tu padre (y su figura). Como diría el dicho; “de casta le viene al galgo”.
Es verdad que el hecho de que mi padre, António Victorino D’Almeida, sea un gran compositor y alguien cuyo trabajo admiro profundamente me ha intimidado bastante. Quizás también por eso tardé en lanzarme a la aventura de componer.

Estamos hablando de un título que, según tus palabras, muestra de alguna manera la imagen de un pajarillo ágil que se vuelve vulnerable entre las garras del hombre. ¿Es “Pájaros Eternos” un álbum idealista?
Creo que siempre hay una parte de idealismo en las obras artísticas y quizás más hoy, que la actividad cultural se encuentra tan fragilizada por la crisis. Hacer una película, escribir un libro, pintar un cuadro, grabar un álbum son siempre formas de comunicarse espiritualmente con otros seres humanos, para lo mejor o lo peor.

Y más idealista que la religión no hay nada, ¿verdad? De ahí también que se figure el Espíritu Santo o la paloma de la paz.
Mi convicción es que la religión es algo mucho más práctica que idealista. Es una forma muy terrenal de canalizar las aspiraciones místicas de cada uno y desde mi punto de vista, pertenecen más al dominio íntimo que al colectivo.

La Paloma de la Paz y el Espíritu Santo se me plantean cómo imágenes de lo que serían Pájaros Eternos, o sea algo que sólo puede existir en un terreno de símbolos, de ideas.

Aunque –no sé si por naturaleza- el rencor se erige como algo eterno en el hombre.
Si hay algo de eterno en el “hombre”, que no sea el rencor.

No obstante se trata de un LP muy optimista, al menos así denota el texto de ‘Nace el día en la ciudad’. ¿Es el costumbrismo una manera de ver las cosas desde un punto más optimista habiendo evitado temas más triviales o complejos?
Veo las canciones del disco cómo “fotos”, instantáneas de momentos vividos, unos más diurnos, otros más nocturnos. ‘Nace el día en la ciudad’ es un retrato del amanecer en una de nuestras grandes urbes, en una realidad cotidiana, compleja, contrastada, que se debate con la crisis.

¿Habrá espacio también para el pesimismo?
Más que optimista o pesimista, creo que este conjunto de canciones es un trabajo contemplativo, una forma de mirar el mundo, cómo cuando me sirvo de una cámara.

Pero hay que apuntar que de la canción ‘Nace el día en la ciudad’ (composición de Raimundo Amador a la cual tú pones la letra) sale la idea de “Pájaros Eternos”. Realmente me pregunto si todo el repertorio gira alrededor de esa canción.
La primera canción que compuse para este álbum fue música sobre un poema de la gran poetisa portuguesa Sophia de Mello Breyner, que admiro profundamente desde mi infancia.

El poema se titula “Por delicadeza” y es un homenaje al poeta francés Arthur Rimbaud, que también amo.

La segunda canción, fue un fado intitulado “Se é fado, clama a melancolía”. O sea que, sin decidirlo previamente, de una forma espontánea, empecé por mis orígenes: la lengua y la música portuguesa.

Incluso las dudas me asaltan al pensar en la fragua original de “Pájaros Eternos”. ¿Sin ‘Nace el día en la ciudad’ (u otras canciones) existiría este nuevo disco? De hecho lo hemos hablado, el título es parte de la letra de la canción.
Rápidamente empezaron a surgir homenajes, guiños, referencias a todas las músicas que me gustan: la Bossa Nova, el Flamenco, el Jazz, la Salsa o a un Rock muy minimalista cómo el que hace el Legendary Tigerman con quién he grabado dos temas.

Formulo esta cuestión porque tengo la sensación de que primero nacieron las canciones y después continuaste animada por los frutos del trabajo hasta completar una colección de canciones completa.
Y así llegué a esta colección de canciones, muy diferentes entre si y sin embargo fruto de una misma mirada hacia horizontes distintos.

Antes hemos comentado lo de la composición propia. Hay ocho temas inéditos y dos versiones. Amén de haberte acompañado por Raimundo Amador o por The Legendary Tigerman. ¿Qué has visto en estos dos músicos que te pudiera ayudar en este proyecto?
Admiro mucho tanto a Raimundo Amador cómo a Legendary Tigerman, con quién ya tuve la oportunidad de colaborar en distintos trabajos. Para mí es un honor y un privilegio enorme poder contar con la participación de ambos en este álbum.

Creo que también ha sido un intercambio de aprendizajes con ellos, ¿no?
Sí, de ambos he aprendido muchísimo. Cada cual tiene un universo muy propio y muy original. Y eso es lo que más admiro en un artista: que tenga su universo particular y que sin embargo ese universo sea poroso y generoso, como es el caso de ambos.

Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas ha tenido que conformar mucho del espíritu que vertebra el long-play. ¿Habría soda “Pájaros Eternos” de haberse grabado, tal vez, en París o Nueva York?
Grabar en el estudio cordobés de Fernando Vacas fue maravilloso. La ciudad no podía ser más inspirante. Y Fernando es un colaborador precioso.

Con The Legendary Tigerman florece ‘Shadow Girl’, tal vez el corte más minimalista, aunque yo observo cierta carga erótica. ¿En lo más sencillo se encuentra lo más seductor?
Sí, muchas veces es el caso. ‘Less is more’ (“Menos es más”) es una de mis brújulas en la creación artística.

Es más, ¿mostrar al mundo un trabajo tan propio y tan personal es como exponerte desnuda (con sus miedos y sus vértigos?
Sin duda, la exposición es grande. Busco no pensarlo demasiado para no morir de vértigo. Pero para mi lo más bonito en el arte no es tanto contarse a si mismo sino comunicarse con los demás.

Y qué mejor vestido o envoltorio que las ilustraciones de Pascal Rabaté y Javier Mariscal. Me parece algo tan acertado que ahora no sería capaz de concebir tu música sin sus trazos. ¿Querías que en un primer golpe de vista la gente relacionara esos dibujos con el disco?
Para mí la música está íntimamente relacionada a la imagen. Desde pequeña dibujo y casi siempre lo hago con música o pensando en música. Cuando preparo mis películas es igual. Por eso surgió la idea de pedir a varios artistas una ilustración para cada canción. Es un inmenso honor contar ya con un dibujo de Javier Mariscal para ‘Nace el día en la ciudad’ y otro de Pascal Rabaté para ‘Shadow girl’.

A título personal te diré que “Pájaros Eternos” resulta ser una especie de película con distintos pasajes y saltos argumentales. ¿Para interpretar o cantar hay que ponerle mucho de actor?
Gracias por la interpretación. Mi formación es la de una actriz. Estoy aprendiendo mucho, cada día, en la música. Pero claro, intento aportar a cada canción una sensibilidad de actriz.

¡Sin olvidar que hay canciones en varios idiomas! Muy bonito pensar que un hombre italiano (por ejemplo) se sienta identificado con una canción en inglés o en español.
Cambiar de idioma es mi realidad desde la infancia, algo que se ha vuelto muy natural para mí. Así, fue de forma espontánea, surgieron canciones en portugués, en inglés, en castellano… y también en italiano, porque tanto a Legendary Tigerman como a mí nos encanta “24 Mila Baci” de Adriano Celentano.

Todo esto mientras que entre España y Portugal, siendo vecinos, hay poco conocimiento el uno del otro. Bueno, siempre nos quedará el “método contemplativo” frente al ignorado. ¿La música como arma de acción (“A Little More Blue”) o como fomento del sentimiento fraternal?
Las dos cosas, seguramente. Y tengo que agradecer al público español el gran cariño con que acoge a los artistas portugueses. Hay poco conocimiento, es verdad, aunque depende de las áreas. Pero del lado español hay más curiosidad, y eso se agradece.

Finalmente, tras “A Little More Blue”, “Penínsulas & Continentes” y “Pájaros Eternos”… ¿queda siempre algo por contar?
Sí. Y mucho por aprender.

Artista: Alicia Alemán
Título: La Suerte
Sello: Rosevil Producciones
Fecha de publicación: 2011
Más información: http://www.myspace.com/aliciaaleman

Listado de canciones:

Estoy en ello
Los sonidos del agua
Dibujando puertas
La suerte
En el borde
Temblor
Humo
Piedras o flores
Por el aire
Abismo

Russian Red es más que el punch del boxeador crítico. La “máscara” de Lourdes Hernández se encuentra pasando un episodio bastante conciliador con la honestidad, tanto en su música como en su presente. Tras haber editado “Fuerteventura”como segundo LP, Russian Red es ahora el móvil que va de país en país entreteniendo a quienes buscan coherencia.

No sé si felicitarte por “Fuerteventura” o por la gira que ha venido después.
Ten en cuenta que grabar el disco es un proceso precioso, pero al final es una cosa que concluye en cosa de dos o tres meses como mucho. La gira es algo que se prolonga mucho más en el tiempo y que además da muchas más vivencias porque no paras de viajar por un montón de sitios, conocer gente… entonces realmente te encuentras con un estilo de vida totalmente distinto a lo que es otro trabajo y en concreto a lo que es ser un músico. Disfruto mucho de los dos, pero puedo decir que el segundo se acerca más a mi realidad.

¿Serías capaz de hacer giras y giras sin tener que grabar un disco?
Pues sí, la verdad. Aunque eso es lo que hacen la mayor parte de los músicos que van creciendo de a poquito. Hombre, lo que ha sucedido en Asia ha estado muy bien, pero en el resto de territorios vamos haciendo pequeñas incursiones para ir confirmando lugares y demás. Pero en verdad se viaja a pequeña escala. En España sí que se puede hablar de una segunda gira, como la que vamos a hacer ahora de repesca pasando por ciudades en las que hemos estado y en las que no. Además pudiendo vivir de esto, que es una maravilla. Fuera de España ya es de otra manera.

Bueno, no sé si tienes mi misma percepción, pero grupos que en España son de “primera división” fuera se quedan en “segunda división”.
Pero son grupos que en Latinoamérica son bastante grandes. Aquí lo fundamental es el idioma…

Pero te hablo de países de idioma anglosajón…
Entonces sí. Es complicado entrar en ese tipo de mercado porque ellos ya tienen su propia música y sus propios grupos, como nosotros tenemos los nuestros. Habiendo eso es difícil entrar ahí. Mi aspiración nunca ha sido la de ser de esa especie de mitos, sino que mi inspiración ha sido la de poder viajar y tener un público aquí y allá pero sin que sea excesivo.

Por ejemplo, esta gira de Octubre que hicimos entre Europa y Asia se veía muy bien ese contraste. De repente tocabas en Rótterdam una noche con sesenta o setenta personas viéndote en un garito pequeñísimo que estaba enfrente del hotel donde nos quedábamos. No veíamos más calle que esa y el concierto era como un secreto entre nosotros. La manera de experimentar eso es algo que no quiero perder nunca. ¡Ojalá pueda seguir tocando en sitios pequeños donde eso sea el concierto de una noche! Después iba a Japón y tocaba en un sitio más grande generando otro tipo de ánimo. Me gusta tener esas dos cosas y creo que es posible.

De hecho has dicho que no haces cultura, sino entretenimiento.
La cultura pop es algo que está al márgen de la cultura en general. Yo no puedo colocarme a mí misma en ese nivel de cultura. Yo hago canciones desde la importancia de hacer algo con sentimiento. Y ya está. No hago canciones con un background o una pretensión de peso. Por eso creo que la cultura es otra cosa y creo que también hay que ser muy brillante y ser un intelectual en toda regla para poder hablar de esas cosas.

¿En ese sentido no te consideras una intelectual?
En música no. Ni soy intelectual ni tengo pretensiones de serlo. Un intelectual de la música es un tipo que tiene carrera de piano, que sabe escribir música y que tiene un conocimiento amplísimo e histórico. Alguien que domina la música en todas las esferas y en todos sus ambientes. La música que yo consumo y la que hago es puro entretenimiento… aunque me hace sentir feliz. Es que no tiene nada que ver. Un tipo de música u otra te puede elevar, pero ya depende de ti lo mucho que te pueda elevar esa música.

Tal vez la vertiente de pop femenino en España está un poco denostada y hasta manida, diría… No se le tiene el mismo respeto que se le tiene en sus respectivos países a Laura Marling o si prefieres un ejemplo mayor, Joni Mitchell.
No sé, en Reino Unido hay una escena de música de grupos de todo tipo que generan esa escena y ese relevo (dependiendo de la generación). En España hay música, pero es todo como mucho más ecléctico. No hay una escena real; está la música supercomercial o la música más indie. Dentro de la música supercomercial hay muchos tipos de música, pero sí es verdad que dentro de la música indie hay una conexión entre las bandas, aunque no tiene la misma repercusión que en Reino Unido. No creo que se nos respete menos, creo que simplemente aquí la manera de vivir la música es distinta. Eso repercute en la atención que se le pone a cosas como las que podemos hacer La Bien Querida o Alondra Bentley con respecto a lo que hace Laura Marling o grupos de esa escena.

¿Sería entonces mejor el conflicto que la indiferencia?
Sí. Yo soy de las que opinan que resulta más interesante el personaje controvertido que el personaje que me deja indiferente. Me atrae más una persona que genera contenidos porque deja ver que tiene un mundo interno. Además de que así genera también un choque de opiniones.

¿Independientemente de la música?
Te hablo de cualquier tipo, alejado de la música, sea cine, fútbol, literatura o música.

En “Fuerteventura” se puede percibir un aire algo distinto a las demás canciones de este disco o de “I love your glasses”. Te hablo de canciones como ‘January 14th’, ‘Everyday, everynight’ o ‘Mi canción 7’…
¿Dices que si pueden dar la pista para un tercer disco?

Sí. Estas, en concreto, son mucho más movidas.
Bueno, mi música no camina hacia algo más movido. Siempre se va a mantener en unos tempos determinados. Creo que mi canción representa más a ese tipo de música más oscura y que suelo hacer porque también las había en el primer disco, como ‘Hold it inside’ o ‘Walls are tired’. ‘Everyday, everynight’ representa todo lo contrario; canción a medio tiempo, más abierta, muy amable al oído… Pero esos parámetros van a ser los que marquen mi estilo.

¿Y para el tercer disco no hay nada?
De momento sí. Tengo cosas. Estoy trabajando más con el piano y con la guitarra eléctrica. Son dos elementos que no tenía en mis discos anteriores porque siempre lo hacía con las acústicas o estrictamente con la voz. Ahora tengo otros instrumentos y el mismo sonido que desprenden te llevan por melodías distintas.

Si no me equivoco… era Charlie Bautista quien se ocupaba del piano, al menos en “Fuerteventura”.
Sí. Fue fundamental.

Mientras que en “I love your glasses” había cosas que no te gustaron nada.
Básicamente era una cosa que veía como estaba ejecutado aquello. Me cuesta escucharlo, simplemente. Supongo que tampoco correspondía a lo musical, sino que también a lo temporal, como el momento que yo atravesaba o algo. Al final con esas cosas no nos paramos a pensar el calado que tiene todo lo que está sucediendo y todo lo que estás viviendo mientras grabas esas canciones. Luego las escuchas y ya no sientes lo mismo. Sin embargo, con “Fuerteventura”, sí estaba en un momento increíble y muy dispuesta a todo, pues estaba rodeada de gente generosísima con un gusto musical increíble. Todo eso se refleja en el disco, por eso cuando lo escucho lo siento.

Por lo tanto… ¿“I love your glasses” sería como el álbum de fotos del instituto del que uno se avergüenza por las pintas que llevaba?
(Risas) Bueno, es una manera de verlo.

Noto también cierto paralelismo con Nick Drake. Además de que tienes una canción titulada así. Sus letras oscuras lo llevaron a un destino… pero claro, no puedo llamarte la “Nick Drake española”.
Hombre, su música es mucho más elaborada y mucho más oscura, en el buen sentido. Por otro lado, él tenía un lado muy dark que al final se vio por dónde lo llevó. Pero para nada me siento así. Son los elementos de los que te hablaba al principio; hay mucha melancolía y mucha nostalgia pero siempre con una puerta a la esperanza.

Y nada mejor que hacerse fuerte frente a las contrariedades.
Sí, la verdad es que sí. Ha sido algo que siempre he tenido claro desde pequeña y además he crecido buscando la compensación, para bien o para mal. Si sucedía algo bueno esperaba a que sucediera algo malo para que estuviera todo en equilibrio y me pudiera quedar tranquila.

El Karma, ¿eh?
Supongo, sí (carcajada).

Teniendo claro que basas tu forma de trabajar en la coherencia además de en la honestidad.
Pues sí. Son dos grandes valores de la música. La honestidad tiene que ser de verdad, tienes que intentar tener la fuerte necesidad de hacer una canción auténtica, porque, para empezar, la estás haciendo para ti o a las personas a las que vaya dirigida. Y luego está la coherencia, porque si no te lo crees tú no se lo va a creer nadie.

¿Y no te encuentras en conflictos interiores por exigirte cierta coherencia y eliminar canciones que no te creas?
Bueno, al final siempre se puede encontrar el hilo conductor. Al principio en “Fuerteventura” veía que las canciones eran muy diferentes de otras y que aunar todo eso -sónicamente hablando- en un disco iba a ser complicado. Pero al final sí que se puede si empiezas a investigar. En mi caso siempre estaba obsesionada con que fueran las voces habiendo trabajado en las maquetas con todos los coros y las armonías. Ahí fue cuando pensé en que aquello debía ser el hilo conductor del disco.

¿Cómo en una película?
Todo necesita un hilo conductor.

Artista: Nando Caballero i L’Orquestra del Llanero Solitari
Título: Dolors i Maldecaps
Sello: La Produktiva Records
Fecha de publicación: 2011
Más información: http://www.laproduktiva.com/nando/

Listado de canciones:

L’home gris
Nit de Sant Joan
Molt bo
Acord gallina
Arbre amb plomes
Moleskine
Una cançó d’amor més
Dolors i maldecaps
Els patis de l’extraradi
La vaca de l’ull cluc

Con las elegantes canciones de Emma-Lee Moss, SON Estrella Galicia, de un fogonazo, abrió las puertas (a lo grande) para iniciar su etapa de exquisitos directos en el remodelado Teatro Lara en el presente año, ahora también ampliando su programación al madrileño Café Berlín. La sensatez en lo ecléctico de su programación reúne a un público muy diverso, siempre atento al grupo presentado y el encanto del recinto. Todos sus interrogantes acerca de lo arriesgado de estos directos se desdoblan en exclamaciones que concierto a concierto siguen sorprendiendo. Y atentos a lo que queda por llegar este año, que no es poquita cosa los artistas que se nos vienen encima. Han pasado por el Teatro Lara, desde Javiera Mena hasta Scott Mathew, ahora quedan Damien Jurado, Tinariwen, Cass McCombs, Robyn Hitchcock y Tindersticks. Ahí es nada. Nacho Vegas lo hará en Galicia. Maika Makovski en Valladolid, Bigott en Ourense y Manos de topo en Valladolid y también en Galicia.

Por eso, el público que se acercó a una desconocida en nuestro país, Emmy the Great, pudo disfrutar de lo que pudo ser y fue: un delicioso concierto, donde esta artista, con sólo dos acompañantes en el escenario, no presentó linealmente las canciones de su último “Virtue” sino que dio un recital de cómo con sólo tres álbumes de estudio (no olvidar su navideño “This is Christmas” publicado en noviembre pasado junto a Tim Wheeler) se puede uno quitar el sombrero, darse la vuelta y reverenciar lo que se le está presentando.

Y a pesar de que los interrogantes surgen de forma inexorable: ¿cuántas cantantes de folk-pop existen en el panorama actual?, ¿en qué se diferencian unas de otras?, ¿cuántas copian un pasado de country-folk, se arriman al antifolk más o menos despojado de adornos instrumentales (cuerda, viento, guitarras,etc), o al folk-pop más arrinconado en versos traviesos, pegadizos o aniñados?, en la distinguida diferencia está la causa de la lógica de un trabajo bien hecho. Y en eso consistió la noche madrileña de Emmy the Great. Todas las preguntas abiertas, las cierra Emma-Lee Moss de un portazo. Entrábamos en el terreno de lo irrefutable; lo acuoso del bajo, la voz aterciopelada y los arreglos estaban en su sitio. Y las canciones estaban medidas con tanta mesura como precisión, sobre todo enfundadas en la voz de esta cantante, con unos tonos agudos que casi cortaban la respiración.

Nada más lejos de la realidad. Huye de los estereotipos que puedan hacer de su folk confesional una filosofía más remarcable que el poder de sus canciones y el magnetismo de su voz. De ahí que si bien, el arranque de su concierto, con la religiosa “Eastern María” pueda esperar un concierto místico, el mapa y el territorio (como diría Michel Houellebecq, no comparto la pasión de la cantante por Jonathan Franzen…) de sus canciones dista mucho de ser trivial y poco destacable. Porque eleva el poder de sugestión de sus canciones mucho más allá de lo que se escucha en sus discos de estudio.

No es de extrañar que ahora mismo se encuentre escuchando las letras del genial Jarvis Cocker y Fever Ray: de lo brillante del pop del primero hacia la oscuridad electrónica de los segundos. O que haya colaborado con Noah and the Whale, Fatboy Slim o el gran Darren Hayman (¡qué espléndido su último álbum, por cierto!), y Simon Raymonde, de Cocteau Twins. Por eso dice escuchar a los artistas pop que llevan las cosas a nuevos lugares en sus momentos más extravagantes, y su música va de lo más sencillo hacia letras pintorescas, que huyen de lo estereotipado.

La compositora hongkonesa de tan sólo 27 años de edad, afincada en Londres y anterior miembro del grupo de Indie-folk Lightspeed Champion, tiene mucho que dar a la escena folk-pop ( o como queráis llamarla) actual y puede darse la mano e ir acompañada a la altura de Kate Nash, Laura Marling, Laura Veirs y tantas otras compañeras de reparto. Y sin que nadie se asuste por las comparaciones.

Las bandas, como muchos noviazgos, se las prometen muy felices al principio. Está bien montar el grupo con los colegas y hacerse un par de galas mal pagadas (si eso) por algún garito para que vayan los familiares y féminas del lugar. Pongamos que, en caso de una subida por un pelotazo one-hit-wonder, la banda toca en lugares un poco más decentes y despuntan un poco más. Puede ir mejor y el auge de la amistad se asemeja a cuando el alcohol hace efecto un viernes cualquiera entre los amigos (y ninguno pilla).

Los grupos nacen, crecen y mueren, pero durante su vida pasan momentos cruciales que marcarán la diferencia entre sus componentes. Para empezar, ¿Cómo se define realmente al líder de una banda si –supuestamente- están todos bajo un mismo nombre siendo iguales (en teoría)? ¿El que canta? ¿El que compone? ¿El más veterano? ¿El más guapo? ¿El que ha fundado el conjunto? ¿El que tiene los derechos del nombre? Hay casos en los que todos esos factores han coincidido, pero en el grueso de conjuntos se deberían preguntar este tipo de cosas. Bien. La banda, al comienzo, vota todo de manera democrática o por un consenso. Por todos es sabido que el sistema democrático es la razón de la mayoría, ergo las minorías tienen que aguantarse y tragar. Tal vez las primeras veces los miembros del conjunto en cuestión aguanten, pero la paciencia tiene un límite y los malos días hacen mucho también. Hay grupos que terminan firmando las canciones de manera conjunta y los hay que cada canción tiene su verdadero compositor. Tras varios EPs, maquetas, singles y un LP de cierto éxito, ciertos músicos miran sus cuentas corrientes y reparan en que no todos ganan lo mismo:

-Oye, ¿por qué yo no gano tanto como tú?
-Fácil; pues porque yo compongo y tú te limitas a tocar.
-¡Pues no es justo!

Por ahí empiezan muchas rupturas y peleas que duran años y años. Los roles entre los músicos de una misma formación están muy marcados y a veces asumidos, pero esto cambia cuando no todos son tan iguales como creían. Realmente una canción nunca va a ser compuesta exacta y escrupulosamente por igual entre todos debido a que siempre hay un pequeño porcentaje más alto que el resto. Uno puede llevar la letra, otro las melodías, el de allá las bases y aquel se encarga de los arreglos. ¡Ojo! Que no tiene que ser así por fuerza, pues en cada canción la forma de composición varía pese a que el porcentaje nunca es el mismo. Habría que añadir también la predisposición al trabajo encontrándose al que se lo toma más en serio y al que después de la gala prefiere estar ligando. Nótese estas actitudes en los ensayos teniendo al que no falta nunca y trabaja cual esclavo contra el que pasa de ir porque prefiere hacer macramé y eso es una pérdida de tiempo. ¿Quién, entonces, debería cobrar más ahí?

Otro punto a tener en cuenta es el trabajo y la evolución. Está el miembro que dicta en las composiciones marcando un estilo sin dejar que los demás aporten ideas por muy buenas que sean. Luego hay quien deja que de vez en cuanto otros compongan y aporten ideas. Pero vuelven las proporciones y porcentajes.

-¿Por qué al final en el track-list sólo hay tres canciones mías de cinco que compuse?
-He decidido que esas queden fuera porque no encajan con el estilo.
-Pero había que darle un giro a nuestro sonido y evolucionar.
-Esto es lo que hay. Hacemos rock and roll, no blues.

Dar el brazo a torcer nunca viene mal en ese sentido. El “compositor-jefe” se levanta de buen humor y decide escuchar las sugerencias e ideas de otro compañero. Este le trae una letra y unos arreglos para montar una canción. Pueden pasar tres cosas:

-Que guste la canción y decidan trabajar sobre la idea.
-Que aunque sea buena no quiere que nadie le pise el liderazgo.
-Que la aportación sea nefasta pero aun así le den varias vueltas para comprobar que es tan mala como parece o que de la sorpresa al dar un giro.

Sea como fuere van a terminar mal sí o sí. Llega el día en el que al que ofrece la idea le sienta mal el rechazo de la misma o que el “compositor-jefe” pasa de escuchar más propuestas que no salgan de su mismísima cabeza. Las influencias son muy dispares y los músicos son cada uno de su madre y de su padre aunque al formar una banda tengan algunos nexos comunes. La evolución es un paso natural que determina el crecimiento de las aptitudes y actitudes por distintos caminos. El primer disco marca mucho la trayectoria del grupo, son las canciones más auténticas, hechas con todo el tiempo del mundo, sin presión de una compañía, pues un sello marca un tiempo determinado para componer, y ahí también se determina bastante la trayectoria que va a seguir la banda, bien por las modas o por “lo que digan desde arriba”. En este caso se verá la personalidad de la banda y la integridad de su obra frente a los intereses comerciales de su disquera. Hay muchos factores que al principio pueden marcar en el futuro… Ese primer paso que sonaba más crudo pasa a ser más pomposo en el segundo dando lugar a una sobreproducción en el tercero que, casualmente, arrasa en las radiofórmulas y da tanto dinero y tan buenos resultados que el siguiente y cuarto plástico es muy similar, provocando que los siguientes trabajos carezcan de personalidad llegando así al estancamiento y una desazón común que al final termina pro ser lo único que una a cuatro tíos que no se aguantan tras más de veinte años de convivencia.

-¡Teníamos que haber seguido por la vertiente blues!
-Pues no, lo mejor era haber echado al productor porque mi bajo ni se escuchaba.
-Yo creo que mi idea de meter más guitarras era lo mejor.
-Ya os dije que las programaciones no iban a funcionar…

Y si la cosa pinta en bastos, se le puede añadir al teatrillo un mánager/colega/novia tocapelotas para hacer leña del árbol caído:

-Esto os pasa por no haber hecho caso a Fulanito, que es mi novio y muy listo y los demás no sois más que una panda de fracasados.
-Oye, aquí el fracasado es tu pagafantas, que por cantar se cree el mejor mientras yo compongo.
-¡Eh! ¿¿Y yo?? Curro como un cabrón con las melodías.

El dinero, los egos, las competencias y el pisarse el terreno conducen a la ruptura. Con este tipo de situaciones pasan cuatro cosas:

-Que el grupo se disuelva y cada mochuelo a su olivo.
-Que el cantante monte una banda por su cuenta y el resto haga su vida en solitario.
-Que uno de los componentes se quede con el nombre y contrate a cuatro mercenarios en un intento de relanzar el grupo.
-Que cambien de cantante directamente.

Es en ese punto donde se demuestra realmente quien tenía talento en esa sociedad. Ya puede ser uno muy guapo y tener mucha presencia que sin talento no se va a ningún lado. Por ejemplo: el cantante se va, bien porque le han echado o porque ha decidido irse por su cuenta y liberarse con otros proyectos. Si es bueno de verdad va a tener una carrera sólida y hasta más larga que la de su banda, aunque siempre tendrá esa cicatriz en su carrera. En cambio se vería también el camino de los demás enseñando que con otro cantante pueden seguir adelante. Los fans, como es lógico, querrán al cantante original y no a un mono titiritero que ni canta igual ni nada. Es evidente que son músicos y aunque uno de los miembros abandone el proyecto común todos tienen derecho a ganarse el pan haciendo lo que hacen, por lo que no debería molestar que sigan caminos diferentes entre el cantante y el resto. Pasa el tiempo y el cantante que dejó atrás a la banda ha triunfado y ha crecido de tal manera que el nombre de aquel grupo ya es agua pasada. Por el contrario, sus antiguos “amigos” no se han comido un colín con el nuevo cantante y aunque mantuvieron un éxito curioso tras la escisión, las ventas han caído en picado y por consiguiente son despedidos de la discográfica dando a parar a otros sitios no tan reconocidos.

Evidentemente se puede dar (que se ha dado) el caso contrario, donde el cantante se ha comido los mocos y el resto ha seguido cosechando un éxito arrollador con otro front-man. Importante es saber llegar al listón anterior y superarlo con creces si no se quiere morder el polvo. ¿De qué sirve haber creado un legado mítico si luego se monta una pseudobanda bajo el mismo nombre pero de inferior calidad? Si el vocalista tiene orgullo pasará de lo que fue su pasado de juventud y aguantará carros y carretas haciendo lo que hace aunque sea de un dudoso gusto.

Y si antes se ha advertido de las intenciones de los A&R, directores y demás fauna discográfica por cambiar el sonido inicial, también sería de menester tener presente que detrás de algunos intereses económicos se esconde el plan de influir negativamente entre los componentes para que terminen peleados, disuelvan el conjunto y el vocalista termine en solitario lanzando un disco con esa mismo sello en un alarde de estrategia comercial.

Pero puede tragarse ese ego y volver con el rabo entre las piernas al redil tras haberse desfogado con una serie de trabajos experimentales que no le han llevado a ningún lado. Es como el amigo que un día se echa novia y se olvida de la pandilla. Tarde o temprano discutirá con su pareja y lo dejará, volviendo así otra vez con sus compadres. Bastante común, ¿verdad?

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Noche de grandes conciertos en Barcelona. Me gustaría poder escribir aquello de 2 por el precio de 1 pero en realidad se trataba de 2 por el precio de 8 o, para aquellos que gusten de títulos más cinéfilos: ‘La noche de los sombreros’. Los había más elegantes, de tocado masculino norteamericano años 20 con descendencia flamenca, y los había fronterizos, con esencia a cantina, tequila y desierto. Y entre tanta tela sobre la cabeza otra tanta en las taquillas pues, ante los malos tiempos para la lírica, los artistas de grandes masas siguen colgando los letreros de sold out pese a que lo realmente out son los precios de sus entradas.

Con lo integrantes de El Barrio sonorizando el espacio abierto del Palau Sant Jordi, Enrique Bunbury aguardaba entre los bastidores del hermano menor del recinto: el Sant Jordi Club. Algún sombrero despistado había equivocado su ubicación realzando aquello de la música fusión, aunque todas las miradas se perdieron entre las cabezas de los más madrugadores cuando la música de espera cesó y la oscuridad apareció para volver a desaparecer entre proyectores y luces de colores. Primero salieron los integrantes de Los Santos Inocentes quienes escudaron la próxima aparición de Bunbury entre las notas de “El Mar, el cielo y tú”.

A partir de ese momento reconozco que, personalmente, mi preocupación por las estadísticas y la economía desapareció con la rapidez con la que se vacía un vaso de tequila. Luciendo un elegante, a la par que rockero, traje negro con llamas de fuego (y admito la contradicción entre elegante y llamas de fuego), el Licenciado Cantinas se puso a currar cómo el gran artista que se sabe. Para aquellos que pudieron acudir al estreno en la ciudad condal del documental sobre el rodaje de su flamante disco, estrenado esta misma semana en uno de los FNAC, el directo se convertía sin duda en esa guinda que dicen siempre decora el pastel.

La enfermedad que obligó al zaragozano a suspender los conciertos de Valencia y Almería parecía totalmente superada. Con viaje directo desde su ciudad natal, en la que había presentado el disco la noche anterior, Bunbury se metió de lleno en su papel de gran estrella del rock, dejándose querer por el público sin olvidarse de quererse el mismo. Entre su repertorio, cómo no, varios de los temas que conforman Licenciado Cantinas así cómo las canciones más populares de sus Hellville de Luxe y Flamingos. Cómo era de prever cayeron: “Sácame de aquí”, “El extranjero” y “El tiempo de las cerezas” entre otros muchos.

Con esa forma tan particular de actuar, a caballo entre Tom Jones y Raphael, con estudiados movimientos y vocalización extrema, Enrique ofreció un directo lleno de fuerza, calidad musical y grandes momentos para la conexión con el público. Para el bis dejó su discurso social, un discurso que, tal cómo él mismo indicó, deberían emplear aquellos artistas con capacidad de llegar a las masas y hacerles plantearse dudas pero, sobretodo, hacerles replantearse la (in)justicia política y social actual. Algo que nunca está de más agradecer a artistas comprometidos porque la cultura no sólo no ha de estar reñida con la realidad existencial sino que ha de focalizar su potencial para denunciarla o plasmarla.

“Al final” puso punto e ídem a algo más de hora y media de un directo que brilló auditiva y visualmente, no sólo gracias a la perfecta actuación de Enrique Bunbury sino a la calidad de los músicos que le rodean. Fuera, continuaba sonando El Barrio mientras que a los pies de la montaña mágica de Montjuïc decenas de salas ofrecían numerosos conciertos de grandes artistas desconocidos a precios que no alcanzaban los 15€. Y cuenta la leyenda que algunos incluso tenían entrada libre.

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Fotos: Señora Candy Killer

Crónica: Raül Ruiz

Artista: Steven Munar and The Miracle Band
Título: Break the rules
Sello: La Produktiva Records
Fecha de publicación: 12 de septiembre de 2011
Más información: http://www.myspace.com/stevenmunar

Listado de canciones:

Ancient Lies
Morning Breeze
Golden Lights
All Kings on Earth
Together
Dignity
Break the rules
Here I Am
Bodies
Took a Train
Troubadour
The Letter
It Is at Nights

Artista: Exxasens
Título: Eleven Miles
Sello: Aloud Music Ltd
Fecha de publicación: 11 de septiembre de 2011
Más información: http://www.exxasens.com

Listado de canciones:

Science will save us
Helios
Constellation
Eleven miles
Baikonur
Eclipse
Rise up
Nebula seven
Casiopea The goodbye song

Reconozco que no soy un fanático ni de sus dos discos de estudio ni mucho menos de sus directos, que me parecen bastante tramposos. Su segundo álbum, “Belong” se me desinfla en cada escucha (sobre todo en su parte final) y lo mismo me ocurre cuando presentan en vivo sus canciones, que me resultan a medio hacer, como si no terminasen de cuajar sus melodías, a pesar de los arañazos de las guitarras y los golpes de efecto en la inmediatez de muchas de sus canciones. Tiran a la manzana pero dan en el tronco. Y sólo saltan astillas en momentos contados de su directo, que no alcanza la altura que se podría exigir a un grupo con un puñado de composiciones que dan para mucho más que esa sensación de dar guerra y quedarse agazapado en la trinchera.

El dream-pop de la voz aniñada de Kip Berman no me lo creo, ni tampoco el noise-pop de lo cristalino y pegadizo que puede llegar a ser un golpe de efecto como “Heart in your heartbreak”. Sueñan a ser grandes en su mundo twee-pop y entregar una fiesta, pero la fiesta es pequeña. Y deseando vestir de largo sus temas se quedan en pantalones cortos.

Pero claro, a las primeras de cambio, cuando suena la canción que abre su último álbum,“Belong”, (de lo mejor que han compuesto hasta la fecha), la gente empieza a menear la cabeza. Y el resto del repertorio, donde no consideran que cambiar las canciones sino pegar el álbum a sus seguidores es su clave de identidad, suena muy evidente; el no querer hacer trampas les delata y el no arriesgarse aún más. No les veo garbo ni gracia y, por esa razón, no me acaban de convencer, lo cual (insisto) no quiere decir que no tengan canciones para hacerlo mucho mejor. Ahí tienen “Come Saturday” para poder demostrarlo. Pero el conjunto suena muy obvio, casi trillado, y sin ganas de sortear ningún escollo. Contaban, además, con la ventaja de jugar con el escenario de la Joy Eslava, donde las voces se escuchan realmente bien. Pero, para su desgracia, aún les queda la mitad de camino, por lo menos, para llegar a ser The pastels.

Para algunos, con sólo dos álbumes de estudio tienen su tierra ganada. Para muchos otros, se han quedado en la Tierra Media, con muchas batallas por ganar y controlar su mundo, y eso que pasean sus canciones por nuestro país cada dos por tres. Pero en directo, a pesar de sus entrenamientos, se quedan muy, muy justos.